Muzică electronică de dans -Electronic dance music

Muzica electronică de dans ( EDM ), cunoscută și sub denumirea de muzică de dans , muzică de club sau pur și simplu dans , este o gamă largă de genuri de muzică electronică cu percuție creată în mare parte pentru cluburi de noapte , rave și festivaluri . În general, este produs pentru redare de către DJ care creează selecții fără întreruperi de melodii, numite mixaj DJ , prin trecerea de la o înregistrare la alta. Producătorii EDM își interpretează muzica live într-un cadru de concert sau festival, în ceea ce uneori se numește un PA live .

La sfârșitul anilor 1980 și începutul anilor 1990, ca urmare a apariției rave-urilor , radio-piraților , PartyCrew-urilor, festivalurilor underground și a creșterii interesului pentru cultura cluburilor , EDM a obținut popularitate în Europa. Cu toate acestea, cultura rave nu a fost la fel de populară în Statele Unite; nu a fost văzut de obicei în afara scenelor regionale din New York City, Florida, Midwest și California. Deși atât muzica electro , cât și muzica house din Chicago au fost influente atât în ​​Europa, cât și în Statele Unite, instituțiile media de masă și industria discurilor au rămas în mod deschis ostile acesteia. A existat, de asemenea, o asociere percepută între EDM și cultura drogurilor , ceea ce a determinat guvernele la nivel de stat și oraș să adopte legi și politici menite să stopeze răspândirea culturii rave.

Ulterior, în noul mileniu, popularitatea EDM a crescut la nivel global, în special în Statele Unite și Australia. La începutul anilor 2010, termenul „muzică electronică de dans” și inițialismul „EDM” au fost împins de industria muzicală și presa muzicală americană, într-un efort de a remarca cultura rave americană. În ciuda încercării industriei de a crea un anumit brand EDM, inițialismul rămâne folosit ca termen umbrelă pentru mai multe genuri, inclusiv dance-pop , house , techno , electro și trance , precum și subgenurile respective.

Istorie

Diverse genuri EDM au evoluat în ultimii 40 de ani, de exemplu; house , techno , drum and bass , dance-pop etc. Variația stilistică în cadrul unui gen EDM stabilit poate duce la apariția a ceea ce se numește subgen . Hibridizarea, în care elementele a două sau mai multe genuri sunt combinate, poate duce la apariția unui gen complet nou de EDM.

Precursori

La sfârșitul anilor 1960, trupe precum Silver Apples au creat muzică electronică destinată dansului. Alte exemple timpurii de muzică care au influențat muzica electronică de dans ulterioară includ muzica dub jamaicană de la sfârșitul anilor 1960 până la 1970, muzica disco bazată pe sintetizator a producătorului italian Giorgio Moroder la sfârșitul anilor 1970 și electropop al Kraftwerk și Yellow Magic Orchestra la mijlocul - până la sfârșitul anilor 1970.

Dub

Autorul Michael Veal consideră că muzica dub , o muzică jamaicană care provine din roots reggae și cultura sound system care a înflorit între 1968 și 1985, este unul dintre precursorii importanți ai muzicii electronice dance contemporane. Producțiile dub erau piese reggae remixate care puneau accent pe ritm, elemente lirice și melodice fragmentate și texturi reverberante. Muzica a fost pionierată de ingineri de studio, precum Sylvan Morris, King Tubby , Errol Thompson , Lee „Scratch” Perry și Scientist . Producțiile lor au inclus forme de editare a casetei și procesare a sunetului pe care Veal le consideră comparabile cu tehnicile folosite în muzica concretă . Producătorii de dub au realizat deconstrucții improvizate ale mixurilor reggae cu mai multe piese existente folosind placa de mixare de studio ca instrument de performanță. De asemenea, au pus în prim plan efecte spațiale, cum ar fi reverb și întârziere , utilizând în mod creativ rutările de trimitere auxiliare . Roland Space Echo , produs de Roland Corporation , a fost utilizat pe scară largă de producătorii de dub în anii 1970 pentru a produce efecte de ecou și delay.

În ciuda echipamentului electronic limitat disponibil pentru pionierii dublului precum King Tubby și Lee „Scratch” Perry, experimentele lor în cultura remixurilor au fost de vârf din punct de vedere muzical. Ambient dub-ul a fost inițiat de King Tubby și de alți artiști de sunet jamaicani, folosind electronice ambientale inspirate de DJ , complet cu drop-outs, ecou, ​​egalizare și efecte electronice psihedelice . A prezentat tehnici de stratificare și a încorporat elemente de muzică mondială , linii de bas profunde și sunete armonice. Au fost folosite și tehnici precum o întârziere lungă a ecouului.

Hip hop

Muzica hip-hop a avut o oarecare influență în dezvoltarea muzicii electronice de dans încă din anii 1970. Inspirat de cultura jamaicană a sistemului de sunet, DJ- ul jamaican-american Kool Herc a introdus în Bronx sisteme de difuzoare mari cu bas greu . Petrecerile sale sunt creditate că au dat startul mișcării hip-hop din New York City în 1973. O tehnică dezvoltată de DJ Kool Herc, care a devenit populară în cultura hip-hop, a fost să cânte două copii ale aceluiași disc pe două plăci turnante, în alternanță, și în punctul în care o pistă prezenta o pauză . Această tehnică a fost folosită în continuare pentru a bucla manual o pauză pur percutantă , ducând la ceea ce s-a numit mai târziu un break beat .

Turntablismul își are originile în inventarea plăcii turnante cu acționare directă , de către Shuichi Obata, un inginer la Matsushita (acum Panasonic ). În 1969, Matsushita l-a lansat sub numele de SP-10 , prima plată turnantă cu acționare directă de pe piață și prima din influența lor serie Technics de platine. Cea mai influentă platană a fost Technics SL-1200 , care a fost dezvoltat în 1971 de o echipă condusă de Shuichi Obata la Matsushita, care a lansat-o apoi pe piață în 1972. În anii 1980 și 1990, DJ-ii hip-hop foloseau platine ca instrumente muzicale. în propriul lor drept și utilizarea virtuoză s-a dezvoltat într-o practică creativă numită turntablism.

Discotecă

În 1974, primul hit disco al lui George McCrae „ Rock Your Baby ” a fost unul dintre primele discuri care a folosit o mașină de tobe , o mașină de ritm Roland timpurie. Utilizarea tobe-mașinilor în producția disco a fost influențată de „ Family Affair ” (1971) a lui Sly and the Family Stone , cu ritmul său reluat în „Rock Your Baby” de McCrae și „ Why Can’t We Live Together” de Timmy Thomas . " (1972). Producătorul disco Biddu a folosit sintetizatoare în mai multe cântece disco din 1976 până în 1977, inclusiv „Bionic Boogie” din Rain Forest (1976), „Soul Coaxing” (1977) și Eastern Man and Futuristic Journey (înregistrat între 1976 și 1977).

Acte precum Donna Summer , Chic , Earth, Wind, and Fire , Heatwave și Village People au contribuit la definirea sunetului disco de la sfârșitul anilor 1970. Giorgio Moroder și Pete Bellotte au produs „ I Feel Love ” pentru Donna Summer în 1977. A devenit primul hit disco binecunoscut care a avut o piesă secundară complet sintetizată. Alți producători disco, cel mai faimos producător american Tom Moulton , au preluat idei și tehnici din muzica dub (care a venit odată cu migrația jamaicană din ce în ce mai mare la New York în anii 1970) pentru a oferi alternative la stilul de patru la etaj care domina. La începutul anilor 1980, popularitatea muzicii disco a scăzut brusc în Statele Unite, abandonată de marile case de discuri și producători americani. Euro disco a continuat să evolueze pe scena muzicii pop mainstream.

Synth-pop

Synth-pop (prescurtare de la „synthesizer pop”; numit și „techno-pop”) este un subgen al muzicii new wave care a devenit proeminent la sfârșitul anilor 1970 și prezintă sintetizatorul ca instrument muzical dominant. A fost prefigurat în anii 1960 și începutul anilor 1970 prin utilizarea sintetizatoarelor în rock progresiv , electronic , art rock , disco și în special „ Krautrock ” al unor trupe precum Kraftwerk . A apărut ca gen distinct în Japonia și Regatul Unit în epoca post-punk, ca parte a mișcării new wave de la sfârșitul anilor 1970 până la mijlocul anilor 1980.

Primii pionierii synth-pop au inclus grupul japonez Yellow Magic Orchestra și trupele britanice Ultravox , Human League și Berlin Blondes . Human League a folosit sintetizatoare monofonice pentru a produce muzică cu un sunet simplu și auster. După descoperirea lui Gary Numan în UK Singles Chart în 1979, un număr mare de artiști au început să se bucure de succes cu un sunet bazat pe sintetizator la începutul anilor 1980, inclusiv debutanți de la sfârșitul anilor 1970 precum Japan și Orchestral Maneuvers in the Dark și nou-veniți precum precum Depeche Mode și Eurythmics . În Japonia, succesul Yellow Magic Orchestra a deschis calea pentru trupe synth-pop precum P-Model , Plastics și Hikashu . Dezvoltarea sintetizatoarelor polifonice ieftine , definirea MIDI și utilizarea ritmurilor de dans, au condus la un sunet mai comercial și mai accesibil pentru synth-pop. Acest lucru, adoptarea sa de către trupele conștiente de stil din mișcarea New Romantic , împreună cu ascensiunea MTV , a condus la succesul unui număr mare de trupe synth-pop britanice (inclusiv Duran Duran și Spandau Ballet ) în Statele Unite.

Utilizarea eșantionării digitale și a buclei în muzica populară a fost lansată de trupa japoneză de muzică electronică Yellow Magic Orchestra (YMO). Abordarea lor asupra eșantionării a fost un precursor al abordării contemporane de construire a muzicii prin tăierea fragmentelor de sunete și punerea lor în buclă folosind tehnologia computerizată. „ Computer Game/Firecracker ” (1978) a interpolat o melodie a lui Martin Denny și a eșantionat sunetele jocurilor video Space Invaders . Technodelic (1981) a introdus utilizarea eșantionării digitale în muzica populară, ca primul album constând în principal din mostre și bucle . Albumul a fost produs folosind samplerul digital PCM LMD-649 de la Toshiba-EMI , pe care inginerul Kenji Murata l-a creat personalizat pentru YMO. LMD-649 a fost folosit și pentru eșantionare de către alți artiști synthpop japonezi la începutul anilor 1980, inclusiv trupe asociate YMO, cum ar fi Chiemi Manabe și Logic System .

Muzică de dans în anii 1980

Apariția muzicii electronice de dans în anii 1980 a fost modelată de dezvoltarea mai multor instrumente muzicale electronice noi , în special cele de la japoneza Roland Corporation . Roland TR-808 (deseori prescurtat ca „808”) a jucat un rol important în evoluția muzicii de dans, după ce „ Planeta Rock ” (1982) al lui Afrika Bambaataa l-a făcut foarte popular pe ringurile de dans. Piesa, care a prezentat și linia melodică de la Trans-Europe Express de la Kraftwerk , a informat dezvoltarea muzicii electronice de dans și a subgenurilor, inclusiv Miami bass și Detroit techno , și a popularizat 808 ca „element fundamental al sunetului futurist”. Potrivit Slate , „Planet Rock” „nu a pus atât de mult 808 pe hartă, cât a reorientat o întreagă lume a muzicii dance post-disco în jurul lui”. Roland TR-909 , TB-303 și Juno-60 au influențat în mod similar muzica de dans electronică, cum ar fi techno , house și acid .

Post-discotecă

În timpul erei post-disco, care a urmat reacției împotriva „ disco ”, care a început la mijlocul și sfârșitul anului 1979, care în Statele Unite a dus la tulburări civile și o revoltă în Chicago cunoscută sub numele de Disco Demolition Night [13] , o mișcare underground. pe Coasta de Est a început să apară muzică „dezbrăcată” inspirată de disco, cu „sunete radical diferite” [14] . [15] [Nota 1] Această nouă scenă a fost văzută în primul rând în zona metropolitană New York și a fost condusă inițial de artiștii contemporani urbani care au răspuns la supra-comercializarea și dispariția ulterioară a culturii disco. Sunetul care a apărut a provenit din P-Funk [18] partea electronică a discoteca , muzica dub și alte genuri. Cea mai mare parte a muzicii produsă în această perioadă a fost, la fel ca disco, destinată unei piețe conduse de single-uri . [14] În acest moment, controlul creativ a început să se schimbe către case de discuri independente, producători mai puțin consacrați și DJ de club. [14] Alte stiluri de dans care au început să devină populare în perioada post-disco includ dance-pop , [19] [20] boogie , [14] electro , Hi-NRG , Italo disco , house , [19] [21] [22] [23] și techno . [22] [24] [25] [26] [27]

Electro

Instrumentul care a furnizat ritmurile de tobe programate sintetizate ale electro, aparatul de tobe Roland TR-808 .

La începutul anilor 1980, electro (prescurtarea de la „electro-funk”) a apărut ca o fuziune între electro-pop , funk și boogie . Numiți și electro-funk sau electro-boogie, dar mai târziu scurtați la electro, pionierii citați includ Ryuichi Sakamoto , Afrika Bambaataa , Zapp , D.Train și Sinnamon . Hip-hop-ul și rapul timpuriu, combinate cu influențele electropop germane și japoneze , precum Kraftwerk și Yellow Magic Orchestra, au inspirat nașterea electro-ului. Pe măsură ce sunetul electronic s-a dezvoltat, instrumente precum chitara bas și tobe au fost înlocuite cu sintetizatoare și, mai ales, cu mașini de tobe emblematice , în special Roland TR-808 și Yamaha DX7 . Primele utilizări ale TR-808 includ câteva piese Yellow Magic Orchestra în 1980–1981, piesa din 1982 „ Planeta Rock ” de Afrika Bambaataa și melodia din 1982 „ Sexual Healing ” de Marvin Gaye . În 1982, producătorul Arthur Baker , împreună cu Afrika Bambaataa , a lansat „ Planeta Rock ”, care a fost influențat de Yellow Magic Orchestra, a folosit mostre Kraftwerk și a primit ritmuri de tobe furnizate de TR-808. Planet Rock a fost urmat mai târziu în acel an de un alt disc electro revoluționar, " Nunk " de Warp 9 . În 1983, Hashim a creat un sunet electro-funk cu „Al-Naafyish (The Soul)”, care l-a influențat pe Herbie Hancock , rezultând single-ul său „ Rockit ” în același an. La începutul anilor 1980 a fost vârful mainstream al electro-ului. Potrivit autorului Steve Taylor, Planet Rock al lui Afrika Bambaataa servește drept „șablon pentru toată muzica dance interesantă de atunci”.

muzica house

La începutul anilor 1980, jucătorii de la radio din Chicago The Hot Mix 5 și DJ-ii de club Ron Hardy și Frankie Knuckles au cântat diverse stiluri de muzică dance, inclusiv discuri disco mai vechi (în mare parte piese Philly disco și Salsoul ), piese electro funk ale unor artiști precum Afrika Bambaataa , Italo disco mai nou , muzică hip hop B-Boy de Man Parrish , Jellybean Benitez , Arthur Baker și John Robie și muzică pop electronică de Kraftwerk și Yellow Magic Orchestra . Unii au realizat și au cântat propriile editări ale melodiilor lor preferate pe bandă reel-to-reel și, uneori, au amestecat efecte, tobe și alte instrumente electronice ritmice. Cântecul hipnotic de dans electronic „On and On”, produs în 1984 de DJ-ul din Chicago Jesse Saunders și co-scris de Vince Lawrence , avea elemente care au devenit elementele de bază ale sunetului house timpuriu, cum ar fi sintetizatorul de bas Roland TB-303 și vocea minimală. precum și o mașină de tobă Roland (în special TR-808 ) și un sintetizator Korg (în special Poly-61 ).

„On and On” este uneori citat drept „primul disc al casei”, deși au fost citate și alte exemple din acea perioadă, cum ar fi „ Music is the Key ” (1985) de JM Silk . Muzica house s-a răspândit rapid în orașele americane, inclusiv New York, Newark și Detroit - toate acestea și-au dezvoltat propriile scene regionale. La mijlocul până la sfârșitul anilor 1980, muzica house a devenit populară în Europa, precum și în marile orașe din America de Sud și Australia. Chicago House a cunoscut un oarecare succes comercial în Europa cu lansări precum „House Nation” de House Master Boyz și Rude Boy of House (1987). După aceasta, o serie de lansări inspirate de house, cum ar fi „ Pump Up The Volume ” de M|A|R|R|S (1987), „ Theme from S’Express ” de S’Express (1988) și „ Doctorin’ the House " de Coldcut (1988) a intrat în topurile pop.

Instrumentarea electronică și aranjamentul minimal al lui Charanjit Singh Synthesizing: Ten Ragas to a Disco Beat (1982), un album de ragas indieni interpretat în stil disco, au anticipat sunetele muzicii acid house , dar nu se știe că ar fi avut. orice influență asupra genului înainte de redescoperirea albumului în secolul XXI.

Techno, acid house, rave

Roland TB-303 : Sintetizatorul de linie de bas care a fost folosit în mod proeminent în acid house .

La mijlocul anilor 1980, muzica house a prosperat pe mica insula Baleare Ibiza, Spania . Sunetul balear era spiritul muzicii care ieșea pe insulă la acea vreme; combinația dintre vechile discuri de vinil rock, pop, reggae și disco, împreună cu o atitudine „orice merge”, a făcut din Ibiza un centru al experimentelor muzicale induse de droguri. Un club numit Amnesia, al cărui DJ rezident, Alfredo Fiorito , a fost pionierul casei din Baleare , a fost centrul scenei. Amnezia a devenit cunoscută în toată Europa și, de la mijlocul până la sfârșitul anilor 1980, atragea oameni de pe tot continentul.

Până în 1988, muzica house a devenit cea mai populară formă de muzică de club din Europa, acid house devenind o tendință notabilă în Marea Britanie și Germania în același an. În Marea Britanie, o subcultură consacrată a petrecerilor în depozit , centrată pe scena sistemului de sunet britanic afro-caraibien, a alimentat petreceri de după underground care au prezentat exclusiv muzică de dans. Tot în 1988, atmosfera de petrecere din Baleare asociată cu DJ-ul Alfredo din Ibiza a fost transportată la Londra, când Danny Rampling și Paul Oakenfold au deschis cluburile Shoom și, respectiv, Spectrum. Ambele locuri au devenit sinonime cu acid house și în această perioadă MDMA a câștigat proeminență ca drog de petrecere. Alte cluburi importante din Marea Britanie au inclus Back to Basics din Leeds , Sheffield's Leadmill and Music Factory și The Haçienda din Manchester, unde spotul lui Mike Pickering și Graeme Park, Nude, a fost un teren de probă important pentru muzica dance underground americană. Succesul house și acid house a deschis calea pentru Detroit Techno , un stil care a fost susținut inițial de o mână de cluburi de muzică house din Chicago, New York și nordul Angliei, cluburile din Detroit ajungând mai târziu din urmă. Termenul Techno a fost folosit pentru prima dată după lansarea unei compilații de 10 Records/Virgin Records intitulată Techno: The Dance Sound of Detroit în 1988.

Una dintre primele producții de la Detroit care a primit o atenție mai largă a fost „ Strings of Life ” de Derrick May (1987), care, împreună cu lansarea anterioară a lui May, „Nude Photo” (1987), a contribuit la creșterea profilului techno-ului în Europa, în special în Marea Britanie și Germania. , în timpul boom-ului muzicii house din 1987–1988 (vezi A doua vară a iubirii ). A devenit cea mai cunoscută piesă a lui May, care, potrivit lui Frankie Knuckles, „pur și simplu a explodat. Era ca ceva ce nu ți-l poți imagina, genul de putere și energie pe care oamenii l-au scos din acel disc când a fost auzit pentru prima dată. Mike Dunn spune că habar nu are cum oamenii pot accepta un disc care nu are o linie de bas.” Potrivit DJ-ului britanic Mark Moore , „Strings of Life” i-a determinat pe vizitatorii cluburilor londoneze să accepte house: „pentru că majoritatea oamenilor urau muzica house și totul era groove și hip hop rar... Eu cântam „Strings of Life” la Clubul Mudd și curățați podeaua”. Până la sfârșitul anilor 1980, interesul pentru house, acid house și techno a escaladat în scena cluburilor, iar cei care participau la cluburi alimentați de MDMA, care se confruntau cu o oră de închidere la ora 2 dimineața în Marea Britanie, au început să caute refugiu după orele de program într-un depozit deschis toată noaptea. petreceri. În decurs de un an, în vara anului 1989, până la 25.000 de oameni au participat la petreceri underground organizate comercial, numite rave.

Muzică de dans în anii 1990

Transă

Transa a apărut din scena rave din Regatul Unit la sfârșitul anilor 1980 și s-a dezvoltat în continuare la începutul anilor 1990 în Germania, înainte de a se răspândi în restul Europei, ca o ramură mai melodică din techno și house. În același timp în care muzica trance se dezvolta în Europa, genul strângea public și în statul indian Goa . Transa este în mare parte instrumentală , deși vocea poate fi amestecată: de obicei, acestea sunt interpretate de soliste femei mezzo-soprano până la soprane, adesea fără o structură tradițională de vers/cor. Forma vocală structurată în muzica transă formează baza subgenului transă vocală , care a fost descrisă drept „mare, ascensional și operatic” și „protagoniste feminine eterice plutind printre sintetizatoare”. Muzica trance este împărțită într-un număr de subgenuri, inclusiv transă acidă , transă clasică, transă hard , transă progresivă și transă înălțătoare . Transa înălțătoare este cunoscută și sub denumirea de „transă de imn”, „transă epică”, „transă comercială”, „transă de stadion” sau „transă euforică” și a fost puternic influențată de muzica clasică în anii 1990 și 2000 de artiști de top precum Ferry Corsten , Armin Van Buuren , Tiësto , Push , Rank 1 și în prezent cu dezvoltarea subgenului „orchestral uplifting trance” sau „lifting trance with symphonic orchestra” de către artiști precum Andy Blueman , Ciro Visone, Soundlift, Arctic Moon, Sergey Nevone&Simon O'Shine etc. Strâns legat de Uplifting Trance este Euro-trance , care a devenit un termen general pentru o mare varietate de muzică de dans europeană foarte comercializată. Mai multe subgenuri sunt încrucișate cu alte genuri majore de muzică electronică. De exemplu, Tech trance este un amestec de transă și techno, iar Vocal trance „combină elementele progresive [de transe] cu muzica pop”. Genul de transă de vis a apărut la mijlocul anilor 1990, popularitatea sa fiind condusă apoi de Robert Miles .

AllMusic afirmă despre transa progresivă: „aripa progresivă a mulțimii de transă a condus direct la un sunet mai comercial, orientat spre topuri, deoarece transa nu sa bucurat niciodată de multă acțiune în topuri în primul rând . care amintește de Jean-Michel Jarre decât de Basement Jaxx ), Progressive Trance a devenit sunetul ringurilor de dans din lume până la sfârșitul mileniului. Criticii i-au ridiculizat accentul pe defecțiuni previzibile și lipsa relativă de îndemânare pentru a mixa, dar transa progresivă a fost pusă în mișcare. de cel mai tare DJ.”

Breakbeat hardcore, jungle, drum and bass

La începutul anilor 1990, în scena rave s-a dezvoltat un stil de muzică care avea o identitate diferită de house și techno americane. Această muzică, la fel ca hip-hop-ul de dinainte, combina beat-uri sau breakbeats sincopate eșantionate, alte mostre dintr-o gamă largă de genuri muzicale diferite și, ocazional, mostre de muzică, dialog și efecte din filme și programe de televiziune . În comparație cu stilurile anterioare de muzică dance, cum ar fi house și techno, așa-numita „muzică rave” tindea să accentueze sunetele de bas și să folosească tempo-uri mai rapide, sau bătăi pe minut (BPM). Acest subgen era cunoscut sub numele de rave „hardcore”, dar încă din 1991, unele piese muzicale formate din aceste breakbeat-uri cu ritm înalt, cu linii de bas grele și mostre de muzică jamaicană mai veche, au fost denumite „jungle techno”, un gen . influențat de Jack Smooth și Basement Records, iar mai târziu doar „jungla”, care a devenit recunoscut ca un gen muzical separat popular la rave și la radioul pirat din Marea Britanie. Este important să rețineți, atunci când discutăm despre istoria drum & bass, că înainte de jungle, muzica rave devenea mai rapidă și mai experimentală.

Până în 1994, jungla a început să câștige popularitate, iar fanii muzicii (deseori denumiți junglists ) au devenit o parte mai recunoscută a subculturii tineretului. Genul s-a dezvoltat în continuare, încorporând și îmbinând elemente dintr-o gamă largă de genuri muzicale existente, inclusiv sunetul raggamuffin , dancehall , cântece MC , linii de bas dub și percuție breakbeat din ce în ce mai complexă, editată intens. În ciuda afilierii cu scena rave alimentată de extaz, Jungle a moștenit și unele asocieri cu violența și activitatea criminală, atât din cultura bandelor care afectase scena hip-hop din Marea Britanie, cât și ca urmare a sunetului și temelor deseori agresive sau amenințătoare ale junglei. violență (de obicei reflectată în alegerea probelor). Totuși, acest lucru s-a dezvoltat în tandem cu reputația adesea pozitivă a muzicii ca parte a scenei rave mai largi și a culturii muzicale jamaicane bazate pe săli de dans, predominant la Londra. Până în 1995, fie ca reacție la sau independent de această schismă culturală, unii producători din junglă au început să se îndepărteze de stilul influențat de ragga și să creeze ceea ce va deveni colectiv etichetat, pentru comoditate, ca drum and bass.

Muzica de dans în secolul 21

Dubstep

Dubstep este un gen de muzică electronică de dans care a apărut în sudul Londrei la sfârșitul anilor 1990. Se caracterizează în general prin modele ritmice rare, sincopate , cu linii de bas care conțin frecvențe sub-bas proeminente. Stilul a apărut ca o ramură a garajului britanic , bazându-se pe o linie de stiluri înrudite, cum ar fi 2-step , dub reggae , jungle , broken beat și grime . În Regatul Unit, originile genului pot fi urmărite până la creșterea scenei de petrecere a sistemului audio jamaican la începutul anilor 1980.

Cele mai vechi versiuni dubstep cunoscute datează din 1998 și au fost de obicei prezentate ca fețe B ale lansărilor simple de garaj în 2 pași . Aceste piese au fost remixuri mai întunecate, mai experimentale, cu mai puțin accent pe voce și au încercat să încorporeze elemente de breakbeat și tobe și bas în 2 pași. În 2001, aceasta și alte melodii de muzică dark garage au început să fie prezentate și promovate la clubul de noapte Plastic People din Londra, la noaptea „Forward” (uneori stilizată ca FWD>>), care a continuat să fie considerată influentă în dezvoltarea dubstep-ului. . Termenul „dubstep” cu referire la un gen de muzică a început să fie folosit în jurul anului 2002 de case de discuri precum Big Apple, Ammunition și Tempa, moment în care tendințele stilistice folosite în crearea acestor remixuri au început să devină mai vizibile și distincte de 2- pas și murdărie .

Electro house

Electro house este o formă de muzică house caracterizată printr-o linie de bas sau tobă proeminentă și un tempo între 125 și 135 bătăi pe minut, de obicei 128. Originile sale au fost influențate de electro . Termenul a fost folosit pentru a descrie muzica multor DJ Mag Top 100 DJ , inclusiv Dimitri Vegas & Like Mike , Hardwell , Skrillex și Steve Aoki . DJ-ul italian Benny Benassi , cu piesa sa „ Satisfaction ” lansată în 2002, este văzut ca precursorul electro-house-ului care l-a adus în mainstream. La mijlocul anilor 2000, electro-house a cunoscut o creștere a popularității, cu hituri precum remixul Tom Neville al piesei „I See Girls” de la Studio B în 2005 (UK #11). În noiembrie 2006, piese electro-house „ Put Your Hands Up for Detroit ” de Fedde Le Grand și remixul D. Ramirez din „ Yeah Yeah ” de Bodyrox și Luciana au ocupat locurile numărul unu și, respectiv, numărul doi în topul britanic. Topul cu 40 de single-uri. De atunci, au apărut producători electro-house precum Feed Me , Knife Party , The M Machine , Porter Robinson , Yasutaka Nakata și Dada Life .

Muzică trap (EDM)

Muzica trap (EDM) a apărut din techno , dub și Dutch House , dar și din hip-hopul sudic la sfârșitul anilor 2000 și începutul anilor 2010. Această formă de muzică trap poate fi simplificată prin aceste trei caracteristici: „1/3 hip hop (tempo și structura melodiei sunt similare, majoritatea pieselor sunt de obicei între 70–110 bpm) – cu vocea uneori redusă, 1/3 muzică de dans – lucrări de sintetizatoare olandeze înalte, eșantionare Hardstyle, precum și o multitudine de remixuri trap ale melodiilor populare EDM și 1/3 dub (focalizare la frecvență joasă și accent puternic pe repetitivitate pe parcursul unei melodii)”. Unii dintre artiștii care au popularizat acest gen, alături de alții, potențiali producători precum RL Grime cu piesele „Core” și „Scylla” lansate în 2014, Flosstradamus cu albumul „ Hdynation Radio” lansat în 2015 și Carnage ( DJ) cu piesa sa „Turn Up” lansată în 2012. Muzica trap în această conotație a fost caracterizată de „sintetizatoare pline de suflet, 808-uri, flaut de pan, capcane ascuțite și vocale lungi, cu sirop” care au creat bătăi murdare și agresive, rezultând „ melodii întunecate”. Trap este acum folosit în principal pentru a crea remixuri ale melodiilor deja existente.

Terminologie

În 1980, producătorul englez Richard James Burgess și trupa sa Landscape au folosit termenul de pe mâneca single-ului „European Man”: „Electronic Dance Music... EDM; computer programat la perfecțiune pentru plăcerea ta de ascultare”. Ca răspuns la o întrebare despre faptul că a fost creditat cu inventarea termenului New Romantic , Burgess a declarat că: „Inițial am folosit trei termeni – Futurist, Electronic Dance Music (singlele Landscape au imprimat EDM) și New Romantic”.

Scriind în The Guardian , jurnalistul Simon Reynolds a remarcat că adoptarea de către industria muzicală americană a termenului EDM la sfârșitul anilor 2000 a fost o încercare de a re-branding „cultura rave” din SUA și de a o diferenția de scena rave din anii 1990. A fost descrisă ca o eră a muzicii electronice, fiind descrisă într-un articol de la MixMag ca fiind „sunetul de picături grele, plin de stadion, de pompare, de top în topuri, sunet comercial masiv care a cucerit America... posibil undeva. între electro și progressive house, regizat de Michael Bay și, ca multe genuri muzicale, să încerci să-l identifici exact este ca și cum ai încerca să apuci un pumn de apă”. În Marea Britanie, „muzică de dans” sau „dans” sunt termeni mai des întâlniți pentru EDM. [4] Ceea ce este perceput pe scară largă a fi „muzică de club” s-a schimbat de-a lungul timpului; acum include diferite genuri și este posibil să nu cuprindă întotdeauna EDM. În mod similar, „muzică electronică de dans” poate însemna lucruri diferite pentru diferiți oameni. Atât „muzica de club” cât și „EDM” par vagi, dar termenii sunt uneori folosiți pentru a se referi la genuri distincte și neînrudite (muzica de club este definită de ceea ce este popular, în timp ce EDM se distinge prin atribute muzicale). [96] Deși Billboard a debutat într-un top „dance” în 1974, industria muzicală mai mare din SUA nu a creat topuri muzicale decât la sfârșitul anilor 1990. [93] În iulie 1995, Nervous Records și Project X Magazine au găzduit prima ceremonie de decernare a premiilor, numind-o „Electronic Dance Music Awards”. [Nota 4]

Productie

O configurație tipică de home studio pentru producția EDM cu computer, interfață audio și diverse instrumente MIDI.

Muzica electronică de dans este în general compusă și produsă într-un studio de înregistrare cu echipamente specializate, cum ar fi samplere , sintetizatoare, unități de efecte și controlere MIDI , toate configurate pentru a interacționa între ele folosind protocolul MIDI . În primele zile ale genului, au fost folosite instrumente muzicale electronice hardware și concentrarea în producție a fost în principal pe manipularea datelor MIDI, spre deosebire de manipularea semnalelor audio. De la sfârșitul anilor 1990, utilizarea software-ului a crescut. Un studio modern de producție de muzică electronică constă în general dintr-un computer care rulează o stație de lucru audio digitală (DAW), cu diverse plug-in-uri instalate, cum ar fi sintetizatoare software și unități de efecte, care sunt controlate cu un controler MIDI, cum ar fi o tastatură MIDI . Această configurație este în general suficientă pentru a finaliza producții întregi, care sunt apoi gata pentru masterizare .

Producție fantomă

Un producător fantomă este un producător de muzică angajat într-un aranjament de afaceri care produce o melodie pentru un alt DJ/artist care o lansează ca fiind proprie, de obicei în baza unui contract care îi împiedică să se identifice ca membri ai cântecului. Producătorii Ghost primesc o taxă simplă sau plăți de redevențe pentru munca lor și sunt adesea capabili să lucreze în preferința lor de a nu avea presiunea intensă a faimei și a stilului de viață al unui DJ recunoscut la nivel internațional. Un producător fantomă își poate crește nobilitatea în industria muzicală prin cunoașterea cu DJ și producători consacrați. Producători precum Martin Garrix și Porter Robinson sunt adesea remarcați pentru munca lor de producție fantomă pentru alți producători, în timp ce David Guetta și Steve Aoki sunt remarcați pentru utilizarea producătorilor fantomă în melodiile lor, în timp ce DJ precum Tiësto și-au creditat deschis producătorii în încercarea de a evita cenzură și pentru transparență.

Mulți producători fantomă semnează acorduri care îi împiedică să lucreze pentru altcineva sau să se stabilească ca artist solo. Asemenea acorduri de nedivulgare sunt adesea considerate ca fiind pradatoare, deoarece producătorii fantomă, în special producătorii adolescenți, nu au o înțelegere a industriei muzicale. Producătorul londonez Mat Zo a afirmat că DJ-ii care angajează producători fantomă „au prefăcut că își fac propria muzică și ne-au lăsat pe noi, producătorii, să ne luptăm”.

Productie dormitor

Un producător de dormitor este un muzician independent care creează muzică electronică pe laptop sau într-un studio de acasă. Spre deosebire de studiourile de înregistrare tradiționale, producătorii de dormitoare folosesc de obicei software și echipamente accesibile și ieftine, care pot duce la crearea muzicii complet „în cutie”, fără hardware extern.

Popularizare

Statele Unite

Inițial, popularizarea muzicii electronice de dans a fost asociată cu cultura rave și club europeană și a obținut o expunere populară limitată în America. La mijlocul până la sfârșitul anilor 1990, acest lucru a început să se schimbe pe măsură ce industria muzicală americană a făcut eforturi pentru a comercializa o serie de genuri de dans ca „ electronica ”. La acea vreme, un val de trupe de muzică electronică din Marea Britanie, inclusiv The Prodigy , The Chemical Brothers , Fatboy Slim și Underworld , fusese prematur asociat cu o „revoluție electronică americană”. Dar, mai degrabă decât să găsească succesul mainstream, multe acte EDM consacrate au fost relegate la marginile industriei din SUA . În 1998, Madonna 's Ray of Light , un album puternic influențat de tendințele muzicale de club și produs împreună cu producătorul britanic William Orbit , a adus muzica dance în atenția ascultătorilor de muzică populară. La sfârșitul anilor 1990, în ciuda interesului mass-media din SUA pentru muzica dance re-branșată ca electronică, producătorii americani de house și techno au continuat să călătorească în străinătate pentru a-și stabili cariera ca DJ și producători. Potrivit jurnalistului New York Times Kelefa Sanneh, single-ul lui Aaliyah din 2000 „ Try Again ” „a ajutat la introducerea de contrabandă a tehnicilor inovatoare ale muzicii electronice de dans în topurile pop americane”.

Până la mijlocul anilor 2000, producătorul olandez Tiësto a atras atenția populară la nivel mondial asupra EDM după ce a oferit o coloană sonoră pentru intrarea sportivilor în timpul ceremoniei de deschidere a Jocurilor Olimpice de vară din 2004 - un eveniment pe care The Guardian l-a considerat unul dintre cele mai importante 50 de evenimente din 2004. muzică dance. În 2003, influența muzicii dance la radioul american a făcut ca Billboard să creeze primul top Dance/Mix Show Airplay . Până în 2005, proeminența muzicii de dans în cultura populară nord-americană a crescut semnificativ. Potrivit Spin , performanța lui Daft Punk la Coachella în 2006 a fost „punctul de vârf” pentru EDM – a introdus duo-ul unei noi generații de „copii rock”. După cum a menționat Entertainment Weekly , „ SexyBack ” al lui Justin Timberlake a ajutat la introducerea sunetelor EDM în top 40 de radio , deoarece a reunit variații ale muzicii electronice de dans cu sunetele R&B ale cântărețului. În 2009, muzicianul house francez David Guetta a început să câștige proeminență în muzica pop mainstream datorită mai multor hituri încrucișate din Top 40, cum ar fi „ When Love Takes Over ” cu Kelly Rowland , precum și colaborărilor sale cu trupe pop și hip hop din SUA , precum ca Akon (" Sexy Bitch ") și The Black Eyed Peas (" I Gotta Feeling "). Site-ul de partajare a muzicii SoundCloud , precum și site-ul de partajare a videoclipurilor YouTube, au contribuit, de asemenea, la stimularea interesului pentru muzica electronică. Producătorul de Dubstep Skrillex a popularizat un sunet mai dur numit „ Brostep ”, care făcuse comparații cu agresivitatea și tonul heavy metalului .

Odată cu creșterea popularității muzicii electronice de dans, promotorii și locațiile și-au dat seama că DJ-ii ar putea genera profituri mai mari decât muzicienii tradiționali; Diplo a explicat că „o trupă cântă [pentru] 45 de minute; DJ-ii pot cânta timp de patru ore. Trupe de rock — există câțiva bărbați de afiș care pot cânta în locații cu o capacitate de 3.000-4.000, dar DJ-ii cântă în aceleași locații, răsturnează mulțimea. de două ori, oamenii cumpără băuturi toată noaptea la prețuri mai mari — este un câștig pentru toate.” Festivalurile de muzică electronică, cum ar fi Electric Daisy Carnival (EDC) din Las Vegas și Ultra Music Festival din Miami, au crescut, de asemenea, în dimensiune, punând un accent sporit pe experiențele vizuale și pe DJ-ii care începuseră să obțină statutul de celebritate. Alte acte majore care au câștigat importanță, inclusiv Avicii și Swedish House Mafia , au făcut turnee în locuri importante, cum ar fi arene și stadioane, mai degrabă decât în ​​cluburi; în decembrie 2011, Swedish House Mafia a devenit primul grup de muzică electronică care a vândut Madison Square Garden din New York .

În 2011, Spin a declarat o „nouă generație rave” condusă de trupe precum David Guetta, Deadmau5 și Skrillex . În ianuarie 2013, Billboard a introdus un nou grafic Dance/Electronic Songs axat pe EDM , urmărind primele 50 de melodii electronice bazate pe vânzări, difuzare radio, redare în club și streaming online . Potrivit Eventbrite, fanii EDM au mai multe șanse să folosească rețelele sociale pentru a descoperi și a împărtăși evenimente sau concerte. De asemenea, au descoperit că 78% dintre fani spun că au mai multe șanse să participe la un eveniment dacă colegii lor o fac, comparativ cu 43% dintre fani în general. EDM are mulți fani tineri și sociali. Până la sfârșitul anului 2011, Music Trades descrie muzica electronică de dans ca fiind genul cu cea mai rapidă creștere din lume. Elementele muzicii electronice au devenit tot mai proeminente în muzica pop. Radioul și televiziunea au contribuit, de asemenea, la acceptarea populară a muzicii dance.

Interes corporativ american

Consolidarea corporativă în industria EDM a început în 2012, în special în ceea ce privește evenimentele live. În iunie 2012, directorul media Robert F. X. Sillerman – fondatorul a ceea ce este acum Live Nation – a relansat SFX Entertainment ca un conglomerat EDM și și-a anunțat planul de a investi 1 miliard de dolari pentru a achiziționa afaceri EDM. Achizițiile sale au inclus promotori și festivaluri regionale (inclusiv ID&T , care organizează Tomorrowland ), doi operatori de cluburi de noapte din Miami și Beatport , un magazin de muzică online care se concentrează pe muzică electronică. Live Nation a achiziționat, de asemenea , Cream Holdings și Hard Events și a anunțat un „parteneriat creativ” cu organizatorii EDC Insomniac Events în 2013, care i-ar permite să-și acceseze resursele, rămânând în același timp o companie independentă; CEO-ul Live Nation, Michael Rapino, a descris EDM drept „[noul] rock’n’roll ”.

Conglomeratul radio american iHeartMedia, Inc. (fost Clear Channel Media and Entertainment) a făcut eforturi pentru a se alinia cu EDM. În ianuarie 2014, l-a angajat pe renumitul DJ britanic și personalitatea BBC Radio 1, Pete Tong , să producă programe pentru marca sa de radio dance „Evolution ” și a anunțat un parteneriat cu SFX pentru a coproduce concerte live și programare originală orientată spre EDM pentru top 40 de radio . statii. Președintele iHeartMedia, John Sykes, a explicat că dorește ca proprietățile companiei sale să fie „cea mai bună destinație [pentru EDM]”.

Mărcile majore au folosit, de asemenea, fenomenul EDM ca mijloc de a viza milenialii , iar melodiile și artiștii EDM au fost din ce în ce mai prezentați în reclamele și programele de televiziune. Managerul lui Avicii, Ash Pournouri, a comparat aceste practici cu comercializarea hip-hop-ului la începutul anilor 2000. Heineken are o relație de marketing cu Ultra Music Festival și a încorporat producătorii olandezi Armin van Buuren și Tiësto în campaniile sale publicitare. Anheuser-Busch are o relație similară ca sponsor de bere a evenimentelor SFX Entertainment . În 2014, 7 Up a lansat „7x7Up” — o campanie multiplatformă bazată pe EDM, care a inclus conținut digital, publicitate cu producători și scene de marcă atât la Ultra, cât și la Electric Daisy Carnival. Operatorul wireless T-Mobile US a încheiat un acord cu SFX pentru a deveni sponsorul oficial wireless al evenimentelor sale și a încheiat un parteneriat cu Above & Beyond pentru a-și sponsoriza turneul din 2015.

În august 2015, SFX a început să înregistreze scăderi ale valorii sale și o ofertă eșuată a CEO-ului Sillerman de a lua compania privată. Compania a început să caute alternative strategice care ar fi putut duce la vânzarea companiei. În octombrie 2015, Forbes a declarat posibilitatea unei „ bule ” EDM, în urma scăderilor la SFX Entertainment, a încetinirii creșterii veniturilor, a costurilor tot mai mari de organizare a festivalurilor și de rezervare a talentelor, precum și a suprasaturarii festivalurilor din est. și vestul Statelor Unite. CEO-ul Insomniac, Pasquale Rotella, a considerat că industria va face față incertitudinii financiare a pieței generale, concentrându-se pe „inovare” și intrând pe noi piețe. În ciuda previziunilor conform cărora interesul pentru EDM-ul popular va scădea, în 2015 a fost estimată a fi o industrie de 5,5 miliarde de lire sterline în SUA, în creștere cu 60% față de estimările din 2012.

SFX a ieșit din faliment în decembrie 2016 sub numele de LiveStyle , sub conducerea lui Randy Phillips, un fost director al AEG Live . Compania a început să-și cedeze treptat activele muzicale live în 2018, inclusiv vânzarea participațiilor sale la Rock in Rio (pe care a cumpărat-o ca parte a unei încercări de ediție a festivalului din Las Vegas ), iar mai târziu alți promotori deținuti de SFX, cum ar fi ID&T și React Presents. Phillips a demisionat din funcția de CEO în 2019 pentru a urma alte proiecte.

Critica de supracomercializare

În urma popularizării EDM în America, o serie de producători și DJ, printre care Carl Cox , Steve Lawler și Markus Schulz , și-au exprimat îngrijorarea că supracomercializarea percepută a muzicii dance a avut un impact asupra artei DJing-ului. Cox a considerat abordarea „press-play” adoptată de noii DJ EDM ca nereprezentantă pentru ceea ce el numea „ethosul DJ”. Scriind în Mixmag , DJ Tim Sheridan a susținut că „dj-ii cu butoane” care folosesc sincronizarea automată și joacă seturi preînregistrate de „hituri evidente” au dus la o situație depășită de „spectacol, bani și showbiz”.

Unii producători casei au recunoscut în mod deschis că EDM „comercial” avea nevoie de diferențiere și creativitate suplimentară. Avicii, al cărui album True din 2013 conținea cântece care încorporează elemente de bluegrass , cum ar fi single-ul principal „ Wake Me Up ”, a declarat că majoritatea EDM-ului nu are „longevitate”. Deadmau5 a criticat omogenizarea EDM-ului popular și a sugerat că „toate sună la fel”. În timpul Festivalului de Muzică Ultra din 2014, Deadmau5 a făcut comentarii critice despre noul artist EDM Martin Garrix și mai târziu a cântat o versiune editată a piesei „ Animals ” a lui Garrix, remixată pe melodia „ Old McDonald Had a Farm ”. Ulterior, Tiësto l-a criticat pe Deadmau5 pe Twitter pentru că a amestecat „sarcastic” „ Levels ” a lui Avicii cu propriul său „ Ghosts 'n' Stuff ” (cu referire la faptul că este o înlocuire de ultimă oră a lui Avicii în programul festivalului din cauza unei probleme medicale), pentru a pe care Deadmau5 a întrebat dacă redarea „sarcastic” a unei melodii implică „ rânchire [ing] în timp ce apăsați butonul de sincronizare”.

În mai 2014, serialul de comedie NBC Saturday Night Live a parodiat stereotipurile culturii EDM și ale DJ-urilor cu butoane într-un scurt digital intitulat When Will the Bass Drop? . A prezentat un DJ care se ocupă de activități de zi cu zi – joacă un joc pe calculator, prăjește ouă, strânge bani – care apoi apăsă un buton gigant „BASS”, care explodează capetele concertelor.

După ani de creștere rapidă, populara piață EDM americană a început să scadă în 2016, când un număr de artiști renumiți pentru producerea așa-numitei case electrocasnice „big room” au început să se diversifice stilistic. Această dezvoltare a fost menționată direct de doi astfel de DJ – David Guetta și Showtek – într-un single influențat de techno , lansat în aprilie 2016, intitulat „The Death of EDM”. Până la sfârșitul anilor 2010, poziția EDM ca forță dominantă în muzica populară mainstream a început să scadă pe măsură ce a fost înlocuită de alte stiluri.

Internaţional

În mai 2015, Raportul de afaceri al International Music Summit a estimat că industria globală a muzicii electronice a atins o valoare de aproape 6,9 ​​miliarde de dolari; Numărul a inclus vânzările de muzică, veniturile din evenimente (inclusiv cluburi de noapte și festivaluri), vânzarea de echipamente și software pentru DJ și alte surse de venit. Raportul a identificat, de asemenea, câteva piețe emergente pentru muzica dance electronică, inclusiv Asia de Est, India și Africa de Sud, creditate în principal pe investiții din partea intereselor interne, americane și europene. O serie de festivaluri majore au început să se extindă și în America Latină.

În Ghana , Africa de Vest, un artist pe nume Djsky a introdus EDM în 2015 – prezent și a organizat festivaluri și evenimente de succes, cum ar fi Hey Ibiza, Sunset Music Festival, Sky show și multe altele. Într-un interviu acordat WatsUp TV , Djsky a dezvăluit că a fost primul care a introdus Electronic Music Dance în muzica din Ghana.

În Etiopia, EDM a devenit parte din muzica mainstream după descoperirea din 2018 a unui tânăr artist pe nume Rophnan , care a încorporat sunetul EDM cu ritmuri și melodii tradiționale. În emisiunile sale, zeci de mii de tineri strângeau stadioane din toată țara, iar radiourile au început să redea genul în curs de dezvoltare.

China este o piață în care EDM a făcut inițial relativ puține incursiuni; deși promotorii credeau că muzica instrumentală ar elimina o barieră lingvistică metaforică, creșterea EDM în China a fost împiedicată de lipsa unei culturi rave proeminente în țară ca și în alte regiuni, precum și de popularitatea pop chinezesc autohton față de străinătate. artiștilor. Fostul director general al Universal Music, Eric Zho, inspirat de creșterea SUA, a făcut primele investiții semnificative în muzică electronică în China, inclusiv organizarea festivalului inaugural Storm de la Shanghai în 2013, încheierea unui contract de sponsorizare a festivalului cu Budweiser de la Anheuser-Busch. brand, o căutare locală de talente și organizarea de colaborări între producătorii EDM și cântăreții chinezi, precum „Lose Myself” de la Avicii și Wang Leehom . În anii care au urmat, în China au început să apară un număr mai mare de evenimente EDM, iar Storm însăși a fost precedată și de un număr mai mare de pre-petreceri în 2014 decât anul său inaugural. Un nou raport lansat în timpul inaugural International Music Summit China din octombrie 2015 a dezvăluit că industria chineză EDM înregistra câștiguri modeste, invocând numărul mai mare de evenimente (inclusiv noi mărci majore de festival, cum ar fi Modern Sky și YinYang), o creștere de 6% a vânzările de muzică electronică în țară și dimensiunea semnificativă a pieței totale. Zho a mai considerat că climatul politic „practic” al țării, precum și investițiile Chinei în evenimente culturale, au ajutat la „încurajarea” creșterii EDM în țară.

Impact social

Festivaluri

Un festival EDM în 2013 în Plainfeld , Austria , cu peste 100.000 de participanți, expunând mulțimile mari și iluminatul dramatic obișnuit la astfel de evenimente încă de la începutul anilor 2000.

În anii 1980, muzică electronică de dans a fost adesea cântată la petrecerile rave ilegale subterane organizate în locații secrete, de exemplu, depozite, hangare de avioane abandonate, câmpuri și orice alte zone mari, deschise. În anii 1990 și 2000, aspecte ale culturii rave underground din anii 1980 și începutul anilor 1990 au început să evolueze în concerte și festivaluri EDM legitime, organizate . Festivalurile majore prezintă adesea un număr mare de acte reprezentând diverse genuri EDM răspândite în mai multe etape. Festivalurile au pus un accent mai mare pe spectacolele vizuale ca parte a experiențelor lor generale, inclusiv amenajari elaborate cu tematică subiacentă, sisteme complexe de iluminare, spectacole cu laser și pirotehnie . Moda rave a evoluat și în rândul participanților, pe care The Guardian a descris-o ca a progresat de la „kandi raver” din anii 1990 la „[o] imagine elegantă și sexificată, dar și kitsch-suprrealiste, la jumătatea distanței dintre Venice Beach și Cirque du Soleil , Willy Wonka și o mândrie gay. paradă ”. Aceste evenimente se deosebeau de rave-urile subterane prin natura lor organizată, desfășurându-se adesea în locații importante și cu măsuri pentru a asigura sănătatea și siguranța participanților. Rawley Bornstein de la MTV a descris muzica electronică drept „noul rock and roll”, la fel ca organizatorul Lollapalooza, Perry Farrell .

Festivalul de muzică Spectrum Dance, 2016

Ray Waddell de la Billboard a remarcat că promotorii festivalului au făcut o treabă excelentă în domeniul branding-ului . S-a demonstrat că festivalurile mai mari au un impact economic pozitiv asupra orașelor gazdă, Festivalul de Muzică Ultra din 2014 a adus 165.000 de participanți și peste 223 de milioane de dolari în economia regiunii Miami/ Florida de Sud . Ediția inaugurală a TomorrowWorld — o versiune din SUA a festivalului Tomorrowland din Belgia , a adus 85,1 milioane de dolari în zona Atlanta — la fel de multe venituri ca și găzduirea finală a NCAA Final Four (semifinalele și jocurile de campionat național ale Diviziei NCAA I masculine). turneu de baschet ) la începutul anului. EDC Las Vegas a stimulat economia comitatului Clark cu 350,3 milioane de dolari numai în 2015, cu peste 405.000 de participanți în trei zile (19-21 iunie).

Popularitatea EDM și a festivalurilor a determinat, de asemenea, unele festivaluri multi-gen care nu sunt puternic asociate cu muzica electronică, cum ar fi Coachella și Lollapalooza , să adauge mai multe concerte electronice în gama lor. Aceștia joacă adesea scene specifice EDM, dar trupe majore, cum ar fi Deadmau5 și Calvin Harris, au făcut apariții generale pe scenele principale ale Lollapalooza și, respectiv, Coachella - plasamente care sunt de obicei asociate cu concerte rock și alternative . Russell Smith de la The Globe and Mail a considerat că industria festivalurilor comerciale era o antiteză cu principiile inițiale ale subculturii rave, invocând „biletele scumpe, sponsorii corporativi giganți, cultura fraților nebunești — băieți musculi fără cămașă care navighează pe stadioane, minuscule. fete populare în bikini care călăresc pe umeri – ca să nu mai vorbim de muzica sappy în sine.” Incidentele legate de droguri, precum și alte plângeri legate de comportamentul participanților acestora, au contribuit la percepțiile negative și la opoziția față de evenimentele de muzică electronică din partea autorităților locale.

După Ultra Music Festival 2014, în care o mulțime de gatecrashers a călcat în picioare un agent de securitate în prima sa zi, comisarii orașului din Miami au luat în considerare interzicerea festivalului să aibă loc în oraș, invocând incidentul de călcare în picioare, comportamentul lasciv și plângerile locuitorilor din centrul orașului că au fost hărțuiți . de către participanți. Comisarii au votat pentru a permite Ultra să continue să fie ținut în Miami datorită efectelor sale economice pozitive, cu condiția ca organizatorii săi să abordeze securitatea, consumul de droguri și comportamentul lasciv al participanților. În 2018, după îngrijorări continue, comisarii au votat să interzică desfășurarea festivalului în Bayfront Park și în centrul orașului Miami, dar ulterior au aprobat o propunere de mutare a evenimentului pe una dintre insulele de barieră din Miami , Virginia Key . În urma festivalului, care a fost afectat de probleme de transport (deoarece există o singură legătură vehiculară între Virginia Key și Miami continentală) și alte probleme, Ultra a renunțat la acord și a negociat un acord pentru a se întoarce la Bayfront Park. Casa de discuri axată pe Jungle și Drum and Bass din Marea Britanie, Hospital Records, conduce un festival numit Hospitality în cluburi și alte locații împrăștiate în Marea Britanie și în alte țări cu o mare influență EDM. Aceste evenimente sunt de obicei concerte ale artiștilor din lista de muzicieni a discului.

Impactul COVID-19

Din cauza pandemiei de COVID-19 , anularea festivalurilor, însoțită de restricțiile privind distanțarea socială, a avut un impact negativ asupra activității economice a festivalurilor și a industriei muzicale. Festivalurile trebuie să aibă reglementări privind sănătatea și siguranța, precum și gestionarea crizelor și riscurilor, deoarece sunt expuse unui risc ridicat din cauza masei de oameni care participă. Drept urmare, a devenit normal ca festivalurile sau spectacolele să fie transmise online.

În cursul anului 2020, toate festivalurile mari de muzică EDM au fost amânate sau anulate din cauza pandemiei de COVID-19. Pe 4 martie 2020, Ultra Miami a fost primul festival de muzică de dans electronică care a anulat un eveniment, deoarece evenimentul nu s-a putut conforma cu regulile de capacitate ale statului și cu protocoalele și reglementările de siguranță ale județului. Pe 21 aprilie 2020, festivalul de muzică Electric Forest din Rothbury, Michigan și-a reprogramat evenimentul din 25-27 iunie 2020 până în iunie 2021 din cauza problemelor de sănătate. Pe 9 iulie 2020, primarul orașului New York, Bill de Blasio, a decis că toate evenimentele importante vor fi suspendate până pe 30 septembrie. Ca urmare, Electric Zoo 2020, care are loc pe Insula Randall din New York, în timpul weekendului Zilei Muncii, a fost complet anulată. evenimentul lor din 2020.

Electric Daisy Carnival Las Vegas (EDC), cel mai mare festival de muzică dance din America de Nord, era programat să aibă loc în perioada 15-17 mai 2020. În aprilie, EDC și-a amânat evenimentul din mai pentru 2-4 octombrie 2020, iar ulterior a declarat Pe 2 august, EDC Las Vegas 2020 va fi anulat oficial. În schimb, CEO-ul EDC, Pasquale Rotella , a anunțat sărbătorirea celei de-a 25-a aniversări a EDC în perioada 21-23 mai 2021. Pe 9 aprilie 2021, EDC nu și-a lansat încă gama și protocoalele de siguranță COVID-19 pentru evenimentul care avea loc în mai 2021. Pe 20 aprilie , 2021, Rotella a amânat festivalul pentru 22–24 octombrie 2021.

Anulările acestor evenimente au afectat economic industria muzicală și companiile care desfășoară aceste evenimente. EDC 2020 s-a vândut inițial din cele 200.000 de bilete pentru primul lor eveniment, dar a oferit returnări complete pentru cei care nu au putut ajunge la noi date. Electric Zoo a inclus un stimulent pentru clienții să-și păstreze biletul, oferind un plus de 50 USD pentru biletele de intrare generală și 100 USD pentru bilete VIP de cheltuit pentru mărfuri și mâncare pe terenul festivalului. Majoritatea companiilor de festivaluri de muzică s-au oferit să transfere biletul la următorul lor eveniment sau să ofere rambursări complete celor care nu au putut participa, dar în cele din urmă au pierdut mulți clienți din cauza incertitudinii COVID-19.

Asocierea cu consumul de droguri recreative

Muzica de dans are o asociere lungă cu consumul de droguri recreaționale , în special cu o gamă largă de droguri care au fost clasificate sub denumirea de „ droguri de club ”. Russell Smith a remarcat că asocierea dintre droguri și subculturi muzicale nu era deloc exclusivă muzicii electronice, citând exemple anterioare de genuri muzicale care au fost asociate cu anumite droguri, cum ar fi rock psihedelic și LSD , muzica disco și cocaina și muzica punk și heroina. .

În imaginea de mai sus arată cum arată în mod obișnuit extazul de droguri, deși există multe forme și forme diferite.

Metilendioximetanfetamina (MDMA), cunoscută și sub denumirea de ecstasy, „E” sau „Molly”, este adesea considerată drogul preferat în cultura rave și este, de asemenea, folosită la cluburi, festivaluri și petreceri . În mediul rave, efectele senzoriale ale muzicii și luminii sunt adesea foarte sinergice cu medicamentul. Calitatea amfetaminei psihedelice a MDMA oferă mai multe motive pentru atragerea sa pentru utilizatorii din setarea „rave”. Unii utilizatori se bucură de sentimentul de comuniune în masă din cauza efectelor inhibitoare ale medicamentului, în timp ce alții îl folosesc ca combustibil pentru petreceri din cauza efectelor stimulatoare ale medicamentului. Un alt medicament para-metoxiamfetamină (4-MA), cunoscut și sub numele de ecstasy roz, PMA, „Moarte” sau „Dr. Moarte”, este similar cu MDMA, dar poate dura până la o oră pentru a produce efecte, ceea ce poate duce la hipertermie. si ulterior, insuficienta de organ. Persoanele care iau PMA sunt adesea confundate ca fiind identificate ca fiind MDMA.

MDMA este ocazional cunoscut pentru că este luat în asociere cu medicamente psihedelice. Cele mai comune combinații includ MDMA combinat cu LSD , MDMA combinat cu DMT , MDMA cu ciuperci psilocibină și MDMA cu medicamentul disociativ ketamina . Mulți utilizatori folosesc produse mentolate în timp ce iau MDMA pentru senzația de răcire în timp ce experimentează efectele medicamentului. Exemplele includ țigări cu mentol, Vicks VapoRub , NyQuil și pastile .

Incidența ketaminei nemedicale a crescut în contextul rave-urilor și a altor petreceri. Cu toate acestea, apariția sa ca droguri de club diferă de alte medicamente de club (de exemplu MDMA ) datorită proprietăților sale anestezice ( de exemplu , vorbire neclară, imobilizare) la doze mai mari; în plus, există rapoarte despre vânzarea de ketamina ca „extaz”. De asemenea, a fost documentată utilizarea ketaminei ca parte a unei „experiențe postclubbing”. Creșterea ketaminei în cultura dansului a fost rapidă în Hong Kong până la sfârșitul anilor 1990. Înainte de a deveni o substanță controlată federal în Statele Unite în 1999, ketamina era disponibilă ca preparate farmaceutice deviate și sub formă de pulbere pură vândută în cantități vrac de la companiile interne de furnizare de produse chimice. O mare parte din ketamină actuală deturnată pentru uz nemedical provine din China și India.

Decese legate de droguri la evenimente de muzică electronică de dans

Un număr de decese atribuite consumului aparent de droguri au avut loc la concerte și festivaluri importante de muzică electronică. Los Angeles Memorial Coliseum a trecut pe lista neagră a evenimentelor Insomniac după ce un participant minor a murit din cauza „complicațiilor encefalopatiei ischemice din cauza intoxicației cu metilendioximetanfetamină ” în timpul Carnavalului Electric Daisy 2010; ca urmare, evenimentul a fost mutat în Las Vegas anul următor. Decesele cauzate de droguri în timpul Electric Zoo 2013 din New York, Statele Unite, și Future Music Festival Asia 2014 din Kuala Lumpur , Malaezia , au determinat anularea ultimei zile a ambelor evenimente, în timp ce Life in Color a anulat un eveniment planificat în Malaezia. de îngrijorare pentru incident și alte decese legate de droguri care au avut loc la concertele A State of Trance 650 din Jakarta , Indonezia.

În septembrie 2016, orașul Buenos Aires , Argentina a interzis toate evenimentele de muzică electronică, în așteptarea unei viitoare legislații, după cinci decese legate de droguri și patru răni la un eveniment Time Warp Festival din oraș în aprilie 2016. Interdicția a forțat trupa electronică Kraftwerk să anulează un concert planificat în oraș, în ciuda faptului că au existat diferențe între un festival și concertele lor.

Premii din industrie

Organizare Premii Ani) Note
Premiile BRIT Actul British Dance 1994–2004 Premiile BRIT din Marea Britanie au introdus o categorie „British Dance Act” în 1994, câștigată pentru prima dată de M People . Deși în anii precedenți au fost premiate spectacole de dans, acesta a fost primul an în care muzică de dans a primit propria categorie. Mai recent, premiul a fost eliminat, la fel ca „Urban” și „Rock” și alte genuri, deoarece premiile au eliminat premiile bazate pe gen și au trecut la premii mai generalizate axate pe artiști.
premiile Grammy Cel mai bun dans/înregistrare electronică 1998-prezent Cel mai recent câștigat (2021) de Rüfüs Du Sol pentru „ Alive ”.
Cel mai bun album de dans/muzică electronică 2005-prezent Cel mai recent câștigat (2021) de Black Coffee pentru Subconsciously .
DJ Mag Sondaj de top 100 de DJ 1991-prezent Revista britanică de muzică dance DJ Mag publică o listă anuală a primilor 100 de DJ din lume; din 1991 până în 1996 sondajele Top 100 au fost clasate de jurnaliştii revistei; în 1997 sondajul a devenit vot public. Actualul număr unu din lista din 2021 este David Guetta .
Premiile DJ Premiul pentru cel mai bun DJ 1998-prezent Singurul eveniment global de decernare a premiilor DJ care nominalizează și premiază DJ internaționali în 11 categorii, organizat anual în Ibiza , Spania, câștigători selectați prin vot public și unul dintre cei mai importanți.
Conferința de muzică de iarnă (WMC) IDMA: International Dance Music Awards 1998-prezent
Revista Proiect X Premiile Electronic Dance Music 1995 Cititorii revistei Project X au votat câștigătorii primului (și singurului) „Electronic Dance Music Awards”. În cadrul unei ceremonii organizate de revista și Nervous Records , au fost acordate statui de premiu Winx , The Future Sound of London , Moby , Junior Vasquez , Danny Tenaglia , DJ Keoki , TRIBAL America Records și Moonshine Records .
Premiile American Music Awards Artistul de dans/electronic preferat 2012 – prezent Cel mai recent câștigat (2021) de Marshmello .
World Music Awards Artistul preferat de muzică electronică de dans 2006-prezent
(în pauză)
Cel mai recent câștigat (2014) de Calvin Harris .

Vezi si

(alfabetic)

Note

Referințe

Bibliografie

Lectură în continuare