Dramă - Drama

Măști de comedie și tragedie

Drama este modul specific de ficțiune reprezentat în spectacol : o piesă , operă , mimă , balet etc., interpretată într-un teatru sau la radio sau televiziune . Considerat ca un gen de poezie , în general, modul dramatic a fost în contrast cu epic și liric modurile încă de la Aristotel e Poetică (c. 335 î.Hr.) -cu mai veche lucrare a teoriei dramatice .

Termenul „dramă” provine dintr-un cuvânt grecescdraō ” care înseamnă „ a face / a acționa ” ( greacă clasică : δρᾶμα , dramă ), care derivă din „fac” ( greacă clasică : δράω , drao ). Cele două măști asociate cu drama reprezintă diviziunea generică tradițională dintre comedie și tragedie .

În engleză (așa cum a fost cazul analogic în multe alte limbi europene), cuvântul joc sau joc (traducerea pleganului anglo-saxon sau ludus latin ) a fost termenul standard pentru drame până la vremea lui William Shakespeare - la fel cum creatorul său a fost un mai degrabă jucător de teatru decât dramaturg, iar clădirea era mai degrabă o casă de joacă decât un teatru .

Utilizarea „dramei” într-un sens mai restrâns pentru a desemna un anumit tip de piesă datează din epoca modernă. „Drama” în acest sens se referă la o piesă care nu este nici o comedie, nici o tragedie - de exemplu, Thérèse Raquin de Zola ( 1873 ) sau Ivanov de Cehov ( 1887 ). Acest sens mai restrâns a fost adoptat de industria cinematografică și de televiziune , împreună cu studiile cinematografice , pentru a descrie „ drama ” ca un gen în mass-media lor respectivă. Termenul de „ dramă radio ” a fost folosit în ambele sensuri - transmis inițial într-un spectacol live. Se poate referi, de asemenea, la sfârșitul mai ridicat și mai serios al producției dramatice a radioului .

Interpretarea dramelor în teatru , interpretată de actori pe o scenă în fața unui public , presupune moduri de producție colaborative și o formă colectivă de recepție. Structura textelor dramatice , spre deosebire de alte forme de literatură , este influențată în mod direct de această producție de colaborare și de recepție colectivă.

Mima este o formă de dramă în care acțiunea unei povești este spusă numai prin mișcarea corpului. Drama poate fi combinată cu muzică : textul dramatic din operă este în general cântat peste tot; la fel ca în unele balete dansul „exprimă sau imită emoția, caracterul și acțiunea narativă”. Muzicalele includ atât dialogul vorbit, cât și cântece ; iar unele forme de dramă au muzică incidentală sau acompaniament muzical care subliniază dialogul ( melodrama și japoneză , de exemplu). Dramele pentru dulapuri sunt o formă care se dorește a fi citită, mai degrabă decât interpretată. În improvizație , drama nu preexistă momentul interpretării; artiștii interpreți elaborează spontan un scenariu dramatic în fața publicului.

Istoria dramaturgiei occidentale

Dramă clasică greacă

Relieful unui poet așezat ( Menander ) cu măști de comedie nouă , secolul I î.Hr. - începutul secolului I d.Hr., Muzeul de Artă al Universității Princeton

Drama occidentală își are originea în Grecia clasică . Cultura teatrală a orașului-stat din Atena a produs trei genuri de teatru: tragedie , comedie , iar jocul satir . Originile lor rămân obscure, deși până în secolul al V-lea î.Hr., ele au fost instituționalizate în competițiile organizate ca parte a festivităților care sărbătoreau zeul Dionis . Istoricii cunosc numele multor dramaturgi greci antici, nu în ultimul rând Thespis , căruia i se atribuie inovația unui actor („ hipokriți ”) care vorbește (mai degrabă decât cântă) și imită un personaj (mai degrabă decât vorbind în propria persoană), în timp ce interacționând cu refrenul și liderul său (" corifeu "), care erau o parte tradițională a spectacolului de poezie nedramatică ( ditiramică , lirică și epică ).

Cu toate acestea, doar o mică parte din opera a cinci dramaturgi a supraviețuit până în prezent: avem un număr mic de texte complete ale tragedienilor Eschil , Sofocle și Euripide , precum și ale scriitorilor de benzi desenate Aristofan și, de la sfârșitul secolului al IV-lea, al lui Menander . Tragedia istorică a lui Eschil Persii este cea mai veche dramă care a supraviețuit, deși atunci când a câștigat premiul I la concursul City Dionysia în 472 î.Hr., scria piese de mai bine de 25 de ani. Concurența („ agon ”) pentru tragedii ar fi putut începe încă din 534 î.Hr .; înregistrările oficiale („ didaskaliai ”) încep din 501 î.Hr. când a fost introdusă piesa de satir . Dramaturgilor tragici li s-a cerut să prezinte o tetralogie a pieselor (deși lucrările individuale nu erau neapărat legate de poveste sau temă), care constau de obicei din trei tragedii și o piesă de satir (deși s-au făcut excepții, ca și în cazul Alcestisului lui Euripide în 438 î.Hr.) . Comedia a fost recunoscută oficial cu un premiu în competiția din 487 până în 486 î.Hr.

Cinci dramaturgi comici au concurat la Orașul Dionisia (deși în timpul Războiului Peloponezian aceasta s-ar fi putut reduce la trei), fiecare oferind o singură comedie. Comedia greacă veche este împărțită în mod tradițional între „comedia veche” (secolul al V-lea î.Hr.), „comedia de mijloc” (secolul al IV-lea î.Hr.) și „comedia nouă” (sfârșitul secolului al IV-lea până în al II-lea î.Hr.).

Dramă clasică romană

O statuetă de fildeș a unui actor roman de tragedie , secolul I d.Hr.

În urma extinderii Republicii Romane (509-27 î.Hr.) în mai multe teritorii grecești între 270-240 î.Hr., Roma a întâlnit drama greacă . Din ultimii ani ai republicii și prin intermediul Imperiului Roman (27 î.Hr.-476 d.Hr.), teatrul s-a răspândit spre vest în Europa, în jurul Mediteranei și a ajuns în Anglia; Teatrul roman era mai variat, mai extins și mai sofisticat decât cel al oricărei culturi dinaintea sa.

În timp ce drama greacă a continuat să fie interpretată pe tot parcursul perioadei romane, anul 240 î.Hr. marchează începutul dramei romane regulate . Cu toate acestea, de la începutul imperiului, interesul pentru drama de lungă durată a scăzut în favoarea unei varietăți mai largi de distracții teatrale. Primele lucrări importante ale literaturii romane au fost tragediile și comediile pe care Livius Andronic le -a scris din 240 î.Hr. Cinci ani mai târziu, Gnaeus Naevius a început și el să scrie dramă. Nicio piesă de teatru de la niciun scriitor nu a supraviețuit. În timp ce ambii dramaturgi au compus în ambele genuri , Andronic a fost cel mai apreciat pentru tragediile sale și Naevius pentru comediile sale; succesorii lor tindeau să se specializeze într-unul sau altul, ceea ce a dus la o separare a dezvoltării ulterioare a fiecărui tip de dramă.

La începutul secolului al II-lea î.Hr., drama a fost ferm stabilită la Roma și s-a format o breaslă de scriitori ( collegium poetarum ). Comediile romane care au supraviețuit sunt toate fabula palliata (comedii bazate pe subiecte grecești) și provin de la doi dramaturgi: Titus Maccius Plautus (Plautus) și Publius Terentius Afer (Terence). În reluarea originalelor grecești, dramaturgii comici romani au abolit rolul corului în împărțirea dramei în episoade și au introdus acompaniament muzical în dialogul său (între o treime din dialogul din comediile lui Plautus și două treimi în acele de Terence). Acțiunea tuturor scenelor este amplasată în exteriorul unei străzi, iar complicațiile sale decurg adesea din ascultarea .

Plautus, cel mai popular dintre cei doi, a scris între 205 și 184 î.Hr. și douăzeci dintre comediile sale supraviețuiesc, dintre care farsele sale sunt cele mai cunoscute; a fost admirat pentru inteligența dialogului său și pentru utilizarea unei varietăți de contoare poetice . Toate cele șase comedii pe care Terence le-a scris între 166 și 160 î.Hr. au supraviețuit; complexitatea comploturilor sale, în care a combinat adesea mai multe originale grecești, a fost uneori denunțată, dar comploturile sale duble au permis o prezentare sofisticată a comportamentului uman contrastant. Nici o tragedie romană timpurie nu supraviețuiește, deși a fost foarte apreciată la vremea sa; istoricii știu despre primii trei tragici - Quintus Ennius , Marcus Pacuvius și Lucius Accius .

Din timpul imperiului, opera a doi tragici supraviețuiește - unul este un autor necunoscut, în timp ce celălalt este filosoful stoic Seneca . Nouă dintre tragediile lui Seneca supraviețuiesc, toate fiind fabula crepidata (tragedii adaptate din originalele grecești); lui Phaedra , de exemplu, sa bazat pe Euripide " Ipolit . Istoricii nu știu cine a scris singurul exemplu existent al fabulei praetexta (tragedii bazate pe subiecte romane), Octavia , dar în vremuri anterioare i-a fost atribuit în mod eronat lui Seneca datorită apariției sale ca personaj în tragedie.

Medieval

Scenă dintr-o piesă de moralitate vernaculară din secolul al XV-lea Castelul perseverenței (așa cum se găsește în manuscrisul macro ).

Începând cu Evul Mediu timpuriu , bisericile au organizat versiuni dramatizate ale evenimentelor biblice, cunoscute sub numele de drame liturgice , pentru a însufleți sărbătorile anuale. Cel mai vechi exemplu este tropul de Paște Pe cine cauți? (Quem-Quaerita) (c. 925). Două grupuri ar cânta în limba latină în mod responsabil , deși nu a fost implicată nicio suplinire de personaje . Până în secolul al XI-lea, sa răspândit prin Europa în Rusia , Scandinavia și Italia ; cu excepția Spaniei din epoca islamică .

În secolul al X-lea, Hrosvitha a scris șase piese în limba latină după modelul comediilor lui Terence , dar care tratau subiecte religioase. Piesele ei sunt primele cunoscute ca fiind compuse de o dramaturgă de sex feminin și prima dramă occidentală identificabilă din era post-clasică. Mai târziu, Hildegard din Bingen a scris o dramă muzicală , Ordo Virtutum (c. 1155).

Una dintre cele mai faimoase dintre piesele seculare timpurii este pastorala curtoasă Robin și Marion , scrisă în secolul al XIII-lea în franceză de Adam de la Halle . Interludiul studentului și fetei (c. 1300), una dintre cele mai vechi cunoscute în limba engleză, pare a fi cea mai apropiată în ton și formă de farsele contemporane franceze , cum ar fi The Boy and the Blind Man .

Multe piese supraviețuiesc din Franța și Germania la sfârșitul Evului Mediu , când un anumit tip de dramă religioasă a fost interpretată în aproape fiecare țară europeană. Multe dintre aceste piese conțineau comedie , diavoli , ticăloși și clovni . În Anglia, breslele comerciale au început să interpreteze „ piese de mistervernaculare , care erau compuse din cicluri lungi de multe playlet-uri sau „concursuri”, dintre care patru există : York (48 de piese), Chester (24), Wakefield (32) și așa-numitul „ N-Town ” (42). Al doilea joc de păstori din ciclul Wakefield este o poveste farsă a unei oi furate pe care protagonistul ei , Mak, încearcă să o lase în timp ce nou-născutul său dormea ​​într-un pătuț; se termină atunci când păstorii de la care a furat sunt chemați la Nașterea Domnului Isus .

Jocurile de moralitate (un termen modern) au apărut ca o formă dramatică distinctă în jurul anului 1400 și au înflorit la începutul erei elizabetane din Anglia. Personajele erau deseori folosite pentru a reprezenta diferite idealuri etice. Toată lumea , de exemplu, include figuri precum Fapte bune, cunoaștere și forță, iar această caracterizare întărește conflictul dintre bine și rău pentru public. Castelul Perseverenței (c. 1400—1425) descrie progresul unei figuri arhetipale de la naștere până la moarte. Horestes (c. 1567), o „morală hibridă” târzie și unul dintre primele exemple ale unei piese de răzbunare englezești , reunește povestea clasică a lui Oreste cu un vice din tradiția alegorică medievală , alternând scene comice, slapstick , cu scene serioase, tragice. cele. De asemenea, importante în această perioadă au fost dramele populare ale piesei Mummers Play , interpretate în sezonul de Crăciun . Masca de curte a fost deosebit de populară în timpul domniei lui Henric al VIII-lea .

Elizabetan și iacobean

Una dintre marile înfloriri ale dramei din Anglia a avut loc în secolele 16 și 17. Multe dintre aceste piese au fost scrise în versuri, în special pentametrul iambic . Pe lângă Shakespeare, autori precum Christopher Marlowe , Thomas Middleton și Ben Jonson au fost dramaturgi proeminenți în această perioadă. La fel ca în perioada medievală , piesele istorice celebrau viața regilor din trecut, sporind imaginea monarhiei Tudor . Autorii acestei perioade au trasat unele dintre poveștile lor din mitologia greacă și mitologia romană sau din piesele unor dramaturgi eminenti romani, cum ar fi Plautus și Terence .

Comedie de restaurare engleză

Colley Cibber ca extravagant și afectat Lord Foppington, „brutal, malefic și inteligent”, în Vanbrugh's The Recidive (1696).

Comedia de restaurare se referă la comediile englezești scrise și interpretate în Anglia în perioada Restaurării din 1660 până în 1710. Comedia de maniere este folosită ca sinonim al comediei de restaurare. După ce teatrul public a fost interzis de regimul puritan , redeschiderea teatrelor în 1660 odată cu Restaurarea lui Carol al II-lea a semnalat o renaștere a dramaturgiei englezești . Comedia de restaurare este cunoscută pentru explicitatea sa sexuală , înțelepciunea urbană, cosmopolită , scrierea actuală actuală și comploturile aglomerate și pline de viață. Dramaturgii săi au furat în mod liber din scena contemporană franceză și spaniolă, din piesele engleze Jacobean și Caroline și chiar din comediile clasice grecești și romane , combinând diversele linii argumentale în moduri aventuroase. Diferențele de ton rezultate într-o singură piesă au fost apreciate mai degrabă decât încruntate, deoarece publicul a apreciat „varietatea” atât în ​​interior, cât și între piese. Comedia de restaurare a atins apogeul de două ori. Genul a ajuns la o maturitate spectaculoasă la mijlocul anilor 1670, cu o extravaganță de comedii aristocratice . Douăzeci de ani slabi au urmat acestei scurte epoci de aur, deși realizarea primei dramaturgi profesionale, Aphra Behn , în anii 1680 este o excepție importantă. La mijlocul anilor 1690, a apărut o scurtă a doua comedie de restaurare renascentistă, destinată unui public mai larg. Comediile din vârfurile de aur din anii 1670 și 1690 sunt semnificativ diferite una de cealaltă.

Comediile nesentimentale sau „dure” ale lui John Dryden , William Wycherley și George Etherege reflectau atmosfera de la Curte și celebrau cu sinceritate un stil de viață machist aristocratic de intrigi și cuceriri sexuale neîncetate. Earl of Rochester , viață reală Restaurarea grebla, curtean și poet, este în mod avantajos portretizat în Etherege lui Omul Mode (1676) ca un turbulent, spiritual, intelectual și aristocrat irezistibil sexual, un model pentru ideea posterității din plin de farmec grebla de restaurare (de fapt niciodată un personaj foarte comun în comedia Restaurării). Singura piesă care susține acuzația de obscenitate de atunci și acum la comedia Restaurării este probabil capodopera lui Wycherley The Country Wife (1675), al cărui titlu conține un joc de cuvinte obscen și a cărui notorie „scenă china” este o serie de duble înțelegeri susținute .

În timpul celui de-al doilea val de comedie de restaurare din anii 1690, comediile „mai moi” ale lui William Congreve și John Vanbrugh și-au propus să apeleze la un public mai divers din punct de vedere social, cu un puternic element de clasă mijlocie, precum și la spectatorii de sex feminin. Focalizarea comică se mută de la tinerii îndrăgostiți care depășesc generația mai în vârstă la vicisitudinile relațiilor conjugale. În Dragostea pentru dragoste a lui Congreve (1695) și Calea lumii (1700), piesele setate de cupluri care își testează atracția unul pentru celălalt s-au mutat în dezbateri prenupțiale în ajunul căsătoriei, ca în cea din urmă celebră scenă „Proviso”. The Provoked Wife (1697) de Vanbrugh are o notă ușoară și personaje mai recunoscute uman, în timp ce The Recidive (1696) a fost admirată pentru spiritul său aruncabil și caracterizarea lui Lord Foppington, un fop burlesc extravagant și afectat, cu o parte întunecată. Toleranța față de comedia Restaurării chiar și în forma sa modificată se epuiza până la sfârșitul secolului al XVII-lea, întrucât opinia publică s-a orientat către respectabilitate și seriozitate chiar mai repede decât au făcut dramaturgii. La mult așteptata premieră de stele din 1700 a The Way of the World , prima comedie a lui Congreve de cinci ani, publicul a arătat doar un entuziasm moderat pentru acea operă subtilă și aproape melancolică. Comedia sexului și a inteligenței era pe punctul de a fi înlocuită de comedia sentimentală și de drama moralității exemplare.

Modern și postmodern

Contribuțiile esențiale și inovatoare ale dramaturgului norvegian din secolul al XIX-lea Henrik Ibsen și ale practicianului german de teatru din secolul al XX-lea Bertolt Brecht domină drama modernă; fiecare a inspirat o tradiție a imitatorilor, care include mulți dintre cei mai mari dramaturgi ai erei moderne. Lucrările ambilor dramaturgi sunt, în diferitele lor moduri, atât moderniste , cât și realiste , încorporând experimentare formală , meta-teatralitate și critică socială . În ceea ce privește discursul teoretic tradițional al genului, opera lui Ibsen a fost descrisă ca punctul culminant al „ tragediei liberale ”, în timp ce cea a lui Brecht a fost aliniată cu o comedie istoricizată .

Alți dramaturgi importanți ai erei moderne includ Antonin Artaud , August Strindberg , Anton Cehov , Frank Wedekind , Maurice Maeterlinck , Federico García Lorca , Eugene O'Neill , Luigi Pirandello , George Bernard Shaw , Ernst Toller , Vladimir Mayakovsky , Arthur Miller , Tennessee Williams , Jean Genet , Eugène Ionesco , Samuel Beckett , Harold Pinter , Friedrich Dürrenmatt , Dario Fo , Heiner Müller și Caryl Churchill .

Operă

Opera occidentală este o formă de artă dramatică care a apărut în timpul Renașterii în încercarea de a revigora drama clasică greacă în care dialogul, dansul și cântecul erau combinate. Fiind puternic legată de muzica clasică occidentală , opera a suferit schimbări enorme în ultimele patru secole și este o formă importantă de teatru până în prezent. De remarcat este influența majoră a compozitorului german din secolul al XIX-lea Richard Wagner asupra tradiției operei. În opinia sa, nu exista un echilibru adecvat între muzică și teatru în operele timpului său, deoarece muzica părea să fie mai importantă decât aspectele dramatice din aceste lucrări. Pentru a restabili legătura cu drama clasică, el a reînnoit în întregime forma operistică pentru a sublinia importanța egală a muzicii și a dramelor în lucrările pe care le-a numit „ drame muzicale ”.

Opera chineză a cunoscut o dezvoltare mai conservatoare pe o perioadă ceva mai lungă de timp.

Pantomimă

Pantomima (informal panto ), este un tip de producție scenică de comedie muzicală , concepută pentru divertismentul de familie. A fost dezvoltat în Anglia și se desfășoară încă în Marea Britanie, în general în sezonul de Crăciun și Anul Nou și, într-o măsură mai mică, în alte țări vorbitoare de limbă engleză. Pantomima modernă include cântece, gag-uri, comedii și dansuri, folosește actori care încrucișează genul și combină umorul actual cu o poveste bazată pe un basm bine cunoscut, fabulă sau basm popular . Este o formă participativă de teatru, în care publicul este de așteptat să cânte împreună cu anumite părți ale muzicii și să strige fraze interpreților.

Aceste povești urmează în tradiția fabulelor și a basmelor populare . De obicei, există o lecție învățată și, cu un anumit ajutor din partea publicului, eroul / eroina salvează ziua. Acest tip de piesă folosește personaje de stoc văzute în mască și din nou commedia dell'arte , aceste personaje includ ticălosul (doctore), clovnul / servitorul (Arlechino / Arlequin / nasturii), îndrăgostiții etc. Aceste piese de obicei au un accent pe moral dileme , iar binele triumfă întotdeauna asupra răului, acest gen de joc este, de asemenea, foarte distractiv, făcându-l un mod foarte eficient de a ajunge la mulți oameni.

Pantomima are o lungă istorie teatrală în cultura occidentală datând din teatrul clasic. S-a dezvoltat parțial din tradiția secolului al XVI-lea commedia dell'arte din Italia, precum și din alte tradiții scenice europene și britanice, cum ar fi masca și sala de muzică din secolul al XVII-lea . O parte importantă a pantomimei, până la sfârșitul secolului al XIX-lea, a fost arlequinada . În afara Marii Britanii, cuvântul „pantomimă” este de obicei folosit pentru a însemna mimarea , mai degrabă decât forma teatrală discutată aici.

Mima

Mima este un mediu teatral în care acțiunea unei povești este spusă prin mișcarea corpului, fără utilizarea vorbirii. Interpretarea mimică a avut loc în Grecia Antică , iar cuvântul este preluat de la un singur dansator mascat numit Pantomimus , deși spectacolele lor nu erau neapărat tăcute. În Europa Medievală , au evoluat formele timpurii de mimă, cum ar fi piesele de teatru de vară și ulterior spectacolele prostești . La începutul Parisului secolului al XIX-lea , Jean-Gaspard Deburau a consolidat numeroasele atribute pe care le-am cunoscut în timpurile moderne, inclusiv figura tăcută în fața albă.

Jacques Copeau , puternic influențat de Commedia dell'arte și de teatrul japonez Noh , a folosit măști în pregătirea actorilor săi. Étienne Decroux , un elev al său, a fost puternic influențat de acest lucru și a început să exploreze și să dezvolte posibilitățile mimei și mimei corporale rafinate într-o formă extrem de sculpturală, luând-o în afara tărâmurilor naturalismului . Jacques Lecoq a contribuit semnificativ la dezvoltarea mimei și a teatrului fizic cu metodele sale de antrenament.

Balet

În timp ce unii balet accentuează „liniile și tiparele mișcării în sine„ dansul dramatic „exprimă sau imită emoția, caracterul și acțiunea narativă”. Astfel de balete sunt opere de teatru care au personaje și „spun o poveste”, mișcările de dans în balet „sunt adesea strâns legate de formele de expresie fizică de zi cu zi, [astfel încât] există o calitate expresivă inerentă aproape tuturor dansurilor”, iar aceasta este folosit pentru a transmite atât acțiune, cât și emoții; se foloseste si mimica. Exemplele includ Lacul lebedelor lui Pyotr Ilici Ceaikovski , care spune povestea lui Odette, o prințesă transformată în lebădă de blestemul unui vrăjitor rău, baletul Romeo și Julieta al lui Serghei Prokofiev , bazat pe celebra piesă a lui Shakespeare, și Petrushka a lui Igor Stravinsky , care spune povestea iubirilor și geloziei a trei marionete.

Dramă creativă

Drama creativă include activități dramatice și jocuri utilizate în principal în medii educaționale cu copii. Rădăcinile sale în Statele Unite au început la începutul anilor 1900. Winifred Ward este considerat fondatorul dramaturgiei creative în educație, stabilind prima utilizare academică a dramaturgiei în Evanston, Illinois.

Dramă asiatică

India

O scenă din drama Macbeth de Kalidasa Kalakendram în orașul Kollam , India
Interpret interpretând Sugriva în forma Koodiyattam a teatrului sanscrit .

Cea mai veche formă de dramă indiană a fost drama sanscrită . Între secolul I d.Hr. și al X-lea a fost o perioadă de relativă pace în istoria Indiei în timpul căreia au fost scrise sute de piese. Odată cu cuceririle islamice care au început în secolele X și XI, teatrul a fost descurajat sau interzis în totalitate. Mai târziu, în încercarea de a reafirma valorile și ideile indigene, teatrul sătesc a fost încurajat de-a lungul subcontinentului, dezvoltându-se în diferite limbi regionale din secolele XV până în XIX. Mișcarea Bhakti a avut influență în spectacolele din mai multe regiuni. În afară de limbile regionale, Assam a văzut apariția Vaishnavite dramă într - un limbaj literar mixt artificial numit Brajavali . O formă distinctă de piese cu un singur act numită Ankia Naat s-a dezvoltat în lucrările lui Sankardev , a cărei prezentare particulară se numește Bhaona . Teatrul indian modern s-a dezvoltat în perioada stăpânirii coloniale sub Imperiul Britanic , de la mijlocul secolului al XIX-lea până la mijlocul secolului al XX-lea.

Teatru sanscrit

Cele mai vechi fragmente din drama sanscrită care au supraviețuit datează din secolul I d.Hr. Bogăția dovezilor arheologice din perioadele anterioare nu oferă nicio indicație a existenței unei tradiții a teatrului. Vedele antice ( imnuri între 1500 și 1000 î.Hr., care sunt printre primele exemple de literatură din lume) nu conțin nici un indiciu (deși un număr mic sunt compuse într-o formă de dialog ), iar ritualurile din perioada vedică nu par să se fi dezvoltat în teatru. Mahābhāṣya de Patanjali conține cea mai veche referire la ceea ce ar fi putut fi semințele de teatru sanscrită. Acest tratat de gramatică din 140 î.Hr oferă o dată fezabilă pentru începuturile teatrului din India .

Sursa principală de dovezi pentru teatrul sanscrit este A Treatise on Theatre ( Nātyaśāstra ), un compendiu a cărui dată de compoziție este incertă (estimările variază între 200 î.Hr. și 200 d.Hr.) și a cărei autoritate este atribuită lui Bharata Muni . Tratat este cea mai completă lucrare dramaturgiei în lumea antică. Se adresează actorie , dans , muzică , construcții dramatice , arhitectură, costum , machiaj , recuzită , organizarea companiilor, publicul, competiții și oferă o relatare mitologică a originii teatrului.

Drama sa este privită ca cea mai înaltă realizare a literaturii sanscrite . A folosit personaje de stoc , cum ar fi eroul ( nayaka ), eroina ( nayika ) sau clovnul ( vidusaka ). Este posibil ca actorii să se fi specializat într-un anumit tip. A fost patronată de regi, precum și de adunările satului. Dramaturgi celebre timpurii includ Bhāsa , Kalidasa (faimos pentru Vikrama și Urvashi , Malavika și Agnimitra și Recunoașterea Shakuntala ), Śudraka (celebru pentru Micul Clay Cart ), Asvaghosa , Dandin , și împăratul Harsha (faimos pentru Nagananda , Ratnavali , și Priyadarsika ). Śakuntalā (în traducere engleză) a influențat Faustul lui Goethe (1808–1832).

Dramă indiană modernă

Rabindranath Tagore a fost un dramaturg modern pionier care a scris piese cunoscute pentru explorarea și chestionarea naționalismului, identității, spiritualismului și lăcomiei materiale. Piesele sale sunt scrise în bengali și includ Chitra ( Chitrangada , 1892), Regele camerei întunecate ( Raja , 1910), Oficiul poștal ( Dakghar , 1913) și Oleanderul roșu ( Raktakarabi , 1924). Girish Karnad este un dramaturg remarcabil, care a scris o serie de piese care folosesc istoria și mitologia, pentru a critica și problematiza ideile și idealurile care sunt de actualitate actuală. Numeroasele piese ale lui Karnad precum Tughlaq , Hayavadana , Taledanda și Naga-Mandala sunt contribuții semnificative la drama indiană. Vijay Tendulkar și Mahesh Dattani sunt printre principalii dramaturgi indieni ai secolului XX. Mohan Rakesh în hindi și Iqbal danez în urdu sunt considerați arhitecți ai dramaturgiei new age. Aadhe Adhoore de Mohan Rakesh și Dara Shikoh din Danemarca Iqbal sunt considerate clasice moderne.

Dramă modernă urdu din India și Pakistan

Drama urdu a evoluat din tradițiile dramatice predominante din nordul Indiei, modelând Rahas sau Raas, practicate de exponenți precum Nawab Wajid Ali Shah (1822 - 1887) din Awadh . Experimentele sale dramatice au dus la faimosul Inder Sabha din Amanat și mai târziu această tradiție a luat forma teatrului Parsi. Agha Hashr Kashmiri este punctul culminant al acestei tradiții.

Tradiția teatrului urdu a influențat foarte mult teatrul indian modern . Teatrul a înflorit în urdu (care a fost numit hindi de primii scriitori), alături de Gujrati , Marathi și Bengali . Dramele urdu au avut o influență importantă asupra industriei cinematografice din Bombay și toate lucrările timpurii ale teatrului urdu (interpretate de companiile Parsi) au fost transformate în filme. Tradiția dramatică urdu există de mai bine de 100 de ani.

Prof Hasan, Ghulam Jeelani, JN, Kaushal, Shameem Hanfi, Jameel Shaidayi etc. aparțin vechii generații, scriitori contemporani precum Danish Iqbal, Sayeed Alam, Shahid Anwar, Iqbal Niyazi și Anwar sunt câțiva dramaturgi postmoderni care contribuie activ la domeniul Dramei urdu.

Sayeed Alam este cunoscut pentru inteligența și umorul său și mai ales pentru piese precum „Ghalib în New Delhi”, „Big B” și multe alte lucrări, care sunt puse în scenă în mod regulat pentru publicul larg. Maulana Azad este cea mai importantă piesă a sa, atât pentru conținut, cât și pentru stil.

Piesa daneză Iqbal Dara Shikoh în regia lui MS Sathyu este un clasic modern care folosește tehnici de teatru mai noi și o perspectivă contemporană. Celelalte piese ale sale sunt Sahir . asupra celebrului lirist și poet revoluționar. Kuchh Ishq kiya Kuchh Kaam este o altă piesă scrisă de daneză, care este în esență o sărbătoare a poeziei lui Faiz , care prezintă evenimente din prima parte a vieții sale, în special evenimentele și incidentele din zilele de pre-partiție care i-au modelat viața și idealurile. Chand Roz Aur Meri Jaan - o altă piesă inspirată din scrisorile lui Faiz scrise din diverse închisori în zilele Conspirației Rawalpindi . A scris alte 14 piese, inclusiv Dilli Jo Ek Shehr Thaa și Main Gaya Waqt Nahin hoon . Three B de Shahid este, de asemenea, o piesă semnificativă. A fost asociat cu multe grupuri precum „Natwa” și altele. Zaheer Anwar a păstrat steagul teatrului urdu în Kolkata . Spre deosebire de scriitorii generației anterioare Sayeed, Shahid, Danish Iqbal și Zaheer nu scriu piese de teatru cărnoase, dar munca lor este un produs al tradiției interpretative. Iqbal Niyazi din Mumbai a scris mai multe piese în urdu, piesa sa AUR KITNE JALYANWALA BAUGH? a câștigat un premiu național alte premii. Prin urmare, aceasta este singura generație după Amanat și Agha Hashr care scrie de fapt pentru scenă și nu pentru biblioteci.

China

Un timbru poștal al URSS din 1958 care comemorează pe Guan Hanqing , unul dintre marii dramaturgi chinezi, care este renumit pentru piesele sale „ zaju ”.

Teatrul chinez are o istorie lungă și complexă. Astăzi este adesea numită operă chineză, deși aceasta se referă în mod specific la forma populară cunoscută sub numele de operă de la Beijing și Kunqu ; au existat multe alte forme de teatru în China, cum ar fi zaju .

Japonia

Drama japoneză este o formă dramatică serioasă care combină drama, muzica și dansul într-o experiență estetică completă. S-a dezvoltat în secolele al XIV-lea și al XV-lea și are propriile instrumente muzicale și tehnici de interpretare, care au fost deseori transmise de la tată la fiu. Interpreții erau în general bărbați (atât pentru rolurile masculine, cât și pentru cele feminine), deși amatorii de sex feminin interpretează și drame Nō. Drama Nō a fost susținută de guvern și, în special, de militari, mulți comandanți militari având propriile trupe și uneori interpretându-se singuri. Se mai interpretează și astăzi în Japonia.

Kyōgen este omologul comic al dramei Nō. Se concentrează mai mult pe dialog și mai puțin pe muzică, deși instrumentistii Nō apar uneori și în Kyōgen. Drama Kabuki , dezvoltată din secolul al XVII-lea, este o altă formă comică, care include dansul.

Vezi si

Note

Surse

  • Banham, Martin, ed. 1998. The Cambridge Guide to Theatre. Cambridge: Cambridge University Press. ISBN  0-521-43437-8 .
  • Baumer, Rachel Van M. și James R. Brandon, eds. 1981. Teatrul sanscrit în spectacol. Delhi: Motilal Banarsidass, 1993. ISBN  978-81-208-0772-3 .
  • Bevington, David M. 1962. De la omenire la Marlowe: creșterea structurii în drama populară a Angliei Tudor. Cambridge, MA: Harvard University Press.
  • Bhatta, S. Krishna. 1987. Indian English Drama: A Critical Study. New Delhi: Sterling.
  • Brandon, James R. 1981. Introducere. În Baumer și Brandon (1981, xvii – xx).
  • Brandon, James R., ed. 1997. Ghidul Cambridge pentru teatrul asiatic. ' 2, rev. ed. Cambridge: Cambridge UP. ISBN  978-0-521-58822-5 .
  • Brockett, Oscar G. și Franklin J. Hildy. 2003. Istoria Teatrului . A noua ediție, ediția internațională. Boston: Allyn și Bacon. ISBN  0-205-41050-2 .
  • Brown, Andrew. 1998. „Grecia antică”. În The Cambridge Guide to Theatre. Ed. Martin Banham. Cambridge: Cambridge UP. 441–447. ISBN  0-521-43437-8 .
  • Burt, Daniel S. 2008. Drama 100: un clasament al celor mai mari piese din toate timpurile. Fapte despre fișierul ser. New York: Fapte privind fișierul / baza de date. ISBN  978-0-8160-6073-3 .
  • Callery, Dympha. 2001. Through the Body: A Practical Guide to Physical Theatre. Londra: Nick Hern. ISBN  1-854-59630-6 .
  • Carlson, Marvin. 1993. Teoriile teatrului: un studiu istoric și critic de la greci până în prezent. Ed. Extinsă Ithaca și Londra: Cornell University Press. ISBN  978-0-8014-8154-3 .
  • Cartledge, Paul. 1997. „„ Joacă adânci ”: Teatrul ca proces în viața civică greacă.” În Easterling (1997c, 3–35).
  • Chakraborty, Kaustav, ed. 2011. Drama engleză indiană. New Delhi: învățarea PHI.
  • Deshpande, GP, ed. 2000. Drama indiană modernă: o antologie. New Delhi: Sahitya Akedemi.
  • Dillon, Janette. 2006. The Cambridge Introduction to Early English Theatre. Cambridge Introductions to Literature ser. Cambridge: Cambridge University Press. ISBN  978-0-521-83474-2 .
  • Duchartre, Pierre Louis. 1929. Comedia italiană . Republicare integrală. New York: Dover, 1966. ISBN  0-486-21679-9 .
  • Dukore, Bernard F., ed. 1974. Teorie și critică dramatică: greci la . Florența, Kentucky: Heinle și Heinle. ISBN  0-03-091152-4 .
  • Durant, Will și Ariel Durant. 1963 Povestea civilizației, volumul II: Viața Greciei . 11 vol. New York: Simon & Schuster.
  • Easterling, PE 1997a. „Un spectacol pentru Dionis”. În Easterling (1997c, 36-53).
  • Easterling, PE 1997b. „Formă și performanță”. În Easterling (1997c, 151–177).
  • Easterling, PE, ed. 1997c. The Companion Cambridge to Greek Tragedy . Cambridge Companions to Literature ser. Cambridge: Cambridge UP. ISBN  0-521-42351-1 .
  • Ehrlich, Harriet W. 1974. „ Dramatica creativă ca tehnică de predare în clasă ”. Engleză elementară 51: 1 (ianuarie): 75-80.
  • Elam, Keir. 1980. The Semiotica de teatru și drama . Noi accente Ser. Londra și New York: Methuen. ISBN  0-416-72060-9 .
  • Fergusson, Francis . 1949. Ideea unui teatru: un studiu al zece piese, arta dramaturgiei într-o perspectivă în schimbare. Princeton, New Jersey: Princeton UP, 1968. ISBN  0-691-01288-1 .
  • Goldhill, Simon. 1997. „Audiența tragediei ateniene”. În Easterling (1997c, 54-68).
  • Gordon, Mel. 1983. Lazzi : The Comic Routines of the Commedia dell'Arte . New York: publicații de jurnal de artă spectacolă. ISBN  0-933826-69-9 .
  • Gutzwiller, Kathryn. 2007. Un ghid pentru literatura elenistică. Londra: Blackwell. ISBN  0-631-23322-9 .
  • Harsh, Philip Whaley. 1944. Un manual de dramă clasică . Stanford: Stanford UP; Oxford: Oxford UP.
  • Johnstone, Keith . 1981. Impro: Improvizația și teatrul Rev. ed. Londra: Methuen, 2007. ISBN  0-7136-8701-0 .
  • Ley, Graham. 2006. O scurtă introducere în Teatrul Grecesc Antic. Rev. ed. Chicago și Londra: U of Chicago P. ISBN  0-226-47761-4 .
  • O'Brien, Nick. 2010. Stanislavski În practică . Londra: Routledge. ISBN  978-0415568432 .
  • O'Brien, Nick. 2007. Theeatricality of Greek Tragedy: Playing Space and Chorus. Chicago și Londra: U of Chicago P. ISBN  0-226-47757-6 .
  • Pandey, Sudhakar și Freya Taraporewala, eds. 1999. Studii în India contemporană. New Delhi: Prestige.
  • Pfister, Manfred. 1977. Teoria și analiza dramelor . Trans. John Halliday. Studii europene în literatura engleză Ser. Cambridige: Cambridge University Press, 1988. ISBN  0-521-42383-X .
  • Rémy, Tristan. 1954. Jean-Gaspard Deburau. Paris: L'Arche.
  • Rehm, Rush . 1992. Teatrul Tragic Grecesc. Studii de producție teatrală ser. Londra și New York: Routledge. ISBN  0-415-11894-8 .
  • Richmond, Farley. 1998. „India”. În Banham (1998, 516–525).
  • Richmond, Farley P., Darius L. Swann și Phillip B. Zarrilli, eds. 1993. Teatrul indian: tradiții ale spectacolului. U din Hawaii P. ISBN  978-0-8248-1322-2 .
  • Spivack, Bernard. 1958. Shakespeare și alegoria răului: istoria unei metafore în relație cu ticăloșii săi majori. NY și Londra: Columbia UP. ISBN  0-231-01912-2 .
  • Spolin, Viola . 1967. Improvizație pentru teatru . A treia rev. ed Evanston, Il .: Northwestern University Press, 1999. ISBN  0-8101-4008-X .
  • Taxidou, Olga. 2004. Tragedie, modernitate și doliu . Edinburgh: Edinburgh UP. ISBN  0-7486-1987-9 .
  • Wickham, Glynne . 1959. Etapele engleze timpurii: 1300—1660. Vol. 1. Londra: Routledge.
  • Wickham, Glynne . 1969. Patrimoniul dramatic al lui Shakespeare: studii colectate în drama medievală, Tudor și Shakespeareană. Londra: Routledge. ISBN  0-710-06069-6 .
  • Wickham, Glynne , ed. 1976. Interludii morale englezești. Londra: Dent. ISBN  0-874-71766-3 .
  • Wickham, Glynne . 1981. Etapele engleze timpurii: 1300—1660. Vol. 3. Londra: Routledge. ISBN  0-710-00218-1 .
  • Wickham, Glynne . 1987. Teatrul Medieval. Ed. A 3-a Cambridge: Cambridge University Press. ISBN  0-521-31248-5 .
  • Weimann, Robert. 1978. Shakespeare și tradiția populară în teatru: studii în dimensiunea socială a formei și funcției dramatice. Baltimore și Londra: The Johns Hopkins University Press. ISBN  0-8018-3506-2 .
  • Weimann, Robert. 2000. Stiloul autorului și vocea actorului: joc și scriere în Teatrul lui Shakespeare . Ed. Helen Higbee și William West. Cambridge Studies in Renaissance Literature and Culture. Cambridge: Cambridge University Press. ISBN  0-521-78735-1 .

linkuri externe