Melodrama - Melodrama
O melodramă modernă este o operă dramatică în care complotul, de obicei senzaționalizat și pentru un puternic apel emoțional, are prioritate față de caracterizarea detaliată. Melodramele se concentrează de obicei pe un dialog care este adesea bombastic sau excesiv de sentimental, mai degrabă decât pe acțiune. Personajele sunt deseori desenate și pot apărea stereotipate . Melodramele sunt în mod obișnuit stabilite în sfera privată a casei, concentrându-se pe problemele moralei și familiale, dragostea și căsătoria, adesea cu provocări dintr-o sursă externă, cum ar fi o "ispititoare", un ticălos sau un ticălos aristocratic. O melodramă pe scenă, filmată sau la televizor este, de obicei, însoțită de muzică dramatică și sugestivă, care oferă indicii pentru publicul dramei prezentate.
În contextele muzicale științifice și istorice, melodramele sunt drame victoriene în care muzica orchestrală sau cântecul au fost folosite pentru a însoți acțiunea. Termenul se aplică acum și spectacolelor fără muzică accidentală, romane, filme, televiziune și emisiuni radio. În contextele moderne, termenul „melodramă” este în general peiorativ, deoarece sugerează că lucrarea în cauză nu are subtilitate, dezvoltare a caracterului sau ambele. Prin extensie, limbajul sau comportamentul care seamănă cu melodrama este adesea numit melodramatic ; această utilizare este aproape întotdeauna peiorativă.
Etimologie
Termenul provine din cuvântul francez mélodrame de la începutul secolului al XIX-lea . Este derivat din greacă μέλος mélos , „cântec, tulpină” (comparați „melodie”, din μελωδία melōdia , „cântând, cântec”), și franceză drame , drama (din latina târzie drāma , derivând în cele din urmă din greaca clasică δράμα dráma , " complot teatral ", de obicei al unei tragedii grecești).
Caracteristici
Relația dintre melodramă și realism este complexă. Protagoniștii lucrărilor melodramatice pot fi oameni obișnuiți (și, prin urmare, desenați în mod realist) care sunt prinși în evenimente extraordinare sau personaje extrem de exagerate și nerealiste. În ceea ce privește emoțiile sale ridicate și retorica dramatică, melodrama reprezintă o „victorie asupra represiunii”. Melodrama victoriană târzie și cea eduardiană au combinat o concentrare conștientă asupra realismului în decoruri și recuzită cu „antirealism” în caracter și intrigă. În această perioadă, melodrama a căutat „o acuratețe credibilă în descrierea unor scene incredibile, extraordinare”. Romancierul Wilkie Collins este remarcat pentru atenția sa la acuratețea în detaliu (de exemplu, în materie juridică) în lucrările sale, oricât de senzațional ar fi complotul. Melodramele aveau de obicei între 10 și 20.000 de cuvinte.
Melodramele și-au pus cea mai mare atenție asupra victimei. O luptă între alegeri bune și rele , cum ar fi un bărbat care este încurajat să-și părăsească familia de o „ispititoare rea”. Alte personaje de bază sunt „femeia căzută”, mama singură, orfanul și bărbatul care se luptă cu efectele lumii moderne. Melodrama examinează problemele familiale și sociale în contextul unei case private, publicul său destinat fiind spectatorul de sex feminin; în al doilea rând, spectatorul de sex masculin se poate bucura de tensiunile de pe ecran rezolvate de acasă. Melodrama se uită în general la epocile ideale, nostalgice, subliniind „dorurile interzise”.
== Tipuri == idl
Origini
Abordarea melodramă a fost reînviată în drama romantică franceză din secolele al XVIII-lea și al XIX-lea și în romanele sentimentale care erau populare atât în Anglia, cât și în Franța. Aceste drame și romane s-au concentrat pe coduri morale în ceea ce privește viața de familie, dragostea și căsătoria și pot fi văzute ca o reflectare a problemelor ridicate de Revoluția Franceză , revoluția industrială și trecerea la modernizare. Multe melodrame se refereau la o tânără de clasă mijlocie care a experimentat progrese sexuale nedorite de la un ticălos aristocratic, atacul sexual fiind o metaforă a conflictului de clasă. Melodrama reflecta anxietățile revoluției postindustriale ale clasei de mijloc, cărora le era frică atât de brokerii de putere aristocratică, cât și de „gloata” săracă a clasei muncitoare.
În secolul al XVIII-lea, melodrama era o tehnică de combinare a recitării vorbite cu piese scurte de muzică însoțitoare. Muzica și dialogul vorbit se alternau de obicei în astfel de lucrări, deși muzica era uneori folosită și pentru a însoți pantomima .
Cele mai vechi exemple cunoscute sunt scene din piesa școlară latină a lui JE Eberlin Sigismundus (1753). Prima melodramă completă a fost Pygmalion a lui Jean-Jacques Rousseau , al cărui text a fost scris în 1762, dar a fost pus în scenă la Lyon în 1770. Rousseau a compus uvertura și un Andante, dar cea mai mare parte a muzicii a fost compusă de Horace Coignet .
Un alt decor muzical al Pigmalionului lui Rousseau de Anton Schweitzer a fost interpretat la Weimar în 1772, iar Goethe a scris despre aceasta în mod aprobator în Dichtung und Wahrheit . Pigmalion este o monodramă , scrisă pentru un singur actor.
Alte 30 de monodrame au fost produse în Germania în al patrulea sfert al secolului al XVIII-lea. Când erau implicați doi actori, ar putea fi folosit termenul de duodramă . Georg Benda a avut un succes deosebit cu duodramele sale Ariadne Auf Naxos (1775) și Medea (1778). Succesul senzațional al melodramelor lui Benda l-a determinat pe Mozart să folosească două lungi monologuri melodramatice în opera sa Zaide (1780).
Alte exemple mai târzii și mai bine cunoscute ale stilului melodramatic din opere sunt scena groapă din Fidelio (1805) a lui Beethoven și scena descântecului din Der Freischütz de Weber (1821).
După Restaurarea engleză a lui Carol al II-lea în 1660, majorității teatrelor britanice li s-a interzis să joace drame „serioase”, dar li s-a permis să prezinte comedie sau piese de teatru cu muzică. Carol al II-lea a emis scrisori de brevet pentru a permite doar două companii de teatru londoneze să interpreteze dramă „serioasă”. Acestea erau Teatrul Regal, Drury Lane și Terenul de tenis Lisle din Lincoln's Inn Fields , acesta din urmă s-a mutat în Teatrul Regal, Covent Garden în 1720 (acum Opera Regală ). Cele două teatre de brevete au închis în lunile de vară. Pentru a umple golul, Theatre Royal, Haymarket a devenit al treilea teatru de brevete din Londra în 1766.
Alte scrisori de brevet au fost în cele din urmă acordate unui teatru în fiecare dintre celelalte orașe și orașe engleze. Alte teatre au prezentat drame care au fost subliniate cu muzică și, împrumutând termenul francez, l-au numit melodramă pentru a evita această restricție. De Teatrele Act 1843 a permis în cele din urmă toate teatrele de teatru joacă.
Secolul al XIX-lea: operetă, muzică incidentală și divertisment în salon
La începutul secolului al XIX-lea, influența operei a dus la uverturi muzicale și muzică incidentală pentru multe piese. În 1820, Franz Schubert a scris o melodramă, Die Zauberharfe („Harpa magică”), punând muzică în spatele piesei scrise de G. von Hofmann. Nu a avut succes, la fel ca toate proiectele de teatru ale lui Schubert, dar genul melodramei era la acea vreme unul popular. Într-o epocă de muzicieni subplătiți, multe piese din secolul al XIX-lea din Londra aveau o orchestră în groapă. În 1826, Felix Mendelssohn a scris bine - cunoscut Uvertura la opera lui Shakespeare Visul unei nopți de vară , iar mai târziu a furnizat jocul cu muzică accidentale.
În Verdi e La Traviata , Violetta primește o scrisoare de la tatăl lui Alfredo , unde scrie că Alfredo știe acum de ce a despărțit de el și că el o iartă ( «Teneste la promessa ...»). În vocea ei de vorbire, ea intonează cuvintele celor scrise, în timp ce orchestra recapitulează muzica primei lor iubiri din Actul I: aceasta este melodramă tehnică. În câteva clipe, Violetta izbucnește într-o pasionată arie disperată („Addio, del passato”): aceasta este din nou operă.
Într-o manieră similară, victorienii au adăugat adesea „muzică incidentală” sub dialog la o piesă preexistentă, deși acest stil de compoziție era deja practicat în zilele lui Ludwig van Beethoven ( Egmont ) și Franz Schubert ( Rosamunde ). (Acest tip de producție deseori fastuoasă se limitează acum la film (vezi partitura ) datorită costului angajării unei orchestre. Tehnologia modernă de înregistrare produce o anumită renaștere a practicii în teatru, dar nu la scara anterioară.) O versiune deosebit de completă a acestui formular, muzica incidentală a lui Sullivan pentru The Foresters a lui Tennyson , este disponibilă online, completată cu mai multe melodrame, de exemplu, numărul 12 găsit aici. Câteva operete prezintă melodramă în sensul muzicii redate sub dialog vorbit, de exemplu, Ruddigore al lui Gilbert și Sullivan (el însuși o parodie a melodramelor în sens modern) are un scurt „melodrame” (redus la dialog singur în multe producții) în actul al doilea; Jacques Offenbach lui Orfeu în Infern se deschide cu o melodramă dat de caracterul de «Opinia publică»; și alte piese din operetă și muzicale pot fi considerate melodrame, precum „Recit and Minuet” din Gilbert și The Sorcerer al lui Sullivan . Ca un exemplu din muzicalul american, mai multe discursuri lungi în Brigadoon ale lui Lerner și Loewe sunt susținute printr-un acompaniament de muzică evocatoare. Tehnica este , de asemenea , utilizat frecvent în limba spaniolă Zarzuela , atât în secolele 19 și 20, și a continuat , de asemenea , să fie utilizat ca un „efect special“ în operă, de exemplu , Richard Strauss lui Die Frau ohne Schatten .
La Paris, secolul al XIX-lea a cunoscut o înflorire a melodramei în numeroasele teatre care erau amplasate pe popularul bulevard al crimei , în special în Gaîté . Toate acestea s-au încheiat, însă, când majoritatea acestor teatre au fost demolate în timpul reconstruirii Parisului de către baronul Haussmann în 1862.
Până la sfârșitul secolului al XIX-lea, termenul melodramă s-a restrâns aproape exclusiv la un anumit gen de divertisment în salon: cuvinte mai mult sau mai puțin rostite ritmice (adesea poezie) - nu cântate, uneori mai mult sau mai puțin adoptate, cel puțin cu o anumită structură dramatică sau complot - sincronizat cu acompaniamentul muzicii (de obicei pian). A fost privit de la sine ca un gen pentru autori și compozitori de talie mai mică (probabil și de ce practic nu se mai amintesc încă nicio realizare a genului). Probabil și momentul în care conotația supraactivării ieftine a devenit prima dată asociată cu termenul. Ca o narațiune care amestecă genul și muzica de cameră, a fost eclipsată aproape peste noapte de o singură compoziție: Pierrot Lunaire (1912) a lui Schoenberg , în care Sprechgesang a fost folosit în loc de cuvinte rostite ritmic și care a luat o mai liberă și mai imaginativă curs cu privire la prerogativa complotului .
Operă
Marea majoritate a operelor sunt melodrame. Tensiunile emoționale sunt comunicate și amplificate atât de muzica adecvată. Majoritatea comploturilor implică personaje care depășesc sau cedează unor evenimente de război mai mari decât de viață, trădare, dragoste monumentală, crimă, răzbunare, discordie filială sau evenimente grandioase similare. Majoritatea personajelor sunt desenate simplist, cu distincții clare între cele virtuoase și cele rele, iar dezvoltarea caracterului și subtilitatea situațiilor sunt sacrificate. Evenimentele sunt aranjate pentru a se potrivi cel mai bine trăsăturilor personajului pentru a demonstra efectele lor emoționale asupra personajului și a celorlalți.
Predominanța melodramei în lucrările de bel canto ale lui Donizetti, Bellini, și practic toate Verdi și Puccini este clară, cu exemple prea numeroase pentru a fi enumerate. Marea multitudine de eroine care au nevoie să facă față și să depășească situațiile de dragoste imposibile în fața unor circumstanțe grandioase este exemplificată pe larg de Lucia, Norma, Leonora, Tosca, Turandot, Mimi, Cio-Cio-San, Violetta, Gilda și mulți alții. .
ceh
În contextul renașterii naționale cehe , melodrama a luat un înțeles specific naționalist pentru artiștii cehi, începând aproximativ în anii 1870 și continuând prin Prima Republică Cehoslovacă din perioada interbelică. Această nouă înțelegere a melodramei a provenit în primul rând de la erudiți și critici din secolul al XIX-lea ca Otakar Hostinský , care considera genul o contribuție unică „cehă” la istoria muzicii (bazată pe originile naționale ale lui Georg Benda , ale căror melodrame fuseseră totuși in germana). Astfel de sentimente au provocat un număr mare de compozitori cehi să producă melodrame bazate pe poezie romantică cehă, cum ar fi Kytice de Karel Jaromír Erben .
Compozitorul romantic Zdeněk Fibich a susținut în special genul ca mijloc de a stabili corect declamația cehă: melodramele sale Štědrý den (1874) și Vodník (1883) folosesc durate ritmice pentru a specifica alinierea cuvântului vorbit și a acompaniamentului. Principala realizare a lui Fibich a fost Hippodamie (1888–1891), o trilogie de melodrame puse în scenă întreaga seară pe textele lui Jaroslav Vrchlický cu mai mulți actori și orchestră, compuse într-un stil muzical wagnerian avansat. Principalele contribuții ale lui Josef Suk la începutul secolului includ melodrame pentru piese de teatru în două etape ale lui Julius Zeyer : Radúz a Mahulena (1898) și Pod Jabloní (1901), ambele având o lungă istorie a spectacolului.
Urmând exemplele lui Fibich și Suk, mulți alți compozitori cehi au setat melodrame ca lucrări independente bazate pe poezia Renașterii Naționale, printre care Karel Kovařovic , Otakar Ostrčil , Ladislav Vycpálek , Otakar Jeremiáš , Emil Axman și Jan Zelinka. Vítězslav Novák a inclus porțiuni de melodramă în opera sa Lucerna din 1923 , iar Jaroslav Ježek a compus scene-cheie pentru piesele de teatru din Osvobozené divadlo ca melodramă (mai ales prologul de deschidere al farsei antifasciste Osel a stín (1933), livrat de personaj al lui Dionis în ritm bolero ). Practica melodramelor cehe s-a diminuat după Protectoratul nazist .
Victoriană
Victorian scenă melodrama prezentate șase personaje stoc : erou, personaj negativ, eroina, un părinte în vârstă, un Sidekick, și un slujitor al părintelui în vârstă angajat într - un complot senzațional oferind teme de dragoste și de crimă. De multe ori eroul cel bun, dar nu foarte inteligent, este înșelat de un ticălos înșelător, care are ochii asupra fetei aflată în primejdie până când soarta intervine la final pentru a asigura triumful binelui asupra răului. Două trăsături centrale au fost lovitura de teatru, sau inversarea averii, și clapeta: o rugăciune înapoi a zidului de către erou care obligă publicul să aplaude.
Melodrama engleză a evoluat din tradiția dramei populiste stabilite în Evul Mediu prin piese de mister și moralitate , sub influențe din comedia italiană dell'arte , precum și din drama germană Sturm und Drang și melodrama pariziană din perioada postrevoluționară. Un notabil melodramator francez a fost Pixérécourt a cărui La Femme à deux maris a fost foarte populară.
Prima piesă engleză care a fost numită melodramă sau „melodrame” a fost A Tale of Mystery (1802) de Thomas Holcroft . Acesta a fost un exemplu al genului gotic , al cărui exemplu teatral anterior a fost The Castle Spectre (1797) de Matthew Gregory Lewis . Alte melodrame gotice includ The Miller and his Men (1813) de Isaac Pocock , The Woodsman's Hut (1814) de Samuel Arnold și The Broken Sword (1816) de William Dimond .
Suplimentând goticul, următorul subgen popular a fost melodrama nautică, inițiată de Douglas Jerrold în Black-Eyed Susan (1829). Alte melodrame nautice au inclus Jinyold's Mutiny at the Nore (1830) și The Red Rover (1829) de Edward Fitzball (Rowell 1953). Melodramele bazate pe situații urbane au devenit populare la mijlocul secolului al XIX-lea, inclusiv The Streets of London (1864) de Dion Boucicault ; și Lost in London (1867) de Watts Phillips, în timp ce au apărut și melodrama închisorii, melodrama temperantă și melodrama imperialistă - aceasta din urmă prezentând în mod tipic cele trei categorii ale nativului „bun”, nativului curajos, dar rău și nativului perfid.
Cele romane senzație de anii 1860 și 1870. furnizate nu numai material fertil pentru adaptări melodramatice , dar sunt melodramatice în dreptul lor. Un exemplu notabil al acestui gen este Secretul Lady Audley de Elizabeth Braddon adaptat, în două versiuni diferite, de George Roberts și CH Hazlewood. Romanele lui Wilkie Collins au caracteristicile melodramei, cea mai cunoscută lucrare a sa The Woman in White fiind considerată de unii critici moderni ca „cea mai strălucită melodramă a perioadei”.
Ticălosul este adesea personajul central în melodramă, iar criminalitatea era o temă preferată. Aceasta a inclus dramatizări ale carierelor ucigașe ale lui Burke și Hare , Sweeney Todd (prezentat pentru prima dată în The String of Pearls (1847) de George Dibdin Pitt ), asasinarea Mariei Marten în Grădina Roșie și exploatările bizare ale lui Spring Heeled Jack . Nenorocirile unui prizonier externat sunt tema senzaționalului The Ticket-of-Leave Man (1863) de Tom Taylor .
Filmele mute timpurii, precum Pericolele lui Pauline, aveau teme similare. Mai târziu, după ce filmele mute au fost înlocuite de „talkies”, actorul de scenă Tod Slaughter , la vârsta de 50 de ani, a transferat pe ecran melodramele victoriene în care interpretase un ticălos în cariera sa teatrală anterioară. Aceste filme, care includ Maria Marten sau Murder in the Red Barn (1935), Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (1936) și The Ticket of Leave Man (1937) sunt o înregistrare unică a unei forme de artă trecute.
Ramuri generice
- Northrop Frye a văzut atât publicitatea, cât și propaganda ca forme melodramatice pe care cultivatul nu le poate lua în serios.
- Politica de atunci apelează la melodramă pentru a articula o viziune asupra lumii. Astfel, Richard Overy susține că Marea Britanie din anii 1930 a văzut civilizația ca fiind amenințată melodramatic - „În această mare melodramă Germania lui Hitler era ticălosul; civilizația democratică eroina amenințată”; - în timp ce Winston Churchill a oferit eroul melodramatic necesar pentru a articula rezistența înapoi la perete în timpul Blitz-ului .
Modern
Melodrama clasică este mai puțin frecventă decât era la televizor și în filmele din lumea occidentală. Cu toate acestea, este încă foarte popular în alte regiuni, în special în Asia și în țările hispanice. Melodrama este unul dintre principalele genuri (alături de romantism, comedie și fantezie) utilizate în dramele de televiziune din America Latină (telenovele), în special în Venezuela , Mexic , Columbia , Argentina și Brazilia și în dramele de televiziune asiatice, în special în Coreea de Sud , Japonia , Taiwan , China , Pakistan , Thailanda , India , Turcia și (într-o fuziune a culturilor hispanice și asiatice) Filipine . Comunitățile expatriate din diaspora acestor țări oferă spectatorilor o piață globală.
Film
Filmele cu melodramă sunt un subgen de filme dramatice caracterizate printr-un complot care face apel la emoțiile sporite ale publicului . În general, acestea depind de dezvoltarea caracterului stereotip , interacțiune și teme extrem de emoționale. Filmele melodramatice tind să folosească comploturi care tratează adesea crize de emoție umană, romantism eșuat sau prietenie , situații familiale tensionate, tragedie , boli , nevroze sau dificultăți emoționale și fizice . Victimelor, cuplurilor, personajelor virtuoase și eroice sau protagoniștilor suferinți (de obicei eroine ) din melodrame li se prezintă presiuni sociale extraordinare, amenințări, represiuni, frici, evenimente improbabile sau dificultăți cu prietenii, comunitatea , munca , iubitorii sau familia. Formatul melodramatic permite personajului să treacă peste dificultățile lor sau să depășească problemele cu rezistență hotărâtă , acte de sacrificiu și vitejie statornică .
Criticii de film folosesc uneori termenul peiorativ sa denote un nerealiste, patos-umplut, campy poveste de dragoste sau de situații interne cu caractere stereotipe ( de multe ori inclusiv un personaj central feminin) , care ar face apel direct la publicul feminin.“Melodrame se concentreze pe problemele de familie și teme ale datoriei și iubirii. Pe măsură ce melodramele subliniază unitatea familială, femeile sunt de obicei descrise într-un rol tradițional subordonat. Femeia este prezentată în fața sacrificiului de sine și a reprimării. În melodrame, bărbații sunt arătați în mediul casnic stereotip de femeie ca atare, pentru a rezolva provocările prezentate de poveste, bărbatul trebuie să învețe să negocieze acest spațiu „feminin”. Deoarece bărbații care învață să opereze în sfera internă par „mai puțin masculini ... și mai feminizați”, acest lucru face ca melodramele atrăgătoare pentru spectatorii de sex feminin. Melodramele își pun atenția asupra unui personaj de victimă.
Deoarece melodramele sunt amplasate în casă și într-un oraș mic, poate fi o provocare pentru cineast să creeze un sentiment de acțiune, având în vedere că totul are loc într-o sferă claustrofobă; o modalitate de a adăuga în mai multe locații este prin flashback-uri în trecut. Sentimentul de a fi prins adesea provoacă provocări pentru copii, adolescenți și personaje feminine. Sentimentul de a fi prins duce la obsesii cu obiecte de neobținut sau cu alte persoane, precum și cu agresivitate interioară sau „agresivitate prin proxy”. Feministele au remarcat patru categorii de teme: cele cu o femeie pacientă, o figură maternă, o „iubire imposibilă” și melodrama paranoică.
Majoritatea melodramelor de film din anii 1930 și 1940, cunoscute sub numele de „plânsuri” sau „lacrimi”, au fost adaptări ale ficțiunii feminine, precum romanele de dragoste și romanțele istorice. Melodramele se concentrează pe subiectivitatea și perspectiva femeilor și pe dorința feminină; cu toate acestea, datorită Codului Hays , această dorință nu a putut fi afișată în mod explicit pe ecran din anii 1930 până la sfârșitul anilor 1960, astfel încât dorința feminină este dezerotizată.
În anii 1940, melodramele britanice Gainsborough au avut succes cu publicul. Un regizor al filmelor melodramice din anii 1950 a fost Douglas Sirk, care a lucrat cu Rock Hudson la Written on the Wind și All That Heaven Allows , ambele elemente de bază ale genului. Melodrame precum filmele TV Moment of Truth din anii 1990 au vizat publicul femeilor americane, prezentând efectele alcoolismului , violenței domestice , violului și altele asemenea. Tipic genului este filmul Anjelica Huston din 1999 Agnes Browne . În anii 1970, Rainer Werner Fassbinder , care a fost foarte influențat de Sirk, a contribuit la gen prin angajarea cu clasa în The Merchant of Four Seasons (1971) și Mother Küsters Goes to Heaven (1975), cu orientare sexuală și codependență în The Lacrimi amare ale lui Petra von Kant (1972) și cu rasism, xenofobie și ageism în Fear Eats the Soul (1974). Mai recent, Todd Haynes a reînnoit genul cu filmul său din 2002 Far from Heaven .