Modernismul - Modernism

Pablo Picasso , Les Demoiselles d'Avignon (1907). Această lucrare proto-cubistă este considerată o influență fundamentală asupra tendințelor ulterioare ale picturii moderniste.

Modernismul este atât o mișcare filozofică, cât și o mișcare de artă care a apărut în urma transformărilor largi ale societății occidentale la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. Mișcarea a reflectat dorința de a crea noi forme de artă, filozofie și organizare socială care să reflecte lumea industrială nou-apărată , inclusiv caracteristici precum urbanizarea , noile tehnologii și războiul. Artiștii au încercat să se îndepărteze de formele tradiționale de artă, pe care le considerau învechite sau învechite. Injoncțiunea poetului Ezra Pound din 1934 de „Make it New” a fost piatra de încercare a abordării mișcării.

Inovațiile moderniste au inclus arta abstractă , romanul fluxului de conștiință , cinematografia de montaj , muzică atonală și în doisprezece tonuri și pictura divizionistă . Modernismul a respins în mod explicit ideologia realismului și a folosit lucrările trecutului prin folosirea repetării , încorporarii , rescrierea, recapitularea , revizuirea și parodia . Modernismul a respins de asemenea certitudinea gândirii iluministe , iar mulți moderniști au respins și credința religioasă. O caracteristică notabilă a modernismului este conștiința de sine în ceea ce privește tradițiile artistice și sociale, care a condus adesea la experimentarea formei, împreună cu utilizarea tehnicilor care au atras atenția asupra proceselor și materialelor utilizate în crearea operelor de artă.

În timp ce unii oameni de știință văd că modernismul continuă în secolul 21, alții îl văd evoluând în modernism târziu sau modernism înalt . Postmodernismul este o abatere de la modernism și respinge presupunerile sale de bază.

Definiție

Unii comentatori definesc modernismul ca pe un mod de gândire – una sau mai multe caracteristici definite filozofic, cum ar fi conștiința de sine sau auto-referința, care traversează toate noutățile din arte și discipline. Mai des întâlniți, mai ales în Occident, sunt cei care o văd ca pe o tendință de gândire social progresistă care afirmă puterea ființelor umane de a crea, îmbunătăți și remodela mediul lor cu ajutorul experimentelor practice, cunoștințelor științifice sau tehnologiei. Din această perspectivă, modernismul a încurajat reexaminarea fiecărui aspect al existenței, de la comerț la filozofie, cu scopul de a găsi ceea ce „frena” progresul și de a-l înlocui cu noi modalități de a ajunge la același scop.

Potrivit lui Roger Griffin , modernismul poate fi definit ca o amplă inițiativă culturală, socială sau politică, susținută de etosul „temporalității noului”. Modernismul a căutat să restaureze, scrie Griffin, „un sentiment de ordine și scop sublim lumii contemporane, contracarând astfel eroziunea (percepută) a unui „ nomos ” sau „baldachin sacru”, sub impactul fragmentar și secularizator al modernității. " Prin urmare, fenomene aparent fără legătură între ele precum „ Expresionismul , Futurismul , vitalismul , Teosofia , psihanaliza , nudismul, eugenia , urbanismul și arhitectura utopică , dansul modern , bolșevismul , naționalismul organic – și chiar cultul sacrificiului de sine care a susținut hecatomb al Primului Război Mondial – dezvăluie o cauză comună și o matrice psihologică în lupta împotriva decadenței (percepute). Toate întruchipează tentative de a accesa o „experiență supra-personală a realității”, în care indivizii credeau că își pot transcende propria mortalitate și, în cele din urmă, au încetat să mai fie victime ale istoriei pentru a deveni creatorii ei.

Istoria timpurie

Originile

Potrivit unui critic, modernismul s-a dezvoltat din revolta romantismului împotriva efectelor revoluției industriale și a valorilor burgheze : „Motivul fundamental al modernismului, afirmă Graff , a fost critica ordinii sociale burgheze din secolul al XIX-lea și viziunea sa asupra lumii [. ..] moderniştii, purtând torţa romantismului”. În timp ce JMW Turner (1775–1851), unul dintre cei mai mari pictori peisagişti ai secolului al XIX-lea, a fost membru al mişcării romantice , ca „un pionier în studiul luminii, culorii şi atmosferei”, el „a anticipat impresioniştii francezi . „și, prin urmare, modernismul „în descompunerea formulelor convenționale de reprezentare; [deși] spre deosebire de acestea, el credea că lucrările sale ar trebui să exprime întotdeauna teme istorice, mitologice, literare sau alte narative semnificative”.

Un portret realist al lui Otto von Bismarck . Moderniştii au respins realismul.

Tendințele dominante ale Angliei industriale victoriane li s-au opus, începând cu anul 1850, poeții și pictorii englezi care constituiau Frăția Prerafaelită , din cauza „opoziției lor față de priceperea tehnică fără inspirație”. Ei au fost influențați de scrierile criticului de artă John Ruskin (1819–1900), care avea sentimente puternice cu privire la rolul artei în a ajuta la îmbunătățirea vieții claselor muncitoare urbane, în orașele industriale în expansiune rapidă din Marea Britanie. Criticul de artă Clement Greenberg descrie Frăția Prerafaelită drept proto-moderniști: „Acolo, proto-moderniștii erau, dintre toți oamenii, pre-rafaeliții (și chiar înaintea lor, ca proto-proto-moderniști, nazarinenii germani ). Prerafaeliții l-au prefigurat de fapt pe Manet (1832–1883), cu care pictura modernistă începe cu siguranță. Ei au acționat pe baza unei nemulțumiri față de pictura așa cum se practica la vremea lor, susținând că realismul ei nu era suficient de veridic.” Raționalismul a avut oponenți și în filozofii Søren Kierkegaard (1813–55) și mai târziu Friedrich Nietzsche (1844–1900), ambii având o influență semnificativă asupra existențialismului și nihilismului .

Cu toate acestea, revoluția industrială a continuat. Inovațiile influente au inclus industrializarea alimentată cu abur și în special dezvoltarea căilor ferate, începând din Marea Britanie în anii 1830, și progresele ulterioare în fizică, inginerie și arhitectură asociate cu aceasta. O realizare majoră a ingineriei din secolul al XIX-lea a fost Palatul de Cristal, uriașa sală de expoziții din fontă și sticlă, construită pentru Marea Expoziție din 1851 din Londra. Sticla și fierul au fost folosite într-un stil monumental similar în construcția marilor terminale feroviare din Londra , cum ar fi Gara Paddington (1854) și Gara King's Cross (1852). Aceste progrese tehnologice au condus la construirea unor structuri ulterioare precum Podul Brooklyn (1883) și Turnul Eiffel (1889). Acesta din urmă a încălcat toate limitările anterioare privind cât de înalte ar putea fi obiectele create de om. Aceste minuni inginerești au modificat radical mediul urban din secolul al XIX-lea și viața de zi cu zi a oamenilor. Experiența umană a timpului în sine a fost modificată, odată cu dezvoltarea telegrafului electric din 1837 și cu adoptarea orei standard de către companiile feroviare britanice din 1845 și în restul lumii în următorii cincizeci de ani.

În ciuda progreselor tehnologice continue, ideea că istoria și civilizația au fost în mod inerent progresive și că progresul a fost întotdeauna bun, a fost atacată din ce în ce mai mult în secolul al XIX-lea. Au apărut argumente că valorile artistului și cele ale societății nu erau doar diferite, ci că societatea era antitetică cu Progresul și nu putea avansa în forma sa actuală. La începutul secolului, filozoful Schopenhauer (1788–1860) ( The World as Will and Representation , 1819) a pus sub semnul întrebării optimismul anterior, iar ideile sale au avut o influență importantă asupra gânditorilor de mai târziu, inclusiv asupra lui Nietzsche. Doi dintre cei mai importanți gânditori ai mijlocului secolului al XIX-lea au fost biologul Charles Darwin (1809–1882), autorul cărții On the Origin of Species by Means of Natural Selection (1859) și politologul Karl Marx (1818–1883), autor al cărții Das Capital (1867). Teoria lui Darwin a evoluției prin selecție naturală a subminat certitudinea religioasă și ideea unicității umane. În special, ideea că ființele umane sunt conduse de aceleași impulsuri ca „animalele inferioare” s-a dovedit a fi greu de împăcat cu ideea unei spiritualități înnobile. Karl Marx a susținut că există contradicții fundamentale în cadrul sistemului capitalist și că muncitorii nu erau liberi.

Odilon Redon , Guardian Spirit of the Waters , 1878, cărbune pe hârtie, Institutul de Artă din Chicago

Începuturile la sfârșitul secolului al XIX-lea

Istoricii și scriitorii din diferite discipline au sugerat diferite date ca puncte de plecare pentru modernism. Istoricul William Everdell , de exemplu, a susținut că modernismul a început în anii 1870, când continuitatea metaforică (sau ontologică ) a început să cedeze în fața discretului, cu taierea Dedekind a matematicianului Richard Dedekind (1831–1916) și a lui Ludwig Boltzmann (1844). –1906) termodinamică statistică . Everdell crede, de asemenea, că modernismul în pictură a început în 1885–1886 cu Divizionismul lui Seurat , „punctele” folosite pentru a picta O duminică după-amiază pe insula La Grande Jatte . Pe de altă parte, criticul de artă vizuală Clement Greenberg l-a numit pe Immanuel Kant (1724–1804) „primul modernist adevărat”, deși el a mai scris: „Ceea ce poate fi numit în siguranță modernism a apărut la mijlocul secolului trecut – și mai degrabă la nivel local, în Franța, cu Baudelaire în literatură și Manet în pictură, și poate și cu Flaubert , în proză ficțiune. (Un timp mai târziu, și nu atât la nivel local, a apărut modernismul în muzică și arhitectură ). Les Fleurs du mal ( Florile răului) al poetului Baudelaire și romanul lui Flaubert Madame Bovary au fost ambele publicate în 1857.

În arte și litere, două abordări importante s-au dezvoltat separat în Franța, începând cu anii 1860. Primul a fost impresionismul , o școală de pictură care sa concentrat inițial pe munca efectuată, nu în studiouri, ci în aer liber ( en plein air ). Picturile impresioniste au demonstrat că ființele umane nu văd obiecte, ci văd lumina însăși. Școala a adunat adepți în ciuda diviziunilor interne dintre practicanții săi de frunte și a devenit din ce în ce mai influentă. Respinși inițial de la cel mai important spectacol comercial al vremii, Salonul de la Paris , sponsorizat de guvern , impresioniștii au organizat anual expoziții de grup în spații comerciale în anii 1870 și 1880, calendarându-le să coincidă cu Salonul oficial. Un eveniment semnificativ din 1863 a fost Salon des Refusés , creat de împăratul Napoleon al III-lea pentru a expune toate picturile respinse de Salonul de la Paris. În timp ce majoritatea erau în stiluri standard, dar de artiști inferiori, opera lui Manet a atras o atenție extraordinară și a deschis porți comerciale mișcării. A doua școală franceză a fost simbolismul , pe care istoricii literari o văd începând cu Charles Baudelaire (1821–1867) și incluzând poeții de mai târziu, Arthur Rimbaud (1854–1891) Une Saison en Enfer ( A Season in Hell , 1873), Paul Verlaine ( 1844–1896), Stéphane Mallarmé (1842–1898) și Paul Valéry (1871–1945). Simboliștii „au subliniat prioritatea sugestiei și evocării față de descrierea directă și analogia explicită” și au fost interesați în special de „proprietățile muzicale ale limbajului”.

Cabaretul , care a dat naștere atât de multe dintre artele modernismului, inclusiv precursorii imediati ai filmului, se poate spune că a început în Franța în 1881 odată cu deschiderea Pisicii Negre la Montmartre , începutul monologului ironic și înființarea Societății de Arte Incoerente.

Henri Matisse , Le bonheur de vivre , 1905–06, Fundația Barnes , Merion, PA . O capodopera fauvista timpurie .

Influente în primele zile ale modernismului au fost teoriile lui Sigmund Freud (1856–1939). Prima lucrare majoră a lui Freud a fost Studii asupra isteriei (cu Josef Breuer , 1895). Esențial pentru gândirea lui Freud este ideea „a primatului minții inconștiente în viața mentală”, astfel că toată realitatea subiectivă se baza pe jocul pulsiunilor și instinctelor de bază, prin care era percepută lumea exterioară. Descrierea de către Freud a stărilor subiective a implicat o minte inconștientă plină de impulsuri primare și contrabalansarea restricțiilor autoimpuse derivate din valorile sociale.

Henri Matisse , Dansul , 1910, Muzeul Ermitaj , Sankt Petersburg , Rusia. La începutul secolului al XX-lea, Henri Matisse și alți câțiva artiști tineri, inclusiv precubistul Georges Braque , André Derain , Raoul Dufy și Maurice de Vlaminck , au revoluționat lumea artei pariziene cu peisaje și picturi cu figuri „sălbatice”, multicolore, expresive. pe care criticii l-au numit fauvism . A doua versiune a lui Henri Matisse a Dansului semnifică un punct cheie în cariera sa și în dezvoltarea picturii moderne.

Friedrich Nietzsche (1844–1900) a fost un alt precursor major al modernismului, cu o filozofie în care pulsiunile psihologice, în special „ voința de putere ” ( Wille zur Macht ), erau de o importanță centrală: „Nietzsche identifica adesea viața însăși cu „voința de a putere', adică cu instinct de creștere și durabilitate”. Henri Bergson (1859–1941), pe de altă parte, a subliniat diferența dintre timpul științific, de ceas și experiența directă, subiectivă, umană a timpului. Lucrarea sa despre timp și conștiință „a avut o mare influență asupra romancierilor din secolul al XX-lea”, în special asupra acelor moderniști care au folosit tehnica fluxului de conștiință , precum Dorothy Richardson , James Joyce și Virginia Woolf (1882–1941). De asemenea, importantă în filosofia lui Bergson a fost și ideea de elan vital , forța vieții, care „aduce la evoluția creativă a tuturor”. Filosofia sa a pus, de asemenea, o mare valoare intuiției , deși fără a respinge importanța intelectului.

Precursori literari importanți ai modernismului au fost Fiodor Dostoievski (1821–1881), care a scris romanele Crimă și pedeapsă (1866) și Frații Karamazov (1880); Walt Whitman (1819–1892), care a publicat colecția de poezii Leaves of Grass (1855–1891); și August Strindberg (1849–1912), în special piesele sale ulterioare, inclusiv trilogia To Damascus 1898–1901, A Dream Play (1902) și The Ghost Sonata (1907). Henry James a fost, de asemenea, sugerat ca un precursor semnificativ, într-o lucrare încă din „Portretul unei doamne” (1881).

Din ciocnirea idealurilor derivate din romantism și din încercarea de a găsi o modalitate prin care cunoașterea să explice ceea ce era încă necunoscut, a apărut primul val de lucrări în primul deceniu al secolului al XX-lea, care, în timp ce autorii lor le considerau. extensii ale tendințelor existente în artă, a rupt contractul implicit cu publicul larg conform căruia artiștii erau interpreții și reprezentanții culturii și ideilor burgheze. Aceste repere „moderniste” includ sfârșitul atonal al celui de -al doilea cvartet de coarde al lui Arnold Schoenberg în 1908, picturile expresioniste ale lui Wassily Kandinsky începând cu 1903 și culminând cu prima sa pictură abstractă și înființarea grupului Blue Rider la Munchen în 1911, și ascensiunea fauvismului și invențiile cubismului din atelierele lui Henri Matisse , Pablo Picasso , Georges Braque și alții, în anii dintre 1900 și 1910.

Perioada principală

Frank Lloyd Wright , Fallingwater , Mill Run , Pennsylvania (1937). Fallingwater a fost una dintre cele mai faimoase reședințe private ale lui Wright (terminată în 1937).

Începutul secolului al XX-lea până în 1930

Palais Stoclet (1905-1911) de arhitectul modernist Josef Hoffmann
Pablo Picasso, Portretul lui Daniel-Henry Kahnweiler , 1910, Institutul de Artă din Chicago

Un aspect important al modernismului este modul în care se leagă de tradiție prin adoptarea de tehnici precum reluarea, încorporarea, rescrierea, recapitularea, revizuirea și parodia în forme noi.

Piet Mondrian , Vedere de la dune cu plajă și chei, Domburg, 1909, ulei și creion pe carton, Muzeul de Artă Modernă, New York City
Muzeul Nacional Centro de Arte Reina Sofia (MNCARS) este muzeul național de artă din secolul al XX-lea din Spania, situat în Madrid . Fotografia prezintă clădirea veche cu adăugarea unuia dintre turnurile de sticlă contemporane la exterior de către Ian Ritchie Architects cu un prim-plan al turnului de artă modernă.

TS Eliot a făcut comentarii semnificative cu privire la relația artistului cu tradiția, inclusiv: „Vom descoperi adesea că nu numai cele mai bune, ci și cele mai individuale părți ale operei [un poet] pot fi acelea în care poeții morți. , strămoșii săi, își afirmă cu cea mai mare putere nemurirea.” Totuși, relația modernismului cu tradiția a fost complexă, așa cum arată cărturarul Peter Childs: „Au existat tendințe paradoxale, dacă nu opuse, către poziții revoluționare și reacționare, frică de nou și încântare la dispariția vechiului, nihilism și entuziasm fanatic, creativitate și disperare.”

Un exemplu al modului în care arta modernistă poate fi atât revoluționară, cât și totuși legată de tradiția trecută, este muzica compozitorului Arnold Schoenberg . Pe de o parte, Schoenberg a respins armonia tonală tradițională , sistemul ierarhic de organizare a operelor muzicale care a ghidat producția muzicală timp de cel puțin un secol și jumătate. El credea că a descoperit un mod cu totul nou de organizare a sunetului, bazat pe utilizarea rândurilor de douăsprezece note . Totuși, deși acest lucru a fost într-adevăr cu totul nou, originile sale pot fi urmărite în lucrările unor compozitori anteriori, precum Franz Liszt , Richard Wagner , Gustav Mahler , Richard Strauss și Max Reger . Schoenberg a scris și muzică tonală de-a lungul carierei sale.

În lumea artei, în primul deceniu al secolului XX, pictori tineri precum Pablo Picasso și Henri Matisse au provocat un șoc prin respingerea perspectivei tradiționale ca mijloc de structurare a picturilor, deși impresionistul Monet fusese deja inovator în utilizarea lui a perspectivei. În 1907, în timp ce Picasso picta Les Demoiselles d'Avignon , Oskar Kokoschka scria Mörder, Hoffnung der Frauen ( Ucigașul, speranța femeilor ), prima piesă expresionistă (produsă cu scandal în 1909), iar Arnold Schoenberg compunea cvartetul său de coarde. Nr.2 în fa dies minor (1908), prima sa compoziție fără centru tonal.

O influență principală care a condus la cubism a fost reprezentarea formei tridimensionale în lucrările târzii ale lui Paul Cézanne , care au fost expuse într-o retrospectivă la Salon d'Automne din 1907 . În opera de artă cubistă, obiectele sunt analizate, rupte și reasamblate într-o formă abstractă; în loc să înfățișeze obiecte dintr-un singur punct de vedere, artistul înfățișează subiectul dintr-o multitudine de puncte de vedere pentru a reprezenta subiectul într-un context mai mare. Cubismul a fost adus în atenția publicului larg pentru prima dată în 1911 la Salon des Indépendants din Paris (desfășurat în perioada 21 aprilie – 13 iunie). Jean Metzinger , Albert Gleizes , Henri Le Fauconnier , Robert Delaunay , Fernand Léger și Roger de La Fresnaye au fost prezentați împreună în camera 41, provocând un „scandal” din care cubismul a apărut și s-a răspândit în Paris și nu numai. Tot în 1911, Kandinsky a pictat Bild mit Kreis ( Imagine cu un cerc ), pe care l-a numit mai târziu primul tablou abstract. În 1912, Metzinger și Gleizes au scris primul (și singurul) manifest major cubist, Du "Cubisme" , publicat la timp pentru Salon de la Section d'Or , cea mai mare expoziție cubistă de până acum. În 1912, Metzinger a pictat și a expus încântătoarele sale La Femme au Cheval (Femeie cu cal) și Danseuse au Café ( Dansator într-o cafenea ) . Albert Gleizes a pictat și a expus Les Baigneuses (Scăldatorii) și monumentalul său Le Dépiquage des Moissons (Terierea recoltei ) . Această lucrare, împreună cu La Ville de Paris ( Orașul Parisului ) de Robert Delaunay , a fost cea mai mare și mai ambițioasă pictură cubistă întreprinsă în perioada cubistă de dinainte de război.

În 1905, un grup de patru artiști germani, condus de Ernst Ludwig Kirchner , au format Die Brücke (Podul) în orașul Dresda . Aceasta a fost, probabil, organizația fondatoare a mișcării expresioniste germane , deși nu au folosit cuvântul în sine. Câțiva ani mai târziu, în 1911, un grup de tineri artiști cu gânduri asemănătoare au format Der Blaue Reiter (Călărețul albastru) la München. Numele provine de la pictura Der Blaue Reiter a lui Wassily Kandinsky din 1903. Printre membrii lor s-au numărat Kandinsky, Franz Marc , Paul Klee și August Macke . Cu toate acestea, termenul de „expresionism” nu s-a consolidat ferm până în 1913. Deși inițial o mișcare artistică în principal germană, cea mai predominantă în pictură, poezie și teatru între 1910 și 1930, cei mai mulți precursori ai mișcării nu au fost germani. Mai mult, au existat scriitori expresioniști de proză ficțiune, precum și scriitori expresioniști nevorbitori de germană și, în timp ce mișcarea declinase în Germania odată cu ascensiunea lui Adolf Hitler în anii 1930, au existat lucrări expresioniste ulterioare.

Portretul lui Eduard Kosmack (1910) de Egon Schiele
Le Corbusier , Vila Savoye din Poissy (1928–1931)

Expresionismul este notoriu dificil de definit, în parte pentru că „s-a suprapus cu alte „isme” majore ale perioadei moderniste: cu futurism , vorticism , cubism , suprarealism și dada ”. Richard Murphy comentează, de asemenea: „căutarea unei definiții atotcuprinzătoare este problematică în măsura în care cei mai provocatori expresioniști”, precum romancierul Franz Kafka , poetul Gottfried Benn și romancierul Alfred Döblin au fost simultan cei mai râvniți antiexpresionişti. Ceea ce se poate spune, totuși, este că a fost o mișcare care s-a dezvoltat la începutul secolului al XX-lea mai ales în Germania ca reacție la efectul dezumanizant al industrializării și al creșterii orașelor și că „unul dintre mijloacele centrale prin care expresionismul identifică ea însăși ca mișcare de avangardă și prin care își marchează distanța față de tradiții și de instituția culturală în ansamblu este prin relația sa cu realismul și convențiile dominante ale reprezentării.” Mai explicit: că expresioniştii au respins ideologia realismului. A existat o mișcare expresionistă concentrată în teatrul german de la începutul secolului al XX-lea, dintre care Georg Kaiser și Ernst Toller au fost cei mai faimoși dramaturgi. Alți dramaturgi expresioniști de seamă au fost Reinhard Sorge , Walter Hasenclever , Hans Henny Jahnn și Arnolt Bronnen . Au privit înapoi la dramaturgul suedez August Strindberg și la actorul și dramaturgul german Frank Wedekind ca precursori ai experimentelor lor dramaturgice . Ucigașul, speranța femeilor de Oskar Kokoschka a fost prima operă complet expresionistă pentru teatru, care a fost deschisă la 4 iulie 1909 la Viena . Simplificarea extremă a personajelor la tipuri mitice , efectele corale, dialogul declamator și intensitatea sporită ar deveni caracteristice pieselor expresioniste de mai târziu. Prima piesă expresionistă de lungă durată a fost Fiul de Walter Hasenclever, care a fost publicată în 1914 și jucată pentru prima dată în 1916.

Futurismul este încă o altă mișcare modernistă. În 1909, ziarul parizian Le Figaro a publicat primul manifest al lui FT Marinetti . Curând după aceea, un grup de pictori ( Giacomo Balla , Umberto Boccioni , Carlo Carrà , Luigi Russolo și Gino Severini ) au cosemnat Manifestul Futuristului . După modelul celebrului „ Manifest comunist ” (1848) al lui Marx și Engels , astfel de manifeste au prezentat idei menite să provoace și să adune adepți. Cu toate acestea, argumentele în favoarea picturii geometrice sau pur abstracte erau, în acest moment, în mare măsură limitate la „reviste mici” care aveau doar tiraje mici. Primitivismul modernist și pesimismul au fost controversate, iar curentul mainstream din primul deceniu al secolului XX era încă înclinat spre credința în progres și optimismul liberal.

Jean Metzinger , 1913, En Canot (Im Boot) , ulei pe pânză, 146 x 114 cm (57,5 in × 44,9 in), expus la Moderni Umeni, SVU Mánes , Praga, 1914, achiziționat în 1916 de Georg Muche la Galerie Der Sturm , confiscat de naziști în jurul anilor 1936–1937, expus la expoziția de artă degenerată din München și dispărut de atunci.

Artiștii abstracti , luând ca exemple impresioniștii , precum și Paul Cézanne (1839–1906) și Edvard Munch (1863–1944), au început cu presupunerea că culoarea și forma , nu reprezentarea lumii naturale, au format caracteristicile esențiale. de arta. Arta occidentală a fost, din Renaștere până la mijlocul secolului al XIX-lea, susținută de logica perspectivei și de o încercare de a reproduce o iluzie a realității vizibile. Artele culturilor, altele decât cele europene, au devenit accesibile și au arătat căi alternative de a descrie artistului experiența vizuală. Până la sfârșitul secolului al XIX-lea, mulți artiști au simțit nevoia de a crea un nou tip de artă care să cuprindă schimbările fundamentale care au loc în tehnologie, știință și filozofie. Sursele din care artiștii individuali și-au extras argumentele teoretice au fost diverse și reflectau preocupările sociale și intelectuale din toate domeniile culturii occidentale la acea vreme. Wassily Kandinsky , Piet Mondrian și Kazimir Malevich au crezut cu toții în redefinirea artei ca aranjament de culoare pură. Utilizarea fotografiei, care a făcut ca o mare parte din funcția de reprezentare a artei vizuale să fie depășită, a afectat puternic acest aspect al modernismului.

Arhitecții și designerii moderniști , precum Frank Lloyd Wright și Le Corbusier , credeau că noua tehnologie a făcut ca vechile stiluri de construcție să fie depășite. Le Corbusier credea că clădirile ar trebui să funcționeze ca „mașini pentru locuit”, în mod analog cu mașinile, pe care le-a văzut ca fiind mașini pentru călătorie. Așa cum mașinile au înlocuit calul, așa și designul modernist ar trebui să respingă vechile stiluri și structuri moștenite din Grecia Antică . sau din Evul Mediu . Urmând această estetică a mașinii, designerii moderniști au respins în mod obișnuit motivele decorative în design, preferând să sublinieze materialele folosite și formele geometrice pure. Zgârie- nori este clădirea modernistă arhetipală, iar clădirea Wainwright, o clădire de birouri cu 10 etaje construită în 1890–91, în St. Louis, Missouri , Statele Unite, este printre primii zgârie-nori din lume. Clădirea Seagram a lui Ludwig Mies van der Rohe din New York (1956–1958) este adesea privită ca punctul culminant al acestei arhitecturi moderniste înalte. Multe aspecte ale designului modernist încă persistă în curentul principal al arhitecturii contemporane , deși dogmatismul anterior a făcut loc unei utilizări mai jucăușe a decorului, a citațiilor istorice și a dramei spațiale.

André Masson , Pedestal Table in the Studio 1922, exemplu timpuriu al suprarealismului

În 1913, care a fost anul ideilor filosofului Edmund Husserl , atomul cuantificat al fizicianului Niels Bohr , înființarea imagismului de către Ezra Pound , Armory Show din New York și la Sankt Petersburg „prima operă futuristă”, Mihail . Victory over the Sun a lui Matyushin — un alt compozitor rus, Igor Stravinsky , a compus The Rite of Spring , un balet care descrie sacrificiul uman și are o partitură muzicală plină de disonanță și ritm primitiv. Acest lucru a stârnit scandal la prima sa reprezentație la Paris. În acest moment, deși modernismul era încă „progresist”, a văzut din ce în ce mai mult formele tradiționale și aranjamentele sociale tradiționale ca împiedicând progresul și a reformulat artistul ca un revoluționar, angajat în răsturnarea mai degrabă decât în ​​luminarea societății. Tot în 1913 a avut loc în Franța un eveniment mai puțin violent odată cu publicarea primului volum al importantei secvențe de romane a lui Marcel Proust À la recherche du temps perdu (1913–1927) ( În căutarea timpului pierdut ). Acesta este adesea prezentat ca un exemplu timpuriu al unui scriitor care folosește tehnica fluxului de conștiință , dar Robert Humphrey comentează că Proust „este preocupat doar de aspectul reminiscent al conștiinței” și că „recaptura în mod deliberat trecutul în scopul de a comunicând; prin urmare, el nu a scris un roman despre fluxul conștiinței.”

Fluxul de conștiință a fost o inovație literară modernistă importantă și s-a sugerat că Arthur Schnitzler (1862–1931) a fost primul care l-a folosit pe deplin în nuvela sa „Leutnant Gustl” („Nimeni decât curajosul”) (1900). ). Dorothy Richardson a fost prima scriitoare engleză care a folosit-o în primele volume ale secvenței sale romane Pelerinaj (1915–1967). Ceilalți romancieri moderniști care sunt asociați cu utilizarea acestei tehnici narative includ James Joyce în Ulysses (1922) și Italo Svevo în La coscienza di Zeno (1923).

Cu toate acestea, odată cu venirea Marelui Război din 1914–1918 și a Revoluției Ruse din 1917, lumea a fost schimbată drastic și s-a aruncat îndoieli asupra credințelor și instituțiilor din trecut. Eșecul status quo-ului anterior părea de la sine înțeles pentru o generație care văzuse milioane de oameni murind luptă pentru bucăți de pământ: înainte de 1914 se susținea că nimeni nu va duce un asemenea război, deoarece costul era prea mare. Nașterea unei ere a mașinilor care a adus schimbări majore în condițiile vieții de zi cu zi în secolul al XIX-lea a schimbat acum radical natura războiului. Natura traumatizantă a experienței recente a modificat ipotezele de bază, iar reprezentarea realistă a vieții în arte părea inadecvată atunci când se confruntă cu natura fantastic de suprarealistă a războiului de tranșee . Opinia conform căreia omenirea făcea un progres moral constant părea acum ridicolă în fața măcelului fără sens, descris în lucrări precum romanul lui Erich Maria Remarque All Quiet on the Western Front (1929). Prin urmare, viziunea modernismului asupra realității, care fusese un gust minoritar înainte de război, a devenit mai general acceptată în anii 1920.

În literatură și artă vizuală, unii moderniști au căutat să sfideze așteptările în principal pentru a-și face arta mai vie sau pentru a forța publicul să-și dea osteneala să-și pună la îndoială propriile preconcepții. Acest aspect al modernismului a părut adesea o reacție la cultura de consum , care s-a dezvoltat în Europa și America de Nord la sfârșitul secolului al XIX-lea. În timp ce majoritatea producătorilor încearcă să facă produse care vor fi comercializabile făcând apel la preferințe și prejudecăți, înalții moderniști au respins astfel de atitudini consumeriste pentru a submina gândirea convențională. Criticul de artă Clement Greenberg a expus această teorie a modernismului în eseul său Avant-Garde and Kitsch . Greenberg a etichetat produsele culturii de consum „ kitsch ”, deoarece designul lor urmărea pur și simplu să aibă un atractiv maxim, cu toate caracteristicile dificile eliminate. Pentru Greenberg, modernismul a format astfel o reacție împotriva dezvoltării unor astfel de exemple de cultură modernă de consum precum muzica populară comercială , Hollywood și publicitatea. Greenberg a asociat acest lucru cu respingerea revoluționară a capitalismului.

Unii moderniști s-au văzut ca parte a unei culturi revoluționare care includea revoluția politică. În Rusia , după Revoluția din 1917 , a existat într-adevăr inițial o creștere a activității culturale de avangardă, care a inclus futurismul rus . Cu toate acestea, alții au respins politica convențională, precum și convențiile artistice, crezând că o revoluție a conștiinței politice are o importanță mai mare decât o schimbare a structurilor politice. Dar mulți moderniști s-au văzut ca fiind apolitici. Alții, precum TS Eliot , au respins cultura populară de masă dintr-o poziție conservatoare. Unii chiar susțin că modernismul în literatură și artă a funcționat pentru a susține o cultură de elită care a exclus majoritatea populației.

Suprarealismul , care a apărut la începutul anilor 1920, a ajuns să fie privit de public drept cea mai extremă formă de modernism, sau „avangarda modernismului”. Cuvântul „suprarealist” a fost inventat de Guillaume Apollinaire și a apărut pentru prima dată în prefața piesei sale Les Mamelles de Tirésias , care a fost scrisă în 1903 și interpretată pentru prima dată în 1917. Suprarealiștii majori includ Paul Éluard , Robert Desnos , Max Ernst , Hans Arp , Antonin Artaud , Raymond Queneau , Joan Miró și Marcel Duchamp .

Până în 1930, modernismul câștigase un loc în instituție, inclusiv în instituția politică și artistică, deși până atunci modernismul însuși se schimbase.

Modernismul continuă: 1930–1945

Modernismul a continuat să evolueze în anii 1930. Între 1930 și 1932 compozitorul Arnold Schoenberg a lucrat la Moses und Aron , una dintre primele opere care a folosit tehnica în douăsprezece tonuri , Pablo Picasso a pictat în 1937 Guernica , condamnarea sa cubistă a fascismului , în timp ce în 1939 James Joyce a depășit granițele romanul modern mai departe cu Finnegans Wake . De asemenea, prin 1930, modernismul a început să influențeze cultura mainstream, astfel încât, de exemplu, revista The New Yorker a început să publice lucrări, influențate de modernism, de tineri scriitori și umorişti precum Dorothy Parker , Robert Benchley , EB White , SJ Perelman și James Thurber , printre altii. Perelman este foarte apreciat pentru povestirile sale umoristice pe care le-a publicat în reviste în anii 1930 și 1940, cel mai adesea în The New Yorker , care sunt considerate a fi primele exemple de umor suprarealist din America. De asemenea, ideile moderne în artă au început să apară mai frecvent în reclame și logo-uri, un exemplu timpuriu al căruia, din 1916, este faimosul logo al metroului londonez , conceput de Edward Johnston .

Una dintre cele mai vizibile schimbări ale acestei perioade a fost adoptarea noilor tehnologii în viața de zi cu zi a oamenilor obișnuiți din Europa de Vest și America de Nord. Electricitatea, telefonul, radioul, automobilul — și nevoia de a lucra cu ele, de a le repara și de a trăi cu ele — au creat schimbări sociale. Genul de moment perturbator pe care doar câțiva îl cunoșteau în anii 1880 a devenit o întâmplare obișnuită. De exemplu, viteza de comunicare rezervată brokerilor din 1890 a devenit parte a vieții de familie, cel puțin în clasa de mijloc din America de Nord. Asociate cu urbanizarea și schimbarea moravurilor sociale au apărut, de asemenea, familii mai mici și au schimbat relațiile dintre părinți și copiii lor.

Logo -ul London Underground conceput de Edward Johnston . Aceasta este versiunea modernă (cu modificări minore) a uneia care a fost folosită pentru prima dată în 1916.

O altă influență puternică în acest moment a fost marxismul . După aspectul în general primitivist/iraționalist al modernismului de dinainte de Primul Război Mondial (care pentru mulți moderniști a exclus orice atașament de soluții pur politice) și neoclasicismul anilor 1920 (reprezentat cel mai faimos de TS Eliot și Igor Stravinsky - care a respins soluțiile populare la problemele moderne), ascensiunea fascismului , Marea Depresiune și marșul către război au ajutat la radicalizarea unei generații. Bertolt Brecht , WH Auden , André Breton , Louis Aragon și filozofii Antonio Gramsci și Walter Benjamin sunt poate cele mai faimoase exemplare ale acestei forme moderniste de marxism. Au existat, totuși, și moderniști în mod explicit de „dreaptă”, inclusiv Salvador Dalí , Wyndham Lewis , TS Eliot, Ezra Pound , autorul olandez Menno ter Braak și alții.

Lucrări literare moderniste semnificative au continuat să fie create în anii 1920 și 1930, inclusiv alte romane de Marcel Proust , Virginia Woolf , Robert Musil și Dorothy Richardson . Cariera dramaturgului modernist american Eugene O'Neill a început în 1914, dar operele sale majore au apărut în anii 1920, 1930 și începutul anilor 1940. Alți doi dramaturgi moderni importanți care au scris în anii 1920 și 1930 au fost Bertolt Brecht și Federico García Lorca . Lady Chatterley's Lover a lui DH Lawrence a fost publicată în mod privat în 1928, în timp ce un alt reper important pentru istoria romanului modern a venit odată cu publicarea lui William Faulkner The Sound and the Fury în 1929. În anii 1930, pe lângă alte importante lucrări de Faulkner, Samuel Beckett a publicat prima sa lucrare majoră, romanul Murphy (1938). Apoi, în 1939, a apărut Finnegans Wake al lui James Joyce. Acesta este scris într-o limbă în mare parte idiosincratică , constând dintr-un amestec de elemente lexicale standard engleze și cuvinte de cuvinte multilingve neologistice și cuvinte combinate , care încearcă să recreeze experiența somnului și a viselor. În poezie, TS Eliot, EE Cummings și Wallace Stevens au scris din anii 1920 până în anii 1950. În timp ce poezia modernistă în limba engleză este adesea privită ca un fenomen american, cu exponenți de frunte printre care Ezra Pound, TS Eliot, Marianne Moore , William Carlos Williams , HD și Louis Zukofsky , au existat poeți moderni britanici importanți, printre care David Jones , Hugh MacDiarmid , Basil Bunting și WH Auden . Printre poeții moderniști europeni se numără Federico García Lorca , Anna Akhmatova , Constantine Cavafy și Paul Valéry .

Statuia lui James Joyce de pe North Earl Street , Dublin , de Marjorie FitzGibbon

Mișcarea modernistă a continuat în această perioadă în Rusia sovietică . În 1930 , a avut premiera opera The Nose a compozitorului Dimitri Shostakovich (1906–1975) , în care el folosește un montaj de diferite stiluri, inclusiv muzică populară , cântec popular și atonalitate . Printre influențele sale a fost opera lui Alban Berg (1985–1935), Wozzeck (1925), care „făcuse o impresie extraordinară asupra lui Șostakovici când a fost pusă în scenă la Leningrad”. Cu toate acestea, din 1932 , realismul socialist a început să înlăture modernismul din Uniunea Sovietică, iar în 1936 Șostakovici a fost atacat și forțat să-și retragă Simfonia a 4-a. Alban Berg a scris o altă operă modernistă semnificativă, deși incompletă, Lulu , care a avut premiera în 1937. Concertul pentru vioară a lui Berg a fost interpretat pentru prima dată în 1935. La fel ca Șostakovici, alți compozitori s-au confruntat cu dificultăți în această perioadă.

În Germania, Arnold Schoenberg (1874–1951) a fost forțat să fugă în SUA când Hitler a venit la putere în 1933, din cauza stilului său atonal modernist , precum și a ascendenței sale evreiești. Principalele sale lucrări din această perioadă sunt Concertul pentru vioară , op. 36 (1934/36) și un Concert pentru pian , op. 42 (1942). Schoenberg a mai scris muzică tonală în această perioadă cu Suita pentru coarde în sol major (1935) și Simfonia de cameră nr. 2 în mi ♭ minor, op. 38 (început în 1906, finalizat în 1939). În acest timp, modernistul maghiar Béla Bartók (1881–1945) a produs o serie de lucrări majore, inclusiv Muzică pentru coarde, percuție și Celesta (1936) și Divertimento pentru orchestră de coarde (1939), Cvartetul de coarde nr. 5 (1934) și Nr. 6 (ultimul său, 1939). Dar și el a plecat în SUA în 1940, din cauza ascensiunii fascismului în Ungaria. Igor Stravinsky (1882–1971) a continuat să scrie în stilul său neoclasic în anii 1930 și 1940, scriind lucrări precum Simfonia psalmilor (1930), Simfonia în do (1940) și Simfonia în trei mișcări (1945). De asemenea, a emigrat în SUA din cauza celui de-al Doilea Război Mondial. Olivier Messiaen (1908–1992), totuși, a servit în armata franceză în timpul războiului și a fost închis la Stalag VIII-A de către germani, unde a compus faimosul său Quatuor pour la fin du temps ("Cvartetul pentru Sfârșitul timpului" ). Cvartetul a fost interpretat pentru prima dată în ianuarie 1941 pentru o audiență de prizonieri și gardieni.

În pictură, în anii 1920 și 1930 și în Marea Depresiune , modernismul a fost definit de suprarealism , cubismul târziu , Bauhaus , De Stijl , Dada , expresionismul german și pictori moderni și magistrali de culoare precum Henri Matisse și Pierre Bonnard , precum și abstracțiuni. de artiști precum Piet Mondrian și Wassily Kandinsky care au caracterizat scena artistică europeană. În Germania, Max Beckmann , Otto Dix , George Grosz și alții și-au politizat picturile, prefigurand venirea celui de-al Doilea Război Mondial, în timp ce în America, modernismul este văzut sub forma picturii de scenă americană și a mișcărilor de realism social și regionalism care conțineau atât mișcări politice. iar comentariul social a dominat lumea artei. Artiști precum Ben Shahn , Thomas Hart Benton , Grant Wood , George Tooker , John Steuart Curry , Reginald Marsh și alții au devenit proeminenți. Modernismul este definit în America Latină de pictorii Joaquín Torres-García din Uruguay și Rufino Tamayo din Mexic, în timp ce mișcarea muralistă cu Diego Rivera , David Siqueiros , José Clemente Orozco , Pedro Nel Gómez și Santiago Martínez Delgado și picturile simboliste de Frida Kahlo , a început o renaștere a artelor pentru regiune, caracterizată printr-o utilizare mai liberă a culorii și un accent pe mesajele politice.

Diego Rivera este probabil cel mai cunoscut de lumea publică pentru pictura sa din 1933, Man at the Crossroads , în holul clădirii RCA de la Rockefeller Center . Când patronul său Nelson Rockefeller a descoperit că pictura murală includea un portret al lui Vladimir Lenin și alte imagini comuniste, l-a concediat pe Rivera, iar lucrarea neterminată a fost în cele din urmă distrusă de personalul lui Rockefeller. Lucrările Fridei Kahlo sunt adesea caracterizate de portretele lor dure ale durerii. Kahlo a fost profund influențată de cultura indigenă mexicană, ceea ce este evident în culorile strălucitoare ale picturilor ei și simbolismul dramatic. Temele creștine și evreiești sunt adesea descrise și în opera ei; ea a combinat elemente ale tradiției religioase clasice mexicane, care erau adesea sângeroase și violente. Lucrările simboliste ale Fridei Kahlo se leagă puternic de suprarealism și de mișcarea realismului magic din literatură.

Activismul politic a fost o piesă importantă din viața lui David Siqueiros și l-a inspirat frecvent să-și lase cariera artistică deoparte. Arta sa a fost adânc înrădăcinată în Revoluția Mexicană . Perioada din anii 1920 până în anii 1950 este cunoscută ca Renașterea mexicană, iar Siqueiros a fost activ în încercarea de a crea o artă care să fie în același timp mexicană și universală. Tânărul Jackson Pollock a participat la atelier și a ajutat la construirea de flotoare pentru paradă.

În anii 1930, politica de stânga radicală a caracterizat mulți dintre artiștii legați de suprarealism, inclusiv Pablo Picasso . La 26 aprilie 1937, în timpul războiului civil spaniol , orașul basc Gernika a fost bombardat de Luftwaffe a Germaniei naziste. Germanii atacau pentru a sprijini eforturile lui Francisco Franco de a răsturna guvernul basc și guvernul republican spaniol. Pablo Picasso și-a pictat Guernica de dimensiunea unei picturi murale pentru a comemora ororile bombardamentului.

Guernica lui Pablo Picasso , 1937, protest împotriva fascismului

În timpul Marii Depresiuni din anii 1930 și în anii celui de-al Doilea Război Mondial, arta americană a fost caracterizată de realism social și pictura de scenă americană , în lucrarea lui Grant Wood , Edward Hopper , Ben Shahn , Thomas Hart Benton și câțiva alții. Nighthawks (1942) este un tablou de Edward Hopper care înfățișează oameni care stau într-un restaurant din centrul orașului noaptea târziu. Nu este doar cea mai faimoasă pictură a lui Hopper, ci și una dintre cele mai recunoscute din arta americană. Scena a fost inspirată de un restaurant din Greenwich Village . Hopper a început să-l picteze imediat după atacul asupra Pearl Harbor . După acest eveniment s-a simțit un mare sentiment de întuneric asupra țării, sentiment care este înfățișat în tablou. Strada urbană este goală în afara restaurantului, iar înăuntru niciunul dintre cei trei patroni nu se uită aparent sau vorbește cu ceilalți, ci este pierdut în propriile gânduri. Această portretizare a vieții urbane moderne ca goală sau singură este o temă comună în întreaga lucrare a lui Hopper.

American Gothic este un tablou de Grant Wood din 1930. Înfățișând un fermier care ține furca și o femeie mai tânără în fața unei case în stil gotic Carpenter , este una dintre cele mai familiare imagini din arta americană a secolului al XX-lea . Criticii de artă au avut opinii favorabile despre pictură; la fel ca Gertrude Stein și Christopher Morley , ei au presupus că pictura a fost menită să fie o satira a vieții rurale din orașele mici. Astfel, a fost văzută ca parte a tendinței către reprezentări din ce în ce mai critice ale Americii rurale, după liniile lui Sherwood Anderson din 1919 Winesburg, Ohio , Main Street din 1920 a luiSinclair Lewis și The Tattooed Countess de Carl Van Vechten în literatură. Cu toate acestea, odată cu debutul Marii Depresiuni, pictura a ajuns să fie văzută ca o reprezentare a spiritului ferm de pionier american.

Situația artiștilor din Europa în anii 1930 sa deteriorat rapid pe măsură ce puterea naziștilor în Germania și în Europa de Est a crescut. Arta degenerată a fost un termen adoptat de regimul nazist din Germania pentru aproape toată arta modernă . O astfel de artă a fost interzisă pe motiv că era de natură negermană sau bolșevică evreiască , iar cei identificați ca artiști degenerați au fost supuși sancțiunilor. Acestea includ demiterea din funcții de predare, interzicerea de a-și expune sau de a vinde arta și, în unele cazuri, interzicerea de a produce artă în întregime. Degenerate Art a fost și titlul unei expoziții, montată de naziști la München în 1937. Clima a devenit atât de ostilă artiștilor și artă asociată cu modernismul și abstracția , încât mulți au plecat în Americi. Artistul german Max Beckmann și o mulțime de alții au fugit din Europa pentru New York. În New York, o nouă generație de pictori moderni tineri și incitanți conduși de Arshile Gorky , Willem de Kooning și alții abia începea să devină majoritar.

Portretul lui Arshile Gorky al cuiva care ar putea fi Willem de Kooning este un exemplu al evoluției expresionismului abstract din contextul picturii figurilor, al cubismului și al suprarealismului. Împreună cu prietenii săi de Kooning și John D. Graham , Gorky a creat compoziții figurative abstracte și formate biomorf, care până în anii 1940 au evoluat în picturi total abstracte. Lucrarea lui Gorki pare a fi o analiză atentă a memoriei, emoției și formei, folosind linia și culoarea pentru a exprima sentimentul și natura.

După al Doilea Război Mondial (în principal artele vizuale și spectacolul)

Introducere

În timp ce The Oxford Encyclopedia of British Literature afirmă că modernismul s-a încheiat prin c. 1939 în ceea ce privește literatura britanică și americană, „Când (dacă) modernismul s-a stins și a început postmodernismul a fost contestat aproape la fel de aprig ca atunci când a avut loc tranziția de la victorianism la modernism”. Clement Greenberg vede că modernismul se încheie în anii 1930, cu excepția artelor vizuale și a spectacolului, dar în ceea ce privește muzică, Paul Griffiths notează că, în timp ce modernismul „părea a fi o forță consumată” la sfârșitul anilor 1920, după al Doilea Război Mondial , „o nouă generație de compozitori – Boulez , Barraqué , Babbitt , Nono , Stockhausen , Xenakis „a reînviat modernismul”. De fapt, mulți moderniști literari au trăit în anii 1950 și 1960, deși în general nu mai produceau lucrări majore. Termenul „ modernism târziu ”. „ se aplică uneori și lucrărilor moderniste publicate după 1930. Printre moderniștii (sau moderniștii târzii) care publică încă după 1945 s-au numărat Wallace Stevens , Gottfried Benn , TS Eliot , Anna Akhmatova , William Faulkner , Dorothy Richardson , John Cowper Powys și Ezra Pound . Basil Bunting , născut în 1901, și-a publicat cel mai important poem modernist Briggflatts în 1965. În plus, Moartea lui Virgil de Hermann Broch a fost publicată în 1945 și Doctorul Faustus de Thomas Mann în 1947. Samuel Beckett , care a murit în 1989, a fost descris drept un „modernist de mai târziu”. Beckett este un scriitor cu rădăcini în tradiția expresionistă a modernismului, care a produs lucrări din anii 1930 până în anii 1980, printre care Molloy (1951), Waiting for Godot (1953), Happy Days (1961) și Rockaby (1981). Termenii „ minimalist ” și „ post-modernist ” au fost aplicați și lucrărilor sale ulterioare. Poeții Charles Olson (1910–1970) și JH Prynne (născut în 1936) se numără printre scriitorii din a doua jumătate a secolului al XX-lea care au fost descriși ca moderniști târzii.

Mai recent, termenul „modernism târziu” a fost redefinit de cel puțin un critic și folosit pentru a se referi la lucrări scrise după 1945, mai degrabă decât 1930. Cu această utilizare merge ideea că ideologia modernismului a fost remodelată în mod semnificativ de evenimentele din Al Doilea Război Mondial, în special Holocaustul și aruncarea bombei atomice.

Perioada postbelică a lăsat capitalele Europei în zbucium, cu o urgență de a se reconstrui economic și fizic și de a se regrupa politic. La Paris (fostul centru al culturii europene și fosta capitală a lumii artei) climatul pentru artă a fost un dezastru. Importanti colecționari, dealeri și artiști, scriitori și poeți moderniști fugiseră din Europa pentru New York și America. Suprarealiştii şi artiştii moderni din fiecare centru cultural al Europei fugiseră de atacul naziştilor pentru un refugiu sigur în Statele Unite. Mulți dintre cei care nu au fugit au pierit. Câțiva artiști, în special Pablo Picasso , Henri Matisse și Pierre Bonnard , au rămas în Franța și au supraviețuit.

Anii 1940 în New York au anunțat triumful expresionismului abstract american , o mișcare modernistă care a combinat lecțiile învățate de la Henri Matisse, Pablo Picasso, suprarealism, Joan Miró , cubism, fauvism și modernismul timpuriu prin intermediul unor mari profesori din America precum Hans Hofmann și John . D. Graham . Artiștii americani au beneficiat de prezența lui Piet Mondrian , Fernand Léger , Max Ernst și a grupului André Breton , galeria lui Pierre Matisse și galeria lui Peggy Guggenheim The Art of This Century , precum și alți factori.

Mai mult, Parisul și-a recăpătat o mare parte din strălucirea în anii 1950 și 60 ca centrul unei înflorire a artei mașinilor, ambii sculptori de frunte în arta mașinilor, Jean Tinguely și Nicolas Schöffer , s-au mutat acolo pentru a-și lansa cariera - și care a înflorit, în lumină. a caracterului tehnocentric al vieții moderne, poate avea o influență deosebit de durabilă.

Teatrul absurdului

En attendant Godot al lui Samuel Beckett, Festivalul de la Avignon, 1978

Termenul de „Teatrul absurdului ” se aplică pieselor de teatru, scrise în primul rând de europeni, care exprimă credința că existența umană nu are sens sau scop și, prin urmare, toată comunicarea se întrerupe. Construcția și argumentarea logică lasă loc discursului irațional și ilogic și concluziei sale finale, tăcerea. Deși există precursori semnificativi, inclusiv Alfred Jarry (1873–1907), Teatrul absurdului este în general văzut ca început în anii 1950 cu piesele lui Samuel Beckett .

Criticul Martin Esslin a inventat termenul în eseul său din 1960 „Teatrul absurdului”. El a relatat aceste piese bazate pe o temă largă a Absurdului, similar modului în care Albert Camus folosește termenul în eseul său din 1942, Mitul lui Sisif . Absurdul din aceste piese ia forma reacției omului la o lume aparent fără sens și/sau a omului ca o marionetă controlată sau amenințată de forțele invizibile exterioare. Deși termenul este aplicat unei game largi de piese, unele caracteristici coincid în multe dintre piese: comedie largă, adesea asemănătoare vodevilului , amestecată cu imagini oribile sau tragice; personaje prinse în situații fără speranță forțate să facă acțiuni repetitive sau fără sens; dialog plin de clișee, jocuri de cuvinte și prostii; parcele care sunt ciclice sau absurd de expansive; fie o parodie, fie o respingere a realismului și a conceptului de „ piesă bine făcută ”.

Dramaturgii asociați în mod obișnuit cu Teatrul absurdului includ Samuel Beckett (1906–1989), Eugène Ionesco (1909–1994), Jean Genet (1910–1986), Harold Pinter (1930–2008), Tom Stoppard (născut în 1937), Alexander Vvedensky (1904–1941), Daniil Kharms (1905–1942), Friedrich Dürrenmatt (1921–1990), Alejandro Jodorowsky (născut în 1929), Fernando Arrabal (născut în 1932), Václav Havel (1936–2011) și Edward Albee (1928–1928 ). 2016).

Pollock și influențe abstracte

La sfârșitul anilor 1940 , abordarea radicală a picturii lui Jackson Pollock a revoluționat potențialul pentru toată arta contemporană care l-a urmat. Într-o oarecare măsură, Pollock și-a dat seama că călătoria către realizarea unei opere de artă era la fel de importantă ca și opera de artă în sine. La fel ca reinventările inovatoare ale picturii și sculpturii lui Pablo Picasso la începutul secolului al XX-lea prin cubism și sculptura construită , Pollock a redefinit modul în care este făcută arta. Îndepărtarea lui de pictura de șevalet și convenționalitate a fost un semnal eliberator pentru artiștii epocii sale și pentru toți cei care au urmat. Artiștii și-au dat seama că procesul lui Jackson Pollock – plasarea pânzei brute neîntinse pe podea, unde putea fi atacată din toate cele patru părți folosind materiale artistice și industriale; picurarea și aruncarea de țevi liniare de vopsea; desen, colorare și periere; folosind imagini și non-imagini - în esență creație de artă explozită dincolo de orice graniță anterioară. Expresionismul abstract a extins și dezvoltat, în general, definițiile și posibilitățile disponibile artiștilor pentru crearea de noi opere de artă. Ceilalți expresioniști abstracti au urmat descoperirea lui Pollock cu noi descoperiri proprii. Într-un anumit sens, inovațiile lui Jackson Pollock, Willem de Kooning , Franz Kline , Mark Rothko , Philip Guston , Hans Hofmann , Clyfford Still , Barnett Newman , Ad Reinhardt , Robert Motherwell , Peter Voulkos și alții au deschis porțile diversității și sferei de aplicare a toată arta care le-a urmat. Recitările în arta abstractă de către istorici de artă precum Linda Nochlin , Griselda Pollock și Catherine de Zegher arată critic, totuși, că femeile artiste de pionierat care au produs inovații majore în arta modernă au fost ignorate de relatările oficiale ale istoriei acesteia.

Personalități internaționale din arta britanică

Henry Moore (1898–1986) a apărut după al Doilea Război Mondial ca principalul sculptor al Marii Britanii . El a fost cel mai bine cunoscut pentru sculpturile sale monumentale semi- abstracte din bronz, care sunt situate în întreaga lume ca opere de artă publice. Formele sale sunt, de obicei, abstracții ale figurii umane, înfățișând în mod tipic mamei și copilului sau figuri înclinate, de obicei sugestive pentru corpul feminin, în afară de o fază din anii 1950 când a sculptat grupuri de familie. Formele sale sunt în general străpunse sau conțin spații goale.

Henry Moore , Figura înclinată (1957). În fața Kunsthaus Zürich , Elveția.

În anii 1950, Moore a început să primească comisii din ce în ce mai importante, inclusiv o figură înclinată pentru clădirea UNESCO din Paris în 1958. Cu multe mai multe opere de artă publice, dimensiunea sculpturilor lui Moore a crescut semnificativ. Ultimele trei decenii ale vieții lui Moore au continuat într-o direcție similară, cu câteva retrospective majore având loc în întreaga lume, în special o expoziție proeminentă în vara anului 1972 în terenul Forte di Belvedere cu vedere la Florența . Până la sfârșitul anilor 1970, existau aproximativ 40 de expoziții pe an care prezentau lucrările sale. În campusul Universității din Chicago , în decembrie 1967, la 25 de ani la un minut după ce echipa de fizicieni condusă de Enrico Fermi a realizat prima reacție nucleară în lanț controlată și autosusținută, a fost dezvăluită energia nucleară a lui Moore. Tot la Chicago, Moore a comemorat știința cu un cadran solar mare din bronz, numit local Man Enters the Cosmos (1980), care a fost însărcinat să recunoască programul de explorare spațială .

„Școala de la Londra” a pictorilor figurativi, printre care Francis Bacon (1909–1992), Lucian Freud (1922–2011), Frank Auerbach (născut în 1931), Leon Kossoff (născut în 1926) și Michael Andrews (1928–1995), au a primit o recunoaștere internațională pe scară largă.

Francis Bacon a fost un pictor figurativ britanic născut în Irlanda, cunoscut pentru imaginile sale îndrăznețe, grafice și emoționale crude. Figurile sale picturale, dar abstracte, apar de obicei izolate în cuști geometrice din sticlă sau oțel, așezate pe fundaluri plate, nedescrise. Bacon a început să picteze la începutul lui 20 de ani, dar a lucrat doar sporadic până la mijlocul anilor 30. Descoperirea sa a venit odată cu tripticul din 1944 Trei studii pentru figuri la baza unei crucificări , care i-a pecetluit reputația de cronicar unic al condiției umane. Producția sa poate fi descrisă în mod grosier ca fiind constând din secvențe sau variații pe un singur motiv; începând cu anii 1940 capete de bărbați izolate în camere, începutul anilor 1950 papi țipând și mijlocul și sfârșitul anilor 1950 animale și figuri singuratice suspendate în structuri geometrice. Acestea au fost urmate de variațiile sale moderne de la începutul anilor 1960 ale crucificării în format triptic. De la mijlocul anilor 1960 până la începutul anilor 1970, Bacon a produs în principal portrete surprinzător de compasiune ale prietenilor. După sinuciderea iubitului său, George Dyer, în 1971, arta sa a devenit mai personală, cu privire la interior și preocupată de temele și motivele morții. În timpul vieții sale, Bacon a fost la fel de insultat și aclamat.

Lucian Freud a fost un pictor britanic de origine germană, cunoscut în principal pentru portretele și picturile sale cu figuri groase , care a fost considerat pe scară largă artistul britanic preeminent al timpului său. Lucrările sale sunt remarcate pentru pătrunderea lor psihologică și pentru examinarea lor adesea neplăcută a relației dintre artist și model. Potrivit lui William Grimes de la The New York Times , „Lucien Freud și contemporanii săi au transformat pictura de figuri în secolul al XX-lea. În picturi precum Fata cu un câine alb (1951–1952), Freud a pus în serviciu limbajul pictural al picturii tradiționale europene. a unui stil de portrete anti-romantic, de confruntare, care a dezbrăcat fațada socială a modelului. Oamenii obișnuiți – mulți dintre ei prietenii săi – priveau cu ochii mari de pe pânză, vulnerabili la inspecția nemiloasă a artistului."

În anii 1960 după expresionismul abstract

În pictura abstractă în anii 1950 și 1960, mai multe direcții noi, cum ar fi pictura hard-edge și alte forme de abstractizare geometrică, au început să apară în studiourile artiștilor și în cercurile radicale de avangardă, ca o reacție împotriva subiectivismului expresionismului abstract. Clement Greenberg a devenit vocea abstracției postpictrice atunci când a organizat o expoziție influentă de pictură nouă care a vizitat muzeele de artă importante din Statele Unite în 1964. pictura în câmpuri de culoare , pictura cu margini dure și abstracția lirică au apărut ca noi direcții radicale.

Cu toate acestea, spre sfârșitul anilor 1960, postminimalismul , arta procesului și Arte Povera au apărut, de asemenea, ca concepte și mișcări revoluționare care au cuprins atât pictura, cât și sculptura, prin abstracția lirică și mișcarea postminimalistă, precum și în arta conceptuală timpurie . Procesul de artă, inspirat de Pollock, a permis artiștilor să experimenteze și să folosească o enciclopedie diversă de stil, conținut, material, plasare, sens al timpului și spațiu plastic și real. Nancy Graves , Ronald Davis , Howard Hodgkin , Larry Poons , Jannis Kounellis , Brice Marden , Colin McCahon , Bruce Nauman , Richard Tuttle , Alan Saret , Walter Darby Bannard , Lynda Benglis , Dan Christensen , Larry Zox , Ronnie Landfield , Keith Hesse , Keith Sonnier , Richard Serra , Pat Lipsky , Sam Gilliam , Mario Merz și Peter Reginato au fost câțiva dintre artiștii mai tineri care au apărut în perioada modernismului târziu, care a dat naștere timpului de glorie al artei de la sfârșitul anilor 1960.

Arta pop

Eduardo Paolozzi . I was a Rich Man's Plaything (1947) este considerat purtătorul standard inițial al „pop art” și primul care a afișat cuvântul „pop”.

În 1962, Galeria Sidney Janis a montat The New Realists , prima expoziție de grup de artă pop majoră într- o galerie de artă din orașul New York. Janis a montat expoziția într-o vitrină de pe strada 57, lângă galeria sa. Spectacolul a transmis unde de șoc în școala din New York și a avut reverbere în întreaga lume. Mai devreme, în Anglia, în 1958, termenul „Pop Art” a fost folosit de Lawrence Alloway pentru a descrie picturile care celebrau consumerismul epocii de după al Doilea Război Mondial. Această mișcare a respins expresionismul abstract și concentrarea sa pe interiorul hermeneutic și psihologic în favoarea artei care descrie și adesea celebra cultura materială de consum, publicitatea și iconografia epocii producției de masă. Primele lucrări ale lui David Hockney și lucrările lui Richard Hamilton și Eduardo Paolozzi (care au creat revoluționarul I was a Rich Man's Plaything , 1947) sunt considerate exemple fundamentale în mișcare. Între timp, în scena din centrul orașului din galeriile East Village 10th Street din New York, artiștii formulau o versiune americană a artei pop. Claes Oldenburg avea vitrina lui, iar Galeria Verde de pe strada 57 a început să arate lucrările lui Tom Wesselmann și James Rosenquist . Mai târziu , Leo Castelli a expus lucrările altor artiști americani, inclusiv pe cele ale lui Andy Warhol și Roy Lichtenstein pentru cea mai mare parte a carierei lor. Există o legătură între operele radicale ale lui Marcel Duchamp și Man Ray , dadaiștii rebeli cu simțul umorului și artiștii pop precum Claes Oldenburg, Andy Warhol și Roy Lichtenstein, ale căror picturi reproduc aspectul punctelor Ben-Day , un tehnică utilizată în reproducerea comercială.

Minimalism

Minimalismul descrie mișcări în diferite forme de artă și design, în special artă vizuală și muzică , în care artiștii intenționează să expună esența sau identitatea unui subiect prin eliminarea tuturor formelor, caracteristicilor sau conceptelor neesențiale. Minimalismul este orice design sau stil în care cele mai simple și mai puține elemente sunt folosite pentru a crea efectul maxim.

Ca o mișcare specifică în arte, este identificată cu evoluțiile în arta occidentală post-Al Doilea Război Mondial, cel mai puternic cu artele vizuale americane din anii 1960 și începutul anilor 1970. Artiști proeminenți asociați cu această mișcare includ Donald Judd , John McCracken , Agnes Martin , Dan Flavin , Robert Morris , Ronald Bladen , Anne Truitt și Frank Stella . Ea derivă din aspectele reductive ale modernismului și este adesea interpretată ca o reacție împotriva expresionismului abstract și o punte către practicile artistice postminimale . La începutul anilor 1960, minimalismul a apărut ca o mișcare abstractă în artă (cu rădăcini în abstracția geometrică a lui Kazimir Malevich , Bauhaus și Piet Mondrian ) care a respins ideea picturii relaționale și subiective, complexitatea suprafețelor expresioniste abstracte și zeitgeist -ul emoțional. și polemici prezente în arena picturii de acțiune . Minimalismul a susținut că simplitatea extremă ar putea capta toată reprezentarea sublimă necesară în artă. Minimalismul este interpretat în mod diferit fie ca un precursor al postmodernismului , fie ca o mișcare postmodernă în sine. În această din urmă perspectivă, minimalismul timpuriu a produs lucrări moderniste avansate, dar mișcarea a abandonat parțial această direcție când unii artiști precum Robert Morris și-au schimbat direcția în favoarea mișcării anti-forme .

Hal Foster, în eseul său The Crux of Minimalism , examinează măsura în care Donald Judd și Robert Morris recunosc și depășesc modernismul Greenbergian în definițiile lor publicate ale minimalismului. El susține că minimalismul nu este o „fundătură” a modernismului, ci o „schimbare de paradigmă către practici postmoderne care continuă să fie elaborate astăzi”.

Muzică minimală

Termenii s-au extins pentru a cuprinde o mișcare în muzică care prezintă o astfel de repetiție și iterație precum cele ale compozițiilor lui La Monte Young , Terry Riley , Steve Reich , Philip Glass și John Adams . Compozițiile minimaliste sunt uneori cunoscute ca muzică de sistem . Termenul „muzică minimală” este în general folosit pentru a descrie un stil de muzică care s-a dezvoltat în America la sfârșitul anilor 1960 și 1970; și asta a fost inițial legat de compozitori. Mișcarea minimalismului a implicat inițial unii compozitori, iar alți pionieri mai puțin cunoscuți au inclus Pauline Oliveros , Phill Niblock și Richard Maxfield . În Europa, muzica lui Louis Andriessen , Karel Goeyvaerts , Michael Nyman , Howard Skempton , Eliane Radigue , Gavin Bryars , Steve Martland , Henryk Górecki , Arvo Pärt și John Tavener .

Postminimalism

Smithson's Spiral Jetty de pe vârful Rozel Point, Utah, SUA, la mijlocul lui aprilie 2005. Creat în 1970, încă există, deși a fost adesea scufundat de nivelul fluctuant al lacului. Este format din aproximativ 6500 de tone de bazalt , pământ și sare.

La sfârșitul anilor 1960, Robert Pincus-Witten a inventat termenul de „ postminimalism ” pentru a descrie arta derivată din minimalist, care avea conținut și nuanțe contextuale pe care minimalismul le-a respins. Termenul a fost aplicat de Pincus-Whitten lucrărilor lui Eva Hesse , Keith Sonnier , Richard Serra și lucrărilor noi ale foștilor minimalisti Robert Smithson , Robert Morris , Sol LeWitt , Barry Le Va și alții. Alți minimalisti, inclusiv Donald Judd , Dan Flavin , Carl Andre , Agnes Martin , John McCracken și alții, au continuat să producă picturi și sculpturi moderniste târzii pentru restul carierei lor.

De atunci, mulți artiști au îmbrățișat stiluri minimale sau postminimale, iar eticheta „Postmodern” le-a fost atașată.

Colaj, asamblare, instalații

Legat de expresionismul abstract a fost apariția combinării articolelor manufacturate cu materialele de artist, îndepărtându-se de convențiile anterioare ale picturii și sculpturii. Lucrarea lui Robert Rauschenberg exemplifica această tendință. „Combinele” sale din anii 1950 au fost precursori ai artei pop și ai instalațiilor și au folosit ansambluri de obiecte fizice mari, inclusiv animale de pluș, păsări și fotografii comerciale. Rauschenberg, Jasper Johns , Larry Rivers , John Chamberlain , Claes Oldenburg , George Segal , Jim Dine și Edward Kienholz au fost printre pionierii importanți atât ai abstractizării, cât și ai artei pop. Creând noi convenții de realizare a artei, ei au făcut acceptabilă în cercurile serioase de artă contemporană includerea radicală în lucrările lor a materialelor improbabile. Un alt pionier al colajului a fost Joseph Cornell , ale cărui lucrări la scară mai intimă au fost considerate radicale atât datorită iconografiei sale personale, cât și a utilizării obiectelor găsite .

Neo-Dada

La începutul secolului XX, Marcel Duchamp a prezentat spre expoziție un pisoar ca sculptură. El și-a mărturisit intenția ca oamenii să se uite la pisoar ca și cum ar fi o operă de artă pentru că a spus că este o operă de artă. El s-a referit la munca sa drept „ readymade -uri ”. Fountain era un pisoar semnat cu pseudonimul „R. Mutt”, a cărui expoziție a șocat lumea artei în 1917. Aceasta și celelalte lucrări ale lui Duchamp sunt în general etichetate drept Dada. Duchamp poate fi văzut ca un precursor al artei conceptuale, alte exemple celebre fiind 4′33″ al lui John Cage , care reprezintă patru minute și treizeci și trei de secunde de tăcere, și Desenul Erased de Kooning al lui Rauschenberg . Multe lucrări conceptuale iau poziția că arta este rezultatul privirii unui obiect sau acționând ca artă, nu al calităților intrinseci ale operei în sine. Alegând „un articol obișnuit de viață” și creând „un gând nou pentru acel obiect”, Duchamp a invitat privitorii să privească Fountain ca pe o sculptură.

Marcel Duchamp a renunțat la „artă” în favoarea șahului . Compozitorul de avangardă David Tudor a creat o piesă, Reunion (1968), scrisă împreună cu Lowell Cross, care prezintă un joc de șah în care fiecare mișcare declanșează un efect de lumină sau o proiecție. Duchamp și Cage au jucat jocul la premiera lucrării.

Steven Best și Douglas Kellner îi identifică pe Rauschenberg și Jasper Johns ca parte a fazei de tranziție, influențată de Duchamp, dintre modernism și postmodernism. Ambele au folosit imagini ale obiectelor obișnuite, sau ale obiectelor în sine, în munca lor, păstrând în același timp abstracția și gesturile picturale ale înaltului modernism.

Performanță și întâmplări

Carolee Schneemann, interpretând piesa ei Interior Scroll, 1975.
Yves Klein din Franța și Carolee Schneemann (foto), Yayoi Kusama , Charlotte Moorman și Yoko Ono din New York au fost pionierii operelor de artă bazate pe performanță, care adesea implicau nuditate.

La sfârșitul anilor 1950 și 1960, artiștii cu o gamă largă de interese au început să depășească limitele artei contemporane. Yves Klein în Franța, Carolee Schneemann , Yayoi Kusama , Charlotte Moorman și Yoko Ono în New York City și Joseph Beuys , Wolf Vostell și Nam June Paik în Germania au fost pionierii operelor de artă bazate pe performanță. Grupuri precum The Living Theatre cu Julian Beck și Judith Malina au colaborat cu sculptori și pictori creând medii, schimbând radical relația dintre public și interpret, în special în piesa lor Paradise Now . The Judson Dance Theatre , situat la Judson Memorial Church , New York; și dansatorii Judson, în special Yvonne Rainer , Trisha Brown , Elaine Summers , Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay , Lucinda Childs , Steve Paxton și alții; a colaborat cu artiștii Robert Morris , Robert Whitman , John Cage , Robert Rauschenberg și ingineri precum Billy Klüver . Galeria Park Place a fost un centru pentru spectacole muzicale ale compozitorilor electronici Steve Reich , Philip Glass și alți artiști de performanță remarcabili, inclusiv Joan Jonas .

Aceste spectacole au fost concepute ca lucrări ale unei noi forme de artă care combină sculptura, dansul și muzica sau sunetul, adesea cu participarea publicului. Ele au fost caracterizate de filozofiile reductive ale minimalismului și de improvizația și expresivitatea spontană a expresionismului abstract. Imaginile interpretărilor lui Schneeman cu piese menite să șocheze sunt folosite ocazional pentru a ilustra aceste tipuri de artă și ea este adesea văzută fotografiată în timp ce își interpretează piesa Interior Scroll . Cu toate acestea, conform filozofiei moderniste care înconjoară arta performanței, publicarea imaginilor cu ea interpretând această piesă are un scop încrucișat, deoarece artiștii de performanță resping în totalitate publicarea: performanța în sine este mediul. Astfel, alte medii nu pot ilustra arta performanței; performanța este momentană, evanescentă și personală, nu pentru captură; reprezentările artei performance în alte medii, fie prin imagine, video, narațiune sau altfel, selectează anumite puncte de vedere în spațiu sau timp sau implică în alt mod limitările inerente ale fiecărui mediu. Artiștii neagă că înregistrările ilustrează mediul performanței ca artă.

În aceeași perioadă, diverși artiști de avangardă au creat Happenings , adunări misterioase și adesea spontane și fără scenarii ale artiștilor și prietenilor și rudelor lor în diferite locații specificate, încorporând adesea exerciții de absurditate, fizicitate, costumație, nuditate spontană și diverse aleatorii sau aparent. acte deconectate. Creatorii de seamă ai întâmplărilor au inclus Allan Kaprow — care a folosit pentru prima dată termenul în 1958, Claes Oldenburg , Jim Dine , Red Grooms și Robert Whitman .

Intermedia, multi-media

O altă tendință în artă care a fost asociată cu termenul postmodern este utilizarea unui număr de medii diferite împreună. Intermedia este un termen inventat de Dick Higgins și menit să transmită noi forme de artă de-a lungul liniilor Fluxus , poezie concretă , obiecte găsite , artă de performanță și artă pe computer . Higgins a fost editorul Something Else Press , un poet concret căsătorit cu artista Alison Knowles și un admirator al lui Marcel Duchamp . Ihab Hassan include „Intermedia, fuziunea formelor, confuzia tărâmurilor”, în lista sa cu caracteristicile artei postmoderne . Una dintre cele mai comune forme de „artă multimedia” este utilizarea de benzi video și monitoare CRT, denumite artă video . În timp ce teoria combinării mai multor arte într-o singură artă este destul de veche și a fost reînviată periodic, manifestarea postmodernă este adesea în combinație cu arta performanței, în care subtextul dramatic este eliminat, iar ceea ce rămâne sunt afirmațiile specifice ale artistului în întrebarea sau enunţul conceptual al acţiunii lor.

Fluxus

Fluxus a fost numit și organizat în mod liber în 1962 de George Maciunas (1931–1978), un artist american născut în Lituania. Fluxus își are începuturile în cursurile de compoziție experimentală ale lui John Cage , din 1957 până în 1959, la New School for Social Research din New York City. Mulți dintre studenții săi erau artiști care lucrau în alte medii, cu puține sau deloc cunoștințe în muzică. Studenții lui Cage au inclus membrii fondatori ai Fluxus Jackson Mac Low , Al Hansen , George Brecht și Dick Higgins .

Fluxus a încurajat o estetică „do-it-yourself” și a apreciat simplitatea mai degrabă decât complexitatea. La fel ca Dada înaintea lui, Fluxus a inclus un curent puternic de anti-comercialism și o sensibilitate anti-artă , disprețuind lumea convențională a artei condusă de piață în favoarea unei practici creative centrate pe artist. Artiștii Fluxus au preferat să lucreze cu orice materiale aveau la îndemână și fie și-au creat propria lucrare, fie au colaborat la procesul de creație cu colegii lor.

Andreas Huyssen critică încercările de a revendica Fluxus pentru postmodernism ca fiind „fie codul principal al postmodernismului, fie mișcarea artistică de nereprezentat în cele din urmă – așa cum ar fi, sublimul postmodernismului”. În schimb, el vede Fluxus ca pe un fenomen neo-dadaist major în cadrul tradiției avangardiste. Nu a reprezentat un progres major în dezvoltarea strategiilor artistice, deși a exprimat o rebeliune împotriva „culturii administrate din anii 1950, în care un modernism moderat, domesticit a servit drept suport ideologic pentru Războiul Rece ”.

Muzică populară de avangardă

Modernismul a avut o relație neplăcută cu formele populare de muzică (atât ca formă, cât și ca estetic), respingând în același timp cultura populară . În ciuda acestui fapt, Stravinsky a folosit expresii de jazz la piesele sale precum „Ragtime” din lucrarea sa de teatru din 1918 Histoire du Soldat și Concertul de abanos din 1945 .

În anii 1960, pe măsură ce muzica populară a început să câștige importanță culturală și să-și pună la îndoială statutul de divertisment comercial, muzicienii au început să caute inspirație în avangarda postbelică . În 1959, producătorul muzical Joe Meek a înregistrat I Hear a New World (1960), pe care Jonathan Patrick, Tiny Mix Tapes , îl numește un „moment fundamental atât în muzica electronică, cât și în istoria avan-pop [...] o colecție de viniete pop de vis, împodobită cu ecouri dubby și cârlișuri sonore deformate cu bandă” care ar fi în mare măsură ignorate la acea vreme. Alte producții avant-pop timpurii au inclus melodia Beatles din 1966 „ Tomorrow Never Knows ”, care a încorporat tehnici din muzică concretă , compoziție avangardă, muzică indiană și manipulare electro-acustică a sunetului într-un format pop de 3 minute, și Integrarea de către Velvet Underground a ideilor muzicale minimaliste și drone ale lui La Monte Young , beat poetry și arta pop din anii 1960.

Perioada târzie

Brice Marden , Vine , 1992–93, ulei pe in, 240 pe 260 cm (8 pe 8+12  ft), Muzeul de Artă Modernă, New York

Continuarea expresionismului abstract , picturii pe câmpuri de culoare , abstracției lirice , abstracției geometrice , minimalismului , iluzionismului abstract , artei de proces , artei pop , postminimalismului și altor mișcări moderniste de la sfârșitul secolului al XX-lea, atât în ​​pictură, cât și în sculptură, a continuat în primul deceniu al secolului al XXI-lea. secolului și constituie direcții radical noi în acele medii.

La începutul secolului al XXI-lea, artiști consacrați precum Sir Anthony Caro , Lucian Freud , Cy Twombly , Robert Rauschenberg , Jasper Johns , Agnes Martin , Al Held , Ellsworth Kelly , Helen Frankenthaler , Frank Stella , Kenneth Noland , Jules Olitski , Claes Oldenburg , Jim Dine , James Rosenquist , Alex Katz , Philip Pearlstein și artiști mai tineri precum Brice Marden , Chuck Close , Sam Gilliam , Isaac Witkin , Sean Scully , Mahirwan Mamtani , Joseph Nechvatal , Elizabeth Murray , Larry Poons , Richard Serra , Walter Darby Bannard , Larry Zox , Ronnie Landfield , Ronald Davis , Dan Christensen , Pat Lipsky , Joel Shapiro , Tom Otterness , Joan Snyder , Ross Bleckner , Archie Rand , Susan Crile și alții au continuat să producă picturi și sculpturi vitale și influente.

Modernismul în Africa și Asia

Peter Kalliney sugerează că „Conceptele moderniste, în special autonomia estetică, au fost fundamentale pentru literatura decolonizării din Africa anglofonă”. În opinia sa, Rajat Neogy , Christopher Okigbo și Wole Soyinka s-au numărat printre scriitorii care „au reutilizat versiunile moderniste ale autonomiei estetice pentru a-și declara eliberarea de robia colonială, de sistemele de discriminare rasială și chiar de noul stat postcolonial”.

Termenii „modernism” și „modernist”, potrivit savantului William J. Tyler, „au devenit doar recent parte a discursului standard în limba engleză despre literatura japoneză modernă și rămân îndoieli cu privire la autenticitatea lor față de modernismul vest-european”. Tyler găsește acest lucru ciudat, având în vedere „proza ​​categoric modernă” a unor „scriitori japonezi cunoscuți precum Kawabata Yasunari , Nagai Kafu și Jun'ichirō Tanizaki ”. Cu toate acestea, „savanții în arte vizuale și plastice, arhitectură și poezie au acceptat cu ușurință „modanizumu” ca un concept cheie pentru descrierea și analiza culturii japoneze în anii 1920 și 1930”. În 1924, diverși tineri scriitori japonezi, printre care Kawabata și Riichi Yokomitsu , au început un jurnal literar Bungei Jidai ("Epoca artistică"). Acest jurnal a fost „parte a unei mișcări de „ artă de dragul artei ”, influențată de cubismul european, expresionismul, dada și alte stiluri moderniste”.

Arhitectul modernist japonez Kenzō Tange (1913–2005) a fost unul dintre cei mai importanți arhitecți ai secolului al XX-lea, combinând stilurile tradiționale japoneze cu modernismul și proiectând clădiri majore pe cinci continente. Tange a fost, de asemenea, un patron influent al mișcării metaboliste . El a spus: „Cred că în jurul anului 1959 sau la începutul anilor şaizeci am început să mă gândesc la ceea ce mai târziu aveam să numesc structuralism ”, a fost influenţat încă de la o vârstă fragedă de modernistul elveţian, Le Corbusier , Tange. a câștigat recunoaștere internațională în 1949 când a câștigat concursul pentru proiectarea Parcului Memorial al Păcii din Hiroshima .

În China, „ Noii Senzaționiști ” (新感觉派, Xīn Gǎnjué Pài) au fost un grup de scriitori cu sediul în Shanghai, care în anii 1930 și 1940 au fost influențați, în diferite grade, de modernismul occidental și japonez. Au scris ficțiune care era mai preocupată de inconștient și de estetică decât de politică sau probleme sociale. Printre acești scriitori s-au numărat Mu Shiying și Shi Zhecun .

În India, Progressive Artists' Group a fost un grup de artiști moderni , cu sediul în principal în Mumbai , India , format în 1947. Deși nu avea un stil anume, a sintetizat arta indiană cu influențe europene și din America de Nord din prima jumătate a secolului al XX-lea. , inclusiv postimpresionismul, cubismul și expresionismul.

Diferențele dintre modernism și postmodernism

La începutul anilor 1980, mișcarea postmodernă în artă și arhitectură a început să-și stabilească poziția prin diferite formate conceptuale și intermediare . Postmodernismul în muzică și literatură a început să se impună mai devreme. În muzică, postmodernismul este descris într-o lucrare de referință ca un „termen introdus în anii 1970”, în timp ce în literatura britanică, The Oxford Encyclopedia of British Literature vede modernismul „cedându-și predominanța postmodernismului” încă din 1939. Cu toate acestea, datele sunt extrem de importante. discutabil, mai ales ca după Andreas Huyssen : „postmodernismul unui critic este modernismul altuia”. Aceasta îi include pe cei care critică diviziunea dintre cei doi și le văd ca două aspecte ale aceleiași mișcări și cred că modernismul târziu continuă.

Modernismul este o etichetă cuprinzătoare pentru o mare varietate de mișcări culturale. Postmodernismul este, în esență, o mișcare centralizată care și-a autodenumit, bazată pe teoria sociopolitică, deși termenul este acum folosit într-un sens mai larg pentru a se referi la activitățile din secolul al XX-lea încoace care demonstrează conștientizarea și reinterpretarea modernului.

Teoria postmodernă susține că încercarea de a canoniza Modernismul „după fapt” este sortită unor contradicții de neechivoc.

Într-un sens mai restrâns, ceea ce era modernist nu era neapărat și postmodern. Acele elemente ale Modernismului care accentuau beneficiile raționalității și progresului socio-tehnologic au fost doar moderniste.

Atacul și critica la adresa modernismului

Franz Marc , Soarta animalelor , 1913, ulei pe pânză. Lucrarea a fost expusă la expoziția „Entartete Kunst” („artă degenerată”) din Munchen , Germania nazistă , 1937.

Accentul modernismului pe libertatea de exprimare , experimentare, radicalism și primitivism nu ține cont de așteptările convenționale. În multe forme de artă, aceasta însemna adesea publicul surprinzător și alienant cu efecte bizare și imprevizibile, cum ar fi combinațiile ciudate și tulburătoare de motive din suprarealism sau utilizarea disonanței și atonalității extreme în muzica modernistă. În literatură, aceasta a implicat adesea respingerea intrigilor inteligibile sau caracterizarea în romane sau crearea unei poezii care sfidează interpretarea clară.

Din 1932, realismul socialist a început să înlăture modernismul din Uniunea Sovietică; a susținut anterior futurismul și constructivismul . Guvernul nazist al Germaniei a considerat modernismul narcisic și fără sens, precum și „evreu” (vezi Antisemitismul ) și „negru”. Naziștii au expus picturi moderniste alături de lucrări ale bolnavilor mintal într-o expoziție intitulată „ Arta degenerată ”. Acuzațiile de „formalism” ar putea duce la sfârșitul unei cariere, sau mai rău. Din acest motiv, mulți moderniști ai generației postbelice s-au simțit cel mai important bastion împotriva totalitarismului, „ canarul din mina de cărbune ”, a cărui represiune de către un guvern sau alt grup cu presupusă autoritate reprezenta un avertisment că libertățile individuale erau amenințate. Louis A. Sass a comparat nebunia, în special schizofrenia , și modernismul într-o manieră mai puțin fascistă, notând narațiunile lor disjunctive comune, imaginile suprareale și incoerența.

De fapt, modernismul a înflorit mai ales în societățile de consum/capitaliste, în ciuda faptului că susținătorii săi au respins adesea consumerismul însuși. Cu toate acestea, modernismul înalt a început să se contopească cu cultura consumatorului după al Doilea Război Mondial, în special în anii 1960. Dispozitivele moderniste au început să apară și în cinematograful popular și mai târziu în videoclipurile muzicale. Designul modernist a început, de asemenea, să intre în curentul principal al culturii populare, pe măsură ce formele simplificate și stilizate au devenit populare, adesea asociate cu visele unui viitor high-tech din era spațială .

În 2008, Janet Bennett a publicat Modernity and Its Critics prin The Oxford Handbook of Political Theory. Fuziunea dintre versiunile de consum și cele înalte ale culturii moderniste a condus la o transformare radicală a sensului „modernismului”. În primul rând, presupunea că o mișcare bazată pe respingerea tradiției devenise o tradiție proprie. În al doilea rând, a demonstrat că distincția dintre cultura modernistă de elită și cultura consumeristă de masă și-a pierdut din precizie. Modernismul devenise atât de instituționalizat încât era acum „post-avangardă”, ceea ce indică faptul că și-a pierdut puterea ca mișcare revoluționară. Mulți au interpretat această transformare drept începutul fazei care a devenit cunoscută sub numele de postmodernism . Pentru alții, precum criticul de artă Robert Hughes , postmodernismul reprezintă o extensie a modernismului.

Mișcările „anti-moderne” sau „contra-moderne” încearcă să sublinieze holismul , conexiunea și spiritualitatea ca remedii sau antidoturi pentru modernism. Astfel de mișcări văd modernismul ca reducționist și, prin urmare, supus unei incapacități de a vedea efectele sistemice și emergente .

Unii artiști tradiționaliști precum Alexander Stoddart resping modernismul, în general, ca fiind produsul „o epocă de bani falși aliați cu cultura falsă”.

În unele domenii, efectele modernismului au rămas mai puternice și mai persistente decât în ​​altele. Arta vizuală a făcut cea mai completă ruptură cu trecutul său. Majoritatea capitalelor importante au muzee dedicate artei moderne, distincte de arta postrenascentista (c. 1400 - c. 1900). Printre exemple se numără Muzeul de Artă Modernă din New York, Tate Modern din Londra și Centrul Pompidou din Paris. Aceste galerii nu fac nicio distincție între fazele moderniste și postmoderniste, văzând ambele ca evoluții în cadrul artei moderne.

Vezi si

Note de subsol

Referințe

Surse

Lectură în continuare

linkuri externe