Edvard Munch - Edvard Munch

Edvard Munch
Munch într-o fotografie nedatată
Născut	( 1263-12-12 )12 decembrie 1863 Ådalsbruk , Løten , Norvegia
Decedat	23 ianuarie 1944 (23-01 1944)(80 de ani) Oslo , Norvegia
Naţionalitate	norvegian
Cunoscut pentru	Pictură și artist grafic
Muncă notabilă
Circulaţie	Expresionism , simbolism

Edvard Munch ( / m ʊ ŋ k / MUUNK , norvegiană:  [ˈɛ̀dvɑɖ ˈmʊŋk] ( ascultați ) ; 12 decembrie 1863 - 23 ianuarie 1944) a fost un pictor norvegian . Cea mai cunoscută lucrare a sa, The Scream , a devenit una dintre imaginile iconice ale artei mondiale.

Copilăria sa a fost umbrită de boli, de doliu și de teama de a moșteni o afecțiune mentală care se desfășura în familie. Studiind la Școala Regală de Artă și Design din Kristiania (Oslo de astăzi), Munch a început să ducă o viață boemă sub influența nihilistului Hans Jæger , care l-a îndemnat să-și picteze propria stare emoțională și psihologică („pictura sufletului”). Din aceasta a apărut stilul său distinctiv.

Călătoriile au adus noi influențe și ieșiri. La Paris , a învățat multe de la Paul Gauguin , Vincent van Gogh și Henri de Toulouse-Lautrec , în special despre utilizarea lor a culorilor. La Berlin, l-a întâlnit pe dramaturgul suedez August Strindberg , pe care l-a pictat, în timp ce se lansa în canonul său major Frisa vieții , descriind o serie de teme profund simțite precum dragostea, anxietatea, gelozia și trădarea, pline de atmosferă.

Scream a fost conceput în Kristiania. Potrivit lui Munch, el mergea pe jos la apus, când „a auzit țipătul enorm, infinit al naturii”. Chipul agonizat al picturii este larg identificat cu angoasa persoanei moderne. Între 1893 și 1910, a realizat două versiuni pictate și două în pastel, precum și o serie de tipărituri. Unul dintre pasteluri ar fi în cele din urmă cel de-al patrulea cel mai mare preț nominal plătit pentru o pictură la licitație.

Pe măsură ce faima și bogăția i-au crescut, starea sa emoțională a rămas nesigură. El a considerat pe scurt căsătoria, dar nu s-a putut comite. O defecțiune din 1908 l-a forțat să renunțe la consumul abundent de alcool și a fost bucurat de acceptarea din ce în ce mai mare de către oamenii din Kristiania și de expunerea la muzeele orașului. Ultimii săi ani i-au petrecut lucrând în pace și intimitate. Deși lucrările sale au fost interzise în Germania nazistă, majoritatea au supraviețuit celui de-al doilea război mondial, asigurându-i o moștenire.

Viaţă

Copilărie

Edvard Munch s-a născut într-o fermă din satul Ådalsbruk din Løten , Norvegia , de la Laura Catherine Bjølstad și Christian Munch, fiul unui preot. Christian a fost medic și ofițer medical care s-a căsătorit cu Laura, o femeie cu jumătate de vârstă, în 1861. Edvard avea o soră mai mare, Johanne Sophie, și trei frați mai mici: Peter Andreas, Laura Catherine și Inger Marie. Laura era talentată artistic și poate că i-a încurajat pe Edvard și Sophie. Edvard era înrudit cu pictorul Jacob Munch și cu istoricul Peter Andreas Munch .

Familia s-a mutat în Christiania (redenumită Kristiania în 1877 și acum Oslo ) în 1864, când Christian Munch a fost numit ofițer medical la Cetatea Akershus . Mama lui Edvard a murit de tuberculoză în 1868, la fel ca sora preferată a lui Munch, Johanne Sophie, în 1877. După moartea mamei lor, frații Munch au fost crescuți de tatăl lor și de mătușa lor Karen. Adesea bolnav pentru o mare parte a iernilor și ținut în afara școlii, Edvard ar atrage pentru a se menține ocupat. A fost tutorat de colegii de școală și de mătușa sa. Christian Munch și-a instruit fiul în istorie și literatură și i-a distrat pe copii cu povești vii de fantome și poveștile scriitorului american Edgar Allan Poe .

După cum Edvard și-a amintit, comportamentul pozitiv al lui Christian față de copiii săi a fost umbrit de pietismul său morbid . Munch a scris: „Tatăl meu era temperamental nervos și obsesiv religios - până la psihonevroză. De la el am moștenit semințele nebuniei. Îngerii fricii, tristeții și morții au stat alături de mine din ziua în care m-am născut”. Christian și-a mustrat copiii spunându-le că mama lor privea din cer și se întrista pentru comportamentul lor nepotrivit. Mediul religios apăsător, starea de sănătate precară a lui Edvard și poveștile vii cu fantome au ajutat la inspirarea viziunilor și coșmarurilor sale macabre; băiatul a simțit că moartea îi înaintează constant. Una dintre surorile mai mici ale lui Munch, Laura, a fost diagnosticată cu o boală mintală la o vârstă fragedă. Dintre cei cinci frați, numai Andreas s-a căsătorit, dar a murit la câteva luni după nuntă. Munch avea să scrie mai târziu: „Am moștenit doi dintre cei mai înfricoșători dușmani ai omenirii - moștenirea consumului și a nebuniei”.

Remunerația militară a lui Christian Munch a fost foarte mică, iar încercările sale de a dezvolta o practică privată au eșuat, menținându-și familia într-o sărăcie clară, dar perenă. S-au mutat frecvent dintr-un apartament ieftin în altul. Desenele și acuarele timpurii ale lui Munch au reprezentat aceste interioare și obiectele individuale, cum ar fi sticlele de medicamente și instrumentele de desen, plus unele peisaje. În adolescență, arta a dominat interesele lui Munch. La treisprezece ani, Munch a avut prima sa expunere la alți artiști la nou-înființata Asociație de Artă, unde a admirat munca școlii norvegiene de peisaj. S-a întors să copieze tablourile și, curând, a început să picteze în uleiuri.

Studii și influențe

Autoportret cu brațul scheletului , 1895

În 1879, Munch s-a înscris la un colegiu tehnic pentru a studia ingineria, unde a excelat în fizică, chimie și matematică. A învățat desenul la scară și în perspectivă, dar bolile frecvente i-au întrerupt studiile. Anul următor, spre dezamăgirea tatălui său, Munch a părăsit colegiul hotărât să devină pictor. Tatăl său privea arta ca pe o „meserie sfântă”, iar vecinii săi au reacționat amar și i-au trimis scrisori anonime. Spre deosebire de pietismul înfuriat al tatălui său, Munch a adoptat o atitudine nedogmatică față de artă. El și-a scris scopul în jurnalul său: „În arta mea încerc să-mi explic viața și semnificația ei”.

În 1881, Munch s-a înscris la Royal School of Art and Design din Kristiania, unul dintre ai cărui fondatori a fost ruda sa îndepărtată Jacob Munch. Profesorii săi au fost sculptorul Julius Middelthun și pictorul naturalist Christian Krohg . În acel an, Munch și-a demonstrat absorbția rapidă a pregătirii sale la Academie în primele sale portrete, inclusiv unul dintre tatăl său și primul său autoportret. În 1883, Munch a participat la prima sa expoziție publică și a împărtășit un studio cu alți studenți. Portretul său de lungă durată al lui Karl Jensen-Hjell, un notoriu boem despre oraș, a câștigat un răspuns respingător al criticilor: "Impresionismul este dus la extrem. Este o înșelătorie a artei". Picturile nud ale lui Munch din această perioadă supraviețuiesc doar în schițe, cu excepția Standing Nude (1887). Este posibil să fi fost confiscate de tatăl său.

Încă de la o vârstă fragedă, Munch a fost influențat de impresioniști precum Édouard Manet și mai târziu de artiști post-impresionism, inclusiv Vincent van Gogh și Paul Gauguin . În acești ani de început, el a experimentat multe stiluri, inclusiv naturalismul și impresionismul . Unele lucrări timpurii amintesc de Manet. Multe dintre aceste încercări i-au adus critici nefavorabile din partea presei și i-au adus mustrări constante de către tatăl său, care, totuși, i-a oferit sume mici pentru cheltuielile de întreținere. La un moment dat, însă, tatăl lui Munch, probabil influențat de opinia negativă a vărului lui Munch, Edvard Diriks (un pictor consacrat, tradițional), a distrus cel puțin un tablou (probabil un nud) și a refuzat să mai avanseze bani pentru rechizite de artă.

Munch a primit, de asemenea, furia tatălui său pentru relația sa cu Hans Jæger , nihilistul local care trăia conform codului „o pasiune pentru a distruge este, de asemenea, o pasiune creativă” și care a susținut sinuciderea ca modalitate supremă spre libertate. Munch a intrat sub vraja sa răuvoitoare, anti-establishment. "Ideile mele s-au dezvoltat sub influența boemilor sau mai degrabă sub Hans Jæger. Mulți oameni au susținut în mod eronat că ideile mele s-au format sub influența lui Strindberg și a germanilor ... dar asta este greșit. Ele erau deja formate până atunci". La acea vreme, spre deosebire de mulți dintre ceilalți boemi, Munch era încă respectuos față de femei, precum și rezervat și binevoitor, dar a început să cedeze băuturilor excesive și bătăilor din cercul său. El a fost neliniștit de revoluția sexuală care a avut loc la acea vreme și de femeile independente din jurul său. Ulterior, el a devenit cinic în ceea ce privește problemele sexuale, exprimat nu numai în comportamentul său și în arta sa, ci și în scrierile sale, un exemplu fiind un lung poem numit Orașul iubirii libere . Încă dependent de familie pentru multe dintre mesele sale, relația lui Munch cu tatăl său a rămas tensionată din cauza preocupărilor legate de viața sa boemă.

După numeroase experimente, Munch a concluzionat că idiomul impresionist nu permite o exprimare suficientă. El a găsit-o superficială și prea asemănătoare experimentării științifice. El a simțit nevoia să meargă mai adânc și să exploreze situații pline de conținut emoțional și energie expresivă. Sub porunca lui Jæger ca Munch să „își scrie viața”, adică Munch ar trebui să-și exploreze propria stare emoțională și psihologică, tânărul artist a început o perioadă de reflecție și autoexaminare, înregistrându-și gândurile în „jurnalul sufletului” său. Această perspectivă mai profundă l-a ajutat să-l mute către o nouă viziune asupra artei sale. El a scris că pictura sa „Copilul bolnav” (1886), bazată pe moartea surorii sale, a fost prima sa „pictură sufletească”, prima sa pauză de la impresionism. Pictura a primit un răspuns negativ din partea criticilor și a familiei sale și a provocat o altă „izbucnire violentă de indignare morală” din partea comunității.

Numai prietenul său Christian Krohg l-a apărat:

El pictează sau, mai degrabă, privește lucrurile într-un mod diferit de cel al altor artiști. El vede doar esențialul și asta, în mod natural, este tot ceea ce pictează. Din acest motiv, imaginile lui Munch sunt de regulă „nu complete”, deoarece oamenii sunt atât de încântați să descopere singuri. Oh, da, sunt complete. Lucrarea Lui completă. Arta este completă odată ce artistul a spus cu adevărat tot ce i-a trecut prin cap și acesta este tocmai avantajul pe care Munch îl are asupra pictorilor din cealaltă generație, că știe cu adevărat să ne arate ce a simțit și ce l-a cuprins, iar la aceasta el subordonează orice altceva.

Munch a continuat să folosească o varietate de tehnici de pensulă și palete de culori de-a lungul anilor 1880 și începutul anilor 1890, în timp ce se lupta să-și definească stilul. Idiomul său a continuat să devieze între naturalist , așa cum se vede în Portretul lui Hans Jæger , și impresionist , ca în Rue Lafayette . Lui Inger Pe plaja (1889), care a provocat o altă furtună de confuzie și controverse, indicii la formele simplificate, contururi grele, contraste puternice, și conținutul emoțional al stilului său matur să vină. A început să-și calculeze cu atenție compozițiile pentru a crea tensiune și emoție. Deși influențat stilistic de postimpresioniști , ceea ce a evoluat a fost un subiect care era simbolist în conținut, descriind mai degrabă o stare de spirit decât o realitate externă. În 1889, Munch a prezentat primul său spectacol individual de aproape toate lucrările sale până în prezent. Recunoașterea pe care a primit-o a dus la o bursă de stat de doi ani pentru a studia la Paris sub conducerea pictorului francez Léon Bonnat .

Munch pare să fi fost un critic timpuriu al fotografiei ca formă de artă și a remarcat că „nu va concura niciodată cu pensula și paleta, până când fotografiile vor putea fi făcute în Rai sau Iad!”

Sora mai mică a lui Munch, Laura, a fost subiectul interiorului său din 1899 Melancolie: Laura . Amanda O'Neill spune despre lucrare: „În această scenă claustrofobă aprinsă, Munch nu doar înfățișează tragedia Laurei, ci și propria lui teamă de nebunia pe care ar fi putut-o moșteni”.

Paris

Munch a sosit la Paris în timpul festivităților Expoziției Universale (1889) și a dormit cu doi colegi artiști norvegieni. Imaginea sa Morning (1884) a fost expusă la pavilionul norvegian. Își petrecea diminețile la studioul aglomerat al lui Bonnat (care includea modele feminine) și după-amiezile la expoziție, galerii și muzee (unde se aștepta ca elevii să facă copii ca modalitate de învățare a tehnicii și de observare). Munch a înregistrat puțin entuziasm pentru lecțiile de desen ale lui Bonnat - „Mă obosește și mă plictisește - este amorțit” - dar s-a bucurat de comentariile maestrului în timpul excursiilor la muzeu.

Munch a fost fascinat de expunerea vastă a artei europene moderne, inclusiv de lucrările a trei artiști care s-ar dovedi influenți: Paul Gauguin , Vincent van Gogh și Henri de Toulouse-Lautrec - toate fiind remarcabile pentru modul în care au folosit culoarea pentru a transmite emoție. Munch a fost inspirat în special de „reacția împotriva realismului” lui Gauguin și credo-ul său că „arta era o muncă umană și nu o imitație a naturii”, o credință afirmată anterior de Whistler . După cum a spus mai târziu unul dintre prietenii săi din Berlin despre Munch, „nu trebuie să se îndrepte spre Tahiti pentru a vedea și experimenta primitivul în natura umană. El își poartă propriul Tahiti în el”. Influențat de Gauguin, precum și de gravurile artistului german Max Klinger , Munch a experimentat cu printuri ca suport pentru a crea versiuni grafice ale operelor sale. În 1896 a creat primele sale gravuri pe lemn - un suport care s-a dovedit ideal pentru imagini simbolice ale lui Munch. Împreună cu contemporanul său Nikolai Astrup , Munch este considerat un inovator al mediului de gravură pe lemn din Norvegia.

În decembrie 1889 tatăl său a murit, lăsând familia lui Munch lipsită. S-a întors acasă și a acordat un împrumut mare de la un colecționar norvegian bogat, atunci când rudele bogate nu au reușit să ajute și și-a asumat responsabilitatea financiară pentru familia sa de atunci. Moartea lui Christian l-a deprins și a fost afectat de gânduri sinucigașe: „Trăiesc cu morții - mama, sora mea, bunicul, tatăl meu ... Omoară-te și apoi s-a terminat. De ce să trăiești?” Picturile lui Munch din anul următor au inclus scene de tavernă incomplete și o serie de peisaje urbane strălucitoare în care a experimentat stilul pointilist al lui Georges Seurat .

Berlin

Melancolie , 1891, ulei, creion și creion pe pânză, 73 × 101 cm, Muzeul Munch , Oslo

Munch în 1902, în grădina patronului său Dr. Max Linde din Lübeck ; în fundal este o distribuție a sculpturii lui Auguste Rodin , epoca fierului .

În 1892, Munch și-a formulat estetica sintetică caracteristică și originală, așa cum se vede în Melancolia (1891), în care culoarea este elementul încărcat de simboluri. Considerat de artistul și jurnalistul Christian Krohg ca fiind primul tablou simbolist al unui artist norvegian, Melancholy a fost expus în 1891 la Expoziția de toamnă de la Oslo. În 1892, Adelsteen Normann , în numele Uniunii Artiștilor din Berlin, l-a invitat pe Munch să expună la expoziția sa din noiembrie, prima expoziție individuală a societății. Cu toate acestea, picturile sale au stârnit controverse amare (supranumită „The Munch Affair”), iar după o săptămână expoziția s-a închis. Munch a fost mulțumit de „marea agitație” și a scris într-o scrisoare: „N-am avut niciodată un timp atât de amuzant - este incredibil faptul că ceva la fel de nevinovat precum pictura ar fi trebuit să creeze un astfel de agitație”.

La Berlin, Munch s-a implicat într-un cerc internațional de scriitori, artiști și critici, inclusiv dramaturgul suedez și intelectualul de vârf August Strindberg , pe care l-a pictat în 1892. S-a întâlnit și cu scriitorul și pictorul danez Holger Drachmann , pe care l-a pictat în 1898. Drachmann a fost 17 ani în vârstă de Munch și însoțitor de băut la Zum schwarzen Ferkel în 1893–94. În 1894, Drachmann a scris despre Munch: „Se zbate din greu. Noroc cu luptele tale, norvegian singuratic”.

În cei patru ani petrecuți la Berlin, Munch a schițat majoritatea ideilor care ar cuprinde opera sa majoră, Frisa vieții , concepută mai întâi pentru ilustrarea cărților, dar exprimată ulterior în picturi. A vândut puțin, dar a câștigat unele venituri din perceperea taxelor de intrare pentru a-și vedea tablourile controversate. Deja, Munch manifesta o reticență în a se despărți de picturile sale, pe care le-a numit „copiii” săi.

Celelalte picturi ale sale, inclusiv scene de cazino, arată o simplificare a formei și a detaliilor care au marcat stilul său timpuriu matur. Munch a început, de asemenea, să favorizeze un spațiu pictural superficial și un fundal minim pentru figurile sale frontale. Întrucât ipostazele au fost alese pentru a produce cele mai convingătoare imagini ale stărilor de spirit și ale condițiilor psihologice, ca în Cenușă , figurile conferă o calitate monumentală, statică. Figurile lui Munch par să joace roluri pe o scenă de teatru ( Death in the Sick-Room ), a cărei pantomimă a posturilor fixe semnifică diverse emoții; deoarece fiecare personaj întruchipează o singură dimensiune psihologică, la fel ca în The Scream , bărbații și femeile lui Munch au început să pară mai simbolici decât realiști. El a scris: „Nu mai trebuie pictate interioarele, oamenii citind și femeile care tricotează: ar exista oameni vii, respirați și simțiți, suferinzi și iubitori”.

Țipătul

Țipătul (1893)

Țipătul există în patru versiuni: două pasteluri (1893 și 1895) și două picturi (1893 și 1910). Există, de asemenea, mai multe litografii din The Scream (1895 și mai târziu).

Pastelul din 1895 vândut la licitație la 2 mai 2012 pentru 119.922.500 USD , inclusiv comision. Este cea mai colorată dintre versiuni și este distinctivă pentru poziția descendentă a uneia dintre figurile sale de fundal. Este, de asemenea, singura versiune care nu este deținută de un muzeu norvegian.

Versiunea din 1893 a fost furată de la National Gallery din Oslo în 1994 și recuperată. Pictura din 1910 a fost furată în 2004 de la Muzeul Munch din Oslo, dar recuperată în 2006 cu daune limitate.

Scream este cea mai faimoasă lucrare a lui Munch și una dintre cele mai recunoscute picturi din toată arta. A fost interpretat pe scară largă ca reprezentând anxietatea universală a omului modern. Pictat cu benzi largi de culoare cruntă și forme extrem de simplificate și utilizând un punct de vedere ridicat, reduce figura agonizată la un craniu îmbrăcat în criza emoțională.

Cu această pictură, Munch și-a îndeplinit obiectivul declarat de „studiul sufletului, adică studiul propriului meu eu”. Munch a scris despre cum a apărut pictura: "Mergeam pe drum cu doi prieteni când apusul soarelui; brusc, cerul s-a înroșit ca sângele. M-am oprit și m-am sprijinit de gard, simțindu-mă nespus de obosit. Limbi de foc și sângele s-a întins peste fiordul negru-albăstrui. Prietenii mei au continuat să meargă, în timp ce eu rămâneam în urmă, tremurând de frică. Apoi am auzit țipătul enorm, infinit al naturii. " Mai târziu, el a descris angoasa personală din spatele picturii, „de câțiva ani am fost aproape supărat ... Știți poza mea,„ Țipătul? ” Am fost întins până la limită - natura țipa în sângele meu ... După aceea am renunțat la speranța de a mai putea iubi din nou. "

Rezumând efectele picturii, autorul Martha Tedeschi a declarat:

Mama lui Whistler , Goticul american al lui Wood, Mona Lisa a lui Leonardo da Vinciși The Scream de Edvard Munchau realizat cu toții ceva ce majoritatea picturilor - indiferent de importanța lor istorică a artei, frumusețea sau valoarea monetară - nu au: comunică un sens specific aproape imediat aproape fiecare spectator. Aceste câteva lucrări au făcut cu succes trecerea de la tărâmul de elită al vizitatorului muzeului la locul enorm al culturii populare.

Frisul vieții - un poem despre viață, dragoste și moarte

Deși este o reprezentare extrem de neobișnuită, această pictură ar putea fi a Fecioarei Maria . Este contestat dacă pictura este concepută în mod specific ca reprezentare a Mariei. Munch a folosit mai multe titluri, incluzând atât Loving Woman , cât și Madonna . Munch nu este renumit pentru arta religioasă și nu era cunoscut ca creștin. Afinitatea cu Maria s-ar putea intenționa totuși, ca un accent pe frumusețea și perfecțiunea prietenului său Dagny Juel-Przybyszewska , modelul operei și o expresie a închinării sale la ea ca ideal de femeie. (1894, ulei pe pânză, 90 cm × 68 cm ( 35+1 ⁄ 2  în ×  26+3 ⁄ 4  in), Muzeul Munch , Oslo)

În decembrie 1893, Unter den Linden din Berlin a fost locația unei expoziții a operei lui Munch, prezentând, printre alte piese, șase picturi intitulate Studiu pentru o serie: dragoste. Acesta a început un ciclu pe care l-a numit mai târziu Frisa vieții - Un poem despre viață, dragoste și moarte . Motivele Frieze of Life , precum Furtuna și Lumina Lunii , sunt pline de atmosferă. Alte motive luminează latura nocturnă a iubirii, precum Rose și Amelie și Vampire . În Death in the Sickroom , subiectul este moartea surorii sale Sophie, pe care a refăcut-o în multe variante viitoare. Focalizarea dramatică a picturii, reprezentând întreaga sa familie, este dispersată în figurile separate și deconectate ale durerii. În 1894, a extins spectrul de motive adăugând Anxietate , Cenușă , Madonna și Femei în trei etape (de la inocență la bătrânețe).

Pe la începutul secolului al XX-lea, Munch a lucrat la finalizarea „Frizei”. A pictat o serie de poze, mai multe dintre ele într-un format mai mare și într-o oarecare măsură prezentând estetica Art Nouveau a vremii. El a realizat un cadru din lemn cu reliefuri sculptate pentru tabloul mare Metabolism (1898), numit inițial Adam și Eva . Această lucrare dezvăluie preocuparea lui Munch pentru „căderea omului” și filosofia sa pesimistă a iubirii. Motive precum Crucea goală și Golgota (ambele c.  1900 ) reflectă o orientare metafizică și reflectă și educația pietistică a lui Munch. Întreaga friză a fost prezentată pentru prima dată la expoziția secesionistă de la Berlin din 1902.

Temele „Frisul vieții” se repetă de-a lungul operei lui Munch, dar el s-a concentrat în special asupra lor la mijlocul anilor 1890. În schițe, picturi, pasteluri și amprente, a atins profunzimea sentimentelor sale pentru a-și examina principalele motive: etapele vieții, femeia fatală, lipsa de speranță a iubirii, anxietatea, infidelitatea, gelozia, umilința sexuală și separarea în viață și moarte. Aceste teme sunt exprimate în picturi precum Copilul bolnav (1885), Dragoste și durere ( Vampir retitolat; 1893–94), Cenușă (1894) și Podul . Acesta din urmă prezintă figuri plăpânde, cu fețe fără caracter sau ascunse, deasupra cărora se conturează formele amenințătoare ale copacilor grei și ale caselor cu puiet. Munch a descris femeile fie ca suferințe fragile, inocente (vezi Pubertate și Iubire și durere ), fie ca fiind cauza dorului mare, geloziei și disperării (vezi Separarea , gelozia și cenușa ).

Munch folosește adesea umbre și inele de culoare în jurul figurilor sale pentru a sublinia o aură de frică, amenințare, anxietate sau intensitate sexuală. Aceste picturi au fost interpretate ca reflectări ale anxietăților sexuale ale artistului, deși s-ar putea argumenta, de asemenea, că reprezintă relația sa turbulentă cu iubirea însăși și pesimismul său general cu privire la existența umană. Multe dintre aceste schițe și picturi au fost realizate în mai multe versiuni, cum ar fi Madonna , Hands și Puberty , și, de asemenea, transcrise ca tipărituri și litografii pe blocuri de lemn. Munch ura să se despartă de picturile sale pentru că se gândea la opera sa ca la un singur corp de expresie. Așadar, pentru a-și valorifica producția și a obține venituri, el a apelat la artele grafice pentru a reproduce multe dintre picturile sale, inclusiv cele din această serie. Munch a recunoscut obiectivele personale ale operei sale, dar și-a oferit arta unui scop mai larg, „Arta mea este într-adevăr o mărturisire voluntară și o încercare de a-mi explica relația mea cu viața - este, prin urmare, de fapt un fel de egoism , dar sper în permanență că prin aceasta îi pot ajuta pe ceilalți să obțină claritate. "

În timp ce atrăgea reacții puternic negative, în anii 1890, Munch a început să primească o oarecare înțelegere a obiectivelor sale artistice, așa cum un critic a scris: „Cu dispreț nemilos pentru formă, claritate, eleganță, integritate și realism, el pictează cu puterea intuitivă a talentului cel mai mult viziuni subtile ale sufletului ". Unul dintre marii săi susținători la Berlin a fost Walther Rathenau , ulterior ministrul german de externe , care a contribuit puternic la succesul său.

Paris, Berlin și Kristiania

Copilul bolnav (1907)

În 1896, Munch s-a mutat la Paris, unde s-a concentrat pe reprezentări grafice ale temelor sale Frieze of Life . Și-a dezvoltat în continuare tehnica litografică și gravură pe lemn. Autoportretul lui Munch cu brațul scheletului (1895) este realizat cu o metodă de gravare cu ac și cerneală, utilizată și de Paul Klee . Munch a produs, de asemenea, versiuni multicolore ale Copilului bolnav , referitoare la tuberculoză , care s-a vândut bine, precum și mai multe nuduri și mai multe versiuni ale lui Kiss (1892). Mulți dintre criticii parizieni au considerat în continuare opera lui Munch „violentă și brutală”, dar expozițiile sale au primit o atenție serioasă și o bună participare. Situația sa financiară s-a îmbunătățit considerabil și în 1897, Munch și-a cumpărat o casă de vară cu fața spre fiordurile Kristiania, o mică cabană de pescari construită la sfârșitul secolului al XVIII-lea, în micul oraș Åsgårdstrand din Norvegia. El a numit această casă „Casa fericită” și s-a întors aici aproape în fiecare vară în următorii 20 de ani. Acest loc îi lipsea când era în străinătate și când se simțea deprimat și epuizat. „Să mergi în Åsgårdstrand este ca și cum ai merge printre tablourile mele - mă inspir atât de mult să pictez când sunt aici”.

Harald Nørregaard (pictat de Munch în 1899, National Gallery ) a fost unul dintre cei mai apropiați prieteni ai lui Munch încă din adolescență, consilier și avocat

În 1897, Munch s-a întors la Kristiania, unde a primit, de asemenea, o acceptare răutăcioasă - un critic a scris: „Un număr destul de mare de aceste poze au fost expuse anterior. În 1899, Munch a început o relație intimă cu Tulla Larsen, o femeie de clasă superioară „eliberată”. Au călătorit împreună în Italia și la întoarcere, Munch a început o altă perioadă fertilă în arta sa, care a inclus peisaje și pictura sa finală în seria „Frisa vieții”, Dansul vieții (1899). Larsen era dornic de căsătorie, iar Munch a cerșit. Alcoolul și starea de sănătate slabă i-au întărit temerile, așa cum a scris la persoana a treia: "De când era copil, ura căsătoria. Casa bolnavă și nervoasă îi dăduse senzația că nu are dreptul să se căsătorească". Munch aproape că a cedat lui Tulla, dar a fugit de ea în 1900, îndepărtându-se și de averea ei considerabilă și s-a mutat la Berlin. Fetele sale pe debarcader , create în optsprezece versiuni diferite, au demonstrat tema tinereții feminine fără conotații negative. În 1902, el și-a expus lucrările tematic în sala Secesiunii de la Berlin, producând „un efect simfonic - a făcut mare agitație - mult antagonism - și multă aprobare". Criticii de la Berlin începeau să aprecieze opera lui Munch, chiar dacă publicului i s-a părut încă lucrarea străină și ciudată.

Buna acoperire a presei a câștigat lui Munch atenția influenților patroni Albert Kollman și Max Linde . El a descris rândul evenimentelor în jurnalul său: „După douăzeci de ani de luptă și mizerie, forțele binelui vin în sfârșit în ajutorul meu în Germania - și o ușă strălucitoare mi se deschide”. Cu toate acestea, în ciuda acestei schimbări pozitive, comportamentul autodistructiv și neregulat al lui Munch l-a implicat mai întâi cu o ceartă violentă cu un alt artist, apoi cu o împușcare accidentală în prezența lui Tulla Larsen, care se întorsese pentru o scurtă împăcare, care a rănit doi dintre cei doi degete. Ulterior, Munch a văzut un autoportret care îl descrie pe el și pe Larsen în jumătate ca urmare a împușcării și a evenimentelor ulterioare. În cele din urmă l-a părăsit și s-a căsătorit cu un coleg mai mic al lui Munch. Munch a luat acest lucru ca pe o trădare și s-a gândit la umilință pentru un timp, canalizând o parte din amărăciune în noi picturi. Tablourile sale Still Life (The Murderess) și The Death of Marat I , realizate în 1906–07, fac referire în mod clar la incidentul de împușcare și la efectele emoționale.

În 1903–04, Munch a expus la Paris unde fauvii care vin , renumiți pentru culorile lor îndrăznețe false, probabil că i-au văzut lucrările și ar fi putut găsi inspirație în ele. Când Fauve și-au ținut propria expoziție în 1906, Munch a fost invitat și și-a expus lucrările cu ale lor. După ce a studiat sculptura lui Rodin , Munch ar fi putut experimenta plastilina ca ajutor pentru proiectare, dar a produs puțină sculptură. În acest timp, Munch a primit multe comisioane pentru portrete și tipărituri care au îmbunătățit starea sa financiară de obicei precară. În 1906, a pictat ecranul unei piese de teatru Ibsen în micul teatru Kammerspiele situat în Deutsches Theater din Berlin , în care a fost atârnată Frisa vieții . Directorul teatrului Max Reinhardt l-a vândut ulterior; acum se află în Berlin Nationalgalerie . După o perioadă anterioară de peisaje, în 1907 și-a îndreptat din nou atenția asupra figurilor și situațiilor umane.

Defalcare și recuperare

Munch în 1933

În toamna anului 1908, anxietatea lui Munch, agravată de consumul excesiv de băutură și de ceartă, devenise acută. După cum a scris mai târziu, „Starea mea era în pragul nebuniei - era atingere și plecare”. Supus halucinațiilor și sentimentelor de persecuție, a intrat în clinica lui Daniel Jacobson. Terapia Munch a primit pentru următoarele opt luni au inclus dietă și „electrificare“ (un tratament , apoi la modă pentru condiții nervoase, nu se confunda cu terapia cu electrosocuri ). Șederea lui Munch în spital i-a stabilizat personalitatea și, după ce s-a întors în Norvegia în 1909, opera sa a devenit mai colorată și mai puțin pesimistă. Întărindu-și în continuare starea de spirit, publicul larg al Kristianiei s-a încins în cele din urmă la lucrarea sa, iar muzeele au început să-și cumpere picturile. A fost numit Cavaler al Ordinului Regal Sf. Olav „pentru slujbe în artă”. Prima sa expoziție americană a fost în 1912 la New York.

Ca parte a recuperării sale, Dr. Jacobson l-a sfătuit pe Munch să socializeze doar cu prieteni buni și să evite să bea în public . Munch a urmat acest sfat și, în acest proces, a produs mai multe portrete complete de înaltă calitate ale prietenilor și clienților - portrete oneste, lipsite de lingușire. De asemenea, el a creat peisaje și scene de oameni la locul de muncă și la joacă, folosind un nou stil optimist - pensule largi, libere, de culoare vibrantă, cu utilizarea frecventă a spațiului alb și utilizarea rară a negrului - cu referințe doar ocazionale la temele sale morbide. Cu mai multe venituri, Munch a reușit să cumpere mai multe proprietăți oferindu-i noi priveliști pentru arta sa și în cele din urmă a reușit să-și asigure familia.

Izbucnirea Primului Război Mondial l-a găsit pe Munch cu loialități împărțite, așa cum a spus el: „Toți prietenii mei sunt germani, dar este Franța pe care o iubesc”. În anii 1930, patronii săi germani, mulți evrei, și-au pierdut averea și unii dintre ei în timpul ascensiunii mișcării naziste. Munch a găsit tipografi norvegieni care să-i înlocuiască pe nemții care îi tipăriseră opera grafică. Având în vedere istoria sa de sănătate precară, în 1918, Munch s-a simțit norocos că a supraviețuit unei crize de gripă spaniolă , pandemia mondială din acel an.

Anii de mai târziu

Mormântul lui Munch la cimitirul Mântuitorului nostru , Oslo

Munch și-a petrecut majoritatea ultimelor două decenii în singurătate la proprietatea sa aproape autosuficientă din Ekely, la Skøyen , Oslo. Multe dintre picturile sale târzii sărbătoresc viața la fermă, inclusiv câteva în care și-a folosit ca model calul de lucru „Rousseau”. Fără niciun efort, Munch a atras un flux constant de modele feminine, pe care le-a pictat ca subiect al numeroaselor picturi de nud. Probabil a avut relații sexuale cu unii dintre ei. Munch își părăsea ocazional casa pentru a picta picturi murale la comandă, inclusiv cele făcute pentru fabrica de ciocolată Freia .

Până la sfârșitul vieții sale, Munch a continuat să picteze autoportrete neprețuite, adăugându-se ciclului său de căutare de sine din viața sa și seriei sale de neclintite preluări asupra stărilor sale emoționale și fizice. În anii 1930 și 1940, naziștii au etichetat opera lui Munch drept „ artă degenerată ” (alături de cea a lui Picasso , Klee , Matisse , Gauguin și mulți alți artiști moderni) și și-au eliminat cele 82 de lucrări din muzeele germane. Adolf Hitler a anunțat în 1937: „Pentru tot ce ne pasă, acei barbari preistorici din cultura epocii de piatră și bâlbâiții de artă se pot întoarce în peșterile strămoșilor lor și acolo își pot aplica primele zgârieturi internaționale”.

În 1940, germanii au invadat Norvegia, iar partidul nazist a preluat guvernul. Munch avea 76 de ani. Cu aproape o întreagă colecție de artă la etajul al doilea al casei sale, Munch trăia cu frica unei confiscări naziste. Șaptezeci și una dintre picturile realizate anterior de naziști au fost returnate în Norvegia prin achiziționarea de către colecționari (celelalte unsprezece nu au fost niciodată recuperate), inclusiv Țipătul și Copilul bolnav , și și ele au fost ascunse de naziști.

Munch a murit în casa sa de la Ekely, lângă Oslo, la 23 ianuarie 1944, la aproximativ o lună după împlinirea a 80 de ani. Înmormântarea sa orchestrată de naziști le-a sugerat norvegienilor că este un simpatizant nazist, un fel de însușire a artistului independent. Orașul Oslo a cumpărat moșia Ekely de la moștenitorii lui Munch în 1946; casa lui a fost demolată în mai 1960.

Moştenire

Munch Museum , Oslo

Munch Museum, Oslo

Când a murit Munch, lucrările sale rămase au fost moștenite orașului Oslo, care a construit Muzeul Munch la Tøyen (a fost deschis în 1963). Muzeul deține o colecție de aproximativ 1.100 de picturi, 4.500 de desene și 18.000 de tipărituri, cea mai largă colecție de lucrări ale sale din lume. Muzeul Munch servește drept proprietate oficială a lui Munch; a fost activ în răspunsul la încălcarea drepturilor de autor, precum și în eliminarea drepturilor de autor pentru lucrare, cum ar fi apariția The Munch's Scream într-o campanie publicitară din 2006 a M&M . Reprezentantul drepturilor de autor din SUA pentru Muzeul Munch și moșia lui Edvard Munch este Societatea pentru Drepturile artiștilor .

Arta lui Munch a fost foarte personalizată și a învățat puțin. Simbolismul său „privat” a fost mult mai personal decât cel al altor pictori simbolisti precum Gustave Moreau și James Ensor . Munch a fost încă extrem de influent, în special cu expresioniștii germani , care i-au urmat filosofia: „Nu cred în arta care nu este rezultatul compulsiv al îndemnului omului de a-i deschide inima”. Multe dintre picturile sale, inclusiv Țipătul , au un apel universal pe lângă semnificația lor extrem de personală.

Lucrările lui Munch sunt acum reprezentate în numeroase muzee și galerii importante din Norvegia și din străinătate. Cabina sa, „Casa fericită”, a fost dată municipalității Åsgårdstrand în 1944; servește ca un mic muzeu Munch. Inventarul a fost menținut exact așa cum a părăsit-o.

O versiune a Scream-ului a fost furată de la National Gallery în 1994. În 2004, o altă versiune a Scream-ului , împreună cu una a Madonna , a fost furată de la Muzeul Munch într-un jaf îndrăzneț la lumina zilei. Toate acestea au fost recuperate în cele din urmă, dar picturile furate în jaful din 2004 au fost deteriorate în mare măsură. Au fost restaurate meticulos și sunt expuse din nou. Trei lucrări Munch au fost furate de la Hotelul Refsnes Gods în 2005; au fost recuperate la scurt timp, deși una dintre lucrări a fost avariată în timpul jafului.

În octombrie 2006, xilografia color Doi oameni. Singuratic ( Pentru mennesker. De ensomme ) a stabilit un nou record pentru amprentele sale atunci când a fost vândută la o licitație în Oslo pentru 8,100,000 coroane (SUA 1,270,000 $ echivalent cu $ de 1.600.000 în 2020). De asemenea, a stabilit un record pentru cel mai mare preț plătit la licitație în Norvegia. La 3 noiembrie 2008, tabloul Vampire a stabilit un nou record pentru picturile sale atunci când a fost vândut cu 38.162.000 USD (echivalentul a 45.900.000 USD în 2020) la Sotheby's New York.

Imaginea lui Munch apare pe nota norvegiană de 1.000 de coroane , împreună cu imagini inspirate din lucrările sale de artă.

În februarie 2012, o importantă expoziție Munch, Edvard Munch. Ochiul modern , deschis la Schirn Kunsthalle Frankfurt ; expoziția a fost deschisă de Mette-Marit, prințesa moștenitoare a Norvegiei .

În mai 2012, The Scream s-a vândut cu 119,9 milioane de dolari SUA (echivalentul a 135.200.000 de dolari în 2020) și este a doua cea mai scumpă operă de artă vândută vreodată la o licitație deschisă. (A fost depășită în noiembrie 2013 de Three Studies of Lucian Freud , care s-a vândut cu 142,4 milioane USD).

În 2013, patru dintre picturile lui Munch au fost descrise într-o serie de timbre de către serviciul poștal norvegian , pentru a comemora în 2014 cea de-a 150-a aniversare a nașterii sale.

La 14 noiembrie 2016, o versiune a The Girls on the Bridge a lui Munch s- a vândut la 54,5 milioane de dolari SUA (echivalentul a 58.800.000 de dolari în 2020) la Sotheby's , New York, făcându-l al doilea cel mai mare preț realizat pentru una dintre picturile sale.

În aprilie 2019, Muzeul Britanic a găzduit expoziția, Edvard Munch: Love and Angst , cuprinzând 83 de lucrări de artă și incluzând o imprimare originală rară a The Scream .

Universitatea Aula

Aula cu Istorie (stânga), Soarele (față), Alma Mater (dreapta), picturi mai mici pe colțuri

În 1911, concursul final pentru decorarea zidurilor mari ale Universității din Oslo Aula (sala de adunări) a avut loc între Munch și Emanuel Vigeland . Episodul este cunoscut sub numele de „controversa Aula”. În 1914, Munch a fost însărcinat să decoreze Aula și lucrarea a fost finalizată în 1916. Această lucrare majoră în pictura monumentală norvegiană cuprinde 11 picturi care acoperă 223 m ² (2.400 sq ft). Soarele , Istoria și Alma Mater sunt lucrările cheie în această succesiune. Munch a declarat: „Am vrut ca decorațiunile să formeze o lume completă și independentă a ideilor și am vrut ca expresia lor vizuală să fie atât în ​​mod distinct norvegian, cât și universal uman”. În 2014 s-a sugerat ca picturile Aula să aibă o valoare de cel puțin 500 de milioane de coroane.

Lucrări majore

Life by Munch, la Rådhuset (Primăria) din Oslo. Camera se numește camera Munch

• 1885–1886: Copilul bolnav
• 1892: Seara pe Karl Johan
• 1893: Țipătul
• 1894: Cenușă
• 1894–1895: Madonna
• 1895: pubertate
• 1895: Autoportret cu țigară
• 1895: Moartea în camera bolii
• 1899–1900: Dansul vieții
• 1899–1900: Mama moartă
• 1903: Sat în lumina lunii
• 1940–1942: Autoportret. Între ceas și pat

Lucrări selectate

• 

  Cenușă , 1894, ulei pe pânză, 120,5 cm × 141 cm ( 47+1 ⁄ 2  în ×  55+1 ⁄ 2  in). Nasjonalgalleriet , Oslo

• 

  Dansul vieții , 1899–1900, ulei pe pânză, 126 cm × 191 cm ( 49+1 ⁄ 2  in × 75 in), Nasjonalgalleriet , Oslo

• 

  La masa de ruletă din Monte Carlo , 1892, 74,5 cm × 116 cm ( 29+1 ⁄ 4  în ×  45+3 ⁄ 4  in), Muzeul Munch , Oslo

• 

  Death in the Sickroom , 1893, 134 cm × 160 cm ( 52+3 ⁄ 4  in × 63 in), Munch Museum , Oslo

• 

  Noapte înstelată , 1893, 135,6 cm × 140 cm ( 53+1 ⁄ 2  in × 55 in), Muzeul J. Paul Getty

• 

  Anxietate , 1894, 94 cm × 74 cm (37 în ×  29+1 ⁄ 4  in), Munch Museum , Oslo

• 

  Dragoste și durere (vampir) , 1895, 91 cm × 109 cm ( 35+3 ⁄ 4  in × 43 in), Munch Museum , Oslo

• 

  Moartea în camera bolii , c. 1895, ulei pe pânză, 150 cm × 168 cm (59 in × 66 in), Nasjonalgalleriet , Oslo

• 

  Separare , 1896, 96 cm × 127 cm ( 37+3 ⁄ 4  in × 50 in), Munch Museum , Oslo

• 

  The Voice / Summer Night , 1896, 90 cm × 119 cm ( 35+1 ⁄ 2  în ×  46+3 ⁄ 4  in), Muzeul Munch , Oslo

• 

  Roșu și alb , 1899–1900, 93 cm × 129 cm ( 36+1 ⁄ 2  în ×  50+3 ⁄ 4  in), Muzeul Munch , Oslo

• 

  Golgota , 1900, ulei pe pânză, Munch Museum , Oslo

• 

  Kiss IV , 1902, gravură pe lemn, 47 cm × 47 cm ( 18+1 ⁄ 2  în ×  18+1 ⁄ 2  in), Muzeul Munch , Oslo

• 

  Patru fete în Åsgårdstrand , 1903, 87 cm × 111 cm ( 34+1 ⁄ 4  în ×  43+3 ⁄ 4  in), Muzeul Munch , Oslo

• 

  Broșa, Eva Mudocci , 1903, imprimare litografică pe hârtie, 76 cm × 53,2 cm (30 in × 21 in), Munch Museum , Oslo

• 

  Portretul lui Friedrich Nietzsche , 1906, Galeria Thiel , Stockholm

• 

  Gelozie , 1907, 75 cm × 98 cm ( 29+1 ⁄ 2  în ×  38+1 ⁄ 2  in), Muzeul Munch , Oslo

• 

  Soarele , 1910–1911, 450 cm × 772 cm ( 177+1 ⁄ 4  in × 304 in), Munch Museum , Oslo

• 

  Cal galop, 1910–12, 148 cm × 120 cm ( 58+1 ⁄ 4  în ×  47+1 ⁄ 4  in), Munch Museum , Oslo

• 

  Jurnalul Galben , 1912, 129,5 cm × 159,5 cm (51 în ×  62+3 ⁄ 4  in), Muzeul Munch , Oslo

• 

  Workers on their Way Home , 1913–14, 227 cm × 201 cm ( 89+1 ⁄ 4  în ×  79+1 ⁄ 4  in), Munch Museum , Oslo

Nuduri

• 

  Mâinile , 1893, ulei pe pânză, 91 x 77 cm, Munch Museum , Oslo

• 

  Pubertate , 1894–1895, ulei pe pânză, 151,5 x 110 cm, National Gallery (Norvegia)

• 

  Doamna din mare (detaliu), 1896, ulei pe pânză. 100 cm × 320 cm ( 39+1 ⁄ 2  in × 126 in)

• 

  Metabolism , 1898–1899, 172 cm × 142 cm ( 67+3 ⁄ 4  in × 56 in), Munch Museum , Oslo

• 

  Moartea lui Marat I 1907, 150 x 199 cm, Munch Museum , Oslo

• 

  Băieți pentru bărbați , 1907–1908, ulei pe pânză, 206 x 227,5 cm, Ateneum , Helsinki

• 

  Femeia plângătoare, 1907–1909, ulei pe pânză, colecție privată

• 

  Morning Yawn , 1913, ulei pe pânză, 108 × 98 cm, Muzeele de artă din Bergen

• 

  Nud plângător, 1913-1914, 110 cm × 135 cm ( 43+1 ⁄ 4  în ×  53+1 ⁄ 4  in), Munch Museum , Oslo

• 

  Model by the Wicker Chair , 1919–1921, ulei pe pânză, 122,5 × 100 cm, Munch Museum , Oslo

Autoportrete

• 

  Autoportret , 1882, 26 cm × 19 cm ( 10+1 ⁄ 4  în ×  7+1 ⁄ 2  in), Muzeul Munch , Oslo

• 

  Autoportret în iad , 1903, 82 cm × 66 cm ( 32+1 ⁄ 4  in × 26 in), Munch Museum , Oslo

• 

  Autoportret cu pensule , 1904, 197 cm × 91 cm ( 77+1 ⁄ 2  în ×  35+3 ⁄ 4  in), Muzeul Munch , Oslo

• 

  Autoportret cu o sticlă de vin , 1906, 110 cm × 120 cm ( 43+1 ⁄ 4  în ×  47+1 ⁄ 4  in), Munch Museum , Oslo

• 

  Autoportret cu gripa spaniolă , 1919, ulei pe pânză, 150 x 131 cm, Galeria Națională (Norvegia)

• 

  Auto portret. Între ceas și pat , c. 1940–1943, Munch Museum , Oslo

Peisaje

• 

  Micul lac cu barca ', 1880, ulei pe hârtie pe tablă, 12 x 18 cm, Munch Museum , Oslo

• 

  De la Sandviken , c. 1882, ulei pe carton, 20 x 25 cm, Flaten Art Museum

• 

  De la Saxegårdsgate , c. 1882, ulei pe pânză, Lillehammer Art Museum , Lillehammer

• 

  Schiță pentru „Cenușă” , 1894, ulei pe pânză, Kunstmuseum Bergen

• 

  Train Smoke , 1900, 84 cm × 109 cm (33 in × 43 in), Munch Museum , Oslo

• 

  Shore with Red House , 1904, ulei pe pânză, 69 × 109 cm, Munch Museum , Oslo

• 

  Peisaj la mare , 1918, ulei pe pânză, 120,9 x 160, Kunstmuseum Basel

• 

  Noapte înstelată , 1922-1924, ulei pe pânză, 120,5 x 100 cm, Muzeul Munch , Oslo

• 

  Noaptea de iarnă, Ekely , 1930-1931, ulei pe pânză

Fotografii

• 

  Autoportret la 53 Am Strom în Warnemünde , 1907, Munch Museum , Oslo

• 

  Edvard Munch la plajă în Warnemünde , 1907, Munch Museum , Oslo

• 

  Autoportret "à la Marat" , 1908–09, Munch Museum , Oslo

• 

  Autoportret undeva pe continent I , 1906, Munch Museum , Oslo

• 

  Portret la 26 de ani

• 

  Portretul lui Edvard Munch 1902

• 

  Portretul lui Edvard Munch

• 

  Munch în 1912

• 

  Rosa Meissner la Hotel Rohn din Warnemünde , 1907, fotografie, Munch Museum , Oslo

Vezi si

• Edvard Munch , un film biografic din 1974

Referințe

Note

Citații

Surse

Lecturi suplimentare

linkuri externe

• Edvard Munch la Muzeul de Artă Modernă
• Oslo se înalță pe Old Munch
• Munch la Olga's Gallery - mare colecție online de lucrări ale lui Munch (peste 200 de tablouri)
• Munch la artciclopedie
• Edvard Munch la WikiGallery.org
• Expoziție "Edvard Munch L'oeil moderne" - Centre Pompidou, Paris 2011
• Edvard Munch la Muzeul Național de Artă, Arhitectură și Design din Norvegia