muzica clasica -Classical music

Un cvartet de coarde care concertează pentru Anul Mozart 2006 la Viena

Muzica clasică se referă în general la muzica de artă a lumii occidentale , considerată a fi distinctă de muzica populară occidentală sau tradițiile muzicale populare . Este uneori distinsă ca muzică clasică occidentală , deoarece termenul „muzică clasică” se aplică și muzicii artistice non-occidentale . Muzica clasică este adesea caracterizată de formalitate și complexitate în forma sa muzicală și organizarea armonică , în special prin utilizarea polifoniei . Începând cu cel puțin secolul al IX-lea, a fost în primul rând o tradiție scrisă, dând naștere unui notațional sofisticatsistem, precum și literatura de însoțire în practici analitice , critice , istoriografice , muzicologice și filozofice . O componentă fundamentală a culturii occidentale , muzica clasică este adesea privită din perspectiva individuală sau a grupurilor de compozitori , ale căror compoziții, personalități și credințe i-au modelat fundamental istoria.

Înrădăcinată în patronajul bisericilor și al curților regale din Europa de Vest , muzica medievală timpurie a fost în principal religioasă , monofonică și vocală, muzica Greciei și Romei antice influențându-i gândirea și teoria. Cele mai vechi manuscrise muzicale existente datează din Imperiul Carolingian ( 800–888 ), în jurul perioadei în care cântarea occidentală s- a unificat treptat în ceea ce se numește cântarea gregoriană . Au existat centre muzicale la Abația Saint Gall , Abația Saint Martial și Abația Saint Emmeram , în timp ce secolul al XI-lea a văzut dezvoltarea notării pe personal și creșterea producției de la teoreticienii muzicii medievale . La mijlocul secolului al XII-lea, Franța a devenit principalul centru muzical european: școala religioasă Notre-Dame a explorat mai întâi pe deplin ritmurile organizate și polifonia, în timp ce muzica seculară a înflorit odată cu tradițiile trubadur și trouvère conduse de nobili poeti-muzicieni. Acest lucru a culminat cu ars nova franceză și italiană Trecento , sponsorizate de curte, care au evoluat în ars subtilior , o mișcare stilistică de o diversitate ritmică extremă. Începând de la începutul secolului al XV-lea, compozitorii renascentiste ai influentei școli franco-flamande au construit principiile armonice din engleza contenance angloise , aducând muzica corală la noi standarde, în special masa și motetul . Nordul Italiei a apărut curând ca regiunea muzicală centrală, unde Școala Romană sa angajat în metode extrem de sofisticate de polifonie în genuri precum madrigalul , care a inspirat scurta școală engleză de Madrigal .

Perioada barocă ( 1580–1750 ) a văzut o relativă standardizare a tonului de practică comună , precum și importanța tot mai mare a instrumentelor muzicale , care au crescut în ansambluri de dimensiuni considerabile. Italia a rămas dominantă, fiind locul de naștere al operei , genul concertului centrat pe solist , forma sonată organizată , precum și genurile la scară largă centrate pe vocal de oratoriu și cantată . Tehnica fugii susținută de Johann Sebastian Bach a exemplificat tendința barocă pentru complexitate și, ca reacție, au fost dezvoltate muzica galanta și stilurile empfindsamkeit mai simple și asemănătoare cântecului. În perioada clasică mai scurtă, dar crucială (1730–1820), compozitori precum Wolfgang Amadeus Mozart , Joseph Haydn și Ludwig van Beethoven au creat reprezentanți larg admirați ai muzicii absolute , inclusiv simfonii , cvartete de coarde și concerte. Muzica romantică ulterioară (1800–1910) sa concentrat în schimb pe muzica programatică , pentru care cântecul de artă , poemul simfonic și diferitele genuri de pian au fost vase importante. În această perioadă, virtuozitatea a fost sărbătorită, imensitatea a fost încurajată, în timp ce filosofia și naționalismul au fost încorporate - toate aspectele care convergeau în operele lui Richard Wagner . Până în secolul al XX-lea, unificarea stilistică s-a risipit treptat, în timp ce importanța muzicii populare a crescut foarte mult. Mulți compozitori au evitat în mod activ tehnicile și genurile trecute în lentila modernismului , unii abandonând tonalitatea în locul serialismului , în timp ce alții au găsit o nouă inspirație în melodiile populare sau sentimentele impresioniste . După al Doilea Război Mondial, pentru prima dată membrii publicului au apreciat muzica mai veche în detrimentul lucrărilor contemporane , o preferință care a fost satisfăcută de apariția și disponibilitatea pe scară largă a înregistrărilor comerciale. Tendințele de la mijlocul secolului al XX-lea până în prezent includ Noua Simplitate , Noua Complexitate , Minimalism , Muzica spectrală și, mai recent, Muzica Postmodernă și Postminimalism . Din ce în ce mai globali, practicanții din America, Africa și Asia au obținut roluri cruciale, în timp ce orchestrele simfonice și teatrele de operă apar acum în întreaga lume.

Terminologie și definiție

Origini ideologice

(de la stânga la dreapta) Haydn, Mozart și Beethoven de la Memorialul Beethoven–Haydn–Mozart din 1904 . Toți trei sunt adesea considerați parte a Primei Școli vieneze și printre primii compozitori care au fost numiți „clasici”

Atât termenul englezesc „clasic”, cât și echivalentul german klassik s-au dezvoltat din franceză classique , ea însăși derivată din cuvântul latin classicus , care inițial se referea la cea mai înaltă clasă de cetățeni romani antici . În uzul roman, termenul a devenit mai târziu un mijloc de a distinge figurile literare venerate; autorul roman Aulus Gellius a lăudat scriitori precum Demostene și Virgil drept classicus . În perioada Renașterii , adjectivul dobândise un sens mai general: o intrare din Randle Cotgrave din 1611 A Dictionarie of the French and English Tongues este printre cele mai vechi definiții existente , tradusând classique ca „clasic, formal [ sic ], orderlie, în grad datorat sau potrivit; de asemenea, aprobat, autentic, șef, principal". Muzicologul Daniel Heartz rezumă acest lucru în două definiții: 1) o „disciplină formală” și 2) un „model de excelență”. La fel ca Gellius, savanții de mai târziu renascentiste care au scris în latină au folosit classicus cu referire la scriitorii antichității clasice ; totuși, acest sens s-a dezvoltat doar treptat și a fost pentru o vreme subordonat idealurilor clasice mai largi de formalitate și excelență. Literatura și artele vizuale – pentru care au existat exemple substanțiale grecești și romane antice – au adoptat în cele din urmă termenul „clasic” ca referitor la antichitatea clasică, dar practic nicio muzică din acea vreme nu a fost disponibilă pentru muzicienii renascentist, limitând legătura dintre muzica clasică și Lumea greco-romană .

În Anglia secolului al XVIII-lea termenul „clasic” „a venit pentru prima dată pentru a reprezenta un anumit canon de lucrări în performanță”. Londra dezvoltase o scenă muzicală de concert public proeminentă, fără precedent și fără egal de alte orașe europene. Curtea regală și-a pierdut treptat monopolul asupra muzicii, în mare parte din instabilitatea pe care dizolvarea Commonwealth-ului Angliei și Revoluția Glorioasă a promulgat-o asupra muzicienilor de la curte. În 1672, fostul muzician de curte John Banister a început să susțină concerte publice populare la o tavernă din Londra; popularitatea sa a inaugurat rapid proeminența concertelor publice din Londra. A apărut concepția despre „muzică clasică” – sau mai adesea „muzică antică” –, care încă era construită pe principiile formalității și excelenței, iar conform lui Heartz „ritualul civic, religia și activismul moral au figurat semnificativ în această nouă construcție a gustului muzical. ". Interpretarea unei astfel de muzici a fost specializată de Academia de Muzică Antică și, ulterior, la seria Concerts of Antient Music , unde au fost prezentate lucrări ale unor compozitori selecționați din al XVI-lea și al XVII-lea, în special George Frideric Handel . În Franța, domnia lui Ludovic al XIV-lea ( r.  1638–1715 ) a cunoscut o renaștere culturală, până la sfârșitul căreia scriitori precum Molière , Jean de La Fontaine și Jean Racine au fost considerați a fi depășit realizările antichității clasice. Ele au fost astfel caracterizate drept „clasice”, la fel ca muzica lui Jean-Baptiste Lully (și mai târziu Christoph Willibald Gluck ), fiind desemnate drept „l’opéra française classique”. În restul Europei continentale , abandonarea definirii „clasicului” ca analog cu lumea greco-romană a fost mai lentă, în primul rând pentru că formarea repertoriilor canonice a fost fie minimă, fie exclusivă pentru clasele superioare.

Mulți comentatori europeni de la începutul secolului al XIX-lea au găsit o nouă unificare în definiția lor a muzicii clasice: juxtapunând compozitorii mai vechi Wolfgang Amadeus Mozart , Joseph Haydn și (excluzând unele dintre lucrările sale ulterioare ) Ludwig van Beethoven drept „clasic” față de stilul emergent. a muzicii romantice . Acești trei compozitori, în special, au fost grupați în Prima școală vieneză , numită uneori „clasicii vienezi”, o cuplare care rămâne problematică din cauza faptului că niciunul dintre cei trei nu s-a născut la Viena și a timpului minim petrecut de Haydn și Mozart în oraș. Deși aceasta a fost o caracterizare des exprimată, nu a fost una strictă. În 1879, compozitorul Charles Kensington Salaman i-a definit pe următorii compozitori ca fiind clasici: Bach , Handel, Haydn, Mozart, Beethoven, Weber , Spohr și Mendelssohn . Mai larg, unii scriitori au folosit termenul „clasic” pentru a lăuda, în general, lucrările bine respectate de la diverși compozitori, în special cei care au produs multe lucrări într-un gen stabilit.

Înțelegerea contemporană

Înțelegerea contemporană a termenului „muzică clasică” rămâne vagă și cu mai multe fațete. Alți termeni precum „muzică de artă”, „muzică canonică”, „muzică cultivată” și „muzică serioasă” sunt în mare măsură sinonimi. Termenul „muzică clasică” este adesea indicat sau implicat că se referă exclusiv la lumea occidentală și, invers, în multe istorii academice, termenul „muzică occidentală” exclude muzica occidentală non-clasică. O altă complicație constă în faptul că „muzica clasică” este uneori folosită pentru a descrie muzica artistică non-occidentală care prezintă caracteristici similare de lungă durată și complexe; exemplele includ muzica clasică indiană ( muzică carnatică și hindustani ), muzica gamelană și diverse stiluri ale curții din China imperială (vezi yayue de exemplu). Astfel, la sfârșitul secolului al XX-lea termeni precum „muzică clasică occidentală” și „muzică de artă occidentală” au fost utilizați pentru a aborda acest lucru. Muzicologul Ralph P. Locke notează că niciunul dintre termeni nu este ideal, deoarece creează o „complicație intrigantă” atunci când luăm în considerare „anumiți practicanți ai genurilor muzicale de artă occidentală care provin din culturi non-occidentale”.

Complexitatea în forma muzicală și organizarea armonică sunt trăsături tipice ale muzicii clasice. Dicționarul englez Oxford ( OED ) oferă trei definiții pentru cuvântul „clasic” în legătură cu muzică:

1. „de excelență recunoscută”
2. „a, se referă la sau caracteristică unei tradiții muzicale oficiale, prin deosebire de muzica populară sau populară”
3. și mai precis, „din sau se referă la muzica formală europeană de la sfârșitul secolului al XVIII-lea și începutul secolului al XIX-lea, caracterizată prin armonie, echilibru și aderență la formele compoziționale stabilite”.

Ultima definiție se referă la ceea ce se numește acum perioada clasică , o eră stilistică specifică muzicii europene din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea până la începutul secolului al XIX-lea.

Istorie

Rădăcini

Tradiția clasică occidentală începe în mod oficial cu muzica creată de și pentru Biserica creștină timpurie. Este probabil că Biserica primară a dorit să se disocieze de muzica predominantă a Greciei și Romei antice , deoarece era o amintire a religiei păgâne pe care o persecutase și de care fusese persecutată . Ca atare, rămâne neclar în ce măsură muzica Bisericii Creștine și, prin urmare, muzica clasică occidentală în ansamblu, a fost influențată de muzica antică anterioară . Atitudinea generală față de muzică a fost adoptată de la teoreticienii și comentatorii muzicii grecești și romane antice. La fel ca în societatea greco-romană, muzica era considerată centrală pentru educație; împreună cu aritmetica, geometria și astronomia, muzica a fost inclusă în quadrivium , cele patru discipline ale diviziei superioare a unui învățământ standard de arte liberale în Evul Mediu . Această mare atenție pentru muzică a fost promovată pentru prima dată de savanții Casiodor , Isidor din Sevilla și, în special , Boethius , a căror transmitere și extindere asupra perspectivelor muzicii din Pitagora , Aristotel și Platon au fost cruciale în dezvoltarea gândirii muzicale medievale. Cu toate acestea, savanții, teoreticienii muzicii medievale și compozitorii au interpretat greșit sau au înțeles greșit în mod regulat scrierile predecesorilor lor greci și romani. Acest lucru s-a datorat absenței totale a operelor muzicale greco-romane supraviețuitoare disponibile muzicienilor medievali, în măsura în care Isidor de Sevilla ( c.  559 – 636 ) a afirmat „dacă nu sunt amintite de om sunetele, ele pieri, pentru că nu pot fi scrise. jos”, neștiind practicile sistematice de notație ale Greciei Antice cu secole înainte. Muzicologul Gustave Reese notează, totuși, că multe texte greco-romane pot fi încă creditate ca fiind influente pentru muzica clasică occidentală, deoarece muzicienii medievali își citesc în mod regulat lucrările – indiferent dacă o făceau corect.

Cu toate acestea, există câteva continuări muzicale incontestabile din lumea antică . Aspecte de bază, cum ar fi monofonia , improvizația și dominația textului în cadrul muzical sunt proeminente atât în ​​perioada medievală timpurie, în muzica aproape tuturor civilizațiilor antice. Influențele grecești includ în special modurile bisericești (care au fost descendenți ai dezvoltărilor lui Aristoxenus și Pitagora), teoria acustică de bază din acordul pitagoreic , precum și funcția centrală a tetracordurilor . Instrumentele grecești antice, cum ar fi aulos (un instrument cu trestie ) și lira (un instrument cu coarde similar cu o harpă mică ) au condus în cele din urmă la mai multe instrumente moderne ale unei orchestre simfonice. Cu toate acestea, Donald Jay Grout observă că încercarea de a crea o conexiune evolutivă directă de la muzica antică la medievalul timpuriu este lipsită de temei, deoarece a fost influențată aproape exclusiv de teoria muzicii greco-romane, nu de performanță sau practică.

Muzica timpurie

Medieval

Muzician cântând la vielle ( manuscris medieval din secolul al XIV-lea )

Muzica medievală include muzica vest-europeană de după căderea Imperiului Roman de Apus prin 476 până în aproximativ 1400. Cântarea monofonică , numită și cântecul gregorian , a fost forma dominantă până în jurul anului 1100. Călugării creștini au dezvoltat primele forme de notație muzicală europeană în pentru a uniformiza liturghia în întreaga Biserică. Muzica polifonică (cu mai multe voci) s-a dezvoltat din cântarea monofonică de-a lungul Evului Mediu târziu și până în Renaștere , inclusiv vocalizările mai complexe ale motetelor . În perioada medievală anterioară , muzica vocală din genul liturgic , predominant cântul gregorian , era monofonică , folosind o singură linie de melodie vocală neînsoțită. Genurile vocale polifonice , care au folosit mai multe melodii vocale independente, au început să se dezvolte în timpul epocii medievale înalte , devenind predominante până la sfârșitul secolului al XIII-lea și începutul secolului al XIV-lea. Compozitorii medievali importanți includ Hildegard de Bingen , Léonin , Pérotin , Philippe de Vitry , Guillaume de Machaut , Francesco Landini și Johannes Ciconia .

Există încă multe instrumente muzicale medievale , dar sub diferite forme. Instrumentele medievale includ flaut , flaut și instrumente cu coarde ciupite , cum ar fi lăuta . De asemenea, au existat versiuni timpurii ale orgăi și lăutarului (sau vielle ). Instrumentele medievale în Europa fuseseră cel mai frecvent folosite singure, adesea singure însoțite de o notă de dronă sau ocazional în părți. Cel puțin încă din secolul al XIII-lea și până în secolul al XV-lea a existat o împărțire a instrumentelor în haut (instrumente zgomotoase, stridente, în aer liber) și bas (instrumente mai silențioase, mai intime). O serie de instrumente au rădăcini în predecesorii estici care au fost adoptați din lumea islamică medievală . De exemplu, rebab arab este strămoșul tuturor instrumentelor europene cu coarde cu arc , inclusiv lira , rebec și vioara .

Renaştere

Epoca Renașterii a fost între 1400 și 1600. A fost caracterizată printr-o utilizare mai mare a instrumentației , linii melodice care se întrepătrund multiple și utilizarea primelor instrumente de bas . Dansul social a devenit mai răspândit, astfel încât formele muzicale adecvate pentru dansul însoțitor au început să se standardizeze. În această perioadă a început să prindă contur notația muzicii pe un personal și alte elemente ale notației muzicale . Această invenţie a făcut posibilă separarea compoziţiei unei piese muzicale de transmisia acesteia ; fără muzică scrisă, transmisia era orală și se putea schimba de fiecare dată când era transmisă. Cu o partitură muzicală , o operă muzicală putea fi interpretată fără prezența compozitorului. Invenția tiparului mobil în secolul al XV-lea a avut consecințe de amploare asupra conservării și transmiterii muzicii.

O deschidere iluminată din codexul Chigi cu Missa Ecce ancilla Domini a lui Kyrie of Ockeghem

Multe instrumente au apărut în timpul Renașterii; altele erau variații sau îmbunătățiri ale instrumentelor care existau anterior. Unii au supraviețuit până în zilele noastre; altele au dispărut, doar pentru a fi recreate pentru a interpreta muzică pe instrumente de epocă. Ca și în zilele noastre, instrumentele pot fi clasificate ca alamă, coarde, percuție și suflat din lemn. Instrumentele de alamă din Renaștere erau cântate în mod tradițional de profesioniști care erau membri ai breslelor și includeau trompeta cu tobogan , cornetul de lemn , trompeta fără supape și sackbut . Instrumentele cu coarde au inclus viola , rebec , lira asemănătoare harpei , ghirona , lăuta , chitara , citernul , bandora și orfarionul . Instrumentele cu clape cu coarde includ clavecinul și clavicordul . Instrumentele de percuție includ triunghiul , harpa evreiască , tamburina , clopotele, oala și diferite tipuri de tobe. Instrumentele de suflat din lemn au inclus shawm cu stuf dublu (un membru timpuriu al familiei oboi ), pipa de trestie , cimpoiul , flaut transversal , flautul , dulcianul și crumhornul . Au existat orgi simple , dar au fost în mare parte limitate la biserici, deși existau varietăți portabile. Imprimarea a permis standardizarea descrierilor și specificațiilor instrumentelor, precum și instruirea în utilizarea acestora.

Muzica vocală în Renaștere este remarcată pentru înflorirea unui stil polifonic din ce în ce mai elaborat . Principalele forme liturgice care au rezistat de-a lungul întregii perioade renascentiste au fost masele și motetele, cu alte evoluții către sfârșit, mai ales pe măsură ce compozitorii de muzică sacră au început să adopte forme seculare (cum ar fi madrigalul ) pentru propriile lor proiecte. Spre sfârșitul perioadei, se văd precursorii dramatici timpurii ai operei, cum ar fi monodia, comedia madrigală și intermedioul . În jurul anului 1597, compozitorul italian Jacopo Peri a scris Dafne , prima operă numită astăzi operă . De asemenea, a compus Euridice , prima operă care a supraviețuit până în zilele noastre.

Compozitori de seamă ale Renașterii includ Josquin des Prez , Giovanni Pierluigi da Palestrina , John Dunstaple , Johannes Ockeghem , Orlande de Lassus , Guillaume Du Fay , Gilles Binchois , Thomas Tallis , William Byrd , Giovanni Gabrieli , Carlo Gesualdo , John Dowland , Jacob Willaert , Adrian Jacob Obrecht , , Jacques Arcadelt și Cipriano de Rore .

Perioada de practică comună

Perioada de practică obișnuită este definită în mod obișnuit ca epoca dintre formarea și dizolvarea tonului de practică comună . Termenul se întinde de obicei pe aproximativ două secole și jumătate, cuprinzând perioadele baroc, clasic și romantic.

Stil baroc

Instrumente baroc, inclusiv ghiurda , clavecin , violă bas , lăută , vioară și chitară barocă

Muzica barocă se caracterizează prin utilizarea unui contrapunct tonal complex și a unui basso continuu , o linie de bas continuă. Muzica a devenit mai complexă în comparație cu cântecele simple din toate perioadele anterioare. Începuturile formei sonatei s-au conturat în canzonă , la fel ca și o noțiune mai formalizată de temă și variații . Tonalitățile majorului și minorului ca mijloace de gestionare a disonanței și cromatismului în muzică au luat contur deplin.

În epoca barocului, muzica de la claviatura cântată la clavecin și orgă a devenit din ce în ce mai populară, iar familia de viori a instrumentelor cu coarde a luat forma în general văzută astăzi. Opera ca o dramă muzicală pusă în scenă a început să se diferențieze de formele muzicale și dramatice anterioare, iar formele vocale precum cantata și oratoriul au devenit mai comune. Vocaliștii au început pentru prima dată să adauge note suplimentare la muzică.

Teoriile care înconjoară temperamentul egal au început să fie puse în practică mai largă, mai ales că a permis o gamă mai largă de posibilități cromatice în instrumentele cu tastatură greu de reglat. Deși JS Bach nu a folosit temperamentul egal, deoarece un pian modern este în general acordat, schimbările de temperament de la sistemul de tonuri medii , comune la acea vreme, la diferite temperamente care făceau modulația între toate clapele acceptabilă din punct de vedere muzical, au făcut posibilă Clavierul său bine temperat. .

Instrumentele baroc au inclus unele instrumente din perioadele anterioare (de exemplu, ghirona și flota) și o serie de instrumente noi (de exemplu, oboiul, fagotul, violoncelul, contrabasul și fortepiano). Unele instrumente din epocile anterioare au căzut în nefolosire, cum ar fi shawm, cittern , rackett și cornet de lemn. Instrumentele cheie baroc pentru coarde au inclus vioara , violă , viola , viola d'amore , violoncel , contrabas , lăută , teorba (care cânta adesea părțile de bas continuu ), mandolina , chitara barocă , harpa și ghiurda. Instrumentele de suflat au inclus flaut baroc , oboi baroc , flotf și fagot . Instrumentele de alamă au inclus cornetul , cornul natural , trompeta naturală , șarpele și trombonul . Instrumentele cu claviatură au inclus clavicordul , pianul tangent , clavecinul , orga și, mai târziu în această perioadă, fortepiano (o versiune timpurie a pianului). Instrumentele de percuţie au inclus timpanii , capcana , tamburina şi castanetele .

O diferență majoră între muzica baroc și epoca clasică care a urmat este că tipurile de instrumente folosite în ansamblurile baroc erau mult mai puțin standardizate. Un ansamblu baroc poate include unul dintre mai multe tipuri diferite de instrumente cu claviatura (de exemplu, orgă sau clavecin), instrumente suplimentare cu coarde (de exemplu, o lăută), coarde cu arc, instrumente de suflat din lemn și alamă și un număr nespecificat de instrumente de bas care interpretează basul continuu (de exemplu, un violoncel, contrabas, viola, fagot, șarpe etc.).

Evoluțiile vocale din epoca barocului au inclus dezvoltarea unor tipuri de operă , cum ar fi opera seria și opéra comique , și forme conexe precum oratoriile și cantatele .

Compozitori importanți ai acestei epoci includ Johann Sebastian Bach , Antonio Vivaldi , George Frideric Handel , Henry Purcell , Claudio Monteverdi , Barbara Strozzi , Domenico Scarlatti , Georg Philipp Telemann , Arcangelo Corelli , Alessandro Scarlatti , Jean-Philippe Rameau , Jean-Baptiste Lully și Heinrich Schütz .

Clasic

Joseph Haydn (1732–1809) interpretat de Thomas Hardy (1791)

Deși termenul „muzică clasică” include toată muzica de artă occidentală din epoca medievală până în anii 2000, epoca clasică a fost perioada muzicii de artă occidentală din anii 1750 până la începutul anilor 1820 - epoca lui Wolfgang Amadeus Mozart , Joseph Haydn și Ludwig . van Beethoven .

Epoca clasică a stabilit multe dintre normele de compoziție, prezentare și stil și a fost, de asemenea, atunci când pianul a devenit instrumentul predominant cu claviatura. Forțele de bază necesare pentru o orchestră au devenit oarecum standardizate (deși ar crește pe măsură ce potențialul unei game mai largi de instrumente a fost dezvoltat în secolele următoare). Muzica de cameră a crescut pentru a include ansambluri cu până la 8 până la 10 interpreți pentru serenade . Opera a continuat să se dezvolte, cu stiluri regionale în Italia, Franța și țările de limbă germană. Opera buffa , o formă de operă comică, a crescut în popularitate. Simfonia a devenit o formă muzicală, iar concertul a fost dezvoltat ca un vehicul pentru demonstrarea abilităților virtuoase de interpretare. Orchestrele nu mai aveau nevoie de un clavecin (care făcuse parte din continuu tradițional în stilul baroc) și erau adesea conduse de violonistul principal (numit acum concertmaster ).

Muzicienii din epoca clasică au continuat să folosească multe dintre instrumentele din epoca barocului, cum ar fi violoncelul, contrabasul, flotul, trombonul, timpanul, fortepiano (precursorul pianului modern ) și orga. În timp ce unele instrumente baroc au căzut în neutilizare (de exemplu, teorba și racheta), multe instrumente baroc au fost schimbate în versiunile care sunt încă folosite astăzi, cum ar fi vioara baroc (care a devenit vioara ), oboiul baroc (care a devenit oboi ) și trompeta barocă, care a trecut la trompeta obișnuită cu valve. În timpul epocii clasice, instrumentele cu coarde folosite în orchestră și muzica de cameră, cum ar fi cvartetele de coarde , au fost standardizate ca cele patru instrumente care formează secțiunea de coarde a orchestrei : vioara, viola, violoncelul și contrabasul. Instrumentele cu coarde din epoca barocului, cum ar fi violele cu arc, au fost eliminate treptat. Instrumentele de suflat au inclus clarinetul de basset , cornul de basset , clarineta d'amour , clarinetul clasic , chalumeau , flaut, oboi și fagot. Instrumentele cu tastatură au inclus clavicordul și fortepianoul . În timp ce clavecinul era încă folosit în acompaniamentul de basso continuu în anii 1750 și 1760, a căzut din uz la sfârșitul secolului. Instrumentele de alamă au inclus buccina , ophicleida (un înlocuitor pentru șarpele bas , care a fost precursorul tubei ) și cornul natural .

Instrumentele de suflat au devenit mai rafinate în epoca clasică. În timp ce instrumentele cu trefă dublă , cum ar fi oboiul și fagotul , au devenit oarecum standardizate în baroc, familia clarinetului de treburi simple nu a fost utilizată pe scară largă până când Mozart și-a extins rolul în setările orchestrale, de cameră și de concert.

Principalii compozitori ai acestei perioade includ Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven , Joseph Haydn , Christoph Willibald Gluck , Johann Christian Bach , Luigi Boccherini , Carl Philipp Emanuel Bach , Muzio Clementi , Antonio Salieri și Johann Nepomuk Hummel .

Romantic

Pictura din 1840 a lui Josef Danhauser cu Franz Liszt la pian înconjurat de (de la stânga la dreapta) Alexandre Dumas , Hector Berlioz , George Sand , Niccolò Paganini , Gioachino Rossini , Marie d'Agoult cu un bust al lui Ludwig van Beethoven la pian.

Muzica epocii romantice, de la aproximativ primul deceniu al secolului al XIX-lea până la începutul secolului al XX-lea, a fost caracterizată printr-o atenție sporită acordată unei linii melodice extinse, precum și elemente expresive și emoționale, paralele cu romantismul în alte forme de artă. Formele muzicale au început să se rupă de formele epocii clasice (chiar când acestea erau codificate), fiind scrise piese de formă liberă, cum ar fi nocturne , fantezii și preludii , unde ideile acceptate despre expunerea și dezvoltarea temelor au fost ignorate sau minimizate. Muzica a devenit mai cromatică, disonantă și colorată tonal, cu tensiuni (cu privire la normele acceptate ale formelor mai vechi) cu privire la semnăturile cheie crescând. Cântecul de artă (sau Lied ) a ajuns la maturitate în această epocă, la fel ca scările epice ale operei mărețe , depășite în cele din urmă de ciclul Ring al lui Richard Wagner .

În secolul al XIX-lea, instituțiile muzicale au apărut din controlul patronilor bogați, deoarece compozitorii și muzicienii puteau construi vieți independent de nobilime. Creșterea interesului pentru muzică din partea claselor de mijloc în creștere din Europa de Vest a stimulat crearea de organizații pentru predarea, interpretarea și conservarea muzicii. Pianul, care și-a atins construcția modernă în această epocă (în parte datorită progreselor industriale în metalurgie ) a devenit foarte popular în rândul clasei de mijloc, ale cărei cerințe pentru instrument i-au stimulat pe mulți constructori de piane. Multe orchestre simfonice își datează fondarea în această epocă. Unii muzicieni și compozitori au fost vedetele zilei; unii, precum Franz Liszt și Niccolò Paganini , au îndeplinit ambele roluri.

Ideile și instituțiile culturale europene au început să urmeze expansiunea colonială în alte părți ale lumii. A existat, de asemenea, o creștere, mai ales spre sfârșitul erei, a naționalismului în muzică (făcând ecou, ​​în unele cazuri, sentimentele politice ale vremii), deoarece compozitori precum Edvard Grieg , Nikolai Rimsky-Korsakov și Antonín Dvořák au făcut ecou muzicii tradiționale . a patriilor lor în compoziţiile lor.

În epoca romantică, pianul modern , cu un ton mai puternic, susținut și o gamă mai largă, a preluat locul forteanului cu sunet mai delicat. În orchestră, instrumentele și secțiunile clasice existente au fost păstrate ( secțiunea de coarde , suflat, alamă și percuție), dar aceste secțiuni au fost de obicei extinse pentru a produce un sunet mai plin și mai mare. De exemplu, în timp ce o orchestră barocă ar fi avut doi contrabasişti, o orchestră romantică ar putea avea până la zece. „Pe măsură ce muzica devenea mai expresivă, paleta orchestrală standard nu era suficient de bogată pentru mulți compozitori romantici.”

Familiile de instrumente folosite, în special în orchestre, au crescut; un proces care a atins punctul culminant la începutul secolului al XX-lea cu orchestre foarte mari folosite de compozitorii romantici târziu și moderniști. A început să apară o gamă mai largă de instrumente de percuție. Instrumentele de alamă au avut roluri mai mari, deoarece introducerea supapelor rotative le-a făcut posibil să cânte o gamă mai largă de note. Dimensiunea orchestrei (de obicei în jur de 40 în epoca clasică) a crescut până la peste 100. Simfonia nr. 8 a lui Gustav Mahler din 1906 , de exemplu, a fost interpretată cu peste 150 de instrumentiști și coruri de peste 400. Au fost noi instrumente de suflat din lemn. au fost adăugate, cum ar fi contrafagotul , clarinetul bas și piccolo și au fost adăugate noi instrumente de percuție, inclusiv xilofoane , tobe capcane , celestas (un instrument cu tastatură asemănător unui clopot), clopoței și triunghiuri , harpe mari orchestrale și chiar aparate de suflat pentru efecte sonore . . Saxofoanele apar în unele partituri de la sfârșitul secolului al XIX-lea înainte, de obicei prezentate ca instrument solo, mai degrabă decât ca parte integrantă a orchestrei.

Tuba Wagner , un membru modificat al familiei cornului, apare în ciclul lui Richard Wagner Der Ring des Nibelungen . De asemenea, are un rol proeminent în Simfonia nr. 7 în mi major a lui Anton Bruckner și este, de asemenea, folosit în câteva lucrări romantice și moderniste târzii ale lui Richard Strauss, Béla Bartók și alții. Cornetele apar în mod regulat în partituri din secolul al XIX-lea, alături de trompete care au fost considerată mai puțin agilă, cel puțin până la sfârșitul secolului.

Compozitorii proeminenți ai acestei epoci includ Pyotr Ilici Ceaikovski , Frédéric Chopin , Hector Berlioz , Franz Schubert , Robert Schumann , Felix Mendelssohn , Franz Liszt , Giuseppe Verdi , Richard Wagner , Johannes Brahms , Alexander Scriabin , Johannes Medt Grius , Nikolai Medt Straeg al II-lea , Ed . . Gustav Mahler și Richard Strauss sunt considerați în mod obișnuit compozitori de tranziție a căror muzică combină atât elemente romantice târzii, cât și elemente moderniste timpurii.

secolele 20 și 21

Modernist

Igor Stravinsky , de Pablo Picasso , colaboratori la Pulcinella (1920)

Cuprinzând o mare varietate de stiluri post-romantice , muzica clasică modernistă include stiluri de compoziție romantice târzii, impresioniste, expresioniste și neoclasice. Modernismul a marcat o epocă în care mulți compozitori au respins anumite valori ale perioadei de practică obișnuită, cum ar fi tonalitatea tradițională, melodia, instrumentația și structura. Unii istorici ai muzicii consideră modernismul muzical ca o eră care se extinde din aproximativ 1890 până în 1930. Alții consideră că modernismul s-a încheiat cu unul sau altul dintre cele două războaie mondiale. Alte autorități susțin că modernismul nu este asociat cu nicio epocă istorică, ci mai degrabă este „o atitudine a compozitorului; o construcție vie care poate evolua odată cu vremurile”. În ciuda declinului său în ultima treime a secolului al XX-lea, a rămas la sfârșitul secolului un nucleu activ de compozitori care au continuat să avanseze ideile și formele modernismului, precum Pierre Boulez , Pauline Oliveros , Toru Takemitsu , George Benjamin , Jacob Druckman , Brian Ferneyhough , George Perle , Wolfgang Rihm , Richard Wernick , Richard Wilson și Ralph Shapey .

Două mișcări muzicale care au dominat în această perioadă au fost cea impresionistă începută în jurul anului 1890 și cea expresionistă care a început în jurul anului 1908. A fost o perioadă de reacții diverse în provocarea și reinterpretarea unor categorii mai vechi de muzică, inovații care duc la noi moduri de organizare și abordare a armoniei. , aspectele melodice, sonore și ritmice ale muzicii și schimbările viziunilor estetice asupra lumii în strânsă legătură cu perioada mai largă identificabilă a modernismului în artele vremii. Cuvântul operativ cel mai asociat cu acesta este „inovație”. Caracteristica sa principală este o „pluralitate lingvistică”, adică niciun gen muzical nu și-a asumat vreodată o poziție dominantă.

Orchestra a continuat să crească în dimensiuni în timpul primelor epoci moderniste, atingând apogeul în primele două decenii ale secolului al XX-lea. Saxofoanele care au apărut doar rar în timpul secolului al XIX-lea au devenit mai frecvent utilizate ca instrumente suplimentare, dar nu au devenit niciodată membri de bază ai orchestrei. Deși apare doar ca instrumente solo prezentate în unele lucrări, de exemplu în orchestrația lui Maurice Ravel din picturile lui Modest Mussorgsky la o expoziție și în Dansurile simfonice ale lui Serghei Rachmaninoff , saxofonul este inclus în alte lucrări precum Romeo și Serghei Prokofiev . Juliet Suites 1 și 2 și multe alte lucrări ca membru al ansamblului orchestral. În unele compoziții, cum ar fi Boléro-ul lui Ravel , două sau mai multe saxofoane de dimensiuni diferite sunt folosite pentru a crea o secțiune întreagă ca și celelalte secțiuni ale orchestrei. Euphonium este prezentat în câteva lucrări romantice târzii și din secolul al XX-lea , cântând de obicei părți marcate „tuba tenor”, ​​inclusiv The Planets de Gustav Holst și Ein Heldenleben de Richard Strauss .

Compozitorii proeminenți de la începutul secolului al XX-lea includ Igor Stravinsky , Claude Debussy , Serghei Rachmaninoff , Serghei Prokofiev , Arnold Schoenberg , Nikos Skalkottas , Heitor Villa-Lobos , Anton Webern , Alban Berg , Cécile Chaminade , Paul Hindemith , A Am George Khachawinturi , A. Beach , Béla Bartók și Dmitri Shostakovich , împreună cu Mahler și Strauss amintiți mai sus ca figuri de tranziție care au continuat din secolul al XIX-lea.

Post-modern/contemporan

Muzica postmodernă este o perioadă a muzicii care a început încă din 1930, potrivit unor autorități. Împărtășește caracteristici cu arta postmodernistă – adică arta care vine după și reacționează împotriva modernismului .

Alte autorități au echivalat mai mult sau mai puțin muzica postmodernă cu „muzica contemporană” compusă cu mult după 1930, de la sfârșitul secolului al XX-lea până la începutul secolului XXI. Unele dintre diversele mișcări ale erei postmoderne/contemporane includ neoromantic, neomedieval, minimalist și post minimalist.

Muzica clasică contemporană de la începutul secolului al XXI-lea a fost adesea considerată a include toate formele muzicale post-1945. O generație mai târziu, acest termen se referă acum în mod corespunzător la muzica de astăzi scrisă de compozitori care sunt încă în viață; muzica care a devenit importantă la mijlocul anilor 1970. Include diferite variante ale muzicii moderniste , postmoderne , neoromantice și pluraliste .

Performanţă

Orchestra de tineret în spectacol

Interpreții care au studiat mult muzica clasică se spune că sunt „formați clasic”. Această pregătire poate proveni din lecții private de la profesori de instrumente sau de voce sau din finalizarea unui program formal oferit de un conservator, colegiu sau universitate, cum ar fi o diplomă de licență în muzică sau master în muzică (care include lecții individuale de la profesori). În muzica clasică, este necesară „... educație și formare muzicală formală extinsă, adesea până la nivel postuniversitar [master]”.

Interpretarea repertoriului de muzică clasică necesită o competență în citirea vizuală și interpretarea în ansamblu , principii armonice , pregătire puternică a urechii (pentru a corecta și ajusta tonurile după ureche), cunoaștere a practicii de interpretare (de exemplu, ornamentație baroc) și o familiaritate cu stilul/ limbajul muzical așteptat pentru un anumit compozitor sau o operă muzicală (de exemplu, o simfonie Brahms sau un concert Mozart).

Caracteristica cheie a muzicii clasice europene care o deosebește de muzica populară , muzica populară și unele alte tradiții muzicale clasice, cum ar fi muzica clasică indiană , este că repertoriul tinde să fie scris în notație muzicală , creând o parte sau o partitură muzicală . Acest scor determină de obicei detaliile ritmului, înălțimea și, în cazul în care sunt implicați doi sau mai mulți muzicieni (fie cântăreți sau instrumentiști), modul în care sunt coordonate diferitele părți. Calitatea scrisă a muzicii a permis un nivel ridicat de complexitate în interiorul lor: fugile , de exemplu, realizează o căsătorie remarcabilă de linii melodice distinctive, țesute în contrapunct, creând totuși o logică armonică coerentă . Utilizarea notației scrise păstrează, de asemenea, o înregistrare a lucrărilor și le permite muzicienilor clasici să interpreteze muzică de acum multe secole.

Deși muzica clasică din anii 2000 și-a pierdut cea mai mare parte a tradiției sale pentru improvizația muzicală , din epoca baroc până la epoca romantică, există exemple de interpreți care ar putea improviza în stilul epocii lor. În epoca barocului, artiștii de orgă improvizau preludii , claviștii care cântau la clavecin improvizau acorduri din simbolurile basului figurate sub notele de bas ale părții de basso continuu, iar interpreții vocali și instrumentali improvizau ornamente muzicale . Johann Sebastian Bach a fost remarcat în special pentru improvizațiile sale complexe. În epoca clasică, compozitorul-interpret Wolfgang Amadeus Mozart a fost remarcat pentru capacitatea sa de a improviza melodii în diferite stiluri. În epoca clasică, unii soliști virtuozi improvizau secțiunile de cadență ale unui concert. În epoca romantică, Ludwig van Beethoven improviza la pian.

Femeile în muzica clasică

Martha Argerich la Centrul Cultural Kirchner , Buenos Aires

Aproape toți compozitorii care sunt descriși în manualele de muzică de muzică clasică și ale căror lucrări sunt interpretate pe scară largă ca parte a repertoriului standard de concerte sunt compozitori bărbați, chiar dacă a existat un număr mare de femei compozitoare de-a lungul perioadei muzicii clasice. Muzicologul Marcia Citron s-a întrebat „[de ce] muzica compusă de femei este atât de marginală față de repertoriul „clasic” standard?” Citron „examinează practicile și atitudinile care au dus la excluderea femeilor compozitoare din „ canonul ” primit al operelor muzicale interpretate”. Ea susține că în anii 1800, femeile compozitoare au scris de obicei cântece de artă pentru interpretare în recitaluri mici, mai degrabă decât simfonii destinate interpretării cu o orchestră într-o sală mare, lucrările din urmă fiind văzute ca fiind cel mai important gen pentru compozitori; întrucât femeile compozitoare nu au scris multe simfonii, ele au fost considerate a nu fi notabile ca compozitoare. În „... Concise Oxford History of Music , Clara S[c]humann este una dintre singurele [ sic ] femei compozitoare menționate.” Abbey Philips afirmă că „[pe parcursul secolului al XX-lea, femeile care compuneau/se jucau au câștigat mult mai puțină atenție decât omologii lor masculini”.

Din punct de vedere istoric, orchestrele profesionale majore au fost compuse în mare parte sau în întregime din muzicieni care sunt bărbați. Unele dintre cele mai timpurii cazuri de femei angajate în orchestre profesionale au fost în poziţia de harpistă . Filarmonica din Viena , de exemplu, nu a acceptat femeile ca membru permanent până în 1997, mult mai târziu decât celelalte orchestre clasate printre primele cinci din lume de Gramophone în 2008. Ultima orchestră majoră care a numit o femeie într-o funcție permanentă a fost Filarmonica din Berlin . . În februarie 1996, principalul flaut al Filarmonicii din Viena, Dieter Flury , a declarat pentru Westdeutscher Rundfunk că acceptarea femeilor ar însemna „un joc de noroc cu unitatea emoțională ( emotionelle Geschlossenheit ) pe care acest organism o are în prezent”. În aprilie 1996, secretarul de presă al orchestrei scria că „compensarea concediilor preconizate” ale concediului de maternitate ar fi o problemă.

În 2013, un articol din Mother Jones a afirmat că, în timp ce „[m]orice orchestre prestigioase au un număr semnificativ de membri feminini — femeile depășesc în număr bărbații în secțiunea de vioară a Filarmonicii din New York — și mai multe ansambluri renumite, inclusiv Orchestra Simfonică Națională , Simfonia din Detroit. , și Simfonia din Minnesota, sunt conduse de femei violoniste" , secțiunile de contrabas , alamă și percuție ale orchestrelor majore „...sunt încă predominant bărbați". Un articol BBC din 2014 a afirmat că „...introducerea audițiilor „oarbe” , în care un potențial instrumentist cântă în spatele unui ecran, astfel încât juriul să nu poată exercita prejudecăți de gen sau rasă, a văzut echilibrul de gen al simfoniei tradiționale dominate de bărbați. orchestrele se schimbă treptat”.

Relația cu alte tradiții muzicale

Muzica populara

Muzica clasică a încorporat adesea elemente sau materiale din muzica populară din vremea compozitorului. Exemplele includ muzica ocazională, cum ar fi folosirea de către Brahms a cântecelor studenților care beau în Uvertura sa a Festivalului Academic , genuri exemplificate de Opera de trei peniți a lui Kurt Weill și influența jazzului asupra compozitorilor de la începutul și mijlocul secolului al XX-lea, inclusiv Maurice Ravel , exemplificată de mișcarea intitulată „Blues” în sonata sa pentru vioară și pian. Unii compozitori clasici postmoderni , minimalisti și postminimalisti recunosc o datorie față de muzica populară.

Numeroase exemple arată influența în direcția opusă, inclusiv melodiile populare bazate pe muzica clasică, utilizarea la care a fost dat Canonul lui Pachelbel încă din anii 1970 și fenomenul de crossover muzical , în care muzicienii clasici au obținut succes în arena muzicii populare. În heavy metal , un număr de chitariști principali (care cântă la chitară electrică ), inclusiv Ritchie Blackmore și Randy Rhoads , și-au modelat stilurile de joc pe muzică instrumentală barocă sau clasică.

Muzica folk

Compozitorii de muzică clasică au folosit adesea muzica populară (muzică creată de muzicieni care de obicei nu sunt formați în mod clasic, adesea dintr-o tradiție pur orală). Unii compozitori, precum Dvořák și Smetana , au folosit teme populare pentru a conferi o aromă naționalistă lucrării lor, în timp ce alții, precum Bartók , au folosit teme specifice ridicate integral din originile lor în muzică populară. Khachaturian a încorporat pe scară largă în opera sa muzica populară a Armeniei natale , dar și alte grupuri etnice din Orientul Mijlociu și Europa de Est.

Comercializare

Odată cu apariția radiodifuziunii și a magazinului de discuri , spectacolele de muzică clasică live au fost compilate în CD-uri de compilare. ( WQXR pentru Tower Records , 1986)

Anumite elemente de bază ale muzicii clasice sunt adesea folosite în comerț (fie în publicitate, fie în coloanele sonore ale filmelor). În reclamele de televiziune, mai multe pasaje au devenit clișee , în special deschiderea filmului Also sprach Zarathustra de Richard Strauss (făcut celebru în filmul 2001: A Space Odyssey ) și secțiunea de deschidere „ O Fortuna ” din Carmina Burana de Carl Orff ; Alte exemple includ „ Dies irae ” din Requiem - ul lui Verdi , „ În Sala Regelui Muntelui ” de Edvard Grieg din Peer Gynt , batoanele de deschidere ale Simfoniei nr. 5 a lui Beethoven , „ Călătoria Valkyriilor ” de Wagner . " din Die Walküre , " Zborul bondarului " de Rimski-Korsakov și fragmente din Rodeoul lui Aaron Copland . Mai multe lucrări din Epoca de Aur a animației au potrivit acțiunea cu muzica clasică. Exemple notabile sunt Fantasia lui Walt Disney , Johann Mouse a lui Tom și Jerry și Iepurele din Sevilla și Ce este Opera, Doc? Warner Bros.

În mod similar, filmele și televiziunea revin adesea la fragmente standard, clișeate de muzică clasică pentru a transmite rafinament sau opulență: unele dintre piese cel mai des auzite din această categorie includ Suita nr. 1 pentru violoncel a lui Bach , Eine kleine Nachtmusik de Mozart , Vivaldi . Four Seasons , Noaptea lui Mussorgsky pe Muntele Chel (orchestrată de Rimski-Korsakov) și „ Uvertura William Tell ” a lui Rossini . Shawn Vancour susține că comercializarea muzicii clasice la începutul secolului al XX-lea ar fi putut dăuna industriei muzicale prin reprezentarea inadecvată.

Educaţie

În anii 1990, mai multe lucrări de cercetare și cărți populare au scris despre ceea ce a ajuns să fie numit „ efectul Mozart ”: o mică creștere temporară observată a scorurilor la anumite teste ca urmare a ascultării lucrărilor lui Mozart. Abordarea a fost popularizată într-o carte a lui Don Campbell și se bazează pe un experiment publicat în Nature care sugerează că ascultarea lui Mozart a crescut temporar IQ -ul studenților cu 8 până la 9 puncte. Această versiune popularizată a teoriei a fost exprimată succint de editorialistul muzical al New York Times Alex Ross : „cercetătorii... au stabilit că ascultarea lui Mozart te face de fapt mai inteligent”. Promotorii au comercializat CD-uri au pretins că induc efectul. Florida a adoptat o lege care impune copiilor mici din școlile de stat să asculte muzică clasică în fiecare zi, iar în 1998, guvernatorul Georgiei a bugetat 105.000 de dolari pe an pentru a oferi fiecărui copil născut în Georgia o casetă sau un CD de muzică clasică. Unul dintre co-autorii studiilor originale despre efectul Mozart a comentat: „Nu cred că poate strica. Sunt tot pentru expunerea copiilor la experiențe culturale minunate. Dar cred că banii ar putea fi cheltuiți mai bine pe educația muzicală . programe.”

Referințe

Note

Citate

Surse

Cărți

Articole de jurnal și enciclopedie

Lectură în continuare

linkuri externe

• Grove Music Online – versiunea online a The New Grove Dictionary of Music and Musicians .
• MGG Online – versiunea online a Die Musik in Geschichte und Gegenwart
• Înregistrări istorice clasice de la British Library Sound Archive