Art Deco - Art Deco

Art Deco
Chrysler Building 1 (4684845155) .jpg
Târgul mondial din Chicago, un secol de progres, afiș expo, 1933, 2.jpg
Victoire 2 de Rene Lalique Toyota Automobile Museum.jpg
De sus în jos: Clădirea Chrysler din New York (1930); Afiș pentru Expoziția Universală din Chicago de Weimer Pursell (1933); și podoaba Victoire de René Lalique (1928)
ani activi c.  1910–1939
Țară Global

Art Deco , uneori denumit Deco , este un stil de arte vizuale, arhitectură și design care a apărut pentru prima dată în Franța chiar înainte de Primul Război Mondial . Art Deco a influențat designul clădirilor, mobilierului, bijuteriilor, modei, mașinilor, cinematografelor, trenurilor, garniturilor de ocean și a obiectelor de zi cu zi, precum aparatele de radio și aspiratoarele. Și-a luat numele, prescurtarea pentru Arts Décoratifs , de la Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes (Expoziția internațională de artă decorativă și industrială modernă) desfășurată la Paris în 1925. A combinat stilurile moderne cu meșteșuguri fine și materiale bogate. În perioada de glorie, Art Deco a reprezentat luxul, glamourul, exuberanța și credința în progresul social și tehnologic.

Încă de la început, Art Deco a fost influențat de formele geometrice îndrăznețe ale cubismului și Secesiunea de la Viena ; culorile strălucitoare ale fauvismului și ale baletelor ruse ; meșteșugul actualizat al mobilierului din epocile lui Ludovic Filip I și Ludovic al XVI-lea ; și stilurile exotizate din China și Japonia , India , Persia , Egiptul antic și arta Maya . Prezenta materiale rare și scumpe, cum ar fi abanosul și fildeșul, și o măiestrie rafinată. Clădirea Chrysler și alte zgârie-nori din New York City construite în anii 1920 și 1930 sunt monumente în stil Art Deco.

În anii 1930, în timpul Marii Depresii , Art Deco-ul a devenit mai redus. Au sosit materiale noi, inclusiv placare cromată , oțel inoxidabil și plastic. O formă mai elegantă a stilului, numită Streamline Moderne , a apărut în anii 1930; avea forme curbate și suprafețe netede și lustruite. Art Deco este unul dintre primele stiluri cu adevărat internaționale, dar dominația sa s-a încheiat odată cu începutul celui de-al doilea război mondial și cu apariția stilurilor strict funcționale și neîmpodobite ale arhitecturii moderne și a stilului internațional de arhitectură care a urmat.

Denumire

Art Deco și-a luat numele, prescurtarea pentru arte decorative , de la Expoziția Internațională a Artelor Decorative și Industriile Moderne, desfășurată la Paris în 1925, deși diversele stiluri care caracterizează Art Deco au apărut deja la Paris și Bruxelles înainte de Primul Război Mondial .

Termenul arts décoratifs a fost folosit pentru prima dată în Franța în 1858; publicat în Bulletin de la Société française de photographie . În 1868, ziarul Le Figaro a folosit termenul de obiecte de artă decorative cu privire la obiecte pentru decoruri scenice create pentru Teatrul de l'Opéra . În 1875, guvernanților francezi li s-a acordat oficial statutul de artiști designerilor de mobilă, designerilor de textile, bijuterii și sticlă și altor meșteri. Ca răspuns la aceasta, École royale gratuite de dessin (Școala Regală Gratuită de Design), înființată în 1766 sub regele Ludovic al XVI-lea pentru a pregăti artiști și artizani în meserii legate de artele plastice, a fost redenumită École nationale des arts décoratifs ( Școala Națională). de Arte Decorative). Și-a luat numele actual ENSAD ( École nationale supérieure des arts décoratifs ) în 1927.

În timpul expoziției din 1925, arhitectul Le Corbusier a scris o serie de articole despre expoziție pentru revista sa L'Esprit Nouveau , sub titlul "1925 EXPO. ARTS. DÉCO.", Care au fost combinate într-o carte, L'art décoratif d ' aujourd'hui (Arta Decorativă Astăzi). Cartea a fost un atac spiritual asupra exceselor obiectelor colorate și fastuoase de la Expoziție; și pe ideea că obiectele practice, cum ar fi mobilierul, nu ar trebui să aibă deloc decor; concluzia sa a fost că „Decorația modernă nu are decorațiuni”.

Expresia actuală art déco nu a apărut tipărită decât în ​​1966, când a apărut în titlul primei expoziții moderne pe această temă, susținută de Muzeul de Arte Decorative din Paris, Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau , care acoperea varietatea de stiluri majore din anii 1920 și 1930. Termenul art déco a fost apoi folosit într-un articol din ziarul lui Hillary Gelson din 1966 în The Times (Londra, 12 noiembrie), descriind diferitele stiluri ale expoziției.

Art Deco a câștigat monedă ca etichetă stilistică larg aplicată în 1968, când istoricul Bevis Hillier a publicat prima carte academică majoră despre acest stil: Art Deco din anii '20 și '30 . Hillier a menționat că termenul era deja folosit de comercianții de artă și citează The Times (2 noiembrie 1966) și un eseu numit Les Arts Déco în revista Elle (noiembrie 1967) ca exemple de utilizare anterioară. În 1971, Hillier a organizat o expoziție la Institutul de Arte din Minneapolis , pe care o detaliază în cartea sa despre aceasta, The World of Art Deco .

Origini

Societatea Artiștilor Decorativi (1901-1913)

Apariția Art Deco a fost strâns legată de creșterea statutului artiștilor decorativi, care până la sfârșitul secolului al XIX-lea fuseseră considerați pur și simplu artizani. Termenul decorativ pentru artă a fost inventat în 1875, oferind designerilor de mobilier, textile și alte decorațiuni statutul oficial. Société des Artistes décorateurs (Societatea Artiștilor decorative), sau trist, a fost fondat în 1901, și artiști decorative s- au dat aceleași drepturi de autor ca pictori și sculptori. O mișcare similară s-a dezvoltat în Italia. Prima expoziție internațională dedicată în întregime artelor decorative, Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna , a avut loc la Torino în 1902. Mai multe reviste noi dedicate artelor decorative au fost fondate la Paris, inclusiv Arts et décoration și L'Art décoratif moderne . Secțiile de artă decorativă au fost introduse în saloanele anuale ale Sociéte des artistes français , iar mai târziu în Salon d'Automne . Naționalismul francez a jucat, de asemenea, un rol în renașterea artelor decorative; Designerii francezi s-au simțit provocați de exporturile în creștere de mobilier german mai puțin costisitor. În 1911, SAD a propus organizarea unei noi expoziții internaționale majore de artă decorativă în 1912. Nu erau permise copii ale stilurilor vechi; numai lucrări moderne. Expoziția a fost amânată până în 1914, apoi, din cauza războiului, amânată până în 1925, când și-a dat numele întregii familii de stiluri cunoscute sub numele de „Déco”.

Magazinele pariziene și designerii de modă au jucat, de asemenea, un rol important în ascensiunea Art Deco. Întreprinderi înființate precum firma de arginterie Christofle , designerul de sticlă René Lalique și bijutierii Louis Cartier și Boucheron , care au început să proiecteze produse în stiluri mai moderne. Începând din 1900, magazinele au recrutat artiști decorativi pentru a lucra în studiourile lor de design. Decorarea Salonului d'Automne din 1912 fusese încredințată magazinului universal Printemps . În același an, Printemps și-a creat propriul atelier numit Primavera . Până în 1920, Primavera avea mai mult de trei sute de artiști. Stilurile au variat de la versiunile actualizate ale lui Ludovic al XIV-lea , Ludovic al XVI-lea și, în special, mobilierul Louis Philippe realizat de Louis Süe și atelierul Primavera , până la forme mai moderne de la atelierul magazinului universal Au Louvre . Alți designeri, printre care Émile-Jacques Ruhlmann și Paul Foliot, au refuzat să folosească producția în serie și au insistat ca fiecare piesă să fie realizată individual manual. Stilul Art Deco timpuriu avea materiale luxoase și exotice, cum ar fi abanos , fildeș și mătase, culori foarte strălucitoare și motive stilizate , în special coșuri și buchete de flori de toate culorile, oferind un aspect modernist.

Secesiunea Vienei și Wiener Werkstätte (1905–1911)

Arhitecții Secesiunii de la Viena (format în 1897), în special Josef Hoffmann , au avut o influență notabilă asupra Art Deco. Palatul său Stoclet , de la Bruxelles (1905-1911), a fost un prototip al stilului Art Deco, cu volume geometrice, simetrie, linii drepte, beton acoperit cu plăci de marmură, ornament sculptat fin și interioare fastuoase, inclusiv frize de mozaic de Gustav Klimt . Hoffmann a fost, de asemenea, un fondator al Wiener Werkstätte (1903–1932), o asociație de meșteri și designeri de interior care lucrează în noul stil. Acesta a devenit modelul pentru Compagnie des arts français , creat în 1919, care a reunit André Mare și Louis Süe , primii designeri și decoratori francezi Art Deco.

Noi materiale și tehnologii

Noile materiale și tehnologii, în special betonul armat , au fost cheia dezvoltării și aspectului Art Deco. Prima casă de beton a fost construită în 1853 în suburbia Parisului de François Coignet . În 1877, Joseph Monier a introdus ideea întăririi betonului cu o plasă de tije de fier în formă de grătar. În 1893 Auguste Perret a construit primul garaj din beton la Paris, apoi o clădire de apartamente, o casă, apoi, în 1913, Théâtre des Champs-Élysées . Teatrul a fost denunțat de un critic ca „Zeppelin de pe Avenue Montaigne”, o presupusă influență germanică, copiată din Secesiunea de la Viena . Ulterior, majoritatea clădirilor Art Deco au fost realizate din beton armat, ceea ce a dat mai multă libertate de formă și mai puțină nevoie de stâlpi și coloane de armare. Perret a fost, de asemenea, un pionier în acoperirea betonului cu plăci ceramice, atât pentru protecție, cât și pentru decor. Arhitectul Le Corbusier a învățat mai întâi utilizările betonului armat care lucrează ca desenator în studioul Perret.

Alte tehnologii noi, importante pentru Art Deco, erau noile metode de producere a sticlei, care era mai puțin costisitoare și permitea ferestre mult mai mari și mai puternice, precum și pentru producerea în serie de aluminiu, care a fost folosit pentru construcții și rame de ferestre și mai târziu, de către Corbusier, Warren McArthur și alții, pentru mobilier ușor.

Théâtre des Champs-Élysées (1910–1913)

Antoine Bourdelle , 1910–12, Apollon et sa méditation entourée des 9 muses (Apollo și meditația sa înconjurată de cele 9 muze), basorelief, pe Teatrul Champs-Élysées. Această lucrare reprezintă unul dintre primele exemple de ceea ce a devenit cunoscut sub numele de sculptură Art Deco

Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913), de Auguste Perret , a fost primul reper Art Deco bloc construit in Paris. Anterior, betonul armat fusese folosit doar pentru clădirile industriale și de apartamente, Perret construise prima clădire modernă de apartamente din beton armat din Paris pe strada Benjamin Franklin în 1903–04. Henri Sauvage , un alt viitor important arhitect Art Deco, a construit un altul în 1904 la 7, rue Trétaigne (1904). Din 1908 până în 1910, Le Corbusier, în vârstă de 21 de ani, a lucrat ca desenator în biroul lui Perret, învățând tehnicile de construcție a betonului. Clădirea Perret avea o formă dreptunghiulară curată, decorațiuni geometrice și linii drepte, viitoarele mărci comerciale ale Art Deco. Decorul teatrului a fost, de asemenea, revoluționar; fațada a fost decorată cu reliefuri înalte de Antoine Bourdelle , o cupolă de Maurice Denis , picturi de Édouard Vuillard și o perdea Art Deco de Ker-Xavier Roussel . Teatrul a devenit celebru ca loc de desfășurare pentru multe dintre primele spectacole ale Baletelor Ruse . Perret și Sauvage au devenit principalii arhitecți Art Deco din Paris în anii 1920.

Salon d'Automne (1912-1913)

La nașterea sa între 1910 și 1914, Art Deco a fost o explozie de culori, cu nuanțe strălucitoare și adesea ciocnitoare, frecvent în modele florale, prezentate în tapițerie de mobilier , covoare, ecrane, tapet și țesături. Multe lucrări colorate, inclusiv scaune și o masă de Maurice Dufrêne și un covor luminos Gobelin de Paul Follot au fost prezentate la Salon des artistes décorateurs din 1912 . În 1912–1913 designerul Adrien Karbowsky a realizat un scaun floral cu design de papagal pentru cabana de vânătoare a colecționarului de artă Jacques Doucet . Designerii de mobilier Louis Süe și André Mare au făcut prima lor apariție la expoziția din 1912, sub numele de Atelier français , combinând țesături colorate cu materiale exotice și scumpe, inclusiv abanos și fildeș. După Primul Război Mondial, au devenit una dintre cele mai proeminente firme de design interior francez, producând mobilierul pentru saloanele și cabinele de primă clasă ale căptușelilor transatlantice franceze .

Culorile vii ale Art Deco au provenit din mai multe surse, inclusiv scenografiile exotice ale lui Léon Bakst pentru Ballets Russes , care au provocat senzație la Paris chiar înainte de Primul Război Mondial. Unele dintre culori au fost inspirate de mișcarea fauvistă anterioară condusă de Henri Matisse ; altele prin orfismul unor pictori precum Sonia Delaunay ; alții prin mișcarea cunoscută sub numele de Les Nabis și în opera pictorului simbolist Odilon Redon, care a proiectat ecrane pentru șemineu și alte obiecte decorative. Culorile strălucitoare au fost o caracteristică a operei designerului de modă Paul Poiret , a cărui lucrare a influențat atât moda Art Deco, cât și designul interior.

Cubism

Joseph Csaky , 1912, Danseuse (Femme à l'éventail, Femme à la cruche) , tencuială originală, expusă la Salon d'Automne din 1912 și Salon des Indépendants din 1914 , o sculptură Proto-Art Deco

Mișcarea de artă cunoscută sub numele de Cubism a apărut în Franța între 1907 și 1912, influențând dezvoltarea Art Deco. În Art Deco Complete: The Definitive Guide to the Decorative Arts of the 1920s and 1930s Alastair Duncan scrie „Cubismul, într-o formă bastardată sau alta, a devenit lingua franca a artiștilor decorativi ai epocii”. Cubiștii, ei înșiși sub influența lui Paul Cézanne , erau interesați de simplificarea formelor la elementele lor esențiale geometrice: cilindrul, sfera, conul.

În 1912, artiștii Secțiunii d'Or au expus lucrări mult mai accesibile publicului larg decât cubismul analitic al lui Picasso și Braque. Vocabularul cubist a fost pregătit să atragă designeri de modă, mobilier și interior.

Scrierile lui André Vera din 1912 , în stil Le Nouveau , publicate în revista L'Art décoratif , au exprimat respingerea formelor Art Nouveau (asimetrice, policrome și pitorești) și au cerut simplitatea voluntară, symétrie manifeste, l'ordre et l'harmonie , teme care ar deveni în cele din urmă comune în Art Deco; deși stilul Deco a fost adesea extrem de colorat și adesea complex.

În secțiunea Art Décoratif din Salon d'Automne din 1912, a fost expusă o instalație arhitecturală cunoscută sub numele de La Maison Cubiste . Fațada a fost proiectată de Raymond Duchamp-Villon . Decorul casei a fost realizat de André Mare . La Maison Cubiste a fost o instalație mobilată cu fațadă, scară, balustrade din fier forjat, un dormitor, o cameră de zi - Salon Bourgeois , unde au fost pictate Albert Gleizes , Jean Metzinger , Marie Laurencin , Marcel Duchamp , Fernand Léger și Roger de La. Fresnaye au fost spânzurați. Mii de spectatori la salon au trecut prin modelul la scară largă.

Fațada casei, proiectată de Duchamp-Villon, nu a fost foarte radicală pentru standardele moderne; buiandrugurile și frontoanele aveau forme prismatice, dar altfel fațada semăna cu o casă obișnuită a perioadei. Pentru cele două camere, Mare a proiectat tapetul, care conținea trandafiri stilizați și modele florale, alături de tapițerie, mobilier și covoare, toate cu motive flamboante și colorate. A fost o pauză distinctă de decorul tradițional. Criticul Emile Sedeyn a descris lucrarea lui Mare în revista Art et Décoration : "El nu se jenează cu simplitate, pentru că înmulțește florile oriunde pot fi puse. Efectul pe care îl caută este evident unul de pitoresc și veselie. El îl atinge". Elementul cubist a fost furnizat de picturi. Instalația a fost atacată de unii critici ca fiind extrem de radicală, ceea ce a contribuit la succesul ei. Această instalație arhitecturală a fost expusă ulterior la Armory Show din 1913 , New York, Chicago și Boston. Mulțumită în mare măsură expoziției, termenul „cubist” a început să fie aplicat la orice modern, de la tunsori pentru femei până la îmbrăcăminte până la spectacole de teatru ”.

Influența cubistă a continuat în cadrul Art Deco, chiar dacă Deco s-a ramificat în multe alte direcții. În 1927, cubiștii Joseph Csaky , Jacques Lipchitz , Louis Marcoussis , Henri Laurens , sculptorul Gustave Miklos și alții au colaborat la decorarea unui Studio House, rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine , proiectat de arhitectul Paul Ruaud și deținut de designerul francez de modă Jacques Doucet, de asemenea colecționar de artă postimpresionistă de Henri Matisse și picturi cubiste (inclusiv Les Demoiselles d'Avignon , pe care le-a cumpărat direct de la studioul lui Picasso). Laurens a proiectat fântâna, Csaky a proiectat scara lui Doucet, Lipchitz a făcut șemineul șemineului, iar Marcoussis a făcut un covor cubist.

Pe lângă artiștii cubiști, Doucet a adus și alți designeri de interior Deco pentru a ajuta la decorarea casei, inclusiv Pierre Legrain, care se ocupa de organizarea decorării, iar Paul Iribe , Marcel Coard, André Groult , Eileen Gray și Rose Adler pentru furnizarea de mobilier . Decorul a inclus piese masive din abanos de macassar, inspirate din arta africană, și mobilier acoperit cu piele marocană, piele de crocodil și piele de șarpe și modele preluate din modele africane.

Geometria adunată a cubismului a devenit moneda regatului în anii 1920. Dezvoltarea Art Deco a geometriei selective a cubismului într-o gamă mai largă de forme a purtat cubismul ca o taxonomie picturală către un public mult mai larg și un apel mai larg. (Richard Harrison Martin, Muzeul Metropolitan de Artă)

Influențe

Art Deco nu a fost un singur stil, ci o colecție de stiluri diferite și uneori contradictorii. În arhitectură, Art Deco a fost succesorul și reacția împotriva Art Nouveau, un stil care a înflorit în Europa între 1895 și 1900 și, de asemenea, a înlocuit treptat Beaux-Arts și neoclasice care au predominat în arhitectura europeană și americană. În 1905 Eugène Grasset a scris și a publicat Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, în care a explorat sistematic aspectele decorative (ornamentale) ale elementelor geometrice, formelor, motivelor și variațiilor lor, în contrast cu (și ca o abatere de la) arta ondulantă. Stilul nou al lui Hector Guimard , atât de popular în Paris cu câțiva ani mai devreme. Grasset a subliniat principiul că diferite forme geometrice simple precum triunghiurile și pătratele sunt baza tuturor aranjamentelor compoziționale. Clădirile din beton armat ale lui Auguste Perret și Henri Sauvage, și în special Théâtre des Champs-Élysées , au oferit o nouă formă de construcție și decorație care a fost copiată la nivel mondial.

În decor, multe stiluri diferite au fost împrumutate și utilizate de Art Deco. Au inclus artă pre-modernă din întreaga lume și observabilă la Muzeul Luvrului , Muzeul Omului și Muzeul Național al Artelor Africii și d'Oceanei . A existat, de asemenea, un interes popular pentru arheologie datorită săpăturilor de la Pompei , Troia și mormântului faraonului dinastia 18 Tutankhamun . Artiștii și designerii au integrat motive din Egiptul antic , Mesopotamia , Grecia , Roma , Asia, Mesoamerica și Oceania cu elemente ale Epocii Mașinilor .

Alte stiluri împrumutate includeau constructivismul rus și futurismul italian , precum și orfismul, funcționalismul și modernismul în general. Art Deco a folosit, de asemenea, culorile și desenele ciocnitoare ale fauvismului, în special în opera lui Henri Matisse și André Derain , a inspirat desenele textilelor art deco, tapetului și ceramicii pictate. A luat idei din vocabularul de înaltă modă al perioadei, care conținea modele geometrice, chevroni, zigzaguri și buchete de flori stilizate. A fost influențat de descoperirile din egiptologie și de interesul crescând pentru Orient și pentru arta africană. Începând din 1925, a fost adesea inspirat de pasiunea pentru mașini noi, cum ar fi dirijabile, automobile și nave maritime, iar până în 1930 această influență a dus la stilul numit Streamline Moderne .

Stil de lux și modernitate

Art Deco a fost asociat atât cu luxul, cât și cu modernitatea; a combinat materiale foarte scumpe și măiestrie rafinată pusă în forme moderniste. Nimic nu era ieftin la Art Deco: piesele de mobilier includeau incrustări de fildeș și argint, iar piesele de bijuterii Art Deco combinau diamante cu platină, jad și alte materiale prețioase. Stilul a fost folosit pentru a decora saloanele de primă clasă ale navelor maritime, trenurilor de lux și zgârie-nori. A fost folosit în întreaga lume pentru a decora marile palate cinematografice de la sfârșitul anilor 1920 și 1930. Mai târziu, după Marea Depresiune , stilul s-a schimbat și a devenit mai sobru.

Un bun exemplu al stilului de lux al Art Deco este budoarul creatorului de modă Jeanne Lanvin , proiectat de Armand-Albert Rateau (1882–1938) realizat între 1922 și 1925. A fost situat în casa ei de la 16 rue Barbet de Jouy, la Paris, care a fost demolată în 1965. Camera a fost reconstruită în Muzeul de Arte Decorative din Paris. Pereții sunt acoperiți cu lambris mulat sub basoreliefuri sculptate în stuc. Alcova este încadrată cu coloane de marmură pe baze și un soclu de lemn sculptat. Pardoseala este din marmură albă și neagră, iar în dulapuri obiecte decorative sunt expuse pe un fundal de mătase albastră. Baia ei avea o cadă și chiuvetă din marmură de sienă, cu un perete de stuc sculptat și accesorii din bronz.

Până în 1928 stilul devenise mai confortabil, cu scaune club din piele adâncă. Studiul conceput de firma Alavoine din Paris pentru un om de afaceri american în 1928–30, acum în Muzeul Brooklyn .

Până în anii 1930, stilul fusese oarecum simplificat, dar era încă extravagant. În 1932 decoratorul Paul Ruoud a realizat Salonul de sticlă pentru Suzanne Talbot. Prezenta un fotoliu serpentin și două fotolii tubulare de Eileen Grey, o podea din dale de sticlă argintată mat, un panou de modele abstracte din lac argintiu și negru și un sortiment de piei de animale.

Expoziția internațională de arte decorative și industriale moderne (1925)

Evenimentul care a marcat zenitul stilului și i-a dat numele a fost Expoziția Internațională de Arte Decorative și Industriale Moderne care a avut loc la Paris din aprilie până în octombrie în 1925. Aceasta a fost sponsorizată oficial de guvernul francez și a acoperit un site din Paris de 55 de acri, care merge de la Grand Palais pe malul drept la Les Invalides pe malul stâng și de-a lungul malurilor Senei. Grand Palais, cea mai mare sală din oraș, a fost plină de exponate de arte decorative din țările participante. Au fost 15.000 de expozanți din douăzeci de țări diferite, inclusiv Austria, Belgia, Cehoslovacia, Danemarca, Marea Britanie, Italia, Japonia, Olanda, Polonia, Spania, Suedia și noua Uniune Sovietică . Germania nu a fost invitată din cauza tensiunilor de după război; Statele Unite, înțelegând greșit scopul expoziției, au refuzat să participe. Evenimentul a fost vizitat de șaisprezece milioane de oameni pe parcursul perioadei sale de șapte luni. Regulile expoziției impuneau ca toate lucrările să fie moderne; nu erau permise stiluri istorice. Scopul principal al expoziției a fost promovarea producătorilor francezi de mobilier de lux, porțelan, sticlă, articole din metal, textile și alte produse decorative. Pentru a promova în continuare produsele, toate marile magazine universale din Paris și designerii majori aveau propriile pavilioane. Expoziția a avut un scop secundar în promovarea produselor din coloniile franceze din Africa și Asia, inclusiv fildeș și lemn exotic.

Hôtel du Collectionneur a fost o atracție populară la Expoziție; a afișat noile modele de mobilier ale lui Emile-Jacques Ruhlmann, precum și țesături Art Deco, covoare și un tablou de Jean Dupas . Designul interior a urmat aceleași principii ale simetriei și formelor geometrice care îl deosebeau de Art Nouveau și culorile strălucitoare, artizanatul fin, materialele rare și scumpe, care îl deosebeau de funcționalitatea strictă a stilului modernist. În timp ce majoritatea pavilioanelor erau decorate generos și umplute cu mobilier de lux realizat manual, două pavilioane, cele ale Uniunii Sovietice și Pavilionul du Nouveau Esprit, construite de revista cu acel nume condusă de Le Corbusier, au fost construite într-un stil auster. pereți albi și fără decorațiuni; au fost printre primele exemple de arhitectură modernistă .

Zgârie-nori

Zgârie-nori americani au marcat vârful stilului Art Deco; au devenit cele mai înalte și mai recunoscute clădiri moderne din lume. Au fost concepute pentru a arăta prestigiul constructorilor lor prin înălțimea, forma, culoarea și iluminarea lor dramatică pe timp de noapte. Clădirea American Radiator de Raymond Hood (1924) a combinat elemente moderne gotice și deco în proiectarea clădirii. Cărămida neagră de pe fațada clădirii (simbolizând cărbunele) a fost selectată pentru a da o idee de soliditate și pentru a conferi clădirii o masă solidă. Alte părți ale fațadei erau acoperite cu cărămizi de aur (simbolizând focul), iar intrarea era decorată cu marmură și oglinzi negre. Un alt zgârie-nori Art Deco timpuriu a fost clădirea Guardian din Detroit , care a fost deschisă în 1929. Proiectată de modernistul Wirt C. Rowland , clădirea a fost prima care a folosit oțelul inoxidabil ca element decorativ și utilizarea pe scară largă a desenelor colorate în locul ornamentelor tradiționale.

Orizontul orașului New York a fost schimbat radical de clădirea Chrysler din Manhattan (finalizată în 1930), proiectată de William Van Alen . Era o reclamă gigantică de șaptezeci și șapte de etaje pentru automobilele Chrysler. Partea superioară a fost încoronată de o turlă din oțel inoxidabil și a fost ornamentată de „gargoyle” deco sub formă de decorațiuni ale capacului radiatorului din oțel inoxidabil. Baza turnului, treizeci și trei de etaje deasupra străzii, era decorată cu frize colorate art deco, iar holul era decorat cu simboluri art deco și imagini care exprimă modernitatea.

Clădirea Chrysler a fost urmată de Empire State Building de William F. Lamb (1931) și RCA Building (acum 30 Rockefeller Plaza) de Raymond Hood (1933) care împreună au schimbat complet orizontul orașului New York. Vârfurile clădirilor erau decorate cu coroane Art Deco și turle acoperite cu oțel inoxidabil și, în cazul clădirii Chrysler, cu gargoule Art Deco modelate după ornamente ale radiatorului, în timp ce intrările și holurile erau decorate genial cu sculpturi Art Deco, ceramică și design. Clădiri similare, deși nu la fel de înalte, au apărut curând în Chicago și în alte mari orașe americane. Clădirea Chrysler a fost în curând depășită în înălțime de Empire State Building, într-un stil Deco puțin mai generos. Rockefeller Center a adăugat un nou element de design: mai multe clădiri înalte grupate în jurul unei piețe deschise, cu o fântână în centru.

Art Deco târziu

În 1925, două școli concurente diferite au coexistat în cadrul Art Deco: tradiționaliștii, care fondaseră Societatea Artiștilor Decorativi; a inclus designerul de mobilier Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunard, sculptorul Antoine Bourdelle și designerul Paul Poiret; au combinat forme moderne cu măiestrie tradițională și materiale scumpe. Pe de altă parte erau moderniștii, care respingeau din ce în ce mai mult trecutul și doreau un stil bazat pe progresele în noile tehnologii, simplitate, lipsa de decor, materiale ieftine și producția de masă. Moderniștii și-au fondat propria organizație, Uniunea franceză a artiștilor moderni , în 1929. Printre membrii săi se numărau arhitecții Pierre Chareau , Francis Jourdain , Robert Mallet-Stevens , Corbusier și, în Uniunea Sovietică, Konstantin Melnikov ; designerul irlandez Eileen Gray și designerul francez Sonia Delaunay, bijutierii Jean Fouquet și Jean Puiforcat . Aceștia au atacat cu înverșunare stilul tradițional art deco, despre care au spus că a fost creat doar pentru cei bogați și au insistat asupra faptului că clădirile bine construite ar trebui să fie disponibile tuturor, iar această formă să urmeze funcției. Frumusețea unui obiect sau a unei clădiri rezida în faptul că era perfect potrivită pentru a-și îndeplini funcția. Metodele industriale moderne însemnau că mobilierul și clădirile puteau fi produse în serie, nu făcute manual.

Designerul de interior Art Deco, Paul Follot, a apărat Art Deco în acest fel: „Știm că omul nu se mulțumește niciodată cu indispensabilul și că superfluul este întotdeauna necesar ... Dacă nu, ar trebui să scăpăm de muzică, flori și parfumuri ..! " Cu toate acestea, Le Corbusier a fost un publicist strălucit pentru arhitectura modernistă; el a declarat că o casă este pur și simplu „o mașină în care să trăiești” și a promovat neobosit ideea că Art Deco era trecutul și modernismul era viitorul. Ideile lui Le Corbusier au fost adoptate treptat de școlile de arhitectură, iar estetica Art Deco a fost abandonată. Aceleași caracteristici care au făcut popular Art Deco la început, măiestria, materialele bogate și ornamentele au dus la declinul acestuia. Marea Depresiune care a început în Statele Unite în 1929 și a ajuns în Europa la scurt timp după aceea, a redus mult numărul clienților bogați care puteau plăti mobilierul și obiectele de artă. În climatul economic al Depresiunii, puține companii erau gata să construiască noi zgârie-nori. Chiar și firma Ruhlmann a recurs la producerea de piese de mobilier în serie, mai degrabă decât la articole individuale realizate manual. Ultimele clădiri construite la Paris în noul stil au fost Muzeul Lucrărilor Publice de Auguste Perret (acum Consiliul Economic, Social și de Mediu francez ) și Palais de Chaillot de Louis-Hippolyte Boileau , Jacques Carlu și Léon Azéma și Palais de Tokyo a expoziției internaționale din Paris din 1937 ; au privit spre grandiosul pavilion al Germaniei naziste, proiectat de Albert Speer , care se confrunta cu pavilionul socialist-realist la fel de grandios al Uniunii Sovietice a lui Stalin.

După al doilea război mondial, stilul arhitectural dominant a devenit stilul internațional inițiat de Le Corbusier și Mies Van der Rohe . O mână de hoteluri Art Deco au fost construite în Miami Beach după cel de-al doilea război mondial, dar în alte părți stilul a dispărut în mare parte, cu excepția designului industrial, unde a continuat să fie folosit în stilul automobilelor și în produse precum tonomate. În anii 1960, a cunoscut o renaștere academică modestă, datorită parțial scrierilor istoricilor arhitecturii precum Bevis Hillier. În anii 1970, s-au făcut eforturi în Statele Unite și Europa pentru a păstra cele mai bune exemple de arhitectură Art Deco, iar multe clădiri au fost restaurate și refăcute. Arhitectura postmodernă , care a apărut pentru prima dată în anii 1980, ca și Art Deco, include deseori trăsături pur decorative. Deco continuă să inspire designeri și este adesea folosit în moda contemporană, bijuterii și articole de toaletă.

Pictura

La Expoziția din 1925 nu a existat nicio secțiune destinată picturii. Pictura art deco era, prin definiție, decorativă, concepută pentru a decora o cameră sau o lucrare de arhitectură, așa că puțini pictori au lucrat exclusiv în stil, dar doi pictori sunt strâns asociați cu Art Deco. Jean Dupas a pictat picturi murale Art Deco pentru Pavilionul Bordeaux la Expoziția de Artă Decorativă din Paris din 1925 și, de asemenea, a pictat imaginea deasupra șemineului în expoziția Maison de la Collectioneur la Expoziția din 1925, care a prezentat mobilier de Ruhlmann și alți designeri de renume Art Deco . Picturile sale murale au fost, de asemenea, proeminente în decorul căptușelii oceanice franceze SS Normandie . Opera sa a fost pur decorativă, concepută ca fundal sau însoțitor al altor elemente ale decorului.

Celălalt pictor strâns asociat cu stilul este Tamara de Lempicka . Născută în Polonia, a emigrat la Paris după Revoluția Rusă . A studiat cu Maurice Denis și André Lhote și a împrumutat multe elemente din stilurile lor. A pictat portrete într-un stil Art Deco realist, dinamic și colorat.

În anii 1930, o nouă formă dramatică de pictură Art Deco a apărut în Statele Unite. În timpul Marii Depresii, a fost creat Proiectul Federal de Artă al Administrației pentru Progresul Lucrărilor pentru a da de lucru artiștilor șomeri. Mulți au primit sarcina de a decora clădirile guvernamentale, spitalele și școlile. Nu a existat un stil specific art deco folosit în picturile murale; artiștii angajați să picteze picturi murale în clădiri guvernamentale au venit din multe școli diferite, de la regionalismul american la realismul social ; au inclus Reginald Marsh , Rockwell Kent și pictorul mexican Diego Rivera . Picturile murale erau Art Deco, deoarece erau toate decorative și legate de activitățile din clădirea sau orașul în care au fost pictate: Reginald Marsh și Rockwell Kent ambele au decorat clădirile poștale din SUA și au arătat angajaților poștali la locul de muncă, în timp ce Diego Rivera îi descrie pe muncitorii fabricii de automobile pentru Detroit Institute of Arts . Pictura murală a lui Diego Rivera Man at the Crossroads (1933) pentru Rockefeller Center a prezentat un portret neautorizat al lui Lenin . Când Rivera a refuzat să-l înlăture pe Lenin, pictura a fost distrusă și o nouă pictură murală a fost pictată de artistul spaniol Josep Maria Sert .

Sculptură

Sculptură monumentală și publică

Sculptura a fost o caracteristică foarte comună și integrală a arhitecturii Art Deco. În Franța, basoreliefurile alegorice reprezentând dans și muzică de Antoine Bourdelle au decorat cel mai vechi reper Art Deco din Paris, Théâtre des Champs-Élysées , în 1912. 1925 a avut lucrări sculpturale majore plasate în jurul sitului, pavilioanele au fost decorate cu frize sculpturale, și mai multe pavilioane dedicate sculpturii de studio mai mici. În anii 1930, un grup mare de sculptori proeminenți au realizat lucrări pentru Expoziția Internațională a Artelor și Tehnicilor în Vie Vie din 1937 la Chaillot. Alfred Janniot a realizat sculpturile în relief de pe fațada Palais de Tokyo. Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris , și esplanada din fața Palais de Chaillot, cu vedere spre Turnul Eiffel, a fost aglomerat cu noul grup statuar de Charles Malfray , Henry Arnold, și multe altele.

Sculptura publică art deco era aproape întotdeauna reprezentativă, de obicei a figurilor eroice sau alegorice legate de scopul clădirii sau camerei. Temele erau de obicei selectate de către patroni, nu de către artist. Sculptura abstractă pentru decor a fost extrem de rară.

În Statele Unite, cel mai proeminent sculptor Art Deco pentru artă publică a fost Paul Manship , care a actualizat subiectele și temele clasice și mitologice într-un stil Art Deco. Cea mai faimoasă lucrare a sa a fost statuia lui Prometeu de la Rockefeller Center din New York, o adaptare a unui subiect clasic din secolul al XX-lea. Alte lucrări importante pentru Rockefeller Center au fost realizate de Lee Lawrie , inclusiv fațada sculpturală și statuia Atlas .

În timpul Marii Depresii din Statele Unite, mulți sculptori au fost însărcinați să facă lucrări pentru decorarea clădirilor guvernului federal, cu fonduri furnizate de WPA sau Works Progress Administration . Acestea includeau sculptorul Sidney Biehler Waugh, care a creat imagini stilizate și idealizate ale lucrătorilor și sarcinile lor pentru clădirile de birouri ale guvernului federal. În San Francisco, Ralph Stackpole a furnizat sculptură pentru fațada noii clădiri a Bursei de Valori din San Francisco . În Washington DC, Michael Lantz a realizat lucrări pentru clădirea Comisiei comerciale federale .

În Marea Britanie, statuia publică Deco a fost realizată de Eric Gill pentru BBC Broadcasting House , în timp ce Ronald Atkinson a decorat holul fostei clădiri Daily Express din Londra (1932).

Una dintre cele mai cunoscute și cu siguranță cea mai mare sculptură publică Art Deco este Hristos Mântuitorul de către sculptorul francez Paul Landowski , finalizată între 1922 și 1931, situată pe un vârf de munte cu vedere la Rio de Janeiro , Brazilia.

Sculptură de studio

Multe sculpturi Art Deco timpurii erau mici, concepute pentru a decora saloanele. Un gen al acestei sculpturi a fost numit statueta Hriselephantine , numită după un stil de statui antice ale templului grecesc din aur și fildeș. Au fost uneori din bronz sau alteori cu materiale mult mai generoase, precum fildeș, onix , alabastru și foi de aur.

Unul dintre cei mai cunoscuți sculptori de salon Art Deco a fost Demétre Chiparus, născut în România , care a produs mici sculpturi colorate de dansatori. Alți sculptori de salon notabili au inclus Ferdinand Preiss , Josef Lorenzl , Alexander Kelety, Dorothea Charol și Gustav Schmidtcassel. Un alt sculptor american important în format de studio a fost Harriet Whitney Frishmuth , care studiase cu Auguste Rodin la Paris.

Pierre Le Paguays a fost un sculptor proeminent de studio Art Deco, a cărui lucrare a fost prezentată la Expoziția din 1925. A lucrat cu bronz, marmură, fildeș, onix, aur, alabastru și alte materiale prețioase.

François Pompon a fost un pionier al sculpturii animale stilizate moderne . El nu a fost pe deplin recunoscut pentru realizările sale artistice până la vârsta de 67 de ani la Salon d'Automne din 1922 cu lucrarea Ours blanc , cunoscută și sub numele de Ursul alb , acum la Muzeul d'Orsay din Paris.

În paralel cu acești sculptori Art Deco, la Paris și New York au lucrat sculptori moderniști mai avangardați și abstracti. Cele mai proeminente au fost Constantin Brâncuși , Joseph Csaky , Alexander Archipenko , Henri Laurens , Jacques Lipchitz , Gustave Miklos , Jean Lambert-Rucki , Jan et Joël Martel , Chana Orloff și Pablo Gargallo .

Arte grafice

Stilul Art Deco a apărut la începutul artelor grafice, în anii de dinainte de primul război mondial. A apărut la Paris în afișele și desenele de costume ale lui Léon Bakst pentru Ballets Russes și în cataloagele designerilor de modă Paul Poiret. Ilustrațiile lui Georges Barbier , Georges Lepape și imaginile din revista de modă La Gazette du bon ton au surprins perfect eleganța și senzualitatea stilului. În anii 1920, aspectul s-a schimbat; moda subliniată a fost mai dezinvoltă, sportivă și îndrăzneață, modelele femeii fumând de obicei țigări. Revistele americane de modă precum Vogue , Vanity Fair și Harper's Bazaar au preluat rapid noul stil și l-au popularizat în Statele Unite. De asemenea, a influențat munca ilustratorilor americani de carte precum Rockwell Kent. În Germania, cel mai faimos posterist al perioadei a fost Ludwig Hohlwein , care a creat postere colorate și dramatice pentru festivaluri de muzică, beri și, la sfârșitul carierei sale, pentru Partidul nazist.

În perioada Art Nouveau, afișele făceau publicitate de obicei cu produse de teatru sau cabarete. În anii 1920, afișele de călătorie, făcute pentru liniile de navă cu aburi și companiile aeriene, au devenit extrem de populare. Stilul s-a schimbat în special în anii 1920, pentru a concentra atenția asupra produsului promovat. Imaginile au devenit mai simple, precise, mai liniare, mai dinamice și au fost adesea plasate pe un singur fundal de culoare. În Franța, printre designerii populari Art Deco se numărau Charles Loupot și Paul Colin , care au devenit celebri pentru afișele sale ale cântăreței și dansatoarei americane Josephine Baker . Jean Carlu a proiectat postere pentru filme, săpunuri și teatre ale lui Charlie Chaplin; la sfârșitul anilor 1930 a emigrat în Statele Unite, unde, în timpul Războiului Mondial, a proiectat afișe pentru a încuraja producția de război. Designerul Charles Gesmar a devenit celebru realizând afișe pentru cântăreața Mistinguett și pentru Air France . Printre cei mai cunoscuți designeri de afișe francezi Art Deco s-a numărat Cassandre , care a realizat celebrul afiș al navei maritime SS Normandie în 1935.

În anii 1930, un nou gen de afișe a apărut în Statele Unite în timpul Marii Depresii. Proiectul Federal de Artă a angajat artiști americani pentru a crea postere pentru a promova turismul și evenimentele culturale.

Arhitectură

Stilul arhitectural de art deco și-a făcut debutul la Paris în 1903–04, odată cu construirea a două blocuri de apartamente în Paris, unul de Auguste Perret pe strada Benjamin Franklin și celălalt pe strada Trétaigne de Henri Sauvage. Cei doi tineri arhitecți au folosit pentru prima dată betonul armat în clădirile rezidențiale din Paris; noile clădiri aveau linii curate, forme dreptunghiulare și nicio decorație pe fațade; au marcat o pauză curată cu stilul art nouveau . Între 1910 și 1913, Perret și-a folosit experiența în clădiri de apartamente din beton pentru a construi Théâtre des Champs-Élysées, 15, bulevardul Montaigne . Între 1925 și 1928 a construit noua fațadă art deco a magazinului universal La Samaritaine din Paris.

După primul război mondial, clădirile art deco din oțel și beton armat au început să apară în orașele mari din Europa și Statele Unite. În Statele Unite, stilul era cel mai frecvent folosit pentru clădiri de birouri, clădiri guvernamentale, cinematografe și gări. Uneori a fost combinat cu alte stiluri; Primăria din Los Angeles a combinat Art Deco cu un acoperiș bazat pe vechiul mausoleu grecesc de la Halicarnassus , în timp ce gara din Los Angeles a combinat Deco cu arhitectura misiunii spaniole. Elementele Art Deco au apărut și în proiectele de inginerie, inclusiv turnurile Podului Golden Gate și turnurile de admisie ale barajului Hoover . În anii 1920 și 1930 a devenit un stil cu adevărat internațional, cu exemple , inclusiv Palacio de Bellas Artes (Palatul de Arte Plastice) în Mexico City de către Federico Mariscal  [ es ] , The stația de metrou Mayakovskaya la Moscova și clădirea Națională Dieta din Tokyo de Watanabe Fukuzo.

Stilul Art Deco nu s-a limitat la clădirile de pe uscat; linia oceanică SS Normandie , a cărei primă călătorie a fost în 1935, a prezentat un design Art Deco, inclusiv o sală de mese al cărei tavan și decor au fost realizate din sticlă de Lalique .

„Catedrale de Comerț”

Marile vitrine ale designului interior Art deco erau holurile clădirilor guvernamentale, ale teatrelor și, în special, ale clădirilor de birouri. Interioarele erau extrem de colorate și dinamice, combinând sculptură, picturi murale și design geometric ornamentat în marmură, sticlă, ceramică și oțel inoxidabil. Un prim exemplu a fost clădirea Fisher din Detroit, de Joseph Nathaniel French ; holul era foarte decorat cu sculptură și ceramică. Clădirea Guardian (inițial Union Trust Building) din Detroit, de Wirt Rowland (1929), decorată cu marmură roșie și neagră și ceramică viu colorată, evidențiată de ușile și ghișeele din oțel foarte lustruite. Decorul sculptural instalat în pereți a ilustrat virtuțile industriei și economisirii; clădirea a fost numită imediat „Catedrala Comerțului”. Clădirea medicală și dentară numită 450 Sutter Street din San Francisco de Timothy Pflueger a fost inspirată de arhitectura mayașă , într-o formă foarte stilizată; folosea forme piramidale, iar pereții interiori erau acoperiți cu rânduri de hieroglife foarte stilizate.

În Franța, cel mai bun exemplu de interior Art Deco din perioada a fost Palais de la Porte Dorée (1931) de Albert Laprade , Léon Jaussely și Léon Bazin . Clădirea (acum Muzeul Național al Imigrației, cu un acvariu în subsol) a fost construită pentru expoziția colonială din Paris din 1931, pentru a sărbători oamenii și produsele coloniilor franceze. Fațada exterioară a fost în întregime acoperită cu sculptură, iar holul a creat o armonie Art Deco cu un parchet din lemn într-un model geometric, o pictură murală care înfățișează oamenii coloniilor franceze; și o compoziție armonioasă de uși verticale și balcoane orizontale.

Palate de film

Multe dintre cele mai bune exemple de Art Deco care au supraviețuit sunt cinematografele construite în anii 1920 și 1930. Perioada Art Deco a coincis cu conversia filmelor mute în sunet, iar companiile de film au construit teatre enorme în marile orașe pentru a capta publicul uriaș care a venit să vadă filme. Palatele de film din anii 1920 combinau adesea teme exotice cu stilul art deco; Teatrul Egiptean Grauman din Hollywood (1922) a fost inspirat de mormintele și piramidele egiptene antice , în timp ce Teatrul Fox din Bakersfield, California, atașa un turn în stilul misiunii California la o sală Art Deco. Cea mai mare dintre toate este Radio City Music Hall din New York, care a fost deschisă în 1932. Concepută inițial ca teatru de scenă, s-a transformat rapid într-un cinematograf, cu o capacitate de 6.015 persoane. Designul interior de la Donald Deskey a folosit sticlă, aluminiu, crom și piele pentru a crea o evadare colorată din realitate. Teatrul Paramount din Oakland, California, de Timothy Pflueger, a avut o fațadă din ceramică colorată , un hol de patru etaje, și separat Art Deco camere pentru domni si doamne fumat. Palate mari similare au apărut în Europa. Grand Rex din Paris (1932), cu turnul său impunător, a fost cel mai mare teatru de film din Europa. Statul Cinema Gaumont din Londra (1937) a avut un turn modelat după clădirea Empire State, acoperite cu plăci ceramice de culoare crem și un interior într - un stil Art Deco-italian renascentist. Paramount Teatrul din Shanghai, China (1933) a fost construit inițial ca o sală de dans numit Poarta de 100 de plăceri ; a fost transformat în cinematograf după Revoluția Comunistă din 1949, iar acum este o sală de bal și o discotecă. În anii 1930, arhitecții italieni au construit un mic palat de film, Cinema Impero, în Asmara în ceea ce este acum Eritreea. Astăzi, multe dintre cinematografele au fost împărțite în multiplexuri, dar altele au fost restaurate și sunt folosite ca centre culturale în comunitățile lor.

Optimizați Moderne

La sfârșitul anilor 1930, o nouă varietate de arhitectură Art Deco a devenit obișnuită; a fost numit Streamline Moderne sau pur și simplu Streamline sau, în Franța, stilul Paqueboat sau Ocean Liner. Clădirile în stil aveau colțuri rotunjite și linii orizontale lungi; erau construite din beton armat și erau aproape întotdeauna albe; și au uneori trăsături nautice, cum ar fi balustrade care seamănă cu cele de pe o navă. Colțul rotunjit nu era cu totul nou; apăruse la Berlin în 1923 în Mossehaus de Erich Mendelsohn și mai târziu în clădirea Hoover , un complex industrial din suburbia londoneză Perivale . În Statele Unite, a devenit cel mai strâns asociat cu transportul; Modernizarea modernă a fost rară în clădirile de birouri, dar a fost adesea folosită pentru stațiile de autobuz și terminalele aeroporturilor, cum ar fi terminalul de pe aeroportul La Guardia din New York, care gestiona primele zboruri transatlantice, prin intermediul vaporilor PanAm Clipper; și în arhitectura la marginea drumului, cum ar fi benzinăriile și restaurantele. La sfârșitul anilor 1930, o serie de mese, modelate după vagoane simplificate, au fost produse și instalate în orașe din New England; cel puțin două exemple rămân în continuare și sunt acum înregistrate clădiri istorice.

Decor și motive

Decorarea în perioada Art Deco a trecut prin mai multe faze distincte. Între 1910 și 1920, pe măsură ce Art Nouveau era epuizat, stilurile de design au văzut o revenire la tradiție, în special în opera lui Paul Iribe. În 1912, André Vera a publicat un eseu în revista L'Art Décoratif, care cerea revenirea la măiestria și materialele secolelor anterioare și folosind un nou repertoriu de forme luate din natură, în special coșuri și ghirlande de fructe și flori. O a doua tendință a Art Deco, tot din 1910 până în 1920, a fost inspirată de culorile strălucitoare ale mișcării artistice cunoscute sub numele de Fauve și de costumele și decorurile colorate ale Baletelor Ruse. Acest stil a fost adesea exprimat cu materiale exotice precum piele de rechin, sidef, fildeș, piele colorată, lemn lăcuit și vopsit și incrustări decorative pe mobilier care îi subliniau geometria. Această perioadă a stilului a atins punctul culminant în expoziția de artă decorativă din Paris din 1925. La sfârșitul anilor 1920 și 1930, stilul decorativ s-a schimbat, inspirat de noi materiale și tehnologii. A devenit mai elegant și mai puțin ornamental. Mobilierul, la fel ca arhitectura, a început să aibă margini rotunjite și să capete un aspect lustruit și raționalizat, preluat din stilul modern. În mobilier și decor au început să apară materiale noi, precum oțelul cromat, aluminiul și bachelita , o formă timpurie de plastic.

De-a lungul perioadei Art Deco, în special în anii 1930, motivele decorului au exprimat funcția clădirii. Teatrele erau decorate cu sculpturi care ilustrau muzica, dansul și emoția; companiile electrice au arătat răsăriturile, clădirea Chrysler a prezentat ornamente stilizate ale hotei; Frizele din Palais de la Porte Dorée la Expoziția Colonială din Paris din 1931 arătau chipurile diferitelor naționalități ale coloniilor franceze. Stilul Streamline a făcut să pară că clădirea în sine era în mișcare. Picturile murale WPA din anii 1930 au prezentat oameni obișnuiți; muncitori din fabrici, lucrători poștali, familii și fermieri, în locul eroilor clasici.

Mobila

Mobilierul francez din 1910 până la începutul anilor 1920 a reprezentat în mare măsură o actualizare a stilurilor tradiționale franceze de mobilier și a desenelor art nouveau ale lui Louis Majorelle , Charles Plumet și altor producători. Producătorii francezi de mobilă s-au simțit amenințați de popularitatea tot mai mare a producătorilor și stilurilor germane, în special a stilului Biedermeier , care era simplu și curat. Designerul francez Frantz Jourdain, președintele Salonului d'Automne din Paris, a invitat designerii din München să participe la salonul din 1910. Designerii francezi au văzut noul stil german și au decis să facă față provocării germane. Designerii francezi au decis să prezinte noi stiluri franceze în salonul din 1912. Regulile salonului indicau că numai stilurile moderne vor fi permise. Toți marii designeri francezi de mobilier au participat la Salon: Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrêne, André Groult, André Mare și Louis Suë au participat, prezentând noi lucrări care au actualizat stilurile tradiționale franceze ale lui Louis XVI și Louis Philippe cu unghiuri mai unghiulare. colțuri inspirate din cubism și culori mai strălucitoare inspirate din fauvism și nabis.

Pictorul André Mare și designerul de mobilier Louis Süe au participat la salonul din 1912. După război, cei doi bărbați s-au unit pentru a-și forma propria companie, numită în mod oficial Compagnie des Arts Française , dar cunoscută de obicei pur și simplu ca Suë și Mare. Spre deosebire de proeminenții designeri art nouveau precum Louis Majorelle, care au proiectat personal fiecare piesă, au adunat o echipă de meșteri calificați și au produs designuri interioare complete, inclusiv mobilier, sticlărie, covoare, ceramică, tapet și iluminat. Lucrările lor au prezentat culori și mobilier strălucitor și lemn fin, cum ar fi abanos incrustat cu sidef, perete și metal argintat pentru a crea buchete de flori. Au conceput totul, de la interiorul căptușelilor de ocean până la sticlele de parfum pentru eticheta lui Jean Patou . Firma a prosperat la începutul anilor 1920, dar cei doi bărbați erau mai buni meșteșugari decât oameni de afaceri. Firma a fost vândută în 1928 și ambii bărbați au plecat.

Cel mai proeminent designer de mobilier la expoziția de arte decorative din 1925 a fost Émile-Jacques Ruhlmann , din Alsacia. Mai întâi și-a expus lucrările la Salonul de toamnă din 1913, apoi a avut propriul său pavilion, „Casa colecționarului bogat”, la Expoziția din 1925. El a folosit doar cele mai rare și scumpe materiale, inclusiv abanos , mahon , lemn de trandafir , ambon și alte păduri exotice, decorate cu incrustări de fildeș, coajă de broască țestoasă, sidef, Micuțe pompe de mătase decorate mânerele sertarelor dulapurilor. Mobilierul său se baza pe modele din secolul al XVIII-lea, dar simplificat și remodelat. În toată munca sa, structura interioară a mobilierului era complet ascunsă. Cadrul, de obicei din stejar, era complet acoperit cu o suprapunere de fâșii subțiri de lemn, apoi acoperite de un al doilea strat de fâșii de păduri rare și scumpe. Acesta a fost apoi acoperit cu un furnir și lustruit, astfel încât piesa arăta de parcă ar fi fost tăiată dintr-un singur bloc de lemn. Contrastul cu lemnul întunecat era asigurat de incrustări de fildeș și plăci și mânere cu chei de fildeș. Potrivit lui Ruhlmann, fotoliile trebuiau proiectate diferit în funcție de funcțiile camerelor în care apăreau; fotoliile de sufragerie au fost concepute pentru a fi primitoare, scaunele de birou confortabile și scaunele de salon voluptuoase. Doar un număr mic de piese din fiecare design de mobilier a fost realizat, iar prețul mediu al unuia dintre paturile sau dulapurile sale a fost mai mare decât prețul unei case medii.

Jules Leleu a fost un designer de mobilier tradițional care s-a mutat lin în Art Deco în anii 1920; a proiectat mobilierul pentru sala de mese a Palatului Élysée și pentru cabinele de primă clasă ale vaporului Normandie . stilul său a fost caracterizat prin utilizarea de abanos, lemn de Macassar, nuc, cu decorarea plăcilor de fildeș și sidef. El a introdus stilul mobilierului art deco lăcuit la sfârșitul anilor 1920, iar la sfârșitul anilor 1930 a introdus mobilier din metal cu panouri de sticlă afumată. În Italia, designerul Gio Ponti era renumit pentru desenele sale simplificate.

Mobilierul costisitor și exotic al lui Ruhlmann și al altor tradiționaliști i-a înfuriat pe moderniști, inclusiv pe arhitectul Le Corbusier, determinându-l să scrie o celebră serie de articole denunțând stilul artistic decorativ . A atacat mobilierul făcut numai pentru cei bogați și a cerut designerilor să creeze mobilier realizat cu materiale ieftine și stil modern, pe care oamenii obișnuiți și-l puteau permite. El și-a proiectat propriile scaune, create pentru a fi ieftine și produse în serie.

În anii 1930, desenele de mobilier s-au adaptat la formă, cu suprafețe mai netede și forme curbate. Printre maeștrii stilului târziu se numărau Donald Deskey, care a fost unul dintre cei mai influenți designeri; a creat interiorul Radio City Music Hall. El a folosit un amestec de materiale tradiționale și foarte moderne, inclusiv aluminiu, crom și bakelită, o formă timpurie de plastic. Alți maeștri ai mobilierului art deco din anii 1930 în Statele Unite au inclus Gilbert Rohde , Warren McArthur , Kem Weber și Wolfgang Hoffman .

Stilul Cascada a fost popular în anii 1930 și 1940, cea mai raspandita forma Art Deco de mobilier la momentul respectiv . Piesele erau de obicei din placaj finisat cu furnir blond și cu margini rotunjite, asemănătoare unei cascade.

Proiecta

Streamline a fost o varietate de Art Deco care a apărut la mijlocul anilor 1930. A fost influențat de principiile aerodinamice moderne dezvoltate pentru aviație și balistică pentru a reduce rezistența aerodinamică la viteze mari. Formele de glonț au fost aplicate de designeri mașinilor, trenurilor, navelor și chiar obiectelor care nu erau destinate mișcării, cum ar fi frigiderele , pompele de benzină și clădirile. Unul dintre primele vehicule de producție în acest stil a fost Chrysler Airflow din 1933. Nu a avut succes comercial, dar frumusețea și funcționalitatea designului său au creat un precedent; însemna modernitate. A continuat să fie folosit în proiectarea mașinilor bine după cel de-al doilea război mondial.

Noile materiale industriale au început să influențeze proiectarea mașinilor și a obiectelor de uz casnic. Acestea includ aluminiu, crom și bakelită , o formă timpurie de plastic. Bakelitul putea fi ușor modelat în diferite forme și în curând a fost folosit în telefoane, aparate de radio și alte aparate.

Marea sală de mese a căptușelii oceanice SS Normandie de Pierre Patout (1935); basoreliefuri de Raymond Delamarre

Liniile oceanice au adoptat, de asemenea, un stil de Art Deco, cunoscut în franceză sub numele de Style Paquebot , sau „Ocean Liner Style”. Cel mai faimos exemplu a fost SS Normandie , care a făcut prima sa călătorie transatlantică în 1935. A fost conceput în special pentru a aduce americanii bogați la Paris să facă cumpărături. Cabinele și saloanele au prezentat cele mai noi mobilier și decorațiuni Art Deco. Marele Salon al navei, care era restaurantul pentru pasagerii de primă clasă, era mai mare decât Sala Oglinzilor din Palatul Versailles . Era iluminat de lumini electrice în interiorul a douăsprezece stâlpi de cristal Lalique; treizeci și șase de stâlpi asemănători căptușeau pereții. Acesta a fost unul dintre primele exemple de iluminare fiind integrat direct în arhitectură. Stilul navelor a fost în curând adaptat clădirilor. Un exemplu notabil se găsește pe malul mării din San Francisco, unde clădirea Muzeului Maritim, construită ca baie publică în 1937, seamănă cu o feribotă, cu balustrade pentru nave și colțuri rotunjite. Terminalul de feriboturi Star din Hong Kong a folosit, de asemenea, o variantă a stilului.

Textile și modă

Textile au fost o parte importantă a stilului Art Deco, sub formă de tapet colorat, tapițerie și covoare. În anii 1920, designerii au fost inspirați de decorurile de scenă ale Baletelor Ruse , de modele și costume de țesături de la Léon Bakst și de creațiile Wiener Werkstätte . Desenele interioare timpurii ale lui André Mare prezentau ghirlande de trandafiri și flori viu colorate și foarte stilizate, care decorau pereții, podelele și mobilierul. Motivele florale stilizate au dominat, de asemenea, opera lui Raoul Dufy și Paul Poiret , precum și în desenele de mobilier ale lui JE Ruhlmann. Covorul floral a fost reinventat în stil Deco de Paul Poiret .

Utilizarea stilului a fost mult îmbunătățită prin introducerea sistemului de imprimare pe șabloane pochoir , care a permis designerilor să obțină claritate a liniilor și culori foarte vii. Formele Art Deco au apărut în îmbrăcămintea lui Paul Poiret , Charles Worth și Jean Patou . După primul război mondial, exporturile de îmbrăcăminte și țesături au devenit unul dintre cei mai importanți câștigători de monede din Franța.

Tapetele și materialele textile Art Deco târzii au prezentat uneori scene industriale stilizate, peisaje urbane, locomotive și alte teme moderne, precum și figuri feminine stilizate, culori metalice și modele geometrice.

Moda s-a schimbat dramatic în perioada Art Deco, datorită în special designerilor Paul Poiret și mai târziu Coco Chanel . Poiret a introdus o inovație importantă în designul modei, conceptul de draperie , o abatere de la croitorie și modelare din trecut. El a proiectat îmbrăcăminte tăiată de-a lungul liniilor drepte și construit din motive dreptunghiulare. Stilurile sale ofereau simplitate structurală Aspectul corsetat și stilurile formale din perioada anterioară au fost abandonate, iar moda a devenit mai practică și simplificată. cu utilizarea de noi materiale, culori mai strălucitoare și modele tipărite. Designerul Coco Chanel a continuat tranziția, popularizând stilul de chic sportiv, casual.

Bijuterii

În anii 1920 și 1930, designeri, printre care René Lalique și Cartier, au încercat să reducă dominanța tradițională a diamantelor, introducând pietre prețioase mai colorate, precum smaralde mici, rubine și safire. De asemenea, au pus un accent mai mare pe setările foarte elaborate și elegante, cu materiale mai puțin costisitoare, cum ar fi smalțul, sticla, cornul și fildeșul. Diamantele în sine au fost tăiate în forme mai puțin tradiționale; Expoziția din 1925 a văzut multe diamante tăiate sub formă de tije mici sau bețe de chibrit. Setările pentru diamante s-au schimbat, de asemenea; Din ce în ce mai des, bijutierii foloseau platina în loc de aur, deoarece era puternică și flexibilă și putea pune grupuri de pietre. Bijuterii au început, de asemenea, să folosească materiale mai întunecate, cum ar fi emailurile și onixul negru , care asigurau un contrast mai mare cu diamantele.

Bijuteriile au devenit mult mai colorate și mai variate în stil. Cartier și firma Boucheron au combinat diamante cu alte pietre prețioase colorate tăiate sub formă de frunze, fructe sau flori, pentru a realiza broșe, inele, cercei, agrafe și pandantive. Temele din Orientul Îndepărtat au devenit, de asemenea, populare; plăcile de jad și corali au fost combinate cu platină și diamante, iar dulapurile de la vanitate, cutii pentru țigări și cutiile cu pulbere au fost decorate cu peisaje japoneze și chineze realizate cu sidef, smalț și lac.

Modificarea rapidă a modei în îmbrăcăminte a adus noi stiluri de bijuterii. Rochiile fără mâneci din anii 1920 au însemnat că armele aveau nevoie de decor, iar designerii au creat rapid brățări din aur, argint și platină incrustate cu lapis-lazuli, onix, corali și alte pietre colorate; Alte brățări erau destinate brațelor superioare, iar mai multe brățări erau deseori purtate în același timp. Tunsorile scurte ale femeilor din anii '20 solicitau elaborate modele de cercei deco. Pe măsură ce femeile au început să fumeze în public, designerii au creat haine de țigări foarte ornate și suporturi pentru țigări de fildeș. Invenția ceasului de mână înainte de Primul Război Mondial i-a inspirat pe bijutieri să creeze ceasuri extraordinare decorate, incrustate cu diamante și placate cu smalț, aur și argint. Ceasurile cu pandantiv, atârnate de o panglică, au devenit și ele la modă.

Casele de bijuterii consacrate din Paris în acea perioadă, Cartier, Chaumet , Georges Fouquet, Mauboussin și Van Cleef & Arpels, toate au creat bijuterii și obiecte în noua modă. Firma Chaumet a realizat cutii de țigări extrem de geometrice, brichete, cutii de pastile și caiete, realizate din pietre dure decorate cu jad , lapis lazuli , diamante și safire. Lor li s-au alăturat mulți tineri designeri noi, fiecare cu propria idee de deco. Raymond Templier a conceput piese cu modele geometrice extrem de complicate, inclusiv cercei din argint care arătau ca zgârie-nori. Gerard Sandoz avea doar 18 ani când a început să proiecteze bijuterii în 1921; el a proiectat multe piese celebre pe baza aspectului neted și lustruit al utilajelor moderne. De asemenea, designerul de sticlă René Lalique a intrat pe teren, creând pandantive din fructe, flori, broaște, zâne sau sirene din sticlă sculptată în culori vii, agățate de șnururi de mătase cu ciucuri. Bijuteria Paul Brandt a contrastat modele dreptunghiulare și triunghiulare și a încorporat perle în linii pe plăci de onix. Jean Despres a realizat coliere cu culori contrastante, reunind lacul argintiu și negru sau aurul cu lapis lazuli. Multe dintre desenele sale arătau ca niște piese de mașini foarte lustruite. Jean Dunand a fost, de asemenea, inspirat de mașini moderne, combinate cu roșii aprinse și negri care contrastează cu metalul lustruit.

Arta sticlei

La fel ca perioada Art Nouveau de dinainte, Art Deco a fost o perioadă excepțională pentru sticla fină și alte obiecte decorative, concepute pentru a se potrivi mediului lor arhitectural. Cel mai faimos producător de obiecte din sticlă a fost René Lalique, ale cărui lucrări, de la vaze la ornamente pentru hote pentru automobile, au devenit simboluri ale perioadei. El se aventurase în sticlă înainte de primul război mondial, proiectând sticle pentru parfumurile lui François Coty , dar nu a început producția serioasă de sticlă de artă decât după primul război mondial. În 1918, la vârsta de 58 de ani, a cumpărat un pahar mare. lucrează în Combs-la-Ville și a început să fabrice atât obiecte de sticlă artistice, cât și practice. El a tratat sticla ca pe o formă de sculptură și a creat statuete, vaze, boluri, lămpi și ornamente. El a folosit mai degrabă cristal demi decât cristal de plumb, care era mai moale și mai ușor de format, deși nu la fel de strălucitor. Uneori a folosit sticlă colorată, dar mai des a folosit sticlă opalescentă, unde o parte sau întreaga suprafață exterioară a fost colorată cu o spălare. Lalique a furnizat panourile decorative din sticlă, luminile și plafoanele de sticlă iluminate pentru căptușelile oceanice SS  Île de France în 1927 și SS Normandie în 1935 și pentru unele dintre vagoanele de dormit de primă clasă ale căilor ferate franceze. La Expoziția de artă decorativă din 1925, el a avut propriul său pavilion, a proiectat o sală de mese cu un set de masă și tavan de sticlă potrivită pentru Pavilionul Sèvres și a proiectat o fântână de sticlă pentru curtea Cours des Métier, o coloană de sticlă subțire care a vărsat apă din lateral și a fost luminată noaptea.

Alți producători notabili de sticlă Art Deco au inclus Marius-Ernest Sabino, care s-a specializat în figurine, vaze, boluri și sculpturi din sticlă de pești, nuduri și animale. Pentru acestea, el a folosit adesea o sticlă opalescentă care se putea schimba de la alb la albastru în chihlimbar, în funcție de lumină. Vazele și bolurile sale aveau frize mulate de animale, nuduri sau busturi de femei cu fructe sau flori. Opera sa a fost mai puțin subtilă, dar mai colorată decât cea a lui Lalique.

Alți designeri notabili de sticlă Deco l-au inclus pe Edmond Etling, care a folosit și culori strălucitoare opalescente, adesea cu modele geometrice și nuduri sculptate; Albert Simonet, și Aristide Colotte și Maurice Marinot , care erau cunoscuți pentru sticlele și vazele sculpturale adânc gravate. Firma Daum din orașul Nancy , care fusese renumită pentru sticla Art Nouveau, a produs o linie de vaze Deco și sculptură din sticlă, solide, geometrice și în formă grosolane. Lucrări multicolore mult mai delicate au fost realizate de Gabriel Argy-Rousseau , care a produs vaze delicat colorate cu fluturi și nimfe sculptate, și Francois Decorchemont, ale cărui vaze erau dungate și marmorate.

Marea Depresiune a distrus o mare parte din industria sticlei decorative, care depindea de clienții bogați. Unii artiști s-au orientat spre proiectarea vitraliilor pentru biserici. În 1937, compania de sticlă Steuben a început practica de a însărcina artiști celebri să producă sticlărie. Louis Majorelle , renumit pentru mobilierul său Art Nouveau, a proiectat o remarcabilă vitralii Art Deco care îi portretizează pe lucrătorii din oțel pentru birourile Aciéries de Longwy , o fabrică de oțel din Longwy , Franța.

Catedrala Amiens are un exemplu rar de vitralii Art Deco în Capela Sfintei Inimi, realizate în 1932-34 de artistul de sticlă din Paris Jean Gaudin pe baza desenelor lui Jacques Le Breton.

Arta metalului

Artiștii Art Deco au produs o mare varietate de obiecte practice în stil Art Deco, realizate din materiale industriale de la fier forjat tradițional până la oțel cromat. Artistul american Norman Bel Geddes a proiectat un set de cocktailuri asemănător unui zgârie-nori din oțel cromat. Raymond Subes a proiectat o grilă metalică elegantă pentru intrarea în Palais de la Porte Dorée, elementul central al expoziției coloniale din Paris din 1931. Sculptorul francez Jean Dunand a produs uși magnifice pe tema „Vânătoarea”, acoperită cu frunze de aur și vopsea pe tencuială (1935).

Animaţie

Imaginile și imaginile Art Deco au fost utilizate în mai multe filme de animație, inclusiv Batman , Night Hood , All's Fair at the Fair , Merry Mannequins , Page Miss Glory , Fantasia și Sleeping Beauty .

Arhitectură Art Deco din întreaga lume

Arhitectura Art Deco a început în Europa, dar până în 1939 existau exemple în orașele mari de pe fiecare continent și din aproape fiecare țară. Aceasta este o selecție de clădiri proeminente de pe fiecare continent. (Pentru o cuprinzătoare a clădirilor existente pe țări, consultați Lista arhitecturii Art Deco .)

Africa

Majoritatea clădirilor Art Deco din Africa au fost construite în timpul stăpânirii coloniale europene și deseori proiectate de arhitecți italieni, francezi și portughezi.

Asia

Multe clădiri Art Deco din Asia au fost proiectate de arhitecți europeni. Dar în Filipine, arhitecții locali precum Juan Nakpil , Juan Arellano și alții au fost preeminenți. Multe repere Art Deco din Asia au fost demolate în timpul marii expansiuni economice a Asiei la sfârșitul secolului al XX-lea, dar mai există câteva enclave notabile ale arhitecturii, în special în Shanghai și Mumbai .

Australia și Noua Zeelandă

Melbourne și Sydney, Australia, au câteva clădiri notabile Art Deco, inclusiv Manchester Unity Building și fostul sediu al poliției Russell Street din Melbourne, Muzeul de Artă Castlemaine din Castlemaine , centrul Victoria și Grace Building , AWA Tower și Anzac Memorial din Sydney.

Mai multe orașe din Noua Zeelandă, inclusiv Napier și Hastings, au fost reconstruite în stil Art Deco după cutremurul din Golful Hawke din 1931 , iar multe dintre clădiri au fost protejate și restaurate. Napier a fost nominalizat pentru statutul de Patrimoniu Mondial UNESCO , primul sit cultural din Noua Zeelandă care a fost nominalizat. Wellington a păstrat un număr considerabil de clădiri Art Deco.

America de Nord

În Canada, structurile Art Deco care au supraviețuit se află în principal în marile orașe; Montreal , Toronto, Hamilton, Ontario și Vancouver . Acestea variază de la clădiri publice precum Primăria Vancouver până la clădiri comerciale ( College Park ) până la lucrări publice ( Stația de tratare a apei RC Harris ).

În Mexic, cel mai impunător exemplu Art Deco este interiorul Palacio de Bellas Artes (Palatul de Arte Frumoase), terminat în 1934 cu decorul și picturile sale elaborate. Exemple de arhitectură rezidențială Art Deco pot fi găsite în cartierul Condesa , multe concepute de Francisco J. Serrano .

În Statele Unite, clădirile Art Deco se găsesc de la coastă la coastă, în toate marile orașe. A fost utilizat pe scară largă pentru clădiri de birouri, gări, terminale de aeroport și cinematografe; clădirile rezidențiale sunt rare. În anii 1920 și 1930 arhitecții din sud-vestul Statelor Unite, în special în statul american New Mexico , au combinat renașterea Pueblo cu Art Deco pentru a crea Pueblo Deco , așa cum se vede în Teatrul KiMo din Albuquerque . În anii 1930, stilul mai auster a simplificat a devenit popular. Multe clădiri au fost demolate între 1945 și sfârșitul anilor 1960, dar apoi au început eforturile de a proteja cele mai bune exemple. Orașul Miami Beach a înființat districtul arhitectural Miami Beach pentru a păstra colecția colorată de clădiri Art Deco găsite acolo.

America Centrală și Caraibe

Clădirile Art Deco pot fi găsite în toată America Centrală. O colecție deosebit de bogată se găsește în Cuba, construită în mare parte pentru numărul mare de turiști care au venit pe insulă din Statele Unite. O astfel de clădire este López Serrano construită între 1929 și 1932 în secțiunea Vedado din Havana .

Europa

Stilul arhitectural a apărut pentru prima dată la Paris cu Théâtre des Champs-Élysées (1910–13) de Auguste Perret, dar s-a răspândit rapid în toată Europa, până când s-au putut găsi exemple în aproape fiecare oraș mare, de la Londra la Moscova. În Germania, două variante ale Art Deco au înflorit în anii 1920 și 30: stilul Neue Sachlichkeit și arhitectura expresionistă . Exemple remarcabile includ Mossehaus și teatrul Schaubühne din Erich Mendelsohn din Berlin , Chilehaus al lui Fritz Höger din Hamburg și Kirche am Hohenzollernplatz din Berlin, Turnul Anzeiger din Hanovra și Turnul Borsig din Berlin.

Una dintre cele mai mari clădiri Art Deco din Europa de Vest este Bazilica Națională a Inimii Sacre din Koekelberg , Bruxelles. În 1925, arhitectul Albert van Huffel a câștigat Marele Premiu pentru Arhitectură cu macheta sa a bazilicii la Expoziția Internațională a Artelor Decorative și Industriile Moderne din Paris.

Spania și Portugalia au câteva exemple izbitoare de clădiri Art Deco, în special cinematografe. Exemple în Portugalia sunt Teatrul Capitólio (1931) și Cine-Teatrul Éden (1937) din Lisabona , Teatrul Rivoli (1937) și Coliseul (1941) din Porto și Teatrul Rosa Damasceno (1937) din Santarém . Un exemplu în Spania este Cine Rialto din Valencia (1939).

În anii 1930, Art Deco a avut un efect vizibil asupra designului caselor din Regatul Unit, precum și asupra proiectării diferitelor clădiri publice. Fațadele case drepte, redate cu alb, care se ridicau până la acoperișuri plate, învelișurile geometrice ascuțite și ferestrele înalte, precum și ferestrele de colț din metal curbat convex, erau toate caracteristice acelei perioade.

London Underground este renumit pentru mai multe exemple de arhitectura Art Deco, și există un număr de clădiri în stil situate de-a lungul Golden Mile în Brentford. Tot în vestul Londrei se află clădirea Hoover, care a fost inițial construită pentru The Hoover Company și a fost transformată într-un supermarket la începutul anilor 1990.

București, România

Bucureștiul, cândva cunoscut sub numele de „Micul Paris” al secolului al XIX-lea, angajat într-un design nou după primul război mondial, și-a redirecționat inspirația către New York. Anii 1930 au adus o nouă modă care a ecou în cinematografie, teatru, stiluri de dans, artă și arhitectură. Bucureștiul din anii 1930 a fost marcat de tot mai multe arhitecturi art deco de la bulevardele mai mari precum strada Magheru până la casele private și cartierele mai mici. Palatul Telefoanelor, un reper timpuriu al Bucureștiului modern, a fost primul zgârie-nori al orașului. A fost cea mai înaltă clădire între 1933 și 1970, cu o înălțime de 52,5 metri (172 ft). Arhitecții au fost Louis Weeks și Edmond Van Saanen și inginerul Walter Troy. Monumentele art deco sunt o parte crucială a caracterului Bucureștiului, deoarece descriu și marchează o perioadă importantă din istoria sa, viața interbelică (Primul Război Mondial - Al Doilea Război Mondial). Majoritatea clădirilor din acei ani sunt predispuse la catastrofe, deoarece Bucureștiul se află într-o zonă de cutremur.

India

Institutul Indian al Arhitecților, fondat la Mumbai în 1929, a jucat un rol proeminent în propagarea mișcării Art Deco. În noiembrie 1937, acest institut a organizat „Expoziția de casă ideală” desfășurată în primăria din Mumbai, care s-a întins pe 12 zile și a atras aproximativ o sută de mii de vizitatori. Drept urmare, a fost declarat un succes de „Journal of the Indian Institute of Architects”. Exponatele afișau „idealul”, sau mai bine descris ca fiind cele mai „moderne” amenajări pentru diferite părți ale casei, acordând detalii detaliate pentru a evita gafele arhitecturale și pentru a prezenta cele mai eficiente și bine gândite modele. Expoziția s-a axat pe diverse elemente ale unei case, de la mobilier, elemente de decor interior, precum și aparate de radio și frigidere folosind materiale și metode noi și relevante din punct de vedere științific. Călăuziți de dorința lor de a imita vestul, arhitecții indieni au fost fascinați de modernitatea industrială oferită de Art Deco. Elitele occidentale au fost primele care au experimentat fațetele avansate din punct de vedere tehnologic ale Art Deco, iar arhitecții au început procesul de transformare de la începutul anilor 1930.

Extinderea comerțului portuar din Mumbai în anii 1930 a dus la creșterea populației educate din clasa de mijloc. De asemenea, a înregistrat o creștere a numărului de persoane care migrează la Mumbai în căutarea de oportunități de muncă. Acest lucru a dus la nevoia urgentă de noi dezvoltări prin intermediul schemelor de recuperare a terenurilor și construcției de noi clădiri publice și rezidențiale. În paralel, schimbarea climatului politic din țară și calitatea aspirațională a esteticii Art Deco au dus la o acceptare din toată inima a stilului de construcție în dezvoltarea orașului. Majoritatea clădirilor din această perioadă pot fi văzute răspândite în cartierele orașului în zone precum Churchgate, Colaba, Fort, Mohammed Ali Road, Cumbala Hill, Dadar, Matunga, Bandra și Chembur.

America de Sud

Art Deco în America de Sud este prezentă în special în țările care au primit un mare val de imigrație în prima jumătate a secolului al XX-lea, cu lucrări notabile în orașele lor cele mai bogate, cum ar fi São Paulo și Rio de Janeiro în Brazilia și Buenos Aires în Argentina. Clădirea Kavanagh din Buenos Aires (1934), realizată de Sánchez, Lagos și de la Torre, a fost cea mai înaltă structură din beton armat când a fost finalizată și este un exemplu notabil de stil Art Deco târziu.

Conservare și Neo Art Deco

În multe orașe, s-au făcut eforturi pentru a proteja clădirile Art Deco rămase. În multe orașe din SUA, cinematografele istorice art deco au fost păstrate și transformate în centre culturale. Chiar și mai modeste clădiri art deco au fost păstrate ca parte a patrimoniului arhitectural al Americii; o cafenea și o benzinărie art deco de-a lungul Route 66 din Shamrock, Texas este un monument istoric. Miami Beach Architectural District protejează câteva sute de clădiri vechi și impune ca clădirile noi să respecte stilul. În Havana , Cuba, multe clădiri Art Deco s-au deteriorat grav. Sunt depuse eforturi pentru a readuce clădirile la culoarea și aspectul lor original.

În secolul XXI, în unele orașe americane au apărut variante moderne ale Art Deco, numite Neo Art Deco (sau Neo-Art Deco), inspirate din clădirile clasice Art Deco din anii 1920 și 1930. Exemplele includ Turnul NBC din Chicago, inspirat de 30 Rockefeller Plaza din New York City; și Smith Center for the Performing Arts din Las Vegas, Nevada, care include caracteristici art deco de la barajul Hoover , aflat la 80 km (50 mile) distanță.

Galerie

Vezi si

Referințe

Bibliografie

linkuri externe