Compozitor - Composer

Compozitor clasic Mozart

Un compozitor ( latină compōnō ; literalmente „cel care pune împreună”) este o persoană care scrie muzică , în special muzică clasică sub orice formă, inclusiv muzică vocală (pentru un cântăreț sau cor ), muzică instrumentală , muzică electronică și muzică care combină multiple forme. Un compozitor poate crea muzică în orice gen muzical , inclusiv, de exemplu, muzică clasică , teatru muzical , blues , muzică populară , jazz și muzică populară . Compozitorii își exprimă adesea operele într-o partitura muzicală scrisă folosind notația muzicală .

Mulți compozitori sunt sau au fost, de asemenea, interpreți calificați de muzică.

Compozitori și interpreți

Notarea muzicală servește ca un set de direcții pentru un interpret, dar există un întreg continuum de posibilități cu privire la cât de mult interpretul determină forma finală a lucrării redate în interpretare.

Chiar și într-o piesă convențională occidentală de muzică instrumentală, în care toate melodiile , acordurile și liniile de bas sunt scrise în notație muzicală, interpretul are un grad de latitudine pentru a adăuga interpretare artistică operei, prin mijloace cum ar fi prin variația sa sau articularea și expresia ei , alegând cât timp să facă fermate (note ținute) sau pauze și - în cazul instrumentelor cu coarde înclinate, a suflelor de lemn sau a instrumentelor de alamă - să decidă dacă să utilizeze efecte expresive precum vibrato sau portamento . Pentru un cântăreț sau interpret, instrumentul de a decide cum să interpreteze muzica care a fost compusă și notată anterior este denumită „interpretare”. Interpretările diferiților interpreți ale aceleiași opere muzicale pot varia foarte mult, în ceea ce privește tempo-urile alese și stilul de joc sau de cântare sau formularea melodiilor. Compozitorii și compozitorii care își prezintă propria muzică interpretează, la fel de mult ca cei care interpretează muzica altora. Corpul standard de alegeri și tehnici prezente la un moment dat și la un anumit loc este denumit practic de performanță , în timp ce interpretarea este în general utilizată pentru a însemna alegerile individuale ale unui interpret.

Deși o compoziție muzicală are adesea un singur autor, acest lucru nu este întotdeauna cazul. O operă de muzică poate avea mai mulți compozitori, ceea ce apare adesea în muzica populară atunci când o formație colaborează pentru a scrie o melodie sau în teatrul muzical , unde melodiile pot fi scrise de o singură persoană, orchestrarea părților de însoțire și scrierea uverturii este realizat de un orchestrator, iar cuvintele pot fi scrise de o a treia persoană.

O piesă muzicală poate fi, de asemenea, compusă din cuvinte, imagini sau, în secolele 20 și 21, programe de calculator care explică sau notează modul în care cântărețul sau muzicianul ar trebui să creeze sunete muzicale. Exemple de acest lucru variază de la zgomote de vânt care zgârie într-o briză, la muzică de avangardă din secolul al XX-lea care folosește notația grafică , la compoziții de text precum Aus den sieben Tagen , la programe de computer care selectează sunete pentru piese muzicale. Muzica care folosește intens întâmplarea și întâmplarea se numește muzică aleatorică și este asociată cu compozitori contemporani activi în secolul al XX-lea, precum John Cage , Morton Feldman și Witold Lutosławski .

Natura și mijloacele de variație individuală a muzicii sunt variate, în funcție de cultura muzicală din țară și perioada de timp în care a fost scrisă. De exemplu, muzica compusă în epoca barocă , în special în tempo-uri lente, a fost adesea scrisă în contur gol, cu așteptarea ca interpretul să adauge ornamente improvizate liniei melodice în timpul unei reprezentații. O astfel de libertate s-a diminuat, în general, în epocile ulterioare, corelându-se cu utilizarea sporită de către compozitori a scorurilor mai detaliate sub formă de dinamică, articulație etc. compozitorii devenind în mod uniform mai expliciți în modul în care doreau să fie interpretată muzica lor, deși cât de strict și minutios sunt dictate acestea variază de la un compozitor la altul. Datorită acestei tendințe a compozitorilor care devin din ce în ce mai specifice și detaliate în instrucțiunile lor către interpret, s-a dezvoltat în cele din urmă o cultură prin care fidelitatea față de intenția scrisă a compozitorului a ajuns să fie foarte apreciată (a se vedea, de exemplu, ediția Urtext ). Această cultură muzicală este aproape sigur legată de stima înaltă (mărginită de venerație) în care compozitorii clasici de top sunt adesea deținuți de interpreți.

Mișcarea de performanță informată istoric a reînviat într-o oarecare măsură posibilitatea ca interpretul să elaboreze într-un mod serios muzica prezentată în partitura, în special pentru muzica barocă și muzica din perioada clasică timpurie . Mișcarea ar putea fi considerată o modalitate de a crea o mai mare fidelitate față de original în lucrările compuse într-un moment în care se aștepta ca artiștii să improvizeze. În alte genuri decât muzica clasică, interpretul are, în general, mai multă libertate; astfel, de exemplu, atunci când un interpret de muzică populară occidentală creează o „copertă” a unei melodii anterioare, există puține așteptări de interpretare exactă a originalului; nici fidelitatea exactă nu este neapărat foarte apreciată (cu posibila excepție a transcrierilor „notă-pentru-notă” ale solo-urilor celebre de chitară ).

În muzica de artă occidentală, compozitorul își orchestrează propriile compoziții, dar în teatrul muzical și în muzica pop, compozitorii pot angaja un aranjist pentru a face orchestrația. În unele cazuri, un compozitor pop poate să nu folosească deloc notația și, în schimb, compune melodia în mintea sa și apoi o redă sau o înregistrează din memorie. În jazz și muzică populară, înregistrările notabile ale unor interpreți influenți au greutatea pe care o joacă partituri scrise în muzica clasică. Studiul compoziției a fost în mod tradițional dominat de examinarea metodelor și practicii muzicii clasice occidentale, dar definiția compoziției este suficient de largă pentru crearea de cântece de muzică populară și tradițională și piese instrumentale și pentru a include lucrări improvizate spontan, precum cele ale interpreților de jazz liber și percuționiști africani, cum ar fi toboșarii Ewe .

Istorie

Nivelul de distincție între compozitori și alți muzicieni variază, ceea ce afectează aspecte precum drepturile de autor și respectarea interpretărilor individuale ale unei anumite piese muzicale. În dezvoltarea muzicii clasice europene , funcția de a compune muzică inițial nu a avut o importanță mult mai mare decât cea de a interpreta. Conservarea compozițiilor individuale nu a primit o atenție enormă, iar muzicienii nu au avut, în general, nicio îngrijorare în ceea ce privește modificarea compozițiilor pentru interpretare. În măsura în care rolul compozitorului în muzica de artă occidentală a cunoscut o solidificare continuă, în expresiile alternative (de exemplu , jazz , muzică experimentală ) a devenit, în anumite privințe, din ce în ce mai complexă sau vagă. De exemplu, în anumite contexte, linia dintre compozitor și interpret , designer de sunet , aranjor , producător și alte roluri poate fi destul de estompată.

Ancient marmura greacă stele , așa-numitul epitaf Seikilos , cu poezie și notație muzicală gravat pe piatra

Termenul „compozitor” este adesea folosit pentru a se referi la compozitorii de muzică instrumentală , precum cei care se găsesc în clasic, jazz sau alte forme de artă și muzică tradițională . În populară și muzică populară , compozitorul este de obicei numit un compozitor , din moment ce muzica are , în general , sub forma unei melodii . De la mijlocul secolului al XX-lea, termenul s-a extins pentru a găzdui creatorii de muzică electroacustică , în care compozitorii creează în mod direct material sonor în oricare dintre diferitele medii electronice , cum ar fi banda reel-to-reel și unitățile de efecte electronice , care pot fi prezentate publicului, redând o casetă sau o altă înregistrare sonoră, sau făcând ca instrumentiștii și cântăreții live să cânte cu materiale preînregistrate. Aceasta este distinctă de o concepție a compoziției instrumentale din secolul al XIX-lea, în care opera era reprezentată exclusiv de o partitură muzicală care să fie interpretată de interpreți .

Grecia antică

Muzica a fost o parte importantă a vieții sociale și culturale din Grecia Antică . Știm că compozitorii au scris muzică notată în timpul erei antice grecești, deoarece cercetătorii au găsit epitaful Seikilos . Epitaful, scris cândva între 200 î.Hr. și 100 d.Hr., este cel mai vechi exemplu de compoziție muzicală completă, inclusiv notația muzicală, din lume. Melodia, a cărei melodie este înregistrată, alături de versurile sale, în notația muzicală antică greacă , a fost găsită gravată pe o piatră funerară, o stelă , lângă Aydın , Turcia (nu departe de Efes ). Este un cântec ionic elenistic, fie în specia de octavă frigiană, fie în tonos Iastian .

Evul Mediu

Léonin sau Pérotin
Breves moare hominis
Notatie muzicala dintr-un Missal catolic , c. 1310–1320

In timpul muzicii medievale era (476-1400), compozitorii au scris monofonic (linia melodică unică) scandând în Biserica romano - catolică servicii. Apoi, muzica occidentală a început să devină mai mult o formă de artă cu progresele în notația muzicală. Repertoriul medieval numai europeană care supraviețuiește din înainte de aproximativ 800 este monofonice liturgică plainsong al Bisericii Romano - Catolice, tradiția centrală a care a fost numit gregoriana. Alături de aceste tradiții ale muzicii sacre și bisericești a existat o tradiție vibrantă a cântecului laic (cântece nereligioase). Exemple de compozitori din această perioadă sunt Léonin , Pérotin și Guillaume de Machaut .

Renaştere

TL de Victoria
Amicus meus
Alegoria muzicii de Filippino Lippi

În epoca muzicii renascentiste (c. 1400-1600) compozitorii au avut tendința să se concentreze mai mult pe scrierea cântecelor despre teme laice (nereligioase), cum ar fi dragostea de curte . In jurul anului 1450, The presa de imprimare a fost inventat, care a făcut tipărit foaie de muzică mult mai puțin costisitoare și mai ușor de produs în masă (înainte de inventarea tiparului, toate muzica notated a fost copiat de mână). Disponibilitatea sporită de partituri a contribuit la răspândirea stilurilor muzicale ale compozitorilor mai rapid și pe o zonă mai mare. La mijlocul secolului al XV-lea, compozitorii scriau muzică sacră bogat polifonică, în care diferite linii melodice erau întrețesute simultan. Compozitorii proeminenți din această epocă includ Guillaume Du Fay , Giovanni Pierluigi da Palestrina , Thomas Morley și Orlande de Lassus . Pe măsură ce activitatea muzicală sa mutat de la biserică la curțile aristocratice, regii, reginele și prinții au concurat pentru cei mai buni compozitori. Mulți compozitori importanți au venit din Olanda, Belgia și nordul Franței. Ei sunt numiți compozitori franco-flamande. Au deținut funcții importante în toată Europa, în special în Italia. Alte țări cu activitate muzicală vibrantă au inclus Germania, Anglia și Spania.

Stil baroc

JS Bach
Toccata și Fuga

În perioada barocă a muzicii (1600-1750), compozitorii au extins gama și complexitatea muzicii pe care o scriau. Era muzicii baroce a început când compozitorii s-au uitat înapoi la muzica greacă veche pentru inspirația pentru a crea opere (muzică vocală dramatică însoțită de orchestră ). Un alt stil cheie al compozitorilor de muzică folosit în această epocă a fost muzica contrapuntică . Acest stil de scriere a cerut compozitorilor să aibă o cunoaștere avansată a teoriei muzicii, deoarece muzica contrapuntică implică mai multe linii melodice independente, interpretate de instrumente sau cântate de voci. Existau reguli stricte de contrapunct pe care compozitorii trebuiau să le învețe. Compozitorii germani de baroc au scris pentru ansambluri mici , incluzând corzi , alamă și vânturi de lemn , precum și coruri și pentru instrumente de tastatură, cum ar fi orga de țeavă , clavecin și clavicord . În această perioadă, compozitorii au dezvoltat mai multe forme muzicale majore care au durat în perioade ulterioare, când au fost extinse și au evoluat în continuare, inclusiv fuga , invenția , sonata și concertul . Stilul barocului târziu a fost complex polifonic și bogat ornamentat. Unii dintre cei mai cunoscuți compozitori din epoca barocă includ Claudio Monteverdi , Heinrich Schütz , Jean-Baptiste Lully , Dieterich Buxtehude , Arcangelo Corelli , Henry Purcell , François Couperin , Antonio Vivaldi , Georg Philipp Telemann , Jean-Philippe Rameau , Johann Sebastian Bach și George Frideric Händel .

Clasicism

WA Mozart
Symphony 40 G minor

Compozitorii de muzică din perioada clasică (1750-1830) s-au uitat la arta și filosofia Greciei antice și a Romei, la idealurile de echilibru, proporție și expresie disciplinată. În afară de scrierea unor lucrări religioase, compozitorii s-au îndreptat spre scris într-o textură mai ușoară, mai clară și considerabil mai simplă, folosind melodii instrumentale care tindeau să fie aproape vocale și cântabile. Genuri noi au fost dezvoltate de compozitori. Stilul principal a fost homofonia , unde o melodie proeminentă și o parte subordonată a acompaniamentului acordurilor sunt clar distincte.

Compozitorii s-au concentrat pe muzica instrumentală . A fost dominat de dezvoltarea ulterioară a formelor muzicale definite inițial în perioada barocă: sonata , concertul și simfonia . Alte tipuri principale au fost trio , cvartet de coarde , serenadă și divertimento . Sonata a fost cea mai importantă și dezvoltată formă. Deși compozitorii în stil baroc au scris și sonate, stilul clasic al sonatei este complet distinct. Toate principalele forme instrumentale ale erei clasice, de la cvartete de coarde la simfonii și concerte, s-au bazat pe structura sonatei.

Una dintre cele mai importante schimbări făcute în perioada clasică a fost dezvoltarea concertelor publice. Aristocrația a jucat încă un rol semnificativ în sponsorizarea concertelor și compozițiilor, dar acum era posibil ca compozitorii să supraviețuiască fără a fi angajați permanenți ai reginelor sau prinților. Popularitatea crescândă a muzicii clasice a dus la o creștere a numărului și tipurilor de orchestre. Extinderea concertelor orchestrale a necesitat construirea unor mari spații de spectacol public. Muzica simfonică, inclusiv simfonii, acompaniament muzical la balet și genuri mixte vocale / instrumentale, cum ar fi opera și oratoriul, au devenit mai populare.

Cei mai cunoscuți compozitori ai clasicismului sunt Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven și Franz Schubert . Beethoven și Schubert sunt, de asemenea, considerați compozitori în ultima parte a erei clasice, deoarece a început să se îndrepte spre romantism.

Romantism

R. Wagner
Die Walküre

În perioada muzicii romantice (c. 1810-1900), compozitorii au transformat stilurile și formele rigide ale erei clasice în piese expresive mai pasionate și dramatice. Compozitorii au încercat să crească expresia emoțională și puterea muzicii lor și au încercat să descrie adevăruri mai profunde sau sentimente umane. Cu poezii cu ton simfonic , compozitorii au încercat să spună povești și să evoce imagini sau peisaje folosind muzică instrumentală. Unii compozitori au promovat mândria naționalistă cu muzică orchestrală patriotică inspirată din muzica populară . Pentru compozitori, calitățile emoționale și expresive ale muzicii au luat prioritate față de respectarea manualelor și a tradiției. Compozitorii romantici au crescut în idiosincrazie și au mers mai departe în sincretismul explorării diferitelor forme de artă într-un context muzical, (cum ar fi literatura ), istorie (figuri istorice și legende) sau natura însăși. Dragostea romantică sau dorul au fost o temă predominantă în multe lucrări compuse în această perioadă. În unele cazuri, structurile formale din perioada clasică au continuat să fie utilizate (de exemplu, forma de sonată folosită în cvartetele de coarde și simfonii ), dar aceste forme au fost extinse și modificate. În multe cazuri, compozitorii au explorat noi abordări de utilizare pentru genurile, formele și funcțiile existente. De asemenea, compozitorii au creat noi forme care au fost considerate mai potrivite pentru noul subiect. Opera și baletul au continuat să se dezvolte.

În anii de după 1800, muzica dezvoltată de Ludwig van Beethoven și Franz Schubert a introdus un stil mai dramatic, mai expresiv. În cazul lui Beethoven, motivele scurte , dezvoltate organic, au venit să înlocuiască melodia ca fiind cea mai semnificativă unitate compozițională (un exemplu este figura distinctivă a celor patru note folosită în Simfonia a cincea ). Mai târziu compozitori romantici precum Pyotr Ilici Ceaikovski , Antonín Dvořák și Gustav Mahler au folosit acorduri mai neobișnuite și mai multă disonanță pentru a crea tensiune dramatică. Au generat opere muzicale complexe și adesea mult mai lungi. În perioada romantică târzie, compozitorii au explorat modificări cromatice dramatice ale tonalității , cum ar fi acordurile extinse și acordurile modificate , care au creat noi „culori” sonore. Compozitorii din epoca romantică au mărit dimensiunea orchestrei adăugând jucători și folosind instrumente noi, creând un sunet mai puternic. Unele orchestre wagneriene includeau mai multe harpe, secțiuni masive de coarde și tuburi Wagner .

Muzică din secolele XX și XXI

Grup de jazz format din contrabasistul Reggie Workman , saxofonul tenor Pharoah Sanders și bateristul Idris Muhammad , cântând în 1978

În secolul al XIX-lea, una dintre modalitățile cheie prin care noile compoziții au devenit cunoscute publicului a fost vânzările de partituri, pe care iubitorii de muzică amatori le-ar interpreta acasă cu pianul sau alte instrumente. Odată cu muzica din secolul al XX-lea , a existat o creștere considerabilă a ascultării muzicii, pe măsură ce radioul a câștigat popularitate și fonografele au fost folosite pentru a reda și distribui muzică. În secolul al XX-lea, compozitorii clasici contemporani au fost, de asemenea, influențați de muzica de jazz bazată pe improvizația afro-americană . Influența jazzului poate fi văzută în muzica Third Stream și în compozițiile lui Leonard Bernstein . Accentul muzicii de artă a fost caracterizat de explorarea de noi ritmuri, stiluri și sunete. Igor Stravinsky , Arnold Schoenberg și John Cage au fost toți compozitori influenți în muzica de artă din secolul al XX-lea. Cage a scris compoziții pentru instrumente clasice tradiționale și dispozitive neobișnuite de producere a sunetului, care nu sunt considerate în mod normal instrumente, cum ar fi aparatele de radio. Invenția de înregistrare a sunetului și abilitatea de a edita muzică pe bandă a dat naștere unor noi subgen al muzicii clasice, inclusiv acousmatic și betonului Musique școlile de compoziție electronică, în care compozitori făcut bucăți , folosind role-la-rolă de bandă de înregistrare și echipamente electronice.

Rolul femeilor

Compozitoare și pianistă din secolul al XIX-lea, Clara Schumann

În 1993, muzicologul american Marcia Citron a întrebat „[cum] este muzica compusă de femei atât de marginală pentru repertoriul standard„ clasic ”?” Citron „examinează practicile și atitudinile care au condus la excluderea compozitorilor din„ canonul ”primit al operelor muzicale interpretate.” Ea susține că, în anii 1800, compozitorele au scris de obicei cântece de artă pentru interpretare în recitaluri mici, mai degrabă decât simfonii destinate interpretării cu o orchestră într-o sală mare, lucrările din urmă fiind văzute ca fiind cel mai important gen pentru compozitori; de vreme ce femeile compozitoare nu au scris multe simfonii, acestea au fost considerate a fi notabile ca compozitori.

Potrivit lui Abbey Philips, „femeile muziciste au avut o perioadă foarte dificilă de a intra și de a obține creditul pe care îl merită”. În epoca medievală, cea mai mare parte a muzicii de artă a fost creată în scopuri liturgice (religioase) și datorită opiniilor despre rolurile femeilor deținute de liderii religioși, puține femei au compus acest tip de muzică, fiind călugărița Hildegard von Bingen fiind printre excepții. Majoritatea manualelor universitare despre istoria muzicii discută aproape exclusiv despre rolul compozitorilor de sex masculin. De asemenea, foarte puține opere ale femeilor compozitoare fac parte din repertoriul standard al muzicii clasice. În Concise Oxford History of Music , „ Clara Shumann [ sic ] este una dintre singurele compozitoare feminine menționate”, dar alte femei compozitoare notabile din perioada de practică obișnuită includ Fanny Mendelssohn și Cécile Chaminade și, probabil, cel mai influent profesor de compozitori din timpul mijlocul secolului al XX-lea era Nadia Boulanger . Philips afirmă că „[în] secolul al XX-lea, femeile care compuneau / cântau au câștigat mult mai puțină atenție decât omologii lor masculini”.

Femeile de astăzi sunt luate mai în serios pe tărâmul muzicii de concert, deși statisticile privind recunoașterea, premiile, ocuparea forței de muncă și oportunitățile generale sunt încă părtinitoare față de bărbați.

Clustering

Compozitorii celebri au tendința de a se grupa în orașe specifice de-a lungul istoriei. Pe baza a peste 12.000 de compozitori proeminenți enumerați în Grove Music Online și folosind tehnici de măsurare a numărului de cuvinte , cele mai importante orașe pentru muzica clasică pot fi identificate cantitativ.

Parisul a fost centrul principal al muzicii clasice în toate perioadele. A fost clasat pe locul cinci în secolele al XV-lea și al XVI-lea, dar primul în secolele al XVII-lea și al XX-lea inclusiv. Londra a fost al doilea oraș cu cel mai mare sens: al optulea în secolul al XV-lea, al șaptelea în al XVI-lea, al cincilea în al XVII-lea, al doilea în secolele al XVIII-lea și al XIX-lea și al patrulea în secolul al XX-lea. Roma s-a situat pe primul loc în secolul al XV-lea, a scăzut pe locul al doilea în secolele al XVI-lea și al XVII-lea, al optulea în secolul al XVIII-lea, al nouălea în secolul al XIX-lea, dar înapoi la locul șase în secolul al XX-lea. Berlinul apare în primele zece clasamente abia în secolul al XVIII-lea și a fost clasat pe locul al treilea ca oraș important în secolele al XIX-lea și al XX-lea. New York City a intrat în clasament în secolul al XIX-lea (pe locul cinci) și s-a situat pe locul al doilea în secolul al XX-lea. Modelele sunt foarte similare pentru un eșantion de 522 de compozitori de top.

Instruire

Compozitorii clasici profesioniști au adesea o experiență în interpretarea muzicii clasice în copilărie și adolescență, fie ca cântăreț într-un cor , ca jucător într-o orchestră de tineret , sau ca cântăreț pe un instrument solo (de exemplu, pian , orgă sau vioară ). Adolescenții care aspiră să fie compozitori își pot continua studiile post - secundare într-o varietate de setări formale de formare, inclusiv colegii, conservatoare și universități. Conservatoarele , care sunt sistemul standard de formare muzicală din Franța și din Quebec (Canada) oferă lecții și experiență de canto amator orchestral și coral pentru studenții de compoziție. Universitățile oferă o serie de programe de compoziție, inclusiv diplome de licență, diplome de master în muzică și diplome de doctor în arte muzicale . De asemenea, există o varietate de alte programe de formare, cum ar fi tabere de vară clasice și festivaluri, care oferă studenților posibilitatea de a primi antrenori de la compozitori.

Licență

Diplomele de licență în compoziție (denumite B.Mus. Sau BM) sunt programe de patru ani care includ lecții individuale de compoziție, orchestră amator / experiență corală și o succesiune de cursuri de istorie a muzicii, teoria muzicii și cursuri de arte liberale (de ex. , Literatura engleză), care oferă elevului o educație mai completă. De obicei, studenții la compoziție trebuie să completeze piese sau piese semnificative înainte de absolvire. Nu toți compozitorii dețin un B.Mus. în compoziție; compozitorii pot deține și un B.Mus. în interpretarea muzicii sau teoria muzicii.

masterat

Masterat în muzică (M.mus.) În compoziție constă din lecții private cu un profesor de compoziție, experiență de ansamblu și cursuri postuniversitare în istoria muzicii și teoria muzicii, împreună cu unul sau două concerte cu piese ale studenților de compoziție. O diplomă de master în muzică (denumită M.Mus. Sau MM) este adesea o acreditare minimă necesară pentru persoanele care doresc să predea compoziție la o universitate sau conservator. Un compozitor cu un M.Mus. ar putea fi profesor adjunct sau instructor la o universitate, dar ar fi dificil în anii 2010 să obțină un post de profesor titular cu această diplomă.

De doctorat

Pentru a deveni profesor titular, multe universități necesită o diplomă de doctorat . În compoziție, titlul de doctor cheie este mai degrabă doctor în arte muzicale decât doctorat ; doctoratul este acordat în muzică, dar de obicei pentru subiecte precum muzicologie și teoria muzicii .

Doctorul în arte muzicale (denumit DMA, DMA, D.Mus.A. sau A.Mus.D) în compoziție oferă o oportunitate pentru studii avansate la cel mai înalt nivel artistic și pedagogic, necesitând de obicei 54 de ore suplimentare de credit dincolo de o diplomă de master (care este de aproximativ 30 de credite peste o diplomă de licență). Din acest motiv, admiterea este extrem de selectivă. Elevii trebuie să trimită exemple de compoziții. Dacă sunt disponibile, unele școli vor accepta și înregistrări video sau audio ale spectacolelor pieselor elevului. Sunt necesare examinări în istoria muzicii, teoria muzicii, instruirea / dictarea urechii și un examen de admitere.

Studenții trebuie să pregătească compoziții semnificative sub îndrumarea profesorilor de compoziție ai facultății. Unele școli solicită studenților compoziției DMA să prezinte concerte ale operelor lor, care sunt interpretate de obicei de cântăreți sau muzicieni de la școală. Finalizarea cursurilor avansate și o medie minimă B sunt alte cerințe tipice ale unui program DMA. În timpul unui program DMA, un student de compoziție poate obține experiență în predarea studenților de licență la muzică.

Alte rute

Unii compozitori clasici nu au finalizat programele de compoziție, dar și-au concentrat studiile pe interpretarea vocii sau a unui instrument sau pe teoria muzicii și și-au dezvoltat abilitățile compoziționale pe parcursul unei cariere într-o altă ocupație muzicală.

Ocuparea forței de muncă

În Evul Mediu, majoritatea compozitorilor au lucrat pentru biserica catolică și au compus muzică pentru slujbe religioase, cum ar fi melodii simple . În epoca muzicii renascentiste , compozitorii lucrau de obicei pentru angajatorii aristocrați. În timp ce aristocrații au cerut compozitorilor să producă o cantitate semnificativă de muzică religioasă, cum ar fi mesele , compozitorii au scris, de asemenea, multe cântece nereligioase pe tema iubirii curtenești : dragostea respectuoasă și reverențială a unei mari femei de departe. Cântecele de dragoste curtenitoare erau foarte populare în timpul Renașterii. În epoca muzicii baroce , mulți compozitori erau angajați de aristocrați sau ca angajați ai bisericii. În perioada clasică , compozitorii au început să organizeze mai multe concerte publice pentru profit, ceea ce a ajutat compozitorii să fie mai puțin dependenți de slujbele aristocratice sau bisericești. Această tendință a continuat în epoca muzicii romantice din secolul al XIX-lea. În secolul al XX-lea, compozitorii au început să caute un loc de muncă ca profesori în universități și conservatoare. În secolul al XX-lea, compozitorii au câștigat și bani din vânzările operelor lor, cum ar fi publicații de partituri ale pieselor sau pieselor lor sau ca înregistrări sonore ale operelor lor.

Vezi si

Referințe

linkuri externe