Lost in Translation (film) - Lost in Translation (film)

Pierdut în traducere
Afiș de lansare în teatru
Regizat de către	Sofia Coppola
Compus de	Sofia Coppola
Produs de
În rolurile principale
Cinematografie	Lance Acord
Editat de	Sarah Flack
Muzica de
Companii de producție
Distribuit de
Data de lansare
Timpul pentru alergat	102 minute
Țări
Limba	Engleză
Buget	4 milioane de dolari
Box office	118,7 milioane de dolari

Lost in Translation este un film de comedie-dramă romantică din 2003scris și regizat de Sofia Coppola . Bill Murray joacă rolul lui Bob Harris, un star american de film care dispare și care are o criză de vârstă mijlocie când călătorește la Tokyo pentru a promovawhisky Suntory . Acolo, el se împrietenește cu o altă americană înstrăinată pe nume Charlotte, o tânără și recent absolventă a facultății, interpretată de Scarlett Johansson . Mai apar Giovanni Ribisi și Anna Faris . Filmul explorează teme de înstrăinare și deconectare pe un fundal de dislocare culturală în Japonia. O analiză suplimentară de către critici și savanți s-a concentrat pe sfidarea filmului față de convențiile narative de masă și descrierea atipică a romantismului.

Coppola a început să scrie filmul după ce a petrecut timp în Tokyo și a devenit iubitor de oraș. A început să formeze o poveste despre două personaje care se confruntă cu o „melancolie romantică” în Park Hyatt Tokyo , unde a rămas în timp ce promova primul ei lungmetraj, drama The Virgin Suicides . Coppola l-a imaginat pe Murray jucând rolul lui Bob Harris încă de la început și a încercat să-l recruteze până la un an, trimițându-i neîncetat mesaje și scrisori telefonice. În timp ce Murray a fost de acord să joace rolul, el nu a semnat un contract; Coppola a cheltuit un sfert din bugetul de 4 milioane de dolari al filmului fără să știe dacă va apărea la Tokyo pentru filmare. Când Murray a ajuns în cele din urmă, Coppola a descris sentimente de ușurare semnificativă.

Fotografia principală a început pe 29 septembrie 2002 și a durat 27 de zile. Coppola a ținut un program flexibil în timpul filmărilor cu un echipaj mic și echipamente minime. Scenariul a fost scurt și Coppola a permis adesea o cantitate semnificativă de improvizație în timpul filmărilor. Filmul este directorul de imagine , Lance Acord , folosit lumina disponibile cât mai des posibil și multe locuri japoneze de afaceri și zonele publice au fost folosite ca locații pentru fotografiere. După 10 săptămâni de montaj, Coppola a vândut drepturile de distribuție pentru Statele Unite și Canada către Focus Features , iar compania a promovat filmul prin generarea de cuvinte pozitive din gură înainte de lansarea sa pe scenă.

Filmul a avut premiera pe 29 august 2003, la Festivalul de film Telluride și a avut un succes major de critică și comercial. Criticii au lăudat interpretările lui Murray și Johansson, precum și scrierea și regia lui Coppola; critica limitată a fost făcută descrierii filmului Japonia. La 76 de premii Oscar , Lost in Translation a câștigat Coppola pentru cel mai bun scenariu original , iar filmul a fost, de asemenea, nominalizat pentru cel mai bun film , cel mai bun regizor (Coppola) și cel mai bun actor (Murray). Alte premii câștigate includ trei premii Globul de Aur și trei premii British Academy Film Awards .

Complot

Bob Harris este un star american de film care dispare, care ajunge la Tokyo pentru a apărea în reclame profitabile pentru whisky Suntory . Rămâne la luxosul Park Hyatt Tokyo și suferă de tulpini în căsnicia sa de 25 de ani și o criză de vârstă mijlocie. Charlotte, o altă americană care se cazează la hotel, este o tânără absolventă a Universității Yale, care îl însoțește pe soțul ei John în timp ce lucrează ca fotograf celebru în Japonia. Charlotte se simte la fel de dezorientată în timp ce își pune la îndoială căsnicia recentă și nu este sigură despre viitorul ei. Amândoi se confruntă cu sentimente suplimentare de jet lag și șoc cultural în Tokyo și adesea trec timpul relaxându-se în jurul hotelului.

Charlotte este respinsă de o actriță vacantă de la Hollywood pe nume Kelly, care se află și ea la Park Hyatt, promovând un film de acțiune. Ea se lovește de Charlotte și John, țâșnind peste sesiunile de fotografie pe care le-a făcut anterior cu el. Bob și Charlotte se întâlnesc frecvent în hotel și, în cele din urmă, se prezintă în barul hotelului.

După mai multe întâlniri, când John se află în misiune în afara Tokyo, Charlotte îl invită pe Bob în oraș să întâlnească niște prieteni locali. Se leagă printr-o noapte distractivă în Tokyo, unde experimentează împreună viața de noapte a orașului. În zilele următoare, Bob și Charlotte petrec mai mult timp împreună, iar prietenia lor se întărește. Într-o noapte, în timp ce fiecare nu poate dormi, cei doi împărtășesc o conversație intimă despre incertitudinile personale ale Charlottei și despre viața lor de căsătorie.

Bob își petrece noaptea cu un cântăreț de lounge de la barul hotelului în penultima noapte a sejurului său. Charlotte o aude pe femeia cântând în camera lui Bob în dimineața următoare, ducând la tensiune între Bob și Charlotte în timpul prânzului împreună mai târziu în acea zi. Perechea se reîntâlnește seara, când Bob dezvăluie că va pleca din Tokyo a doua zi.

Bob și Charlotte se împacă și își exprimă modul în care se vor simți dor, făcând o ultimă vizită la barul hotelului. A doua zi dimineață, când Bob părăsește hotelul, el și Charlotte își împart la revedere sincere, dar nesatisfăcătoare. La plimbarea cu taxiul lui Bob către aeroport, o vede pe Charlotte pe o stradă aglomerată, oprește mașina și se îndreaptă spre ea. Apoi o îmbrățișează și îi șoptește ceva la ureche. Cei doi împărtășesc un sărut, își iau rămas bun, iar Bob pleacă.

Distribuție

• Bill Murray în rolul lui Bob Harris, un star de film în declin
• Scarlett Johansson în rolul Charlottei, absolventă recentă a facultății
• Giovanni Ribisi în rolul lui John, soțul Charlottei, un fotograf celebru
• Anna Faris în rolul Kelly, o actriță de la Hollywood
• Fumihiro Hayashi în rolul lui Charlie, prietenul Charlottei
• Catherine Lambert ca cântăreață de lounge

Analiză

Teme

Scriitorul-regizor al filmului, Sofia Coppola , a descris Lost in Translation ca o poveste despre „lucrurile care sunt deconectate și caută momente de conexiune”, o perspectivă care a fost împărtășită de critici și savanți. În sens cultural, Bob și Charlotte sunt dezorientați de sentimentele de jet lag și șoc cultural ca urmare a călătoriilor străine în Japonia. Bob este uimit de interacțiunile sale cu un director comercial japonez pe care nu îl poate înțelege, realizând că sensul comunicării sale este „pierdut în traducere” de către un interpret. Mai mult, ambii sunt nedormiți de o schimbare a fusului orar, alegând să facă față stării de veghe făcând vizite târzii la barul hotelului. Astfel de sentimente provoacă un sentiment de înstrăinare față de mediul lor, dar exacerbează și experiențe mai profunde de înstrăinare și deconectare în viața lor. Bob și Charlotte se află amândoi în căsătorii cu probleme și se confruntă cu crize identitare similare; Charlotte nu este sigură ce să facă cu viața ei și se întreabă ce rol ar trebui să îmbrățișeze în lume, în timp ce lui Bob i se amintește invariabil de statura sa de estompare ca vedetă de film și se simte disociat de identitatea prin care este deja definit.

Astfel de experiențe sunt sporite de contactul personajelor cu mediul orașului Tokyo; Bob se simte înstrăinat văzându-și asemănarea folosită într-o reclamă în timp ce este condus de la aeroport la hotelul său, iar peisajul urban plin de culoare este redat ca un mediu frenetic de care este copleșit. Charlotte se simte în derivă în timp ce încearcă să găsească sens în timp ce rătăcește Tokyo și se simte izolată când privește orașul de la fereastra camerei sale de hotel. Park Hyatt Tokyo oferă calități ermetice care izolează personajele din oraș și este locul pe care Bob îl alege să caute refugiu de suferințele sale. Aceste impresii comune ale înstrăinării creează un teren comun pentru Bob și Charlotte să cultive o legătură personală. Când Charlotte îl invită pe Bob să experimenteze viața de noapte din Tokyo, ea îi reduce sentimentul de distanță față de oraș și cei doi dezvoltă o conexiune bazată pe momente mici împreună. În puținul timp pe care îl au împreună, fiecare își dă seama că nu sunt singuri în căutarea unui sentiment de ceva mai profund în viața lor. Coppola, vorbind despre natura scurtă a întâlnirii lor, a remarcat: „Pentru toată lumea, există acele momente în care ai zile grozave cu cineva la care nu te-ai aștepta. Apoi, trebuie să te întorci la viața ta reală, dar face o impresie asupra ta. Este ceea ce o face atât de grozavă și plăcută. "

Geoff King, un cărturar care a scris o carte despre film, comentează că experiențele personajelor centrale sunt un factor care dă Lost in Translation interpretărilor variate ale academicienilor. Todd McGowan citește filmul dintr-o perspectivă psihanalitică lacaniană , susținând că filmul încurajează îmbrățișarea „absenței” în viața și relațiile cuiva. El descrie descrierea lui Tokyo de către Coppola „ca pe un oraș cu exces”, care oferă o promisiune goală de satisfacție. În opinia sa, atât Bob, cât și Charlotte recunosc că nu pot găsi sens în atracțiile din Tokyo, așa că se leagă de sentimentul lor comun de vid. Lucy Bolton oferă o lectură feministă, susținând că Lost in Translation evocă gândul filosofului feminist Luce Irigaray prin evidențierea problemelor legate de tinerețea femeii. Ea susține că filmul oferă un portret complex al subiectivității feminine a Charlottei și o redare optimistă a căutării personajului pentru exprimarea individuală.

Narativ

Lost in Translation a fost larg examinat din punct de vedere al structurii sale narative, comentatorii remarcând faptul că conține puține evenimente intrigale în comparație cu filmele din mainstream-ul de la Hollywood. Evenimentele narative se concentrează în cea mai mare parte pe dezvoltarea relației lui Bob și Charlotte, cu puține obstacole „externe” care afectează personajele centrale. King notează: „Se ia mai mult timp pentru a evoca impresiile, sentimentele și experiențele personajelor centrale”, ceea ce reprezintă „o schimbare a aranjamentului ierarhic al [elementelor filmului” ”care prioritizează experiențele personajelor în locul complotului. Criticul literar Steve Vineberg susține că „legăturile poveștii sunt într-adevăr acolo, doar că nu sunt conexiuni tipice cauză-efect. Sunt formate din emoțiile care se adună la sfârșitul unui episod și se revarsă în următorul ". King susține că, în timp ce complotul progresează în conformitate cu o cauzalitate liniară de bază, „Dacă calitatea episodică pare deseori în prim plan, aceasta este parțial o chestiune de ritmare a secvențelor individuale care sunt foarte des pe îndelete și dedicate stabilirii sau dezvoltării dispoziție și atmosferă ". Coppola a spus că dorește ca povestea să sublinieze calitățile unui moment intim și nu vrea să impună personaje narative grandioase personajelor, cum ar fi „un război care să le țină deoparte”.

Coppola a spus despre filmul de deschidere al filmului: „Nu am un motiv foarte bun pentru asta.  ... Așa am vrut să încep filmul. Mi-a plăcut să am un indiciu al personajului - o fată tânără și dulce care așteaptă în jur în camera ei de hotel - și apoi intră în poveste ”.

Primul film al filmului a fost un alt punct de discuție în rândul criticilor și erudiților. Imaginea de 36 de secunde, care prezintă partea din spate a Charlottei, în timp ce stă întinsă pe un pat purtând chiloți roz transparente, se bazează pe picturile fotorealiste ale lui John Kacere și a fost adesea comparată cu apariția inițială a lui Brigitte Bardot în filmul din 1963 Dispret . În timp ce unii au descris-o ca o prefigurare a unei povești romantice între Bob și Charlotte, istoricul filmului Wendy Haslem susține că „intenția lui Coppola cu această fotografie inițială pare să fie de a sfida tabuurile și de a submina așteptările legate de ceea ce ar putea fi considerat„ bani împușcați ” în cinematografia mai tradițional exploatatoare. " În mod corespunzător, academicianul Maria San Filippo susține că „[Coppola] nu pare să facă deloc declarații dincolo de un fel de susținere a frumuseții de dragul frumuseții”. Ia act de faptul că imaginea Regele conține atât „subtile“ și „evident“ apel în combinație de calități estetice și erotice, care semnifică pierdut în traducere " poziția lui între masă și film independent . Savantul filmului Todd Kennedy o interpretează în termenii concepției feministe a teoreticianului cinematografic Laura Mulvey despre privirea masculină , argumentând că împușcătura „durează atât de mult încât să devină incomodă - forțând publicul să devină conștient de (și potențial chiar să pună la îndoială) participarea la privire. "

Lost in Translation a fost remarcat și pentru că a sfidat convențiile filmelor romantice de masă. Haslem scrie că comedia romantică clasică asigură publicul că cuplul are un viitor, dar Coppola sfidează așteptările refuzând să unească personajele centrale. Ea indică elemente precum lipsa consumării sexuale a lui Bob și Charlotte ca un factor care ascunde dacă asocierea lor este mai romantică sau platonică. Scriind despre secvența finală în care personajele își iau rămas bun final, Haslem susține: „În mod convențional în cinematografia de masă, sărutul  ... înseamnă rezoluție prin întărirea mitului iubirii romantice. Dar în acest nou val de romantism anti-romantism contemporan, sărutul înseamnă ambiguitate ". Academicul Nicholas YB Wong susține că lipsa filmului de „conexiuni care topesc inima și (re) uniri melodramatice între personaje” reprezintă un portret postmodern al iubirii, scriind că Lost in Translation este „despre non-iubire, predominanța afacerilor și complexități ale intimității. Personajele vacilează între a se îndrăgosti și a iubi. Nu sunt nici angajate față de cineva, nici lipsite de emoție. " Coppola a spus că relația lui Bob și Charlotte "ar trebui să fie romantică, dar la limită.  ... [Un pic mai mult decât prieteni, dar nu o poveste reală.  ... Pentru mine, este destul de sexuală între ei - inocentă și romantic și o prietenie. "

Producție

Scris

Sofia Coppola promovează Lost in Translation la Festivalul Internațional de Film din Toronto din 2003

După ce a abandonat facultatea la vârsta de douăzeci de ani, Coppola a călătorit adesea la Tokyo, încercând o varietate de locuri de muncă în modă și fotografie. Nesigură ce ar trebui să facă pentru o carieră, ea a descris această perioadă ca pe un „fel de criză” în care a șerpuit în jurul orașului, contemplându-și viitorul. Ea a ajuns să se îndrăgostească de Tokyo, remarcând o calitate de altă lume adusă ca străină, care se confruntă cu sentimente de jet lag într-un cadru necunoscut. După mulți ani, s-a stabilit într-o carieră în film și s-a întors în oraș, rămânând la Park Hyatt Tokyo pentru a promova primul ei lungmetraj, drama The Virgin Suicides .

Coppola a început să scrie Lost in Translation după ce s-a întors acasă din acest turneu de presă. După ce a fost influențată de experiența sa din Tokyo, a decis să scrie un scenariu acolo și a început să formeze o poveste despre două personaje care se confruntă cu o „melancolie romantică” în Park Hyatt Tokyo. Coppola a fost mult timp atras de semnele de neon ale orașului și și-a propus ca Tokyo să adopte un „sentiment de vis” în film. Ea l-a recrutat pe prietenul ei Brian Reitzell , care a servit în cele din urmă ca producător de muzică al filmului, pentru a crea mixuri de compilații de vis pop pe care le-a ascultat în timp ce scria pentru a ajuta la stabilirea acestei stări de spirit.

Coppola nu a scris inițial scenariul în formă de scenariu tradițional, citând dificultatea de a trasa un complot complet. În schimb, ea a ales să scrie „mici paragrafe” în mare parte bazate pe impresii și experiențe disparate din viața ei din Tokyo, pe care apoi le-a adaptat unui scenariu. Printre primele imagini pe care le-a inclus a fost și prietena ei Fumihiro Hayashi care interpretează o interpretare karaoke a „ God Save the Queen ” a Sex Pistols , pe care Coppola l-a văzut interpretând în timpul în care a lucrat la Tokyo. După ce a scris primele 20 de pagini cu ajutorul fratelui ei, Roman Coppola , s-a întors la Tokyo pentru inspirație suplimentară. Acolo, ea a înregistrat în video orice ar putea folosi ca un instrument suplimentar de scriere.

Coppola l-a imaginat pe Murray jucând rolul lui Bob de la început, dorind să-și arate „latura sa mai sensibilă” și simțindu-se amuzat de imaginea lui îmbrăcat într-un kimono . Ea și-a descris imaginile mentale ale lui Murray ca o sursă semnificativă de inspirație pentru poveste. Pentru personajul Charlottei, Coppola a tras din propriile sentimente de dezorientare de la începutul anilor '20, citând tensiunea din relația ei cu soțul ei de atunci Spike Jonze ca o influență pentru relația dintre Charlotte și John. De asemenea, s-a inspirat din personajul lui JD Salinger , Franny în Franny și Zooey , găsind atracție în „ideea unei fete preppy care are o defecțiune”.

Pe măsură ce a dezvoltat relația dintre Bob și Charlotte, Coppola a fost forțată de juxtapunerea personajelor cu crize interne similare în diferite etape ale vieții lor. Ea a citat dinamica dintre Humphrey Bogart și Lauren Bacall în The Big Sleep ca sursă de inspirație pentru relația lor. Coppola a raportat că a redus puțin scenariul, care a durat șase luni pentru a fi finalizat și a culminat cu 75 de pagini, mult mai scurt decât media scenariului de lung metraj. În ciuda îngrijorării că scenariul a fost prea scurt și „îngăduitor” pentru că a inclus sortimente de experiențe personale, ea a decis să înceapă producția filmului.

Dezvoltare

Bill Murray în 2014 ( stânga ) și Scarlett Johansson în 2008 ( dreapta )

Coppola a susținut că nu ar fi făcut Lost in Translation fără Murray. Actorul avea un număr de 800 pentru potențialii clienți interesați să-l arunce, dar avea o reputație de recluz pe care era dificil de contactat. Coppola l-a urmărit fără încetare și a trimis mesaje telefonice și scrisori luni întregi. De asemenea, a căutat persoane din rețeaua sa profesională care ar putea să o ajute să ia contact. Ea l-a recrutat pe scenaristul Mitch Glazer , care era un prieten de multă vreme al lui Murray, pentru a accepta o versiune timpurie a scenariului și a încerca să-l convingă. Glazer a fost impresionat de poveste și a spus că l-a sunat frecvent pe actor, spunându-i: „Trebuie să citești asta”, dar el nu va oferi un răspuns. După un an de cajoling, Murray a fost de acord să se întâlnească cu Coppola la un restaurant pentru a discuta despre film. Apoi a acceptat rolul, spunând că "a petrecut mult timp făcându-mă să fiu tipul. În cele din urmă, am simțit că nu o pot dezamăgi".

În ciuda acordului lui Murray, Coppola a trebuit să-l creadă pe cuvânt, deoarece nu a semnat un contract formal. Ea a descris acest lucru ca fiind „nervos”, întrebându-se dacă va apărea la filmări la Tokyo. Ea a discutat problema cu regizorul Wes Anderson , care a lucrat anterior cu actorul și a încurajat-o, spunând: „Dacă spune că o va face, va apărea”. Pentru co-starul lui Murray, lui Coppola i-a plăcut interpretarea lui Johansson în Manny & Lo , amintindu-i „ca o fetiță drăguță cu vocea aia husky”. Apoi a invitat-o ​​pe Johansson la un restaurant pentru a discuta despre rol. Îngrijorat inițial de faptul că Johansson, în vârstă de 17 ani, ar putea fi prea tânăr pentru a interpreta un personaj în vârsta de douăzeci de ani, regizorul a ajuns la concluzia că pare mai în vârstă și că ar putea juca rolul convingător. Coppola i-a oferit lui Johansson rolul fără o audiție, pe care a acceptat-o.

Simțind un sentiment de investiție personală în proiect, Coppola a dorit să-și păstreze privilegiul final de tăiere și s-a temut că un acord de distribuție cu un studio nord-american îi va amenința influența. De asemenea, era puțin probabil ca un studio să ofere un astfel de suport, având în vedere durata scurtă a scenariului și lipsa de implicare formală a lui Murray. În schimb, ea și agentul ei au optat pentru vânzarea drepturilor de distribuție străine către un sortiment de companii pentru a finanța costuri de producție de 4 milioane de dolari. Ea a încheiat un acord mai întâi cu filmul japonez Tohokushinsha Film , apoi cu distribuitorii din Franța și Italia și, în cele din urmă, cu brațul internațional Focus Features pentru piața externă rămasă. Reunind finanțarea de la mai mulți distribuitori, Coppola a redus influența oricărui singur finanțator. Încă nu știa dacă Murray va apărea la Tokyo, Coppola a cheltuit 1 milion de dolari din buget, știind că absența sa ar fi condamnat producția. Când a ajuns în cele din urmă, cu câteva zile înainte de filmare, ea a descris sentimente de ușurare semnificativă.

Filmare

Producția a folosit spectatorii ca elemente suplimentare în zone publice, cum ar fi Shibuya Crossing .

Fotografia principală a început pe 29 septembrie 2002 și a durat 27 de zile. Cu un program restrâns și un buget limitat de 4 milioane de dolari, filmările s-au realizat șase zile pe săptămână și au fost marcate de o abordare „run-and-gun”: Coppola era dornică să rămână mobil cu un echipaj mic și echipamente minime. Ea a efectuat câteva repetiții și a ținut un program flexibil, uneori eliminând planurile de filmare pentru a filma ceva ce a observat la fața locului dacă credea că este mai bine pentru poveste. Deoarece scenariul a fost rar, detaliile lipsă au fost adesea abordate în timpul filmării, iar Coppola a permis o cantitate semnificativă de improvizație în dialog, în special de la Murray. Un exemplu include scena în care Bob este fotografiat pentru whisky Suntory; Coppola l-a încurajat pe Murray să reacționeze spontan la fotograf în timp ce ea îi șoptea nume pentru ca bărbatul să-i repete lui Murray ca un dialog neînvățat, precum „ Roger Moore ”.

În timp ce membrii cheie ai echipajului erau americani pe care Coppola i-a invitat la Tokyo, majoritatea echipajului a fost angajat local. Acest lucru s-a dovedit a fi o provocare pentru producție, deoarece majoritatea echipajului japonez nu a putut comunica cu Coppola în limba engleză, astfel încât ambele părți s-au bazat pe traduceri de la un asistent de regie bilingv și un gafier . Producția a întâmpinat întârzieri frecvente în timp ce au avut loc traduceri și a suferit din cauza unor neînțelegeri culturale ocazionale; într-un exemplu, Coppola a descris o filmare într-un restaurant care a întârziat cu 10-15 minute, ceva ce a spus că este normal într-o filmare americană, dar a determinat proprietarul restaurantului să se simtă lipsit de respect; ulterior a deconectat luminile echipajului și directorul de locație japonez al filmului a demisionat. În ciuda acestui fapt, Coppola a spus că a lucrat pentru a se adapta la un stil japonez de filmare, nevrând să impună o abordare cu care echipa ei nu era obișnuită.

Coppola a lucrat îndeaproape pentru a vizualiza filmul cu directorul ei de fotografie , Lance Acord. Ea i-a arătat lui și altor membri cheie ai echipajului o carte de fotografii pe care a creat-o, care reprezenta stilul vizual pe care dorea să îl transmită în film. Pentru a evoca un sentiment de izolare la Bob, Coppola și Acord au folosit fotografii staționare în hotel și au evitat mișcările aparente ale camerei. Au avut, de asemenea, numeroase discuții despre filmări pe videoclip , dar au decis în cele din urmă că filmul se potrivește mai bine cu tonurile romantice ale poveștii. Coppola a remarcat: "Filmul oferă o mică distanță, ceea ce mi se pare mai degrabă o amintire. Videoclipul este mai prezent". Acord credea că noile stocuri de filme vor reduce necesitatea unei iluminări excesive, utilizând în cele din urmă stocul Kodak Vision 500T 5263 de 35 mm pentru exteriorul nopții și stocul Kodak Vision 320T 5277 la lumina zilei. Cea mai mare parte a filmului a fost filmată pe un Aaton 35-III, în timp ce un Moviecam Compact mai mic a fost utilizat în locații restrânse.

Cu stocurile de film de mare viteză, Acord a ales să utilizeze lumina disponibilă cât mai des posibil, completând doar cu lumini artificiale atunci când este necesar. El a raportat „niciodată cu adevărat” amenajarea luminilor pentru exteriorul nopții, bazându-se pe lumina naturală de pe străzile orașului Tokyo. Pentru secvențele interioare din Park Hyatt Tokyo, el s-a bazat în cea mai mare parte pe sursele practice de iluminare ale hotelului, trăgând într-o oprire larg deschisă și tăind puternic lumina pentru a elimina reflexiile din fereastra hotelului. Acord a spus că a auzit obiecții despre iluminat de la unii dintre electricienii japonezi, care nu erau obișnuiți să se bazeze atât de mult pe lumina disponibilă și erau îngrijorați că expunerea nu ar fi suficientă. Acord, asigurat că stocurile de filme vor rezista la o iluminare mai mică, în cele din urmă a filmat o mare parte din film cu două opriri subexpuse.

Multe dintre locațiile de filmare erau locuri de afaceri japoneze și zone publice la momentul filmării, inclusiv New York Bar din Park Hyatt Tokyo și Shibuya Crossing din Tokyo. Pe străzile publice și metrourile, producția nu a asigurat permisele de filmare și s-a bazat pe spectatorii orașului ca figuranți ; Coppola a descris filmarea ca fiind „în stil documentar” și a fost uneori îngrijorată de oprirea poliției, așa că a păstrat un echipaj minim. În hotel, producția nu a avut voie să filmeze în spații publice până la 1 sau 2 dimineața pentru a evita deranjarea oaspeților. În secvența finală a filmului în care Bob și Charlotte își iau ultimul rămas bun, Coppola a raportat că este nemulțumită de dialogul pe care l-a scris, așa că Murray a improvizat șoaptea în urechea lui Johansson. Prea liniștită pentru a fi de înțeles, Coppola a luat în considerare dublarea sunetului în scenă, dar în cele din urmă a decis că este mai bine ca „să rămână între ei doi”. După încheierea producției, Coppola a supravegheat 10 săptămâni de editare de Sarah Flack în New York City.

Coloană sonoră

Coloana sonoră a filmului a fost lansată de Emperor Norton Records pe 9 septembrie 2003. Conține 15 piese, în mare parte din genurile shoegaze și dream pop de indie și rock alternativ . Coloana sonoră a fost supravegheată de Brian Reitzell și conține melodii de la artiști și grupuri, inclusiv Death in Vegas , Phoenix , Squarepusher , Sébastien Tellier și Happy End . Cântecele lui Jesus and Mary Chain „ Just Like Honey ” și „ Uneori ” de My Bloody Valentine au apărut, iar patru piese originale au fost scrise pentru Lost in Translation de Kevin Shields , frontmanul acesteia din urmă . Alte piese produse pentru film includ două co-scrise de Reitzell și Roger Joseph Manning Jr. și una de Air . Melodiile prezentate în film care nu sunt în coloana sonoră includ interpretări karaoke ale copertei lui Elvis Costello din „ (What's So Funny 'Bout) Peace, Love and Understanding ” și „ Brass in Pocket ” a The Pretenders . O interpretare suplimentară a lui Murray din „ More Than This ” a lui Roxy Music este inclusă ca piesă bonus.

În timpul scenariului de scenariu, Coppola i-a vorbit lui Reitzell despre calitățile „mofturoase” și „melancolice” pe care voia să le transmită muzica în film, precum și despre ceea ce Reitzell a înțeles a fi „ciudățenia ciudată, plutitoare, jet-lagged” care ar fi definiți personajele centrale. Coppola a spus că dorește ca coloana sonoră „să fie mai puțin ca un scor” și mai mult ca amestecurile de tip dream-pop pe care le-a făcut Reitzell pentru a o ajuta să scrie filmul. În timp ce Shields lansase puțină muzică de la lansarea filmului Loveless în 1991, la propunerea lui Reitzell, el și Coppola l-au înrolat pentru a ajuta la scrierea muzicii originale pentru film; Reitzell a crezut că Shields „ar putea surprinde acel fel de senzație dronată, legănată și frumoasă pe care ne-am dorit-o”. Apoi s-a alăturat Shields din Londra pentru câteva două luni de sesiuni de înregistrare peste noapte și au folosit scenariul și cotidianele din producție ca inspirație în timp ce lucrau la melodii pentru film. Shields a comentat provocarea pe care a simțit-o în compunerea unui film, spunând: „Abia am fost conștient de limbajul muzicii care nu este în esență doar pentru urechile tale ... În cele din urmă, doar mișcarea fizică a filmului, aceasta a fost o delicatețe. Și presupun că de aceea am ajuns să fac lucruri atât de delicate. "

King susține că muzica joacă adesea rolul cel mai semnificativ în stabilirea stării de spirit și a tonului în film, scriind că este substanțială „în evocarea impresiilor visătoare, narcotizate, semi-detașate ale jet-lag”, precum și a sentimentelor mai largi de alienare și deconectare , „făcând ceea ce este probabil cea mai mare contribuție la înțelegerea pe scară largă a filmului ca„ piesă de dispoziție ”.” El indică utilizarea „Fetelor” de către Death in Vegas, prezentată în secvența timpurie în care Bob este condus de la aeroport la hotel, susținând că „joacă un rol egal, dacă nu dominând cel al imaginilor  ... , creând o calitate în derivă, eterică și oarecum visătoare, care surprinde cu precizie impresiile de disjuncție temporală și spațială ". El indică, de asemenea, utilizarea unor piese „reci și îndepărtate”, cum ar fi „Tommib”, utilizate în secvența extinsă în care Charlotte o observă pe Tokyo în timp ce stătea așezată în fereastra camerei sale de hotel, ca jucând un rol semnificativ în stabilirea sentimentelor de izolare și dezorientare în personaj. . În viziunea lui King, unele secvențe prezintă combinații de muzică și imagini, astfel încât să funcționeze ca " piese set audio-vizuale ", care oferă puncte de atracție distincte în film pentru publicul său țintă.

Eliberare

Marketing

Coppola nu a vândut drepturi de distribuție pentru Statele Unite și Canada până când ea și Flack nu au terminat montajul filmului. În februarie 2003, regizorul a arătat filmul către directori de vârf de la brațul intern al Focus Features, compania căreia îi vânduse deja cea mai mare parte a distribuției externe. Contractul anterior s-a dovedit a fi semnificativ pentru Focus, întrucât a primit acces privilegiat la film, în timp ce cumpărătorii concurenți s-au plâns că sunt restricționați la vizionarea unui trailer de trei minute în birourile Focus de pe piața americană de film . Coppola a oferit inițial drepturile de distribuție internă pentru 5 milioane de dolari, dar a decis să le vândă către Focus pentru 4 milioane de dolari, invocând aprecierea pentru acordurile internaționale pe care compania le-a asigurat pentru film.

Odată ce Focus a fost implicat, a început să promoveze filmul folosind o campanie de marketing convențională „ indie- style”. Strategia a implicat generarea de cuvinte pozitive pentru film cu mult înainte de lansarea sa din septembrie 2003. Distribuitorul a organizat proiecții de presă în prealabil pe tot parcursul verii 2003 și a combinat acest lucru cu o campanie publicitară a revistei. Afișele și trailerele au subliniat prezența recunoscută a lui Murray, evidențiind performanța sa în secvențele comice ale filmului, care au favorizat atracția publicului mai larg. Imediat înainte de lansare, Focus a plasat Lost in Translation în festivaluri de film și a găzduit „proiecții media intime” care includeau panouri de întrebări și răspunsuri cu Coppola și Murray. Multe dintre aceste strategii de marketing au fost concepute pentru a promova filmul la un cost minim, o abatere de la strategiile mai costisitoare utilizate adesea în mainstream-ul de la Hollywood, cum ar fi publicitatea televizată majoră.

Alergare teatrală

Lost in Translation a avut premiera pe 29 august 2003, la Festivalul de Film Telluride din Statele Unite. Două zile mai târziu, a apărut la Festivalul de Film de la Veneția din Italia, iar la 5 septembrie 2003, a fost prezentat la Festivalul Internațional de Film de la Toronto din Canada. A fost deschisă publicului în versiune limitată pe 12 septembrie 2003, la 23 de teatre din marile orașe din Statele Unite, inclusiv New York City, Los Angeles și San Francisco. Filmul a generat deja speculații cu privire la susținerea Oscarului de la proiecțiile anticipate și a fost remarcat pentru deschiderea cu câteva săptămâni mai devreme decât se aștepta pentru un indie care concurează la premii - riscul fiind acela că deschiderea prea devreme ar putea face ca filmul să fie uitat în momentul în care au fost nominalizate pentru premii majore precum Premiile Academiei. Copreședinții Focus Features James Schamus și David Linde au comentat că compania a ales o dată de lansare timpurie pe baza unor factori precum calitatea filmului și campania de marketing timpurie, precum și lipsa de concurență din partea altor filme. Strategia a fost menită să ofere Lost in Translation mai mult timp pentru a comanda piața.

Grafic care arată numărul estimat de teatre în care Lost in Translation a jucat în Statele Unite, Canada și Puerto Rico în 2003-2004. Focus Features și-a extins prezența în teatru în ianuarie, după ce a primit nominalizări la 76 de premii Oscar.

Filmul a încasat 925.000 de dolari în weekendul de deschidere și a fost extins săptămâna următoare de la 23 de teatre la 183 în primele 25 de piețe ale țării. Acolo, a încasat peste 2,62 milioane de dolari în weekend și aproape a plătit bugetul total al filmului. A intrat în lansare pe 3 octombrie, al patrulea weekend, atingând un rang de șapte în topul box office-ului; o săptămână mai târziu, s-a extins la aproximativ 882 de teatre, cel mai mare număr de filme de-a lungul filmului. Lost in Translation a încasat un total estimat de 18,5 milioane de dolari până în 13 octombrie și a fost remarcat de The Hollywood Reporter că a funcționat bine chiar și „pe piețe mai mici și mijlocii în care publicul nu răspunde întotdeauna la acest tip de material de lux ". În urma acestei reprezentații, Lost in Translation a văzut o scădere treptată a prezenței teatrului progresând în noul an, deși a fost extinsă din nou după ce filmul a primit nominalizări la 76 de premii Oscar . Filmul a fost lărgit de la un minim de la sfârșitul lunii decembrie, de 117 teatre, la un număr estimat de 632 la sfârșitul lunii ianuarie, finalizându-și difuzarea în Statele Unite și Canada pe 25 martie și câștigând 44,6 milioane de dolari. Lansarea sa internațională a câștigat 74,1 milioane de dolari, pentru un total mondial de 118,7 milioane de dolari.

Media acasă

DVD-ul Lost in Translation a fost lansat pe 3 februarie 2004 și include scene șterse, un featurette din culise, o conversație despre filmul cu Murray și Coppola și un videoclip muzical pentru „ City Girl ”, unul dintre piese originale compuse pentru film de Kevin Shields. Dorind să profite de publicitatea din jurul Lost in Translation " Prezența lui la Premiile Academiei, Focus Features a făcut mișcare neobișnuită de eliberare a filmului pe suport de acasă în timp ce acesta a fost încă de screening în cinematografe, imediat după nominalizări la Oscar au fost anunțate sale. Strategia a fost văzută ca fiind riscantă, întrucât industria era, în general, îngrijorată de faptul că veniturile din teatru ar putea fi afectate prin lansarea timpurie a videoclipurilor la domiciliu. Lost in Translation a câștigat în cele din urmă aproape 5 milioane de dolari din primele cinci zile de închiriere video și a vândut un milion de exemplare cu amănuntul în prima săptămână de lansare. Rezultatele anticipate au arătat că a fost cel de-al doilea cel mai bine vândut DVD în această perioadă, în timp ce filmul a fost proiectat în 600 de teatre și veniturile la box-office au scăzut cu 19% față de săptămâna precedentă, pe care Variety a descris-o drept „relativ modestă”. Focus a atribuit performanța la un cuvânt pozitiv din gură și a menționat că marketingul filmului pe ambele suporturi este util pentru oricare dintre platformele alese de consumatori. Lost in Translation a fost lansat ulterior pe formatul DVD DVD acum învechit pe 29 mai 2007 și pe Blu-ray pe 7 decembrie 2010.

Recepţie

Răspuns critic

Lost in Translation a primit aprecieri critice pe scară largă, în special pentru performanța lui Murray și pentru regia și scenariul lui Coppola. Pe Rotten Tomatoes , filmul are un rating de aprobare de 95% pe baza a 232 de recenzii, cu un rating mediu de 8,4 / 10. Consensul critic al site-ului spune: „Echilibrând în mod eficient umorul și patetismul subtil, Sofia Coppola elaborează o poveste emoționantă, melancolică, care servește ca o vitrină atât pentru Bill Murray, cât și pentru Scarlett Johansson”. Pe Metacritic , care atribuie o evaluare normalizată recenziilor, filmul are un scor mediu de 89 din 100 bazat pe 44 de recenzii, indicând „apreciere universală”.

Criticii au lăudat pe scară largă performanța lui Murray în rolul lui Bob, lăudându-l pe rolul său mai serios, care a fost combinat cu personajul comic pentru care era deja cunoscut. Scriind pentru Slate , David Edelstein a susținut că a fost „spectacolul lui Bill Murray pe care îl așteptam”, adăugând că „cele două jumătăți ale sale nu s-au reunit niciodată așa cum se întâmplă aici, într-un mod care leagă acea detașare hilară de adânc și sentiment permanent de izolare care trebuie să fi generat-o ". Lisa Schwarzbaum de la Entertainment Weekly a considerat performanța lui Murray ca demnă de Oscar și a apreciat-o drept „cea mai vulnerabilă și mai neîmprospătată” de până acum; ea a lăudat tratarea unui rol mai delicat, precum și improvizațiile sale în secvențele comice ale filmului. Criticul din New York Times , Elvis Mitchell, a avut laude similare, numind Lost in Translation „filmul domnului Murray” și remarcând faptul că actorul „furnizează genul de spectacol care pare atât de complet realizat și fără efort încât poate fi ușor confundat cu faptul că nu acționează deloc ".

Coppola a primit un nivel similar de apreciere pentru scenariu și regie. Kenneth Turan de la Los Angeles Times a comentat că Lost in Translation a fost „tărât și dulce, inconfundabil amuzant și excepțional de bine observat - [ceea ce] marchează  ... Coppola ca un talent matur cu o sensibilitate distinctă și mijloacele de a-l exprima”. O mare parte din laude au fost îndreptate în mod special către atenția ei asupra calităților de subtilitate și atmosferă; David Rooney de la Variety a lăudat filmul ca „o piesă de dispoziție”, adăugând că „echilibrul său abil al umorului și al intensității îl face atât o experiență plăcută, cât și o melancolie”. La fel, critica Salonului , Stephanie Zacharek, l-a lăudat pe Coppola ca pe un „dramaturg stealth”, al cărui stil narativ subevaluat a creat o descriere ingenioasă a emoției; ea a lăudat Lost in Translation ca o poveste intimă care îl marchează pe Coppola ca un regizor de excepție.

Laudă a fost oferită și pentru interpretarea lui Johansson în rolul Charlotte; Rooney a comentat că „oferă o performanță inteligent reținută ca femeie observatoare, interogatoare, cu o viață interioară bogată”, iar Turan a adăugat că Johansson „face ca ceea ce ar fi putut fi o caracterizare excesiv de familiară să devină complet viu”. Lost in Translation a fost listat ca cel mai bun film al anului de peste 235 de critici și a apărut pe alte liste de „cele mai bune” în anii de după lansare. Paste l-a clasat pe locul șapte pe lista sa cu „Cele mai bune 50 de filme din anii 2000”, Entertainment Weekly l-a clasat pe locul nouă pe lista sa din primele zece decenii, iar filmul a fost clasat pe locul 22 pe o listă din 2016 a celor mai bune 100 din BBC. Filme din secolul 21 , bazat pe un sondaj de 177 de critici.

Acuzațiile de rasism

Deși nu este un subiect al majorității recenziilor, Lost in Translation a primit unele acuzații de stereotipuri rasiale orientaliste în descrierea Japoniei. Regizorul E. Koohan Paik a susținut că comedia filmului „are rădăcini în întregime în„ alteritatea ”poporului japonez” și că povestea nu reușește să ofere caracterizări echilibrate ale japonezilor, adăugând că „este  ... șocul responsabilitatea de a le descrie ca ființe umane depline, fie negative, fie pozitive, ceea ce constituie discriminare sau rasism ". În mod similar, artistul Kiku Day a acuzat în The Guardian că „[aici] nu există nicio scenă în care japonezilor să li se ofere o bucată de demnitate. Privitorul este zdrobit să râdă de acești oameni mici, galbeni și de modurile lor amuzante”. Înainte de lansarea filmului în Japonia, distribuitorii locali aveau îngrijorări cu privire la modul în care ar fi primit acolo, iar filmul a fost în cele din urmă criticat în unele recenzii japoneze; printre aceștia, criticul Yoshiro Tsuchiya de la Yomiuri Shimbun a scris că reprezentarea lui Coppola în Japonia era „scandalos de părtinitoare și banală”. Percepțiile despre stereotipuri au dus, de asemenea, la o campanie împotriva filmului de către o organizație asiatică americană care a îndemnat membrii Academiei de Arte și Științe Cinematografice să voteze împotriva acesteia la premiile 76 ale Academiei.

Savantul filmului Homay King susține că, deși filmul face în cele din urmă puțin pentru a contracara stereotipurile orientaliste, nu reușește să stabilească perspectiva din care sunt făcute reprezentările japoneze, scriind că „filmul [nu] clarifică suficient că subiectul său real nu este Tokyo însuși , dar percepțiile occidentale despre Tokyo.  ... Când Japonia apare superficială, erotică necorespunzător sau neinteligibilă, nu suntem niciodată complet siguri dacă această viziune aparține lui Coppola, personajelor ei sau pur și simplu unui imaginar cinematografic hollywoodian ". Mai mult, Geoff King susține că, în timp ce descrieri precum înstrăinarea lui Charlotte de experiențe precum ikebana sunt dovezi că filmul se abține de la „mitologia tradiției japoneze ca sursă de consolare” orientalistă, filmul situează adesea Japonia ca o sursă de „diferență” pentru personaje bazându-se pe glume grosolane și stereotipuri ale japonezilor ca „nebuni” sau „extreme”. Coppola a raportat că este surprins de astfel de critici, spunând: „Cred că dacă totul se bazează pe adevăr, poți să te amuzi, să râzi puțin, dar să fii și respectuos față de o cultură. Îmi place Tokyo și nu sunt rău”.

Recunoașteri

Lost in Translation a primit premii și nominalizări în diferite categorii, în special pentru regia și scenariul lui Coppola, precum și pentru spectacolele lui Murray și Johansson. La cea de-a 76-a ediție a Premiilor Academiei, a câștigat cel mai bun scenariu original (Coppola), iar filmul a primit alte trei nominalizări pentru cel mai bun film , cel mai bun regizor (Coppola) și cel mai bun actor (Murray). Filmul a obținut trei premii Globul de Aur de la cinci nominalizări: Cel mai bun film - Musical sau comedie , Cel mai bun actor - Film muzical sau comedie și Cel mai bun scenariu . La 57th British Academy Film Awards , Lost in Translation a câștigat trei premii: Cel mai bun actor în rol principal , Cea mai bună actriță în rol principal (Johansson) și Cea mai bună montare .

Lost in Translation a primit, de asemenea, premii de la diverse ceremonii de premiere străine, festivaluri de film și organizații de critici. Printre acestea se numără Cel mai bun film american la Premiile Bodil , Cel mai bun film străin la Premiile César și Cel mai bun film străin la Film Critics Circle din Australia , Sindicatul francez al criticilor cinematografici și Deutscher Filmpreis , precum și Nastro d'Argento pentru cel mai bun film Director străin. Filmul a câștigat, de asemenea, Premiul Independent Spirit pentru cel mai bun film , cel mai bun film - comedie sau muzical la Satellite Awards și două premii la Festivalul Internațional de Film de la Veneția . De la organizațiile de critici, Lost in Translation a primit premii la categoria Cel mai bun film de la San Francisco Film Critics Circle , Toronto Film Critics Association și Vancouver Film Critics Circle .

Referințe

Adnotări

Note de subsol

Bibliografie

linkuri externe

• Site oficial
• Lost in Translation la IMDb
• Lost in Translation la AllMovie
• Lost in Translation la Rotten Tomatoes