muzica baroc -Baroque music

Pictură de Evaristo Baschenis cu instrumente baroc , inclusiv un cittern , violoncel cu cinci sau șase coarde, vioară și două lăute

Muzica baroc ( Marea Britanie : / b ə ˈ r ɒ k / sau SUA : / b ə ˈ r k / ) este o perioadă sau stil de muzică clasică occidentală din aproximativ 1600 până în 1750, originară din Europa de Vest . Această epocă a urmat epocii muzicii renascentiste și a fost urmată, la rândul său, de epoca clasică , stilul galant marcând tranziția între epocile baroc și clasică. Perioada barocului este împărțită în trei faze majore: timpurie, mijlocie și târzie. Suprapune în timp, ele sunt datate în mod convențional din 1580 până în 1650, din 1630 până în 1700 și din 1680 până în 1750. Muzica barocă formează o parte majoră a canonuluimuzicii clasice ” și este acum studiată, interpretată și ascultată pe scară largă. Termenul „ baroc ” provine din cuvântul portughez barroco , care înseamnă „ perlă deformată ”. Lucrările lui Georg Friedrich Händel și Johann Sebastian Bach sunt considerate apogeul perioadei baroc. Compozitorii cheie ai epocii baroc includ Claudio Monteverdi , Domenico Scarlatti , Alessandro Scarlatti , Antonio Vivaldi , Henry Purcell , Georg Philipp Telemann , Jean-Baptiste Lully , Jean-Philippe Rameau , Marc-Antoine Charpentier , Arcangelo Corelli , François Couperin , Heinrich Schütz . , Dieterich Buxtehude și alții.

Perioada barocă a văzut crearea tonalității de practică comună , o abordare a scrierii muzicii în care un cântec sau o piesă este scrisă într-o anumită tonalitate ; acest tip de armonie a continuat să fie utilizat pe scară largă în muzica clasică și populară occidentală . În perioada barocului, muzicienii profesioniști erau de așteptat să fie improvizatori desăvârșiți atât a liniilor melodice solo, cât și a părților de acompaniament . Concertele în stil baroc erau în mod obișnuit însoțite de un grup de bas continuu (cuprinzând instrumentiști care cântau acorduri, cum ar fi clavecinisti și cântători de lăută , care improvizau acorduri dintr-o parte de bas figurat ), în timp ce un grup de instrumente de bas - violă , violoncel , contrabas - cânta la linie de bas . O formă caracteristică barocă a fost suita de dans . În timp ce piesele dintr-o suită de dans au fost inspirate de muzica de dans reală, suitele de dans au fost concepute exclusiv pentru ascultare, nu pentru însoțirea dansatorilor.

În timpul perioadei, compozitorii au experimentat găsirea unui sunet mai plin pentru fiecare parte instrumentală (creând astfel orchestra), au făcut modificări în notația muzicală (dezvoltarea basului figurat ca o modalitate rapidă de a nota progresia acordurilor unui cântec sau a unei piese) și dezvoltat noi tehnici de joc instrumental. Muzica barocă a extins dimensiunea, gama și complexitatea interpretării instrumentale și, de asemenea, a stabilit formele mixte vocale/instrumentale de operă , cantată și oratoriu și formele instrumentale ale concertului solo și sonatei ca genuri muzicale. Muzica polifonică densă, complexă , în care mai multe linii de melodie independente au fost interpretate simultan (un exemplu popular în acest sens este fuga ), a fost o parte importantă a multor lucrări corale și instrumentale baroc. În general, muzica baroc a fost un instrument de exprimare și comunicare.

Etimologie și definiție

Etimologia barocului este probabil prin baroc francez (care însemna inițial o perlă de formă neregulată) și din portugheză barroco („perlă neregulată”); legat și de barrueco spaniol și barocco italian . Termenul este de origine finală incertă, dar probabil din latină verrūca („negi”) sau posibil din Baroco , un termen tehnic din logica scolastică.

Termenul „baroc” este folosit în general de către istoricii muzicii pentru a descrie o gamă largă de stiluri dintr-o regiune geografică largă, mai ales în Europa, compuse pe o perioadă de aproximativ 150 de ani. Deși s-a crezut mult timp că cuvântul ca termen critic a fost aplicat pentru prima dată arhitecturii, de fapt el apare mai devreme cu referire la muzică, într-o recenzie anonimă, satirică, a premierei în octombrie 1733 a lui Rameau Hippolyte et Aricie, tipărită în Mercure . de France în mai 1734. Criticul a sugerat că noutatea din această operă era „du baroc”, plângându-se că muzica nu are o melodie coerentă, era plină de disonanțe neîntrerupte, schimba constant cheia și metrul și trecea rapid prin toate dispozitivele compoziționale.

Jean-Jacques Rousseau , care a fost muzician și compozitor, precum și filozof, a scris în 1768 în Encyclopédie : „Muzica barocă este aceea în care armonia este confuză și încărcată cu modulații și disonanțe. Cântarea este aspră și nefirească, intonația dificilă, iar mișcarea limitată. Se pare că termenul provine de la cuvântul „baroco” folosit de logicieni”. Rousseau se referea la termenul filozofic baroco , folosit încă din secolul al XIII-lea pentru a descrie un tip de argument academic elaborat și, pentru unii, complicat inutil.

Aplicarea sistematică de către istorici a termenului „baroc” la muzica din această perioadă este o dezvoltare relativ recentă. În 1919, Curt Sachs a devenit primul care a aplicat în mod sistematic muzicii cele cinci caracteristici ale teoriei barocului lui Heinrich Wölfflin . Criticii s-au grăbit însă să pună la îndoială încercarea de a transpune în muzică categoriile lui Wölfflin, iar în al doilea sfert al secolului al XX-lea încercări independente au fost făcute de Manfred Bukofzer (în Germania și, după imigrarea sa, în America) și de Suzanne Clercx-Lejeune. (în Belgia) să folosească analiza tehnică autonomă mai degrabă decât abstracțiile comparative, pentru a evita adaptarea la muzică a teoriilor bazate pe artele plastice și literatura. Toate aceste eforturi au dus la un dezacord apreciabil cu privire la limitele de timp ale perioadei, în special în ceea ce privește momentul în care a început. În engleză termenul a dobândit monedă abia în anii 1940, în scrierile lui Bukofzer și Paul Henry Lang .

Până în 1960, exista încă dispute considerabile în cercurile academice, în special în Franța și Marea Britanie, dacă era semnificativ să grupăm muzică la fel de diversă precum cea a lui Jacopo Peri , Domenico Scarlatti și Johann Sebastian Bach sub o singură rubrică. Cu toate acestea, termenul a devenit larg folosit și acceptat pentru această gamă largă de muzică. Poate fi util să distingem baroc atât de perioada anterioară ( Renaștere ) cât și de cea următoare ( clasică ) a istoriei muzicale.

Istorie

De-a lungul epocii barocului, noile evoluții în muzică au apărut în Italia, după care au durat până la 20 de ani până să fie adoptate pe scară largă în restul practicii muzicii clasice occidentale . De exemplu, compozitorii italieni au trecut la stilul galant în jurul anului 1730, în timp ce compozitorii germani precum Johann Sebastian Bach au continuat în mare parte să scrie în stil baroc până în 1750.

Fazele muzicii baroc
Subperioada Timp In Italia În altă parte
baroc timpuriu 1580–1650
baroc mijlociu 1630–1700
baroc târziu 1680–1750

Muzică baroc timpuriu (1580–1650)

Camerata florentină a fost un grup de umaniști, muzicieni, poeți și intelectuali din Florența târzie a Renașterii, care s-au adunat sub patronajul contelui Giovanni de' Bardi pentru a discuta și a ghida tendințele în arte, în special în muzică și teatru . În ceea ce privește muzică, ei și-au bazat idealurile pe o percepție a dramei muzicale clasice (în special greacă veche ) care punea preț pe discursul și orarea. În consecință, ei au respins folosirea de către contemporani a polifoniei (linii melodice multiple, independente) și a muzicii instrumentale și au discutat despre dispozitive muzicale antice grecești precum monodia , care consta într-un cânt solo însoțit de un kithara (un instrument străvechi cu coarde). Realizările timpurii ale acestor idei, inclusiv Dafne și L'Euridice ale lui Jacopo Peri , au marcat începutul operei, care a fost un catalizator pentru muzica baroc.

În ceea ce privește teoria muzicii, utilizarea mai răspândită a basului figurat (cunoscut și ca bas aprofundat ) reprezintă importanța în dezvoltare a armoniei ca bază liniară a polifoniei. Armonia este rezultatul final al contrapunctului , iar basul figurat este o reprezentare vizuală a acelor armonii utilizate în mod obișnuit în interpretarea muzicală. Cu bas figurat, numerele, accidentele sau simbolurile au fost plasate deasupra liniei de bas care a fost citită de cântăreții de instrumente de la claviatură, cum ar fi cei la clavecin sau organiștii de țevi (sau luteniștii ). Numerele, accidentele sau simbolurile indică clapetarului ce intervale trebuie redate deasupra fiecărei note de bas. Tastatura ar improviza o voce de acord pentru fiecare notă de bas. Compozitorii au început să se preocupe de progresiile armonice și au folosit, de asemenea, tritonul , perceput ca un interval instabil, pentru a crea disonanță (a fost folosit în acordul a șaptea dominant și în acordul diminuat ). Un interes pentru armonie a existat și în rândul anumitor compozitori din Renaștere, în special Carlo Gesualdo ; Cu toate acestea, utilizarea armoniei îndreptată spre tonalitate (un accent pe o cheie muzicală care devine „nota de acasă” a unei piese), mai degrabă decât modalitatea , marchează trecerea de la Renaștere la perioada barocului. Acest lucru a condus la ideea că anumite secvențe de acorduri, mai degrabă decât doar note, ar putea oferi un sentiment de închidere la sfârșitul unei piese - una dintre ideile fundamentale care a devenit cunoscută sub numele de tonalitate .

Prin încorporarea acestor noi aspecte ale compoziției, Claudio Monteverdi a promovat tranziția de la stilul muzical renascentist la cel al perioadei baroc. A dezvoltat două stiluri individuale de compoziție - moștenirea polifoniei renascentiste ( prima pratica ) și noua tehnică de basso continuu a barocului ( seconda pratica ). Cu basso continuu, un mic grup de muzicieni cânta linia de bas și acordurile care formau acompaniamentul unei melodii . Grupul de basso continuu folosește de obicei unul sau mai mulți claviști și un cântăreț de lăută care ar cânta linia de bas și ar improviza acordurile și mai multe instrumente de bas (de exemplu, violă de bas , violoncel , contrabas ) care ar cânta linia de bas. Odată cu scrierea operelor L'Orfeo și L'incoronazione di Poppea , printre altele, Monteverdi a adus o atenție considerabilă acestui nou gen. Acest stil venețian a fost dus cu ușurință în Germania de Heinrich Schütz , al cărui stil divers a evoluat și în perioada următoare.

Texturile instrumentale idiomatice au devenit din ce în ce mai proeminente. În special, stilul luthé - ruperea neregulată și imprevizibilă a progresiilor acordurilor, în contrast cu modelarea obișnuită a acordurilor întrerupte - la care se face referire încă de la începutul secolului al XX-lea ca stil brisé , a fost stabilit ca o textură consistentă în muzica franceză de Robert Ballard . , în cărțile sale de lăută din 1611 și 1614 și de Ennemond Gaultier . Această figurație idiomatică de lăută a fost ulterior transferată la clavecin, de exemplu în muzica pentru clape a lui Louis Couperin și Jean-Henri D'Anglebert , și a continuat să aibă o influență importantă asupra muzicii pentru claviatură de-a lungul secolului al XVIII-lea și începutul secolului al XIX-lea (în, de exemplu, , muzica lui Johann Sebastian Bach și Frédéric Chopin ).

Muzică baroc mijlociu (1630–1700)

Ascensiunea curții centralizate este una dintre trăsăturile economice și politice ale ceea ce este adesea etichetat Epoca Absolutismului , personificată de Ludovic al XIV-lea al Franței. Stilul palatului și sistemul curții de maniere și arte pe care le-a promovat au devenit modelul pentru restul Europei. Realitățile în creștere ale patronajului bisericesc și de stat au creat cererea pentru muzică publică organizată, deoarece disponibilitatea tot mai mare a instrumentelor a creat cererea pentru muzică de cameră , care este muzică pentru un ansamblu mic de instrumentiști.

Un exemplu preeminent de compozitor în stil curte este Jean-Baptiste Lully . El a achiziționat brevete de la monarhie pentru a fi singurul compozitor de opere pentru regele francez și pentru a împiedica pe alții să pună în scenă opere. A finalizat 15 tragedii lirice și a lăsat neterminat Achille et Polyxène . Lully a fost un exemplu timpuriu de dirijor ; batea timpul cu un toiag mare pentru a-și menține ansamblurile împreună.

Din punct de vedere muzical, el nu a stabilit norma dominată de coarde pentru orchestre, care a fost moștenită de la opera italiană, iar dispoziția în cinci părți, caracteristic franțuzesc (viori, viole – în mărimi hautes-contre, tailles și quintes – și viori de bas ) a fost folosit în balet din vremea lui Ludovic al XIII-lea. El a introdus, totuși, acest ansamblu în teatrul liric, cu părțile superioare adesea dublate de flaute, flaute și oboi, iar basul de fagoți. Trâmbițe și tobe au fost adăugate frecvent pentru scene eroice.

Perioada barocului mijlociu din Italia este definită de apariția stilurilor vocale de cantată , oratoriu și operă în anii 1630 și un nou concept de melodie și armonie care a ridicat statutul muzicii la unul de egalitate cu cuvintele, care înainte fusese considerată preeminentă. Monodia plină de culoare a barocului timpuriu a făcut loc unui stil melodic mai simplu și mai șlefuit. Aceste melodii au fost construite din idei scurte, delimitate cadențial, adesea bazate pe modele de dans stilizate extrase din sarabande sau courante . Armoniile, de asemenea, ar putea fi mai simple decât în ​​monodia barocului timpuriu, pentru a arăta expresia într-o manieră mai ușoară pe șir și crescendos și diminuendos pe notele mai lungi. Liniile de bas însoțitoare au fost mai integrate cu melodia, producând o echivalență contrapunctică a părților care a condus ulterior la dispozitivul unei anticipări inițiale de bas a melodiei ariei. Această simplificare armonică a condus și la un nou dispozitiv formal de diferențiere a recitativului (o parte mai vorbită a operei) și a ariei (o parte a operei care folosea melodii cântate). Cei mai importanți inovatori ai acestui stil au fost romanii Luigi Rossi și Giacomo Carissimi , care au fost în primul rând compozitori de cantate și, respectiv, oratorie, și venețianul Francesco Cavalli , care a fost în principal compozitor de operă. Mai târziu, practicanții importanți ai acestui stil includ Antonio Cesti , Giovanni Legrenzi și Alessandro Stradella .

Arcangelo Corelli este amintit ca fiind influent pentru realizările sale pe cealaltă parte a tehnicii muzicale - ca violonist care a organizat tehnica și pedagogia viorii - și în muzica pur instrumentală, în special susținerea și dezvoltarea concertului grosso . În timp ce Lully a fost instalat la curte, Corelli a fost unul dintre primii compozitori care a publicat pe scară largă și a interpretat muzica sa în toată Europa. Ca și în cazul stilizării și organizării operei de către Lully, concertoul grosso este construit pe contraste puternice - secțiuni alternează între cele interpretate de orchestra completă și cele interpretate de un grup mai mic. Secțiunile rapide și secțiunile lente au fost juxtapuse unele față de altele. Printre studenții săi se numără Antonio Vivaldi , care mai târziu a compus sute de lucrări bazate pe principiile din sonatele și concertele în trio ale lui Corelli.

Spre deosebire de acești compozitori, Dieterich Buxtehude nu a fost o creatură de curte, ci a fost muzician bisericesc, deținând posturile de organist și Werkmeister la Marienkirche din Lübeck. Îndatoririle sale ca Werkmeister implicau să acționeze ca secretar, trezorier și manager de afaceri al bisericii, în timp ce funcția sa de organist includea să cânte pentru toate serviciile principale, uneori în colaborare cu alți instrumentiști sau vocali, care erau, de asemenea, plătiți de biserică. Cu totul în afara îndatoririlor sale oficiale ale bisericii, el a organizat și regizat o serie de concerte cunoscută sub numele de Abendmusiken , care a inclus spectacole de opere dramatice sacre, considerate de contemporanii săi ca echivalentul operelor.

Franţa:

Muzică baroc târziu (1680–1750)

Lucrarea lui George Frideric Handel, Johann Sebastian Bach și a contemporanilor lor, inclusiv Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi , Jean-Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann și alții au avansat epoca baroc până la punctul culminant.

  • aka înalt baroc

Debut

Italia:

Marc-Antoine Charpentier
Marc-Antoine Charpentier

Franţa:

Adopție mai largă

Italia:

Proliferare:

Franţa:

Europa Centrala :

Tranziția la epoca clasică

Muzica galanta :

Fiii și elevii mai mari ai lui Bach :

Școala din Mannheim :


Cronologia compozitorilor

Giovanni Battista Pergolesi Baldassare Galuppi Carlos Seixas Johann Adolf Hasse Riccardo Broschi Johann Joachim Quantz Pietro Locatelli Giuseppe Tartini Leonardo Vinci Johann Friedrich Fasch Francesco Geminiani Nicola Porpora Silvius Leopold Weiss George Frideric Handel Domenico Scarlatti Johann Sebastian Bach Johann Gottfried Walther Jean-Philippe Rameau Johann David Heinichen Georg Philipp Telemann Jan Dismas Zelenka Antonio Vivaldi Tomaso Albinoni Johann Caspar Ferdinand Fischer Antonio Caldara Francois Couperin Alessandro Scarlatti Henry Purcell Marin Marais Arcangelo Corelli Johann Pachelbel Heinrich Ignaz Biber Dieterich Buxtehude Marc Antoine Charpentier Jean-Baptiste Lully Jean-Henri d'Anglebert Johann Heinrich Schmelzer Barbara Strozzi Johann Jakob Froberger Giacomo Carissimi Antonio Bertali William Lawes Francesco Cavalli Samuel Scheidt Heinrich Schütz Girolamo Frescobaldi Gregorio Allegri Claudio Monteverdi Jan Pieterszoon Sweelinck Jacopo Peri

Instrumente

Siruri de caractere

Clavecin dublu manual de Vital Julian Frey, după Jean-Claude Goujon (1749)
Partituri individuale pentru o harpă din secolul al XVII-lea.

suflat din lemn

Alamă

  • Cornett
  • Corn natural
  • trompeta baroc
  • Tromba da tirarsi (numită și tromba spezzata )
  • Flatt trompetă
  • Şarpe
  • Sackbut (nume englezesc din secolul al XVI-lea și începutul secolului al XVII-lea pentru FR: saquebute , saqueboute ; ES: sacabuche ; IT: trombon ; MHG: busaun , busîne , busune / DE (de la începutul secolului al XVII-lea) Posaune )
  • Trombon (nume în engleză pentru același instrument, de la începutul secolului al XVIII-lea)

Tastaturi

Percuţie

Stiluri și forme

Suită de dans

Spectacolul unui mare ansamblu instrumental în fastuosul Teatro Argentina , așa cum este descris de Panini (1747)

O caracteristică a formei barocului a fost suita de dans . Unele suite de dans de Bach se numesc partitas , deși acest termen este folosit și pentru alte colecții de piese. În timp ce piesele dintr-o suită de dans au fost inspirate de muzica de dans reală, suitele de dans au fost concepute pentru a asculta, nu pentru a însoți dansatorii. Compozitorii au folosit o varietate de mișcări de dans diferite în suitele lor de dans. O suită de dans constă adesea din următoarele mișcări :

  • Uvertură  – Suita baroc începea adesea cu o uvertură franceză („Ouverture” în franceză), o mișcare lentă care a fost urmată de o succesiune de dansuri de diferite tipuri, în principal următoarele patru:
  • Allemande  – Adesea primul dans al unei suite instrumentale , allemande a fost un dans foarte popular care și-a avut originile în epoca Renașterii germane. Allemand-ul a fost jucat la un tempo moderat și putea începe pe orice bătaie a barei.
  • Courante  – Al doilea dans este courante, un dans plin de viață, francez, în metru triplu . Versiunea italiană se numește corrente.
  • Sarabande  – Sarabanda, un dans spaniol, este al treilea dintre cele patru dansuri de bază și este unul dintre cele mai lente dansuri baroc. Este, de asemenea, în metru triplu și poate începe pe orice bătaie a barei, deși se pune accent pe a doua bătaie, creând „oprirea” caracteristică, sau ritmul iambic al sarabandei.
  • Giga  – Giga este un dans baroc optimist și plin de viață în metru compus, de obicei mișcarea finală a unei suite instrumentale și a patra dintre tipurile sale de dans de bază. Giga poate începe pe orice ritm al barei și este ușor de recunoscut după senzația sa ritmică. Giga își are originea în Insulele Britanice . Omologul său în muzica populară este jig -ul .

Aceste patru tipuri de dans (allemande, courante, sarabande și gigue) alcătuiesc majoritatea suitelor din secolul al XVII-lea; suitele ulterioare interpolează unul sau mai multe dansuri suplimentare între sarabande și giga:

  • Gavotte  – Gavota poate fi identificată printr-o varietate de caracteristici; este în4
    4
    timp și începe întotdeauna la a treia bătaie a barei, deși aceasta poate suna ca prima bătaie în unele cazuri, deoarece prima și a treia bătaie sunt bătăile puternice în timp de patru ori. Gavota se cântă la un tempo moderat, deși în unele cazuri poate fi jucată mai repede.
  • Bourrée  - Bourrée este asemănătoare gavotei așa cum se află2
    2
    timp, deși începe în a doua jumătate a ultimei bătăi a barei, creând o senzație diferită dansului. Bourrée este de obicei jucată la un tempo moderat, deși pentru unii compozitori, cum ar fi Handel, poate fi luată la un tempo mult mai rapid.
  • Menuet  – Menuetul este poate cel mai cunoscut dintre dansurile baroc la metru triplu. Nu are anacruză. În unele suite pot exista un Menuet I și II, jucate succesiv, cu Menuetul I repetat dar fără repetările interne.
  • Passepied  – Passepied-ul este un dans rapid în formă binară și metru triplu care a apărut ca dans de curte în Bretania . Exemple pot fi găsite în suitele ulterioare, cum ar fi cele ale lui Bach și Handel.
  • Rigaudon  – Rigaudon este un dans francez plin de viață în duple meter, asemănător cu bourrée, dar mai simplu din punct de vedere ritmic. A apărut ca o familie de dansuri populare din sudul Franței, înrudite în mod tradițional cu provinciile Vavarais, Languedoc , Dauphiné și Provence .

În plus, există numeroase alte forme de dans, precum și alte piese care ar putea fi incluse într-o suită, cum ar fi Poloneză , Loure , Scherzo , Air etc.

Alte caracteristici

  • Preludiu  – o suită poate fi începută printr-un preludiu, o piesă lentă scrisă într-un stil improvizator. Unele preludii baroc nu au fost scrise pe deplin; în schimb, a fost indicată o secvență de acorduri, cu așteptarea ca instrumentistul să poată improviza o parte melodică folosind cadrul armonic indicat. Preludiul nu s-a bazat pe un tip de dans.
  • Entrée  – Uneori, o intrare este compusă ca parte a unei suite; dar acolo este muzică pur instrumentală și nu se face dans. Este o introducere, o piesă asemănătoare unui marș, jucată în timpul intrării unui grup de dans sau jucată înaintea unui balet. De obicei în4
    4
    timp. Este legat de „intrada” italian.
  • Bas continuo  – un fel de acompaniament continuu notat cu un nou sistem de notație muzicală, bas figurat , de obicei pentru unul sau mai multe instrumente de bas de susținere (de exemplu, violoncel ) și unul sau mai multe instrumente de cântări de acorduri (de exemplu, instrumente cu claviatura, cum ar fi clavecinul , pipa ). organ sau lăută )
  • Concertul (o piesă solo cu acompaniament orchestral) și concerto grosso
  • Monody  – o consecință a cântecului
  • Omofonie  – muzică cu o singură voce melodică și acompaniament de acorduri similare ritmic (și subordonate) (aceasta și monodia sunt în contrast cu textura tipică renascentist , polifonia )
  • Forme muzicale dramatice precum opera, drama per musica
  • Forme combinate instrumental-vocale, cum ar fi oratoriul și cantata , ambele folosite de cântăreți și orchestră
  • Noi tehnici instrumentale, cum ar fi tremolo și pizzicato
  • Aria da capo „s-a bucurat de siguranță”.
  • Aria ritornello – scurte întreruperi instrumentale repetate ale pasajelor vocale.
  • Stilul concertato – contrast de sunet între grupuri de instrumente.
  • Ornamentație extinsă , care a fost de obicei improvizată de cântăreți și instrumentiști (de exemplu, triluri , mordente etc.)

genuri

Vocal

Instrumental

Note

Referințe

Lectură în continuare

  • Christensen, Thomas Street și Peter Dejans. Către Aspecte de Tonalitate ale Teoriei Muzicii Baroce . Leuven: Leuven University Press, 2007. ISBN  978-90-5867-587-3
  • Cyr, Mary. Eseuri despre interpretarea muzicii baroce de operă și muzică de cameră în Franța și Anglia . Seria de studii colectate Variorum, 899. Aldershot, Hants, Anglia: Ashgate, 2008. ISBN  978-0-7546-5926-6
  • Maistru, Edward. O metodă Bel Canto sau Cum să cânți corect muzica baroc italiană, pe baza surselor primare . Capodoperele secolului XX despre cânt, v. 12. Minneapolis, Minn: Pro Musica Press, 2006. ISBN  978-1-887117-18-0
  • Hebson, Audrey (2012). „Dansul și importanța sa în suitele lui Bach pentru violoncel solo”, Oferte muzicale: Vol. 1: Nr. 2, Articolul 2. Disponibil la http://digitalcommons.cedarville.edu/musicalofferings/vol1/iss2/2 .
  • Hoffer, Brandi (2012). „Muzica sacră germană în războiul de treizeci de ani”, Oferte muzicale: vol. 3: Nr. 1, Articolul 1. Disponibil la http://digitalcommons.cedarville.edu/musicalofferings/vol3/iss1/1 .
  • Schubert, Peter și Christoph Neidhöfer. Contrapunct baroc . Upper Saddle River, NJ: Pearson Prentice Hall, 2006. ISBN  978-0-13-183442-2
  • Schulenberg, David. Muzica barocului . New York: Oxford UP, 2001. ISBN  978-0-19-512232-9
  • Stauffer, George B. The World of Baroc Music New Perspectives . Bloomington: Indiana University Press, 2006. ISBN  978-0-253-34798-5
  • Strunk, Oliver. Sursă lecturi în istoria muzicii. De la antichitatea clasică până la epoca romantică . Londra: Faber & Faber, 1952.

linkuri externe