Arta - Art

În sensul acelor de ceasornic, din stânga sus: un autoportret din 1887 de Vincent van Gogh ; o figură strămoșească feminină a unui artist Chokwe ; detaliu din Nașterea lui Venus (c. 1484–1486) de Sandro Botticelli ; și un leu Shina din Okinawa

Arta este o gamă largă de activități umane (sau produsele acestora) care implică imaginație creativă și un scop de a exprima competența tehnică, frumusețea, puterea emoțională sau ideile conceptuale .

Nu există o definiție general convenită a ceea ce constituie artă, iar ideile s-au schimbat de-a lungul timpului. Cele trei ramuri clasice ale artei vizuale sunt pictura , sculptura și arhitectura . Teatrul , dansul și alte arte spectaculoase , precum și literatura , muzica , filmul și alte mijloace media, cum ar fi mass-media interactivă , sunt incluse într-o definiție mai largă a artelor . Până în secolul al XVII-lea, arta se referea la orice abilitate sau măiestrie și nu era diferențiată de meșteșuguri sau științe . În utilizarea modernă de după secolul al XVII-lea, unde considerațiile estetice sunt primordiale, artele plastice sunt separate și se disting de abilitățile dobândite în general, cum ar fi artele decorative sau aplicate .

Natura artei și a conceptelor conexe, precum creativitatea și interpretarea , sunt explorate într-o ramură a filozofiei cunoscută sub numele de estetică . Lucrările de artă rezultate sunt studiate în domeniile profesionale ale criticii de artă și ale istoriei artei .

Prezentare generală

Panorama unei secțiuni din O mie de Li de munți și râuri , o pictură din secolul al XII-lea realizată de artistul dinastiei Song Wang Ximeng .

În perspectiva istoriei artei, opere artistice au existat pentru aproape atâta timp cât omenirea: de la începutul anului de arta preistorica la arta contemporană ; cu toate acestea, unii teoreticieni consideră că conceptul tipic de „opere artistice” se potrivește mai puțin în afara societăților occidentale moderne. Un sens timpuriu al definiției artei este strâns legat de sensul latin mai vechi, care se traduce aproximativ prin „abilitate” sau „meșteșug”, asociat cu cuvinte precum „artizan”. Cuvintele în limba engleză derivate din această semnificație includ artefact , artificial , artificiu , arte medicale și arte militare . Cu toate acestea, există multe alte utilizări colocviale ale cuvântului, toate având o oarecare legătură cu etimologia acestuia .

Sticla din secolul al XX-lea, popoarele Twa , Rwanda, Lucrările artistice pot îndeplini funcții practice, pe lângă valoarea lor decorativă.

De-a lungul timpului, filozofi precum Platon , Aristotel , Socrate și Kant , printre alții, au pus la îndoială semnificația artei. Mai multe dialoguri din Platon abordează întrebări despre artă: Socrate spune că poezia este inspirată de muze și nu este rațională. El vorbește aprobator despre acest lucru și despre alte forme de nebunie divină (beție, erotism și visare) în Fedru (265a-c) și totuși în Republica vrea să scoată în afara legii marea artă poetică a lui Homer și râsul. În Ion , Socrate nu dă niciun indiciu despre dezaprobarea lui Homer pe care o exprimă în republică . Dialogul Ion sugerează că Homer e Iliada a funcționat în lumea greacă veche ca Biblia face astăzi în lumea creștină modernă: ca fiind inspirate divin arta literară care poate oferi îndrumare morală, numai dacă acesta poate fi interpretat în mod corespunzător.

În ceea ce privește arta literară și artele muzicale, Aristotel a considerat poezia epică , tragedia, comedia, poezia ditiramică și muzica drept artă mimetică sau imitativă, fiecare variind în imitație în funcție de mediu, obiect și mod. De exemplu, muzica imită cu mijloacele de ritm și armonie, în timp ce dansul imită doar cu ritmul, iar poezia cu limbajul. Formele diferă și prin obiectul lor de imitație. Comedia, de exemplu, este o imitație dramatică a bărbaților mai rău decât media; întrucât tragedia imită bărbații puțin mai bine decât media. În cele din urmă, formele diferă prin modul lor de imitație - prin narațiune sau caracter, prin schimbare sau fără schimbare și prin dramă sau fără dramă. Aristotel credea că imitația este naturală pentru omenire și constituie unul dintre avantajele omenirii față de animale.

Sensul mai recent și specific al cuvântului artă ca prescurtare pentru artă creativă sau artă plastică a apărut la începutul secolului al XVII-lea. Arta plastică se referă la o abilitate utilizată pentru a exprima creativitatea artistului sau pentru a angaja sensibilitățile estetice ale publicului sau pentru a atrage publicul spre luarea în considerare a unei opere de artă mai rafinate sau mai fine .

În acest ultim sens, cuvântul artă se poate referi la mai multe lucruri: (i) un studiu al unei abilități creative, (ii) un proces de utilizare a abilității creative, (iii) un produs al abilității creative sau (iv) experiența publicului cu abilitatea creativă. Artele creative ( arta ca disciplină) sunt o colecție de discipline care produc opere de artă ( arta ca obiecte) care sunt forțate de un impuls personal (arta ca activitate) și transmit un mesaj, o dispoziție sau un simbolism pentru ca percepătorul să interpreteze (arta ca experienţă). Arta este ceva care stimulează gândurile, emoțiile, credințele sau ideile unui individ prin simțuri. Operele de artă pot fi realizate în mod explicit în acest scop sau interpretate pe baza imaginilor sau a obiectelor. Pentru unii savanți, cum ar fi Kant , științele și artele ar putea fi distinse prin luarea științei ca reprezentând domeniul cunoașterii și artele ca reprezentând domeniul libertății de exprimare artistică.

Adesea, dacă abilitatea este utilizată într-un mod comun sau practic, oamenii o vor considera o meserie în loc de artă. La fel, dacă abilitatea este utilizată într-un mod comercial sau industrial, poate fi considerată artă comercială în loc de artă plastică. Pe de altă parte, meșteșugurile și designul sunt uneori considerate artă aplicată . Unii adepți ai artei au susținut că diferența dintre arta plastică și arta aplicată are mai mult de-a face cu judecățile de valoare făcute despre artă decât orice diferență clară de definiție. Cu toate acestea, chiar și arta plastică are adesea obiective dincolo de creativitatea pură și de auto-exprimare. Scopul operelor de artă poate fi comunicarea ideilor, cum ar fi în arta motivată politic, spiritual sau filosofic; a crea un sentiment de frumusețe (vezi estetica ); să exploreze natura percepției; pentru plăcere; sau pentru a genera emoții puternice . Scopul poate fi, de asemenea, aparent inexistent.

Natura artei a fost descrisă de filosoful Richard Wollheim drept „una dintre cele mai evazive dintre problemele tradiționale ale culturii umane”. Arta a fost definită ca un vehicul pentru exprimarea sau comunicarea emoțiilor și ideilor, un mijloc de explorare și apreciere a elementelor formale de dragul lor și ca mimesis sau reprezentare . Arta ca mimesis are rădăcini adânci în filosofia lui Aristotel . Leo Tolstoi a identificat arta ca pe o utilizare a mijloacelor indirecte pentru a comunica de la o persoană la alta. Benedetto Croce și RG Collingwood au avansat viziunea idealistă că arta exprimă emoții și că, prin urmare, opera de artă există în esență în mintea creatorului. Teoria artei ca formă își are rădăcinile în filosofia lui Kant și a fost dezvoltată la începutul secolului al XX-lea de Roger Fry și Clive Bell . Mai recent, gânditorii influențați de Martin Heidegger au interpretat arta ca mijlocul prin care o comunitate își dezvoltă pentru sine un mediu de auto-exprimare și interpretare. George Dickie a oferit o teorie instituțională a artei care definește o operă de artă ca orice artefact asupra căruia o persoană sau persoane calificate care acționează în numele instituției sociale denumită în mod obișnuit „ lumea artei ” a conferit „statutul de candidat pentru apreciere ". Larry Shiner a descris arta plastică ca „nu o esență sau o soartă, ci ceva pe care l-am făcut. Arta așa cum am înțeles în general este o invenție europeană de doar două sute de ani”.

Arta poate fi caracterizată în termeni de mimesis (reprezentarea sa a realității), narațiune (povestire), expresie, comunicarea emoției sau alte calități. În perioada romantică , arta a ajuns să fie văzută ca „o facultate specială a minții umane care trebuie clasificată cu religia și știința”.

Istorie

Venus din Willendorf , circa 24.000-22.000  BP

Partea din spate a unui bazin oval renascentist sau a unui vas, în Muzeul Metropolitan de Artă

S- a stabilit că o cochilie gravată de Homo erectus avea o vechime între 430.000 și 540.000 de ani. Un set de opt taloane de vultur cu coadă albă, vechi de 130.000 de ani, poartă urme tăiate și abraziune care indică manipularea de către neandertali, posibil pentru utilizarea acestuia ca bijuterii. O serie de scoici mici de melci forate vechi de aproximativ 75.000 de ani - au fost descoperite într-o peșteră sud-africană. Containere care ar fi putut fi folosite pentru a ține vopsele au fost găsite datând din 100.000 de ani.

Au fost găsite sculpturi, picturi rupestre , picturi rupestre și petroglife din paleoliticul superior datând cu aproximativ 40.000 de ani în urmă, dar semnificația exactă a unei astfel de arte este adesea contestată, deoarece se știe atât de puțin despre culturile care le-au produs.

Pictura în peșteră a unui cal din peșterile Lascaux , circa 16.000 BP

Multe mari tradiții în artă au un fundament în arta uneia dintre marile civilizații antice: Egiptul Antic , Mesopotamia , Persia , India, China, Grecia Antică, Roma, precum și Inca , Maya și Olmec . Fiecare dintre aceste centre ale civilizației timpurii a dezvoltat un stil unic și caracteristic în arta sa. Datorită dimensiunii și duratei acestor civilizații, mai multe opere de artă au supraviețuit și mai multă influență a fost transmisă altor culturi și timpuri ulterioare. Unii au oferit, de asemenea, primele înregistrări despre modul în care au lucrat artiștii. De exemplu, această perioadă a artei grecești a văzut o venerație a formei fizice umane și dezvoltarea unor abilități echivalente pentru a arăta musculatura, echilibrul, frumusețea și proporțiile anatomice corecte.

În arta bizantină și medievală din Evul Mediu occidental, multe arte se concentrau pe exprimarea subiectelor despre cultura biblică și religioasă și foloseau stiluri care arătau gloria superioară a unei lumi cerești, cum ar fi utilizarea aurului în fundalul picturilor, sau sticlă în mozaicuri sau ferestre, care prezentau și figuri în forme idealizate, modelate (plate). Cu toate acestea, o tradiție clasică realistă a persistat în micile lucrări bizantine, iar realismul a crescut constant în arta Europei catolice .

Arta renascentistă a pus un accent mult mai mare pe descrierea realistă a lumii materiale și pe locul oamenilor în ea, reflectată în corporalitatea corpului uman și pe dezvoltarea unei metode sistematice de perspectivă grafică pentru a descrie recesiunea într-o dimensiune tridimensională. spațiu pentru imagine.

Semnătura stilizată a sultanului Mahmud al II-lea al Imperiului Otoman a fost scrisă în caligrafie islamică . Se spune „Mahmud Khan, fiul lui Abdulhamid, este pentru totdeauna victorios”.

Moschee din Kairouan în Tunisia, de asemenea , numit Moscheea de Uqba, este una dintre cele mai bune, cele mai importante și mai bine conservate exemple artistice și arhitecturale ale marilor moschei timpurie. Datat în starea actuală din secolul al IX-lea, este strămoșul și modelul tuturor moscheilor din țările islamice occidentale.

În est, respingerea artei islamice a iconografiei a dus la accentul pe modele geometrice , caligrafie și arhitectură . Mai la est, religia a dominat și stilurile și formele artistice. India și Tibet au văzut accentul pe sculpturile pictate și pe dansul, în timp ce pictura religioasă a împrumutat multe convenții din sculptură și a avut tendința de culori contrastante strălucitoare, cu accent pe contururi. China a văzut înflorirea multor forme de artă: sculptură în jad, lucrări de bronz, ceramică (inclusiv uimitoarea armată de teracotă a împăratului Qin), poezie, caligrafie, muzică, pictură, dramă, ficțiune etc. Stilurile chinezești variază foarte mult de la o epocă la alta și fiecare unul este numit în mod tradițional după dinastia conducătoare. De exemplu, picturile dinastiei Tang sunt monocromatice și rare, subliniind peisaje idealizate, dar picturile dinastiei Ming sunt ocupate și colorate și se concentrează pe povestirea povestilor prin decor și compoziție. Japonia își numește stilurile și după dinastiile imperiale și a văzut, de asemenea, multe interacțiuni între stilurile de caligrafie și pictură. Tipărirea pe lemn a devenit importantă în Japonia după secolul al XVII-lea.

Pictură a artistului dinastiei Song Ma Lin, circa 1250. 24,8 × 25,2 cm

Epoca iluministă occidentală din secolul al XVIII-lea a văzut reprezentări artistice ale certitudinilor fizice și raționale ale universului ceasornicarului, precum și viziuni revoluționare politic ale unei lumi post-monarhiste, cum ar fi portretizarea lui Newton ca geometru divin de către Blake sau David picturile propagandistice. Acest lucru a dus la respingerea romantică a acestui lucru în favoarea imaginilor despre latura emoțională și individualitatea oamenilor, exemplificate în romanele lui Goethe . Sfârșitul secolului al XIX-lea a cunoscut atunci o serie de mișcări artistice, cum ar fi arta academică , simbolismul , impresionismul și fauvismul, printre altele.

Istoria artei din secolul al XX-lea este o narațiune a posibilităților nesfârșite și a căutării unor noi standarde, fiecare fiind demolată succesiv de către următoarea. Astfel, parametrii impresionismului , expresionismului , fauvismului , cubismului , dadaismului , suprarealismului etc. nu pot fi menținuți mult dincolo de timpul invenției lor. Creșterea interacțiunii globale în acest timp a văzut o influență echivalentă a altor culturi în arta occidentală. Astfel, amprentele de lemn japoneze (ele însele influențate de desenul Renașterii occidentale) au avut o influență imensă asupra impresionismului și a dezvoltării ulterioare. Mai târziu, sculpturile africane au fost preluate de Picasso și într-o oarecare măsură de Matisse . În mod similar, în secolele al XIX-lea și al XX-lea, Occidentul a avut impacturi uriașe asupra artei orientale, cu idei inițial occidentale, cum ar fi comunismul și post-modernismul, care exercită o influență puternică.

Modernismul , căutarea idealistă a adevărului, a cedat în a doua jumătate a secolului al XX-lea o realizare a inaccesibilității sale. Theodor W. Adorno spunea în 1970: „Acum se ia de la sine înțeles că nimic din ceea ce privește arta nu mai poate fi dat de la sine: nici arta în sine, nici arta în relație cu întregul, nici chiar dreptul artei de a exista”. Relativismul a fost acceptat ca un adevăr inevitabil, care a condus la perioada artei contemporane și a criticii postmoderne , în care culturile lumii și ale istoriei sunt văzute ca forme schimbătoare, care pot fi apreciate și extrase doar cu scepticism și ironie. Mai mult, separarea culturilor este din ce în ce mai estompată și unii susțin că este acum mai potrivit să gândim în termenii unei culturi globale, mai degrabă decât a celor regionale.

În Originea operei de artă , Martin Heidegger, un filosof german și un gânditor seminal, descrie esența artei în termenii conceptelor de ființă și adevăr. El susține că arta nu este doar un mod de a exprima elementul adevărului într-o cultură, ci mijloacele de a-l crea și de a oferi o trambulină de la care „ceea ce este” poate fi revelat. Operele de artă nu sunt doar reprezentări ale modului în care sunt lucrurile, ci produc de fapt înțelegerea comună a comunității. De fiecare dată când se adaugă o nouă operă de artă oricărei culturi, sensul a ceea ce este să existe este inerent modificat.

Din punct de vedere istoric, abilitățile și ideile artistice și artistice au fost adesea răspândite prin comerț. Un exemplu în acest sens este Drumul Mătăsii , unde influențele elenistice, iraniene, indiene și chineze s-ar putea amesteca. Arta budistă Greco este unul dintre cele mai vii exemple ale acestei interacțiuni. Întâlnirea diferitelor culturi și viziuni asupra lumii a influențat și creația artistică. Un exemplu în acest sens este metropola porturilor multiculturale din Trieste, la începutul secolului al XX-lea, unde James Joyce a întâlnit scriitori din Europa Centrală și dezvoltarea artistică a orașului New York ca un melting pot cultural.

Forme, genuri, media și stiluri

Napoleon I pe tronul său imperial de Ingres (franceză, 1806), ulei pe pânză

Artele creative sunt adesea împărțite în categorii mai specifice, de obicei de-a lungul unor categorii perceptibile, precum media , genul, stilurile și forma. Forma de artă se referă la elementele de artă care sunt independente de interpretarea sau semnificația sa. Acoperă metodele adoptate de artist și compoziția fizică a operei de artă, în principal aspecte non-semantice ale operei (de exemplu, figurae ), cum ar fi culoarea , conturul , dimensiunea , mediul , melodia , spațiul , textura și valoarea . Forma poate include , de asemenea, principii de proiectare vizuală , cum ar fi aranjament, echilibru , contrast , accent , armonie , proporție , proximitate și ritm.

În general, există trei școli de filozofie cu privire la artă, concentrându-se respectiv pe formă, conținut și context. Formalismul extrem este părerea că toate proprietățile estetice ale artei sunt formale (adică fac parte din forma de artă). Filosofii resping aproape universal această concepție și susțin că proprietățile și estetica artei se extind dincolo de materiale, tehnici și formă. Din păcate, există un consens mic asupra terminologiei pentru aceste proprietăți informale. Unii autori se referă la subiect și conținut - adică denotații și conotații - în timp ce alții preferă termeni precum semnificație și semnificație.

Intenționalismul extrem susține că intenția autorală joacă un rol decisiv în sensul unei opere de artă, transmite conținutul sau ideea principală esențială, în timp ce toate celelalte interpretări pot fi eliminate. Acesta definește subiectul ca fiind persoanele sau ideea reprezentată, iar conținutul ca experiența artistului a acelui subiect. De exemplu, compoziția lui Napoleon I pe tronul său imperial este parțial împrumutată de la Statuia lui Zeus de la Olimpia . După cum reiese din titlu, subiectul este Napoleon , iar conținutul este reprezentarea lui Ingres a lui Napoleon ca „Împărat-Dumnezeu dincolo de timp și spațiu”. În mod similar cu formalismul extrem, filosofii resping de obicei intenționalismul extrem, deoarece arta poate avea mai multe semnificații ambigue, iar intenția autorală poate fi incognoscibilă și, prin urmare, irelevantă. Interpretarea sa restrictivă este „nesănătoasă din punct de vedere social, ireal din punct de vedere filosofic și neînțelept din punct de vedere politic”.

În cele din urmă, teoria dezvoltării post-structuralismului studiază semnificația artei într-un context cultural, cum ar fi ideile, emoțiile și reacțiile provocate de o lucrare. Contextul cultural se reduce adesea la tehnicile și intențiile artistului, caz în care analiza se desfășoară pe linii similare cu formalismul și intenționalismul. Cu toate acestea, în alte cazuri pot predomina condițiile istorice și materiale, cum ar fi convingerile religioase și filosofice, structurile sociopolitice și economice, sau chiar clima și geografia. Critica de artă continuă să crească și să se dezvolte alături de artă.

Abilități și meșteșuguri

Creația lui Adam , detaliu dinfresca lui Michelangelo din Capela Sixtină (1511)

Arta poate conota un sentiment de abilitate antrenată sau stăpânirea unui mediu . De asemenea, arta se poate referi pur și simplu la utilizarea dezvoltată și eficientă a unui limbaj pentru a transmite semnificație cu imediată sau profunzime. Arta poate fi definită ca un act de exprimare a sentimentelor, gândurilor și observațiilor.

Există o înțelegere care este atinsă cu materialul ca urmare a manipulării acestuia, care facilitează procesele de gândire ale cuiva. O viziune comună este că epitetul „artă”, în special în sensul său ridicat, necesită un anumit nivel de expertiză creativă de către artist, indiferent dacă aceasta este o demonstrație a abilității tehnice, o originalitate în abordarea stilistică sau o combinație a acestor două. În mod tradițional, abilitatea de execuție a fost privită ca o calitate inseparabilă de artă și, astfel, necesară pentru succesul ei; pentru Leonardo da Vinci , arta, nici mai mult, nici mai puțin decât celelalte eforturi ale sale, a fost o manifestare a priceperii. Opera lui Rembrandt , acum lăudată pentru virtuțile efemere, a fost admirată de contemporanii săi pentru virtuozitatea sa. La începutul secolului al XX-lea, spectacolele drepte ale lui John Singer Sargent au fost admirate alternativ și privite cu scepticism pentru fluența lor manuală, dar aproape în același timp, artistul care va deveni cel mai recunoscut și peripatetic iconoclast al epocii, Pablo Picasso , a fost completând o pregătire academică tradițională la care a excelat.

Detaliu al lui Leonardo da Vinci e Mona Lisa , c. 1503-1506, arătând tehnica picturii sfumato

O critică contemporană comună a unor arte moderne se manifestă de-a lungul liniilor de a obiecta la lipsa aparentă de abilitate sau abilitate necesară în producția obiectului artistic. În arta conceptuală, „ Fântâna ” lui Marcel Duchamp este printre primele exemple de piese în care artistul a folosit obiecte găsite („gata făcute”) și nu a exercitat niciun set de abilități recunoscute în mod tradițional. Tracey Emin 's My Bed sau Damien Hirst 's The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living urmează acest exemplu și manipulează și mass-media. Emin a dormit (și s-a angajat în alte activități) în patul ei înainte de a plasa rezultatul într-o galerie ca operă de artă. Hirst a venit cu proiectarea conceptuală pentru opera de artă, dar a lăsat cea mai mare parte a creației eventuale a multor lucrări unor artizani angajați. Celebritatea lui Hirst se bazează în întregime pe capacitatea sa de a produce concepte șocante. Producția reală în multe opere de artă conceptuale și contemporane este o chestiune de asamblare a obiectelor găsite. Cu toate acestea, există mulți artiști moderniști și contemporani care continuă să exceleze în abilitățile de desen și pictură și în crearea de opere de artă practice .

Scop

Un covor Navajo realizat în jurul anului 1880

Mozarabic Beatus miniatură . Spania, sfârșitul secolului al X-lea

Arta a avut un număr mare de funcții diferite de-a lungul istoriei sale, ceea ce face ca scopul său să fie dificil de abstractizat sau cuantificat pentru un concept unic. Acest lucru nu implică faptul că scopul artei este „vag”, ci că a avut multe motive unice, diferite pentru a fi creat. Unele dintre aceste funcții ale artei sunt furnizate în următorul schiță. Diferitele scopuri ale artei pot fi grupate în funcție de cele care nu sunt motivate și de cele care sunt motivate (Lévi-Strauss).

Funcții nemotivate

Scopurile nemotivate ale artei sunt cele care sunt esențiale pentru a fi om, transcend individul sau nu îndeplinesc un scop extern specific. În acest sens, arta, ca creativitate, este ceva ce oamenii trebuie să facă prin însăși natura lor (adică, nicio altă specie nu creează artă) și, prin urmare, este dincolo de utilitate.

1. Instinct uman de bază pentru armonie, echilibru, ritm . Arta la acest nivel nu este o acțiune sau un obiect, ci o apreciere internă a echilibrului și armoniei (frumuseții) și, prin urmare, un aspect al ființei umane dincolo de utilitate.

   Imitația, deci, este un instinct al naturii noastre. Apoi, există instinctul pentru „armonie” și ritm, contoare fiind în mod evident secțiuni de ritm. Prin urmare, persoanele începând cu acest dar natural și-au dezvoltat gradual aptitudinile lor speciale, până când improvizațiile lor grosolane au dat naștere la Poezie. - Aristotel

2. Experiența misteriosului. Arta oferă o modalitate de a experimenta sinele cuiva în raport cu universul. Această experiență poate deveni adesea nemotivată, deoarece se apreciază arta, muzica sau poezia.

   Cel mai frumos lucru pe care îl putem experimenta este misteriosul. Este sursa tuturor artei și științei adevărate. - Albert Einstein

3. Exprimarea imaginației. Arta oferă un mijloc de a exprima imaginația în moduri non-gramaticale care nu sunt legate de formalitatea limbajului vorbit sau scris. Spre deosebire de cuvinte, care apar în secvențe și fiecare dintre ele are un sens definit, arta oferă o serie de forme, simboluri și idei cu semnificații care sunt maleabile.

   Vulturul lui Jupiter [ca exemplu de artă] nu este, ca atributele logice (estetice) ale unui obiect, conceptul de sublimitate și maiestate al creației, ci mai degrabă altceva - ceva care oferă imaginației un stimulent pentru a-și răspândi zborul peste un o întreagă serie de reprezentări înrudite care provoacă mai multă gândire decât admite exprimarea într-un concept determinat de cuvinte. Ele oferă o idee estetică, care servește ideii raționale de mai sus ca înlocuitor al prezentării logice, dar cu funcția adecvată, totuși, de a anima mintea deschizându-i o perspectivă într-un câmp de reprezentări înrudite care se întind dincolo de ken. - Immanuel Kant

4. Funcții ritualice și simbolice. În multe culturi, arta este folosită în ritualuri, spectacole și dansuri ca decor sau simbol. Deși aceștia nu au adesea un scop utilitar specific (motivat), antropologii știu că servesc adesea unui scop la nivel de semnificație într-o anumită cultură. Această semnificație nu este furnizată de niciun individ, ci este adesea rezultatul multor generații de schimbări și al unei relații cosmologice în cadrul culturii.

   Majoritatea cărturarilor care se ocupă cu picturi rupestre sau obiecte recuperate din contexte preistorice care nu pot fi explicate în termeni utilitari și sunt astfel clasificate drept decorative, ritualice sau simbolice, sunt conștiente de capcana pusă de termenul „artă”. - Silva Tomaskova

Funcții motivate

Scopurile motivate ale artei se referă la acțiuni intenționate și conștiente din partea artiștilor sau a creatorului. Acestea pot fi pentru a aduce schimbări politice, pentru a comenta un aspect al societății, pentru a transmite o anumită emoție sau dispoziție, pentru a aborda psihologia personală, pentru a ilustra o altă disciplină, pentru (cu arte comerciale) a vinde un produs sau pur și simplu ca formă de comunicare.

1. Comunicare. Arta, la modul cel mai simplu, este o formă de comunicare. Deoarece majoritatea formelor de comunicare au o intenție sau un scop îndreptat către o altă persoană, acesta este un scop motivat. Artele ilustrative, cum ar fi ilustrația științifică, sunt o formă de artă ca comunicare. Hărțile sunt un alt exemplu. Cu toate acestea, conținutul nu trebuie să fie științific. Emoțiile, dispozițiile și sentimentele sunt comunicate și prin artă.

   [Arta este un set de] artefacte sau imagini cu semnificații simbolice ca mijloc de comunicare. - Steve Mithen

2. Arta ca divertisment . Arta poate căuta să producă o anumită emoție sau dispoziție, în scopul de a relaxa sau a distra privitorul. Aceasta este adesea funcția industriilor de artă ale filmelor și jocurilor video.
3. Avangarda. Arta pentru schimbarea politică. Una dintre funcțiile definitorii ale artei de la începutul secolului al XX-lea a fost utilizarea imaginilor vizuale pentru a aduce schimbări politice. Mișcările de artă care aveau acest scop - dadaismul , suprarealismul , constructivismul rus și expresionismul abstract , printre altele - sunt denumite în mod colectiv arte de avangardă .

   În schimb, atitudinea realistă, inspirată de pozitivism, de la Sfântul Toma de Aquino până la Anatole Franța, mi se pare clar că este ostilă oricărui progres intelectual sau moral. Îl urăsc, pentru că este alcătuit din mediocritate, ură și vanitate plictisitoare. Această atitudine este cea care naște astăzi aceste cărți ridicole, aceste piese jignitoare. Se hrănește constant cu ziare și obține forță din ziare și împiedică atât știința, cât și arta, flatând asiduu cel mai mic gust; claritatea mărginind prostia, viața unui câine. - André Breton (suprarealism)

4. Arta ca „zonă liberă” , eliminată din acțiunea cenzurii sociale. Spre deosebire de mișcările de avangardă , care doreau să șteargă diferențele culturale pentru a produce noi valori universale, arta contemporană și- a sporit toleranța față de diferențele culturale, precum și funcțiile sale critice și eliberatoare (anchetă socială, activism, subversiune, deconstrucție ... ), devenind un loc mai deschis pentru cercetare și experimentare.
5. Arta pentru anchetă socială, subversiune sau anarhie. Deși este similară artei pentru schimbări politice, arta subversivă sau deconstructivistă poate căuta să pună la îndoială aspecte ale societății fără niciun scop politic specific. În acest caz, funcția artei poate fi pur și simplu de a critica un aspect al societății.
   

   Graffiti cu vopsea spray pe un perete din Roma
   Arta graffiti și alte tipuri de artă stradală sunt grafică și imagini care sunt pictate cu spray sau ștanțate pe pereți, clădiri, autobuze, trenuri și poduri vizibile public, de obicei fără permisiune. Anumite forme de artă, cum ar fi graffiti, pot fi, de asemenea, ilegale atunci când încalcă legile (în acest caz vandalism).
6. Arta pentru cauze sociale. Arta poate fi folosită pentru a crește gradul de conștientizare pentru o mare varietate de cauze. O serie de activități de artă au avut ca scop creșterea gradului de conștientizare cu privire la autism , cancer, trafic de persoane și o varietate de alte subiecte, cum ar fi conservarea oceanelor, drepturile omului în Darfur , femei aborigene omorâte și dispărute, abuzuri asupra persoanelor vârstnice și poluare. Trashion , folosind gunoiul pentru a crea modă, practicat de artiști precum Marina DeBris este un exemplu de utilizare a artei pentru a crește gradul de conștientizare cu privire la poluare.
7. Arta în scopuri psihologice și de vindecare. Arta este, de asemenea, folosită de artterapeuți , psihoterapeuți și psihologi clinici ca terapie prin artă . Diagnostic Desen Series , de exemplu, este utilizat pentru a determina personalitatea și funcționarea emoțională a unui pacient. Produsul final nu este scopul principal în acest caz, ci mai degrabă se caută un proces de vindecare, prin acte creative. Piesa de artă rezultată poate oferi, de asemenea, o perspectivă asupra problemelor cu care se confruntă subiectul și poate sugera abordări adecvate pentru a fi utilizate în forme mai convenționale de terapie psihiatrică.
8. Arta pentru propagandă sau comercialism. Arta este adesea utilizată ca formă de propagandă și, prin urmare, poate fi utilizată pentru a influența subtil concepțiile populare sau starea de spirit. În mod similar, arta care încearcă să vândă un produs influențează și starea de spirit și emoția. În ambele cazuri, scopul artei aici este de a manipula subtil spectatorul într-un anumit răspuns emoțional sau psihologic către o anumită idee sau obiect.
9. Arta ca indicator de fitness. S-a susținut că abilitatea creierului uman depășește cu mult ceea ce era necesar pentru supraviețuirea în mediul ancestral. O explicație psihologică evoluționistă pentru aceasta este că creierul uman și trăsăturile asociate (cum ar fi abilitatea artistică și creativitatea) sunt echivalentul uman al cozii păunului . S-a susținut că scopul cozii extravagante a păunului masculin este acela de a atrage femelele (a se vedea, de asemenea, principiul de evadare a pescarilor și de handicap ). Conform acestei teorii, execuția superioară a artei a fost importantă din punct de vedere evolutiv, deoarece a atras colegii.

Funcțiile artei descrise mai sus nu se exclud reciproc, deoarece multe dintre ele se pot suprapune. De exemplu, arta în scop de divertisment poate căuta, de asemenea, să vândă un produs, adică filmul sau jocul video.

Acces public

Muzeul Metropolitan de Arta din Manhattan . Muzeele sunt forumuri importante pentru afișarea artei vizuale .

Încă din cele mai vechi timpuri, cea mai bună artă a reprezentat o manifestare deliberată a bogăției sau a puterii, adesea realizată prin utilizarea de scări masive și materiale scumpe. O mulțime de artă a fost comandată de conducători politici sau instituții religioase, cu versiuni mai modeste disponibile doar celor mai bogați din societate.

Cu toate acestea, au existat multe perioade în care arta de înaltă calitate a fost disponibilă, în termeni de proprietate, în părți mari ale societății, mai ales în suporturi ieftine, cum ar fi ceramica, care persistă în sol și în suporturi perisabile, cum ar fi textilele și lemnul . În multe culturi diferite, ceramica popoarelor indigene din America se găsește într-o gamă atât de largă de morminte încât în ​​mod clar nu erau limitate la o elită socială , deși ar fi putut exista și alte forme de artă. Metodele de reproducere, cum ar fi matrițele, au facilitat producția în serie și au fost folosite pentru a aduce ceramică romană antică de înaltă calitate și figurine grecești Tanagra pe o piață foarte largă. Sigiliile cilindrice erau atât artistice, cât și practice și foarte utilizate pe scară largă de ceea ce poate fi numit în mod vag clasa de mijloc din Orientul Apropiat Antic . Odată ce monedele au fost utilizate pe scară largă, acestea au devenit, de asemenea, o formă de artă care a atins cea mai largă gamă a societății.

O altă inovație importantă a venit în secolul al XV-lea în Europa, când tipăritul a început cu xilografii mici , în mare parte religioase, adesea foarte mici și colorate manual, și accesibile chiar și de țăranii care i-au lipit de pereții caselor lor. Cărțile tipărite erau inițial foarte scumpe, dar au scăzut constant în preț până în secolul al XIX-lea chiar și cei mai săraci își permiteau unele cu ilustrații tipărite. Printurile populare de multe feluri diferite au decorat casele și alte locuri de secole.

Muzeul de Artă din Basel ( Elveția ), este cel mai vechi muzeu public de artă din lume.

În 1661, orașul Basel , din Elveția , a deschis primul muzeu public de artă din lume, Kunstmuseum Basel . Astăzi, colecția sa se distinge printr-un interval istoric impresionant, de la începutul secolului al XV-lea până în prezentul imediat. Diferitele sale zone de accent îi conferă poziția internațională ca unul dintre cele mai semnificative muzee de acest gen. Acestea cuprind: picturi și desene ale artiștilor activi în regiunea Rinului Superior între 1400 și 1600 și despre arta secolelor XIX-XXI.

Clădirile și monumentele publice , laice și religioase, prin natura lor se adresează în mod normal întregii societăți, precum și vizitatorilor ca spectatori, iar expunerea către publicul larg a fost mult timp un factor important în proiectarea lor. Templele egiptene sunt tipice prin aceea că cea mai mare și mai fastuoasă decorație a fost așezată pe părțile care puteau fi văzute de publicul larg, mai degrabă decât zonele văzute doar de preoți. Multe zone ale palatelor regale, castelelor și caselor elitei sociale erau adesea accesibile în general, iar părți mari din colecțiile de artă ale acestor oameni puteau fi adesea văzute, fie de oricine, fie de cei care puteau plăti un preț mic, sau purtând hainele corecte, indiferent de cine erau, ca la Palatul Versailles , unde accesoriile suplimentare corespunzătoare (catarame de pantofi argintii și sabie) puteau fi închiriate de la magazinele de afară.

S-au făcut aranjamente speciale pentru a permite publicului să vadă multe colecții regale sau private plasate în galerii, ca și în cazul Colecției Orleans găzduite mai ales într-o aripă a Palais Royal din Paris, care ar putea fi vizitată în cea mai mare parte a secolului al XVIII-lea. În Italia, turismul de artă al Marelui Tur a devenit o industrie importantă începând cu Renașterea și guvernele și orașele au depus eforturi pentru a face accesibilă lucrările lor cheie. Colecția Regală Britanică rămâne distinctă, dar donații mari, cum ar fi Biblioteca Regală Veche, au fost făcute din aceasta către Muzeul Britanic , înființat în 1753. Uffizi din Florența s-a deschis în întregime ca o galerie în 1765, deși această funcție luase treptat clădirea de la birourile inițiale ale funcționarilor publici cu mult timp înainte. Clădirea ocupată acum de Prado la Madrid a fost construită înainte de Revoluția Franceză pentru expunerea publică a unor părți ale colecției regale de artă, iar galeriile regale similare deschise publicului existau în Viena , München și alte capitale. Deschiderea Muzeului Luvrului în timpul Revoluției Franceze (în 1793) ca muzeu public pentru o mare parte din fosta colecție regală franceză a marcat cu siguranță o etapă importantă în dezvoltarea accesului publicului la artă, transferând proprietatea unui stat republican, dar a fost o continuare a tendințelor deja bine stabilite.

Cele mai multe muzee publice moderne și programe de educație artistică pentru copiii din școli pot fi urmărite înapoi la acest impuls de a avea arta la dispoziția tuturor. Cu toate acestea, muzeele nu oferă doar disponibilitatea artei, ci influențează și modul în care arta este percepută de public, așa cum au descoperit studiile. Astfel, muzeul în sine nu este doar o etapă directă pentru prezentarea artei, ci joacă un rol activ și vital în percepția generală a artei în societatea modernă.

Muzeele din Statele Unite tind să fie cadouri de la cei foarte bogați către mase. ( Muzeul Metropolitan de Artă din New York City, de exemplu, a fost creat de John Taylor Johnston , un executiv feroviar a cărui colecție personală de artă a însămânțat muzeul.) Dar în ciuda tuturor acestor lucruri, cel puțin una dintre funcțiile importante ale artei în secolul 21 secolul rămâne ca un indicator al bogăției și al statutului social.

Au existat încercări ale artiștilor de a crea artă care nu poate fi cumpărată de cei bogați ca obiect de statut. Unul dintre motivatorii originali principali ai multor arte ale sfârșitului anilor 1960 și 1970 a fost crearea de artă care nu putea fi cumpărată și vândută. Este „necesar să prezentăm ceva mai mult decât simple obiecte”, a declarat principalul artist german postbelic Joseph Beuys. Această perioadă de timp a cunoscut apariția unor lucruri precum arta de performanță, arta video și arta conceptuală . Ideea era că, dacă opera de artă era un spectacol care nu ar lăsa nimic în urmă, sau era pur și simplu o idee, nu putea fi cumpărată și vândută. „Preceptele democratice care se învârt în jurul ideii că o operă de artă este o marfă a impulsionat inovația estetică care a germinat la mijlocul anilor 1960 și care a fost culegută de-a lungul anilor 1970. Artiști identificați în general sub titlul Artei conceptuale ... înlocuind performanța și activitățile de publicare pentru angajarea atât cu preocupările materiale, cât și cu cele materialiste ale formei pictate sau sculpturale ... [s-au străduit să submineze obiectul de artă ca obiect. "

Versailles: Louis Le Vau a deschis curtea interioară pentru a crea intrarea extinsă de curte de onoare , copiată mai târziu în toată Europa.

De-a lungul deceniilor, aceste idei s-au pierdut întrucât piața artei a învățat să vândă DVD-uri în ediție limitată de opere video, invitații la piese exclusive de artă performantă și obiectele rămase din piesele conceptuale. Multe dintre aceste spectacole creează lucrări care sunt înțelese doar de către elite, care au fost educate cu privire la motivele pentru care o idee sau un videoclip sau o bucată de gunoi aparent pot fi considerate artă. Marcatorul statutului devine înțelegerea operei în loc să o dețină în mod necesar, iar opera de artă rămâne o activitate de clasă superioară. „Odată cu utilizarea pe scară largă a tehnologiei de înregistrare DVD la începutul anilor 2000, artiștii și sistemul de galerii care își obține profiturile din vânzarea de opere de artă, au câștigat un mijloc important de a controla vânzarea de lucrări de artă video și computerizate în ediții limitate către colecționari.”

Controverse

Pluta Medusei a lui Théodore Géricault , circa 1820

Arta a fost mult timp controversată, adică nu-i plăcea unor spectatori, dintr-o mare varietate de motive, deși majoritatea controverselor premoderne sunt slab înregistrate sau sunt complet pierdute pentru o perspectivă modernă. Iconoclasma este distrugerea artei care nu-i place din mai multe motive, inclusiv cele religioase. Aniconismul este o antipatie generală fie pentru toate imaginile figurative, fie adesea doar pentru cele religioase, și a fost un fir de atac în multe religii majore. A fost un factor crucial în istoria artei islamice , unde descrierile lui Muhammad rămân deosebit de controversate. Multă artă a fost antipatică doar pentru că a reprezentat sau a reprezentat în alt mod conducători nepopulari, partide sau alte grupuri. Convențiile artistice au fost adesea conservatoare și au fost luate foarte în serios de criticii de artă , deși adesea mult mai puțin de către un public mai larg. Conținutul iconografic al artei ar putea provoca controverse, la fel ca în cazul descrierilor medievale târzii ale noului motiv al Degradării Fecioarei în scenele Crucificării lui Iisus . Judecata de Michelangelo a fost controversat din diverse motive, inclusiv încălcarea bună - cuviință prin nuditate și Apollo -cum ar fi poza lui Hristos.

Conținutul multor arte formale de-a lungul istoriei a fost dictat de patron sau comisar mai degrabă decât de artist, dar odată cu apariția romantismului și a schimbărilor economice în producția de artă, viziunea artiștilor a devenit determinantul obișnuit al conținutului său. artă, crescând incidența controverselor, deși de multe ori le reduce semnificația. Stimulentele puternice pentru originalitate și publicitate percepute au încurajat, de asemenea, artiștii să judece controversele. Théodore Géricault lui Pluta Meduzei (c. 1820), a fost în parte un comentariu politic cu privire la un eveniment recent. Le Déjeuner sur l'Herbe (1863) al lui Édouard Manet a fost considerat scandalos nu din cauza femeii goale, ci pentru că este așezată lângă bărbați îmbrăcați complet în hainele vremii, mai degrabă decât în ​​haine ale lumii antice. Madame Pierre Gautreau (Madam X) a lui John Singer Sargent (Madam X) (1884), a provocat o controversă cu privire la rozul roșiatic folosit pentru a colora lobul urechii femeii, considerat mult prea sugestiv și care ar fi distrus reputația modelului de înaltă societate. Abandonarea treptată a naturalismului și descrierea reprezentărilor realiste ale aspectului vizual al subiecților din secolele XIX și XX au dus la o controversă continuă de peste un secol.

Spectacol de Joseph Beuys , 1978: Toți un artist - În drumul către forma libertariană a organismului social .

În secolul al XX-lea, Guernica (1937) a lui Pablo Picasso a folosit tehnici de arestare cubiste și uleiuri monocromatice puternice , pentru a descrie consecințele îngrozitoare ale bombardamentului contemporan asupra unui mic oraș vechi basc. Interogarea III a lui Leon Golub (1981), înfățișează o deținută nudă, cu glugă, legată de un scaun, cu picioarele deschise pentru a-și dezvălui organele sexuale, înconjurate de doi chinuitori îmbrăcați în haine de zi cu zi. Andres Serrano e Piss Hristos (1989) este o fotografie a unui crucifix, sacru pentru religia creștină și reprezentarea lui Hristos e sacrificiul și suferința finală, scufundat într - un pahar de urină proprii artistului. Revolta rezultată a condus la comentarii în Senatul Statelor Unite despre finanțarea publică a artelor.

Teorie

Înainte de modernism, estetica în arta occidentală era foarte preocupată de realizarea echilibrului adecvat între diferitele aspecte ale realismului sau adevărului față de natură și ideal ; ideile despre echilibrul adecvat s-au schimbat de-a lungul secolelor. Această preocupare este în mare parte absentă în alte tradiții de artă. Teoreticianul estetic John Ruskin , care a susținut ceea ce a văzut ca fiind naturalismul lui J. M. W. Turner , a văzut rolul artei ca comunicarea prin artificiu a unui adevăr esențial care nu putea fi găsit decât în ​​natură.

Definiția și evaluarea artei au devenit deosebit de problematice încă din secolul al XX-lea. Richard Wollheim distinge trei abordări ale evaluării valorii estetice a artei: realistul , prin care calitatea estetică este o valoare absolută independentă de orice viziune umană; obiectivistă , prin care acesta este , de asemenea , o valoare absolută, dar depinde de experiența generală umană; și poziția relativistă , prin care nu este o valoare absolută, ci depinde și variază în funcție de experiența umană a diferiților oameni.

Sosirea modernismului

Compoziție cu albastru roșu și galben (1930) de Piet Mondrian (olandeză, 1872–1944)

Sosirea modernismului la sfârșitul secolului al XIX-lea a dus la o ruptură radicală în concepția funcției artei, iar apoi la sfârșitul secolului al XX-lea, odată cu apariția postmodernismului . Articolul din 1960 al lui Clement Greenberg „Modernism Painting” definește arta modernă ca „utilizarea metodelor caracteristice ale unei discipline pentru a critica însăși disciplina”. Greenberg a aplicat inițial această idee mișcării expresioniste abstracte și a folosit-o ca o modalitate de a înțelege și a justifica pictura abstractă plană (neiluzionistă):

Arta realistă, naturalistă, disemina mediul, folosind arta pentru a ascunde arta; modernismul a folosit arta pentru a atrage atenția asupra artei. Limitările care constituie suportul picturii - suprafața plană, forma suportului, proprietățile pigmentului - au fost tratate de Vechii Maeștri ca factori negativi care puteau fi recunoscuți doar implicit sau indirect. În cadrul modernismului, aceleași limitări au ajuns să fie considerate factori pozitivi și au fost recunoscute în mod deschis.

După Greenberg, au apărut câțiva teoreticieni importanți ai artei, precum Michael Fried , T. J. Clark , Rosalind Krauss , Linda Nochlin și Griselda Pollock, printre alții. Deși intenționată doar inițial ca o modalitate de a înțelege un set specific de artiști, definiția lui Greenberg a artei moderne este importantă pentru multe dintre ideile de artă din diferitele mișcări de artă ale secolului XX și începutul secolului XXI.

Artiștii pop precum Andy Warhol au devenit atât de remarcabili, cât și influenți, prin lucrări, inclusiv criticând cultura populară , precum și lumea artei . Artiștii din anii 1980, 1990 și 2000 au extins această tehnică de autocritică dincolo de arta înaltă la toate imaginile culturale, inclusiv imagini de modă, benzi desenate, panouri publicitare și pornografie.

Duchamp a propus odată că arta este orice activitate de orice fel. Cu toate acestea, modul în care doar anumite activități sunt clasificate astăzi drept artă este o construcție socială. Există dovezi că ar putea exista un element de adevăr în acest sens. În Invenția artei: o istorie culturală , Larry Shiner examinează construcția sistemului modern al artelor, adică arta plastică. El găsește dovezi că sistemul vechi al artelor dinaintea sistemului nostru modern (arta plastică) considera că arta este o activitate umană pricepută; de exemplu, societatea antică greacă nu poseda termenul de artă, ci techne . Tehnologia nu poate fi înțeleasă nici ca artă sau meșteșug, motivul fiind că distincțiile dintre artă și meșteșug sunt produse istorice care au apărut mai târziu în istoria umană. Techne a inclus pictură, sculptură și muzică, dar și gătit, medicină, călărie , geometrie , tâmplărie, profeție și agricultură etc.

Noua critică și „eroarea intenționată”

După Duchamp în prima jumătate a secolului al XX-lea, a avut loc o schimbare semnificativă către teoria estetică generală, care a încercat să aplice teoria estetică între diferite forme de artă, inclusiv artele literare și artele vizuale, reciproc. Acest lucru a dus la apariția școlii New Criticism și la dezbateri cu privire la eroarea intenționată . Se punea problema dacă intențiile estetice ale artistului în crearea operei de artă, indiferent de forma specifică a acesteia, ar trebui asociate cu critica și evaluarea produsului final al operei de artă sau, dacă opera de artă ar trebui să fie evaluate pe propriile sale merite, independent de intențiile artistului.

În 1946, William K. Wimsatt și Monroe Beardsley au publicat un eseu clasic și controversat New Critical intitulat „ The Fallent intenționat ”, în care au argumentat puternic împotriva relevanței intenției unui autor , sau „sensului intenționat” în analiza unei opere literare. . Pentru Wimsatt și Beardsley, cuvintele de pe pagină erau tot ceea ce conta; importul semnificațiilor din afara textului a fost considerat irelevant și potențial distractiv.

Într-un alt eseu, „ Eroarea afectivă ”, care a servit ca un fel de eseu suror al „Eroarea intenționată”, Wimsatt și Beardsley au scontat, de asemenea, reacția personală / emoțională a cititorului la o operă literară ca mijloc valid de analiză a unui text. Această eroare va fi ulterior respinsă de teoreticieni de la școala de răspuns literar a teoriei literare. În mod ironic, unul dintre principalii teoreticieni din această școală, Stanley Fish , a fost el însuși instruit de New Critics. Fish îi critică pe Wimsatt și Beardsley în eseul său din 1970 „Literatura în cititor”.

Așa cum este rezumat de Gaut și Livingston în eseul lor „The Creation of Art”: „Teoreticienii și criticii structuraliști și post-structuralisti au criticat aspru multe aspecte ale noii critici, începând cu accentul pe aprecierea estetică și pe așa-numita autonomie a artei , dar au reiterat atacul împotriva presupunerii criticilor biografice că activitățile și experiența artistului sunt un subiect critic privilegiat. " Acești autori susțin că: „Anti-intenționaliștii, cum ar fi formaliștii, consideră că intențiile implicate în realizarea artei sunt irelevante sau periferice pentru interpretarea corectă a artei. nu au nicio influență asupra interpretării corecte a operei. "

Gaut și Livingston îi definesc pe intenționiști ca fiind diferiți de formaliști afirmând că: „intenționaliștii, spre deosebire de formaliști, susțin că trimiterea la intenții este esențială în stabilirea interpretării corecte a operelor”. Aceștia îl citează pe Richard Wollheim afirmând că „Sarcina criticii este reconstrucția procesului creativ, în care procesul creativ trebuie, la rândul său, gândit ca ceva care nu se oprește în scurt timp, ci se termină cu opera de artă în sine”.

„Întoarcerea lingvistică” și dezbaterea sa

Sfârșitul secolului al XX-lea a favorizat o dezbatere extinsă cunoscută sub numele de controversa lingvistică sau „dezbaterea ochiului nevinovat” din filosofia artei. Această dezbatere a discutat întâlnirea operei de artă ca fiind determinată de măsura relativă în care întâlnirea conceptuală cu opera de artă domină asupra întâlnirii perceptive cu opera de artă.

Decisive pentru dezbaterea lingvistică din istoria artei și a științelor umaniste au fost lucrările unei alte tradiții, și anume structuralismul lui Ferdinand de Saussure și mișcarea ulterioară a poststructuralismului . În 1981, artistul Mark Tansey a creat o operă de artă intitulată „Ochiul nevinovat” ca o critică a climatului predominant de dezacord în filozofia artei în ultimele decenii ale secolului XX. Teoreticienii influenți includ Judith Butler , Luce Irigaray , Julia Kristeva , Michel Foucault și Jacques Derrida . Puterea limbajului, mai precis a anumitor tropi retorici, în istoria artei și în discursul istoric a fost explorată de Hayden White . Faptul că limbajul nu este un mediu transparent de gândire a fost subliniat de o formă foarte diferită de filozofie a limbajului, care își are originea în lucrările lui Johann Georg Hamann și Wilhelm von Humboldt . Ernst Gombrich și Nelson Goodman în cartea sa Limbi de artă : o abordare a unei teorii a simbolurilor au ajuns să susțină că întâlnirea conceptuală cu opera de artă a predominat exclusiv asupra întâlnirii perceptive și vizuale cu opera de artă din anii 1960 și 1970. El a fost contestat pe baza cercetărilor făcute de psihologul premiat cu premiul Nobel Roger Sperry, care a susținut că întâlnirea vizuală umană nu se limitează la concepte reprezentate doar în limbaj (tura lingvistică) și că alte forme de reprezentări psihologice ale operei de artă au fost la fel de apărabile și demonstrabile. Opinia lui Sperry a predominat în cele din urmă la sfârșitul secolului al XX-lea, filozofii estetici precum Nick Zangwill apărând cu tărie revenirea la formalismul estetic moderat printre alte alternative.

Disputele de clasificare

Fântâna originală de Marcel Duchamp , 1917, fotografiată de Alfred Stieglitz la 291 după expoziția Societății Artiștilor Independenți din 1917 . Stieglitz a folosit un fundal al Războinicilor de Marsden Hartley pentru a fotografia pisoarul. Eticheta de intrare în expoziție poate fi văzută clar.

Disputele cu privire la clasificarea sau nu a ceva ca operă de artă sunt denumite dispute clasificative despre artă. Disputele clasificative din secolul al XX-lea au inclus picturi cubiste și impresioniste , Fântâna lui Duchamp , filmele, imitațiile superlative ale bancnotelor , arta conceptuală și jocurile video . Filosoful David Novitz a susținut că dezacordul cu privire la definiția artei este rareori esența problemei. Mai degrabă, „preocupările și interesele pasionale pe care oamenii le dobândesc în viața lor socială” fac „atât de mult parte din toate disputele clasificatorii despre artă”. Potrivit lui Novitz, disputele clasificative sunt mai des disputele cu privire la valorile societății și la care societatea încearcă să meargă decât la teoria propriu-zisă. De exemplu, când Daily Mail a criticat munca lui Hirst și a lui Emin susținând „De 1.000 de ani arta a fost una dintre marile noastre forțe civilizatoare. Astăzi, oile murate și paturile murdare amenință să ne facă barbari pe toți” avansând o definiție sau o teorie despre artă, dar punând la îndoială valoarea operei lui Hirst și Emin. În 1998, Arthur Danto a sugerat un experiment de gândire care arată că „statutul unui artefact ca operă de artă rezultă din ideile pe care i le aplică o cultură, mai degrabă decât calitățile sale inerente fizice sau perceptibile. Interpretarea culturală (o teorie a artei de un fel) ) este, prin urmare, constitutiv al artei unui obiect. "

Anti-arta este o etichetă pentru artă care contestă intenționat parametrii și valorile stabilite ale artei; este termen asociat cu dadaismul și atribuit lui Marcel Duchamp chiar înainte de primul război mondial, când făcea artă din obiecte găsite . Unul dintre acestea, Fountain (1917), un pisoar obișnuit, a dobândit o importanță și o influență considerabile asupra artei. Anti-arta este o caracteristică a muncii Situaționistă Internațională , mișcarea lo-fi Mail art, și a tinerilor artiști britanici , deși este o formă încă respinsă de stucciști , care se descriu ca fiind anti-anti-artă .

Arhitectura este adesea inclusă ca una dintre artele vizuale; cu toate acestea, la fel ca artele decorative sau publicitatea, implică crearea de obiecte în care considerațiile practice de utilizare sunt esențiale într-un mod în care, de obicei, nu se află într-o pictură, de exemplu.

Judecata de valoare

Morminte cu bușteni aborigeni. National Gallery, Canberra , Australia.

Oarecum în raport cu cele de mai sus, cuvântul artă este, de asemenea, folosit pentru a aplica judecăți de valoare, ca în expresii precum „acea masă a fost o operă de artă” (bucătarul este un artist) sau „arta înșelăciunii” ( este lăudat nivelul înalt de abilitate al înșelătorului). Această utilizare a cuvântului ca măsură de înaltă calitate și valoare ridicată conferă termenului aroma sa de subiectivitate. A face judecăți de valoare necesită o bază pentru critică. La cel mai simplu nivel, o modalitate de a determina dacă impactul obiectului asupra simțurilor îndeplinește criteriile pentru a fi considerat artă este dacă este perceput a fi atractiv sau respingător. Deși percepția este întotdeauna colorată de experiență și este neapărat subiectivă, se înțelege de obicei că ceea ce nu este cumva satisfăcător din punct de vedere estetic nu poate fi arta. Cu toate acestea, arta „bună” nu este întotdeauna sau chiar în mod regulat atrăgătoare din punct de vedere estetic pentru majoritatea spectatorilor. Cu alte cuvinte, motivația principală a unui artist nu trebuie să fie urmărirea esteticului. De asemenea, arta descrie adesea imagini teribile realizate din motive sociale, morale sau motivante. De exemplu, pictura lui Francisco Goya care înfățișează împușcăturile spaniole din 3 mai 1808 este o reprezentare grafică a unui echipaj de executare care execută mai mulți civili care pledează. Totuși, în același timp, imaginea oribilă demonstrează abilitatea artistică a Goya în compoziție și execuție și produce indignare socială și politică potrivită. Astfel, dezbaterea continuă cu privire la ce mod de satisfacție estetică, dacă este cazul, este necesar pentru a defini „artă”.

Asumarea de noi valori sau rebeliunea împotriva noțiunilor acceptate de ceea ce este estetic superior nu trebuie să apară concomitent cu abandonarea completă a urmăririi a ceea ce este estetic atrăgător. Într-adevăr, inversul este adesea adevărat, că revizuirea a ceea ce este conceput popular ca fiind estetic atrăgător permite o revigorare a sensibilității estetice și o nouă apreciere pentru standardele artei în sine. Nenumărate școli și-au propus propriile modalități de a defini calitatea, totuși toate par să fie de acord în cel puțin un punct: odată ce alegerile lor estetice sunt acceptate, valoarea operei de artă este determinată de capacitatea acesteia de a depăși limitele mediului ales. pentru a lovi o coardă universală prin raritatea abilității artistului sau prin reflectarea sa exactă în ceea ce se numește zeitgeist . Arta este adesea menită să atragă și să se conecteze cu emoția umană. Poate trezi sentimente estetice sau morale și poate fi înțeles ca un mod de comunicare a acestor sentimente. Artiștii exprimă ceva astfel încât publicul lor să fie trezit într-o oarecare măsură, dar nu trebuie să o facă în mod conștient. Arta poate fi considerată o explorare a condiției umane ; adică ce înseamnă să fii om. Prin extensie, Emily L. Spratt a susținut că dezvoltarea inteligenței artificiale, în special în ceea ce privește utilizările sale cu imagini, necesită o reevaluare a teoriei estetice în istoria artei de astăzi și o reconsiderare a limitelor creativității umane.

Arta și legea

O problemă juridică esențială sunt falsurile de artă , plagiatul , replicile și lucrările care se bazează puternic pe alte opere de artă.

Comerțul cu opere de artă sau exportul dintr-o țară pot face obiectul reglementărilor legale. La nivel internațional există, de asemenea, eforturi extinse pentru a proteja operele de artă create. ONU , UNESCO și Blue Shield International încerca să asigure o protecție eficientă la nivel național și de a interveni direct în cazul unor conflicte armate sau dezastre. Acest lucru poate afecta în special muzeele, arhivele, colecțiile de artă și siturile de săpături. Acest lucru ar trebui să asigure și baza economică a unei țări, mai ales că operele de artă sunt adesea de importanță turistică. Președintele fondator al Blue Shield International, Karl von Habsburg , a explicat o legătură suplimentară între distrugerea bunurilor culturale și cauza zborului în timpul unei misiuni în Liban în aprilie 2019: „Bunurile culturale fac parte din identitatea oamenilor care locuiesc în un anumit loc. Dacă le distrugi cultura, le distrugi și identitatea. Mulți oameni sunt dezrădăcinați, de multe ori nu mai au nicio perspectivă și, ca urmare, fug de patria lor. ”

Vezi si

Note

Bibliografie

• Oscar Wilde, Intenții , 1891
• Stephen Davies, Definiții de artă , 1991
• Nina Felshin, ed. Dar este Arta? , 1995
• Catherine de Zegher (ed.). În interiorul vizibilului . Presa MIT, 1996
• Evelyn Hatcher, ed. Arta ca cultură: o introducere în antropologia artei , 1999
• Noel Carroll, Teoriile artei astăzi , 2000
• John Whitehead. Apucând vântul , 2001
• Michael Ann Holly și Keith Moxey (eds.) Istoria artei Estetica Studii vizuale . New Haven: Yale University Press, 2002. ISBN  0300097891
• Shiner, Larry. Invenția artei: o istorie culturală . Chicago: University of Chicago Press, 2003. ISBN  978-0-226-75342-3
• Arthur Danto , Abuzul frumuseții: estetica și conceptul de artă. 2003
• Dana Arnold și Margaret Iverson, eds. Arta și gândul . Londra: Blackwell, 2003. ISBN  0631227156
• Jean Robertson și Craig McDaniel, Teme de artă contemporană, artă vizuală după 1980 , 2005

Lecturi suplimentare

• Antony Briant și Griselda Pollock , eds. Digital și alte virtualități: renegocierea imaginii . Londra și NY: IBTauris, 2010. ISBN  978-1441676313
• Augros, Robert M., Stanciu, George N. The New Story of Science: mind and the univers , Lake Bluff, Ill .: Regnery Gateway, 1984. ISBN  0-89526-833-7 (această carte conține materiale semnificative despre artă și ştiinţă)
• Benedetto Croce . Aesthetic as Science of Expression and General Linguistic , 2002
• Botar, Oliver AI Ocoliri tehnice: The Early Moholy-Nagy Reconsidered . Galeria de artă a Graduate Center, Universitatea din New York și Salgo Trust for Education, 2006. ISBN  978-1599713571
• Burguete, Maria și Lam, Lui, eds. (2011). Arte: o chestiune științifică . World Scientific: Singapore. ISBN  978-981-4324-93-9
• Carol Armstrong și Catherine de Zegher , eds. Femei artiste la mileniu . Massachusetts: October Books / The MIT Press, 2006. ISBN  026201226X
• Carl Jung , Omul și simbolurile sale . Londra: Pan Books, 1978. ISBN  0330253212
• EH Gombrich , Povestea artei . Londra: Phaidon Press, 1995. ISBN  978-0714832470
• Florian Dombois, Ute Meta Bauer , Claudia Mareis și Michael Schwab, eds. Casa de păsări intelectuală. Practica artistică ca cercetare . Londra: Koening Books, 2012. ISBN  978-3863351182
• Katharine Everett Gilbert și Helmut Kuhn, O istorie a esteticii . Ediția 2, revizuită. Indiana: Indiana University Press, 1953.
• Kristine Stiles și Peter Selz , eds. Teorii și documente de artă contemporană . Berkeley: University of California Press, 1986
• Kleiner, Gardner, Mamiya și Tansey. Art Through the Ages, Ediția a XII-a (2 volume) Wadsworth, 2004. ISBN  0-534-64095-8 (vol 1) și ISBN  0-534-64091-5 (vol 2)
• Richard Wollheim , Arta și obiectele sale: o introducere în estetică . New York: Harper & Row, 1968. OCLC  1077405
• Will Gompertz . La ce te uiți ?: 150 de ani de artă modernă într-o clipită . New York: Viking, 2012. ISBN  978-0670920495
• Władysław Tatarkiewicz , O istorie a șase idei: un eseu în estetică , tradus din poloneză de Christopher Kasparek , Haga, Martinus Nijhoff, 1980

linkuri externe

• Art and Play din Dicționarul de istoria ideilor
• Director aprofundat de artă
• Fișiere de artă și artist în colecția Smithsonian Libraries (2005) Smithsonian Digital Libraries
• Visual Arts Data Service (VADS) - colecții online de la muzee, galerii, universități din Marea Britanie
• RevolutionArt - Reviste de artă cu expoziții, convocări și concursuri la nivel mondial
• Adajian, Thomas. „Definiția artei” . În Zalta, Edward N. (ed.). Enciclopedia Stanford a filosofiei .
• Arta la Curlie