Opera -Opera

La Scala din Milano

Opera este o formă de teatru în care muzica este o componentă fundamentală, iar rolurile dramatice sunt preluate de cântăreți . O astfel de „operă” (traducerea literală a cuvântului italian „operă”) este de obicei o colaborare între un compozitor și un libretist și încorporează o serie de arte spectacolului , cum ar fi actoria , decorul , costumul și, uneori , dansul sau baletul . Spectacolul este susținut de obicei într-o operă , acompaniat de o orchestră sau un ansamblu muzical mai mic , care de la începutul secolului al XIX-lea este condus de un dirijor . Deși teatrul muzical este strâns legat de operă, cele două sunt considerate a fi distincte unul de celălalt.

Opera este o parte cheie a tradiției muzicii clasice occidentale . Înțeleasă inițial ca o piesă cântată în întregime, spre deosebire de o piesă cu cântece, opera a ajuns să includă numeroase genuri , inclusiv unele care includ dialog vorbit, cum ar fi Singspiel și Opéra comique . În opera tradițională cu numere , cântăreții folosesc două stiluri de cântat: recitativ , un stil cu flexie de vorbire și arii autonome . Secolul al XIX-lea a văzut ascensiunea dramei muzicale continue .

Opera și-a luat naștere în Italia la sfârșitul secolului al XVI-lea (cu Dafne , în mare parte pierdută de Jacopo Peri , produs la Florența în 1598), în special din lucrările lui Claudio Monteverdi , în special L'Orfeo , și s-a răspândit curând în restul Europei: Heinrich Schütz în Germania, Jean-Baptiste Lully în Franța și Henry Purcell în Anglia au contribuit cu toții la stabilirea tradițiilor lor naționale în secolul al XVII-lea. În secolul al XVIII-lea, opera italiană a continuat să domine cea mai mare parte a Europei (cu excepția Franței), atrăgând compozitori străini precum George Frideric Handel . Opera seria a fost cea mai prestigioasă formă de operă italiană, până când Christoph Willibald Gluck a reacționat împotriva artificialității acesteia cu operele sale „de reformă” în anii 1760. Cea mai renumită figură a operei de la sfârșitul secolului al XVIII-lea este Wolfgang Amadeus Mozart , care a început cu opera seria, dar este cel mai faimos pentru operele sale comice italiene , în special Căsătoria lui Figaro ( Le nozze di Figaro ), Don Giovanni și Così fan tutte . precum și Die Entführung aus dem Serail ( Răpirea din seraglio ) și Flautul magic ( Die Zauberflöte ), repere în tradiția germană.

Prima treime a secolului al XIX-lea a văzut punctul culminant al stilului bel canto , cu Gioachino Rossini , Gaetano Donizetti și Vincenzo Bellini , toți creând lucrări semnate ale acestui stil. De asemenea, a văzut apariția operei mari , caracterizată de lucrările lui Daniel Auber și Giacomo Meyerbeer, precum și de introducerea lui Carl Maria von Weber a German Romantische Oper (Opera romantică germană). De la mijlocul până la sfârșitul secolului al XIX-lea a fost o epocă de aur a operei, condusă și dominată de Giuseppe Verdi în Italia și Richard Wagner în Germania. Popularitatea operei a continuat prin epoca verismo în Italia și opera franceză contemporană până la Giacomo Puccini și Richard Strauss la începutul secolului al XX-lea. În secolul al XIX-lea, tradițiile operistice paralele au apărut în Europa Centrală și de Est, în special în Rusia și Boemia . Secolul al XX-lea a văzut multe experimente cu stiluri moderne, cum ar fi atonalitatea și serialul ( Arnold Schoenberg și Alban Berg ), neoclasicismul ( Igor Stravinsky ) și minimalismul ( Philip Glass și John Adams ). Odată cu creșterea tehnologiei de înregistrare , cântăreți precum Enrico Caruso și Maria Callas au devenit cunoscuți unui public mult mai larg, care a depășit cercul fanilor de operă. De la inventarea radioului și a televiziunii, operele au fost interpretate și pe aceste medii (și scrise pentru). Începând cu 2006, o serie de case de operă importante au început să prezinte transmisii video live de înaltă definiție ale spectacolelor lor în cinematografele din întreaga lume. Din 2009, spectacolele complete pot fi descărcate și sunt transmise în direct .

Terminologia operatică

Cuvintele unei opere sunt cunoscute ca libret (însemnând „carte mică”). Unii compozitori, în special Wagner, și-au scris propriile librete; alții au lucrat în strânsă colaborare cu libretiștii lor, de exemplu Mozart cu Lorenzo Da Ponte . Opera tradițională, denumită adesea „ opera cu numere ”, constă din două moduri de cântare: recitativ , pasajele care conduc intriga cântate într-un stil menit să imite și să sublinieze inflexiunile vorbirii și aria (un „aer” sau un cântec formal). ) în care personajele își exprimă emoțiile într-un stil melodic mai structurat. Adesea apar duete vocale, triouri și alte ansambluri, iar refrenele sunt folosite pentru a comenta acțiunea. În unele forme de operă, cum ar fi singspiel , opéra comique , opereta și semi-operă , recitativul este în mare parte înlocuit de dialog vorbit. Pasajele melodice sau semi-melodice care apar în mijlocul sau în locul recitativului sunt denumite și arioso . Terminologia diferitelor tipuri de voci de operă este descrisă în detaliu mai jos . Atât în ​​perioada baroc , cât și în cea clasică , recitativul putea apărea în două forme de bază, fiecare dintre acestea fiind însoțită de un ansamblu instrumental diferit: recitativ secco (sec), cântat cu un ritm liber dictat de accentul cuvintelor, însoțit doar de basso . continuo , care era de obicei un clavecin și un violoncel; sau accompagnato (cunoscut și ca instrumentato ) în care orchestra a oferit acompaniament. De-a lungul secolului al XVIII-lea, arii au fost din ce în ce mai mult acompaniate de orchestră. Până în secolul al XIX-lea, accompagnato a căpătat avantajul, orchestra a jucat un rol mult mai important, iar Wagner a revoluționat opera eliminând aproape orice distincție între arie și recitativ în căutarea a ceea ce Wagner a numit „melodie fără sfârșit”. Compozitorii următori au avut tendința să urmeze exemplul lui Wagner , deși unii, cum ar fi Stravinsky în The Rake's Progress, s-au dezamăgit de această tendință. Rolul în schimbare al orchestrei în operă este descris mai detaliat mai jos .

Istorie

Origini

Cuvântul italian opera înseamnă „muncă”, atât în ​​sensul muncii depuse, cât și al rezultatului produs. Cuvântul italian derivă din cuvântul latin opera , un substantiv singular care înseamnă „lucrare” și, de asemenea, pluralul substantivului opus . Conform Oxford English Dictionary , cuvântul italian a fost folosit pentru prima dată în sensul „compoziție în care poezia, dansul și muzica sunt combinate” în 1639; prima utilizare înregistrată în limba engleză în acest sens datează din 1648.

Dafne de Jacopo Peri a fost cea mai veche compoziție considerată operă, așa cum se înțelege astăzi. A fost scrisă în jurul anului 1597, în mare parte sub inspirația unui cerc de elită de umaniști florentini alfabetizați , care s-au adunat sub numele de „ Camerata de’ Bardi ”. În mod semnificativ, Dafne a fost o încercare de a revigora drama clasică greacă , parte a renașterii mai ample a antichității, caracteristică Renașterii . Membrii Cameratei au considerat că părțile „cor” ale dramelor grecești au fost cântate inițial și, eventual, chiar întregul text al tuturor rolurilor; opera a fost astfel concepută ca o modalitate de „restaurare” a acestei situații. Dafne, însă, este pierdută. O lucrare ulterioară a lui Peri, Euridice , datând din 1600, este prima partitură de operă care a supraviețuit până în prezent. Cu toate acestea, onoarea de a fi prima operă care trebuie interpretată în mod regulat revine lui Claudio Monteverdi L' Orfeo , compusă pentru curtea din Mantua în 1607. Curtea din Mantua a familiei Gonzaga , angajatorii Monteverdi, a jucat un rol semnificativ în originea operei angajând nu numai cântăreți de curte ai Concertului delle donne (până în 1598), ci și unul dintre primii „cântăreți de operă”, Madama Europa .

operă italiană

Epoca baroc

Antonio Vivaldi , în 1723
Teatru baroc privat din Český Krumlov

Opera nu a rămas mult timp limitată la publicul curții. În 1637, la Veneția a apărut ideea unui „sezon” (adesea în timpul carnavalului ) de opere cu participarea publică susținute de vânzarea de bilete . Monteverdi se mutase în orașul din Mantua și compusese ultimele sale opere, Il ritorno d'Ulisse in patria și L'incoronazione di Poppea , pentru teatrul venețian în anii 1640. Cel mai important urmaș al său, Francesco Cavalli, a contribuit la răspândirea operei în toată Italia. În aceste opere baroce timpurii, comedia largă a fost amestecată cu elemente tragice într-un amestec care a stârnit unele sensibilități educate, declanșând prima dintre numeroasele mișcări de reformă ale operei, sponsorizate de Academia Arcadiană, care a ajuns să fie asociată cu poetul Metastasio , ale cărui librete au ajutat . cristalizează genul operei seriale , care a devenit forma principală a operei italiene până la sfârșitul secolului al XVIII-lea. Odată ce idealul metastazic a fost ferm stabilit, comedia în opera din epoca barocului a fost rezervată pentru ceea ce a ajuns să fie numit opera buffa . Înainte ca astfel de elemente să fie forțate să iasă din opera seria, multe librete prezentau un complot comic care se desfășura separat ca un fel de „operă-în-o-operă”. Un motiv pentru aceasta a fost încercarea de a atrage în teatrele de operă publice membri ai clasei de comercianți în creștere, proaspăt bogați, dar încă nu la fel de cultivați ca nobilimea . Aceste comploturi separate au fost aproape imediat reînviate într-o tradiție în curs de dezvoltare separată care a derivat parțial din commedia dell'arte , o tradiție de scenă improvizatoare îndelungată a Italiei. Așa cum intermediul fusese odată jucat între actele pieselor de scenă, operele din noul gen comic de intermezzi , care s-a dezvoltat în mare parte la Napoli în anii 1710 și 1720, au fost inițial puse în scenă în timpul pauzelor operei seriale. Au devenit totuși atât de populare, încât au fost în curând oferite ca producții separate.

Opera seria avea un ton ridicat și o formă extrem de stilizată, constând de obicei din recitativ secco intercalate cu arii lungi da capo . Acestea au oferit o mare oportunitate pentru cântatul virtuos și în timpul epocii de aur a operei seriale, cântăreața a devenit cu adevărat vedeta. Rolul eroului a fost de obicei scris pentru vocea ascuțită a bărbaților castrato , care a fost produsă prin castrarea cântărețului înainte de pubertate , care a împiedicat transformarea laringelui băiatului la pubertate. Castrati precum Farinelli și Senesino , precum și soprane feminine precum Faustina Bordoni , au devenit foarte căutați în toată Europa, deoarece opera seria a condus scena în toate țările, cu excepția Franței. Farinelli a fost unul dintre cei mai faimoși cântăreți ai secolului al XVIII-lea. Opera italiană a stabilit standardul barocului. Libretele italiene erau o normă, chiar și atunci când un compozitor german precum Handel s-a trezit compunând oameni ca Rinaldo și Giulio Cesare pentru publicul londonez. Libretele italiene au rămas dominante și în perioada clasică , de exemplu în operele lui Mozart , care a scris la Viena aproape de sfârșitul secolului. Principalii compozitori de opera seria născuți în Italia includ Alessandro Scarlatti , Antonio Vivaldi și Nicola Porpora .

Reformele lui Gluck și Mozart

Ilustrație pentru partitura versiunii originale de la Viena a lui Orfeo ed Euridice

Opera seria a avut slăbiciunile și criticile ei. Gustul pentru înfrumusețare din partea cântăreților superb pregătiți și folosirea spectacolului ca înlocuitor pentru puritatea și unitatea dramatice au atras atacuri. Eseul despre operă al lui Francesco Algarotti (1755) s-a dovedit a fi o inspirație pentru reformele lui Christoph Willibald Gluck . El a susținut că opera seria trebuie să se întoarcă la elementele de bază și că toate elementele diferite - muzica (atât instrumentală, cât și vocală), baletul și punerea în scenă - trebuie să fie supuse dramei dominante. În 1765, Melchior Grimm a publicat „ Poème lyrique ”, un articol influent pentru Encyclopédie despre libretele de versuri și operă . Mai mulți compozitori ai perioadei, printre care Niccolò Jommelli și Tommaso Traetta , au încercat să pună în practică aceste idealuri. Primul care a reușit însă a fost Gluck. Gluck s-a străduit să obțină o „simplitate frumoasă”. Acest lucru este evident în prima sa operă de reformă, Orfeo ed Euridice , unde melodiile sale vocale non-virtuozice sunt susținute de armonii simple și de o prezență mai bogată a orchestrei.

Reformele lui Gluck au avut rezonanță de-a lungul istoriei operei. Weber, Mozart și Wagner, în special, au fost influențați de idealurile sale. Mozart, în multe privințe succesorul lui Gluck, a combinat un simț superb al dramei, armoniei, melodiei și contrapunctului pentru a scrie o serie de opere comice cu librete de Lorenzo Da Ponte, în special Le nozze di Figaro , Don Giovanni și Così fan tutte , care rămân printre cele mai iubite, populare și cunoscute opere. Dar contribuția lui Mozart la opera seria a fost mai amestecată; la vremea lui, acesta se stingea și, în ciuda unor lucrări atât de frumoase precum Idomeneo și La clemenza di Tito , nu avea să reușească să readucă la viață forma de artă.

Bel canto, Verdi și verismo

Giuseppe Verdi, de Giovanni Boldini , 1886

Mișcarea de operă bel canto a înflorit la începutul secolului al XIX-lea și este exemplificată de operele lui Rossini , Bellini , Donizetti , Pacini , Mercadante și mulți alții. Literal „cântat frumos”, opera bel canto derivă din școala stilistică italiană de canto cu același nume. Liniile Bel canto sunt de obicei floride și complicate, necesitând agilitate supremă și control al înclinării. Exemple de opere celebre în stil bel canto includ Il barbiere di Siviglia și La Cenerentola de Rossini , precum și Norma lui Bellini , La sonnambula și I puritani și Lucia di Lammermoor de Donizetti , L'elisir d'amore și Don Pasquale .

În urma erei bel canto, un stil mai direct și mai puternic a fost popularizat rapid de Giuseppe Verdi , începând cu opera sa biblică Nabucco . Această operă și cele care au urmat în cariera lui Verdi au revoluționat opera italiană, transformând-o dintr-un simplu spectacol de artificii vocale, cu lucrările lui Rossini și Donizetti, la o poveste dramatică. Operele lui Verdi au rezonat cu spiritul în creștere al naționalismului italian în epoca post- napoleonică și a devenit rapid o icoană a mișcării patriotice pentru o Italia unificată. La începutul anilor 1850, Verdi a produs cele mai populare trei opere ale sale: Rigoletto , Il trovatore și La traviata . Primul dintre aceștia, Rigoletto , s-a dovedit cel mai îndrăzneț și revoluționar. În ea, Verdi estompează distincția dintre arie și recitativ așa cum nu a fost niciodată până acum, conducând opera să fie „un șir nesfârșit de duete”. La traviata a fost și ea inedită. Spune povestea curtezanei și este adesea citată ca fiind una dintre primele opere „realiste”, deoarece, în loc să prezinte mari regi și figuri din literatură, se concentrează pe tragediile vieții obișnuite și ale societății. După acestea, el a continuat să-și dezvolte stilul, compunând poate cea mai mare operă franceză , Don Carlos , și și-a încheiat cariera cu două lucrări inspirate de Shakespeare , Otello și Falstaff , care dezvăluie cât de mult a crescut în sofisticare opera italiană de la începutul secolului al XIX-lea. secol. Aceste ultime două lucrări l-au arătat pe Verdi cel mai bine orchestrat și sunt atât incredibil de influente, cât și moderne. În Falstaff , Verdi stabilește standardul preeminent pentru forma și stilul care ar domina opera de-a lungul secolului al XX-lea. Mai degrabă decât melodii lungi și suspendate, Falstaff conține multe motive și motto-uri mici, care, în loc să fie extinse, sunt introduse și ulterior abandonate, pentru a fi reluate ulterior. Aceste motive nu sunt niciodată extinse și, așa cum publicul se așteaptă ca un personaj să se lanseze într-o melodie lungă, un nou personaj vorbește, introducând o nouă frază. Această modă de operă a regizat opera de la Verdi încolo, exercitând o influență extraordinară asupra succesorilor săi Giacomo Puccini , Richard Strauss și Benjamin Britten .

După Verdi, în Italia a apărut melodrama sentimentală „realistă” a verismului . Acesta a fost un stil introdus de Cavalleria rusticana a lui Pietro Mascagni și Pagliacci de Ruggero Leoncavallo , care a ajuns să domine scenele de operă din lume cu lucrări atât de populare precum La bohème de Giacomo Puccini , Tosca și Madama Butterfly . Compozitori italieni de mai târziu, precum Berio și Nono , au experimentat modernismul .

operă în limba germană

Regina nopții într-o producție din 1815 a lui Mozart Die Zauberflöte

Prima operă germană a fost Dafne , compusă de Heinrich Schütz în 1627, dar partitura nu a supraviețuit. Opera italiană a avut o mare influență asupra țărilor de limbă germană până la sfârșitul secolului al XVIII-lea. Cu toate acestea, formele native s-ar dezvolta în ciuda acestei influențe. În 1644, Sigmund Staden a produs primul Singspiel , Seelewig , o formă populară de operă în limba germană în care cântarea alternează cu dialogul vorbit. La sfârșitul secolului al XVII-lea și începutul secolului al XVIII-lea, Theater am Gänsemarkt din Hamburg a prezentat opere germane de Keizer , Telemann și Handel . Cu toate acestea, cei mai mulți dintre marii compozitori germani ai vremii, inclusiv însuși Händel, precum și Graun , Hasse și mai târziu Gluck , au ales să scrie majoritatea operelor lor în limbi străine, în special în italiană. Spre deosebire de opera italiană, care a fost în general compusă pentru clasa aristocratică, opera germană a fost în general compusă pentru mase și avea tendința de a prezenta melodii populare simple și abia la sosirea lui Mozart opera germană a reușit să se egaleze. Omologul italian în rafinament muzical. Compania de teatru a lui Abel Seyler a fost pionierat de operă serioasă în limba germană în anii 1770, marcând o ruptură cu divertismentul muzical anterior, mai simplu.

Richard Wagner

Singspiele de Mozart , Die Entführung aus dem Serail (1782) și Die Zauberflöte (1791) au reprezentat o descoperire importantă în obținerea recunoașterii internaționale pentru opera germană. Tradiția a fost dezvoltată în secolul al XIX-lea de către Beethoven cu Fidelio (1805), inspirat de climatul Revoluției Franceze . Carl Maria von Weber a stabilit opera romantică germană în opoziție cu dominația belcantului italian . Der Freischütz (1821) își arată geniul pentru crearea unei atmosfere supranaturale. Alți compozitori de operă ai vremii includ Marschner , Schubert și Lortzing , dar cea mai semnificativă figură a fost, fără îndoială, Wagner .

Brünnhilde se aruncă pe rugul funerar al lui Siegfried în Götterdämmerung a lui Wagner

Wagner a fost unul dintre cei mai revoluționari și controversați compozitori din istoria muzicii. Începând sub influența lui Weber și Meyerbeer , el a dezvoltat treptat un nou concept de operă ca Gesamtkunstwerk (o „operă de artă completă”), o fuziune de muzică, poezie și pictură. A crescut foarte mult rolul și puterea orchestrei, creând partituri cu o rețea complexă de laitmotive , teme recurente adesea asociate cu personajele și conceptele dramei, dintre care prototipuri pot fi auzite în operele sale anterioare, cum ar fi Der fliegende Holländer , Tannhäuser . și Lohengrin ; și era pregătit să încalce convențiile muzicale acceptate, cum ar fi tonalitatea , în căutarea sa pentru o mai mare expresivitate. În dramele sale muzicale mature, Tristan und Isolde , Die Meistersinger von Nürnberg , Der Ring des Nibelungen și Parsifal , el a abolit distincția dintre arie și recitativ în favoarea unui flux continuu de „melodie fără sfârșit”. Wagner a adus, de asemenea, o nouă dimensiune filozofică operei în operele sale, care se bazau de obicei pe povești din legendele germanice sau arthuriene . În cele din urmă, Wagner și-a construit propria operă la Bayreuth , cu o parte din patronajul lui Ludwig al II-lea al Bavariei , dedicat exclusiv interpretării propriilor lucrări în stilul pe care și-l dorea.

Opera nu va mai fi niciodată la fel după Wagner și pentru mulți compozitori moștenirea sa s-a dovedit o povară grea. Pe de altă parte, Richard Strauss a acceptat ideile wagneriene, dar le-a luat în direcții cu totul noi, împreună cu încorporarea noii forme introduse de Verdi. A câștigat faima pentru prima dată cu scandaloasa Salome și cu tragedia întunecată Elektra , în care tonalitatea a fost împinsă la limită. Apoi Strauss și-a schimbat direcția în cel mai mare succes al său, Der Rosenkavalier , unde Mozart și valsurile vieneze au devenit o influență la fel de importantă ca și Wagner. Strauss a continuat să producă un corp foarte variat de lucrări de operă, adesea cu librete ale poetului Hugo von Hofmannsthal . Alți compozitori care au adus contribuții individuale la opera germană la începutul secolului al XX-lea includ Alexander von Zemlinsky , Erich Korngold , Franz Schreker , Paul Hindemith , Kurt Weill și Ferruccio Busoni , născut în Italia . Inovațiile operistice ale lui Arnold Schoenberg și ale succesorilor săi sunt discutate în secțiunea despre modernism .

La sfârșitul secolului al XIX-lea, compozitorul austriac Johann Strauss II , un admirator al operetelor în limba franceză compuse de Jacques Offenbach , a compus mai multe operete în limba germană, dintre care cea mai cunoscută a fost Die Fledermaus . Cu toate acestea, mai degrabă decât să copieze stilul lui Offenbach, operetele lui Strauss II aveau o aromă deosebit de vieneză .

opera franceza

O reprezentație a operei Armide a lui Lully în Salle du Palais-Royal în 1761

În rivalitatea cu producțiile de operă italiene importate, o tradiție franceză separată a fost fondată de compozitorul francez de origine italiană Jean-Baptiste Lully la curtea regelui Ludovic al XIV-lea . În ciuda locului său de naștere în străinătate, Lully a înființat o Academie de Muzică și a monopolizat opera franceză din 1672. Începând cu Cadmus et Hermione , Lully și libretistul său Quinault au creat tragédie en musique , o formă în care muzica de dans și scrierea corală au fost deosebit de importante. Operele lui Lully arată, de asemenea, o preocupare pentru recitativul expresiv care se potrivea cu contururile limbii franceze. În secolul al XVIII-lea, cel mai important succesor al lui Lully a fost Jean-Philippe Rameau , care a compus cinci tragedii în muzică, precum și numeroase lucrări din alte genuri, cum ar fi opéra-ballet , toate remarcabile pentru orchestrația lor bogată și îndrăzneala armonică. În ciuda popularității operei seriale italiene în cea mai mare parte a Europei în perioada barocului, opera italiană nu a câștigat niciodată un punct de sprijin în Franța, unde propria sa tradiție națională de operă a fost mai populară. După moartea lui Rameau, germanul Gluck a fost convins să producă șase opere pentru scena pariziană în anii 1770. Ele arată influența lui Rameau, dar simplificată și cu un accent mai mare pe dramă. În același timp, la mijlocul secolului al XVIII-lea, un alt gen câștiga popularitate în Franța: opéra comique . Acesta a fost echivalentul singspiel-ului german , în care arii alternau cu dialogul vorbit. Exemple notabile în acest stil au fost produse de Monsigny , Philidor și, mai ales, Grétry . În perioada revoluționară și napoleonică , compozitori precum Étienne Méhul , Luigi Cherubini și Gaspare Spontini , care erau adepți ai lui Gluck, au adus o nouă seriozitate genului, care în niciun caz nu fusese niciodată în întregime „comic”. Un alt fenomen al acestei perioade a fost „opera de propagandă” care sărbătorește succesele revoluționare, de exemplu, Le triomphe de la République de Gossec (1793).

Până în anii 1820, influența lui Gluck în Franța a lăsat loc gustului pentru bel canto italian , mai ales după sosirea lui Rossini la Paris . Guillaume Tell de Rossini a ajutat la crearea noului gen de operă mare , o formă al cărei exponent cel mai faimos a fost un alt străin, Giacomo Meyerbeer . Lucrările lui Meyerbeer, precum Les Huguenots , au pus accent pe cântarea virtuoză și efectele scenice extraordinare. Operă comique mai ușoară s-a bucurat, de asemenea, de un succes extraordinar în mâinile lui Boïeldieu , Auber , Hérold și Adam . În acest climat, operele compozitorului de origine franceză Hector Berlioz s-au străduit să obțină o audiere. Capodopera epică a lui Berlioz Les Troyens , punctul culminant al tradiției gluckiene, nu a primit o reprezentație completă timp de aproape o sută de ani.

În a doua jumătate a secolului al XIX-lea, Jacques Offenbach a creat operetă cu lucrări pline de spirit și cinic precum Orphée aux enfers , precum și opera Les Contes d'Hoffmann ; Charles Gounod a obținut un succes masiv cu Faust ; iar Georges Bizet a compus Carmen , care, odată ce publicul a învățat să accepte amestecul său de romantism și realism, a devenit cea mai populară dintre toate opéra comique. Jules Massenet , Camille Saint-Saëns și Léo Delibes au compus toți lucrări care încă fac parte din repertoriul standard, exemple fiind Manon de Massenet , Samson et Dalila de Saint-Saëns și Lakmé de Delibes . Operele lor au format un alt gen, Opera Lyrique, operă comică combinată cu operă mare. Este mai puțin grandios decât operă mare, dar fără dialogul vorbit al operei comique. În același timp, influența lui Richard Wagner a fost resimțită ca o provocare la adresa tradiției franceze. Mulți critici francezi au respins cu furie dramele muzicale ale lui Wagner, în timp ce mulți compozitori francezi le-au imitat îndeaproape, cu succes variabil. Poate cel mai interesant răspuns a venit de la Claude Debussy . Ca și în operele lui Wagner, orchestra joacă un rol principal în opera unică a lui Debussy Pelléas et Mélisande (1902) și nu există arii reale, ci doar recitativ. Dar drama este subestimată, enigmatică și complet newagneriană.

Alte nume notabile din secolul al XX-lea includ Ravel , Dukas , Roussel , Honegger și Milhaud . Francis Poulenc este unul dintre puținii compozitori postbeliști de orice naționalitate ale cărui opere (care includ Dialogues des Carmélites ) au câștigat un loc în repertoriul internațional. Îndelungata dramă sacră a lui Olivier Messiaen, Saint François d'Assise (1983) a atras, de asemenea, atenția pe scară largă.

operă în limba engleză

În Anglia, antecedentul operei a fost jig-ul din secolul al XVII-lea . Aceasta a fost o piesă de după care a venit la sfârșitul unei piese de teatru. A fost adesea calomnios și scandalos și a constat în principalul dialog pus pe muzică aranjată din melodii populare. În acest sens, jigurile anticipează operele cu baladă din secolul al XVIII-lea. În același timp, masca franceză câștiga o stăpânire fermă la Curtea engleză, cu o splendoare și mai fastuoasă și peisaje extrem de realiste decât se vedeau înainte. Inigo Jones a devenit designerul prin excelență al acestor producții, iar acest stil avea să domine scena engleză timp de trei secole. Aceste măști conțineau cântece și dansuri. În Lovers Made Men (1617) al lui Ben Jonson , „întreaga masca a fost cântată după maniera italiană, stilo recitativo”. Abordarea Commonwealth-ului englez a închis teatrele și a oprit orice evoluție care ar fi putut duce la înființarea operei engleze. Cu toate acestea, în 1656, dramaturgul Sir William Davenant a produs The Siege of Rhodos . Întrucât teatrul său nu era autorizat să producă drame, el a cerut câțiva dintre cei mai importanți compozitori ( Lawes , Cooke , Locke , Coleman și Hudson ) să pună secțiuni din ea pe muzică. Acest succes a fost urmat de The Cruelty of the Spaniards in Peru (1658) și The History of Sir Francis Drake (1659). Aceste piese au fost încurajate de Oliver Cromwell pentru că au criticat Spania. Odată cu Restaurarea engleză , muzicienii străini (în special francezi) au fost primiți înapoi. În 1673, Psyche a lui Thomas Shadwell , modelat pe „comedia-ballet” din 1671 cu același nume, produs de Molière și Jean-Baptiste Lully . William Davenant a produs The Tempest în același an, care a fost prima adaptare muzicală a unei piese de teatru Shakespeare (compusă de Locke și Johnson). În jurul anului 1683, John Blow a compus Venus și Adonis , adesea considerate ca prima operă adevărată în limba engleză.

Succesorul imediat al lui Blow a fost cel mai cunoscut Henry Purcell . În ciuda succesului operei sale de capodalitate Dido and Aeneas (1689), în care acțiunea este promovată prin utilizarea recitativului în stil italian, cea mai bună lucrare a lui Purcell nu a fost implicată în compunerea unei opere tipice, dar, în schimb, a lucrat de obicei în cadrul constrângerile formatului de semi-operă , în care scene izolate și mascații sunt conținute în structura unei piese de teatru vorbite, cum ar fi Shakespeare în Regina-Zânelor de Purcell (1692) și Beaumont și Fletcher în Profetesa (1690) și Bonduca (1696) . ). Personajele principale ale piesei tind să nu fie implicate în scenele muzicale, ceea ce înseamnă că Purcell a fost rareori capabil să-și dezvolte personajele prin cântec. În ciuda acestor obstacole, scopul său (și cel al colaboratorului său John Dryden ) a fost să stabilească o operă serioasă în Anglia, dar aceste speranțe s-au încheiat odată cu moartea timpurie a lui Purcell, la vârsta de 36 de ani.

În urma lui Purcell, popularitatea operei în Anglia a scăzut timp de câteva decenii. Un interes reînviat pentru operă a avut loc în anii 1730, care este în mare măsură atribuit lui Thomas Arne , atât pentru propriile sale compoziții, cât și pentru alertarea lui Händel asupra posibilităților comerciale ale operelor de mare anvergură în limba engleză. Arne a fost primul compozitor englez care a experimentat cu opera comică în stil italian, cel mai mare succes fiind Thomas și Sally în 1760. Opera sa Artaxerxes (1762) a fost prima încercare de a crea o serie de operă în toată regula în engleză și a avut un succes uriaș, ținând scena până în anii 1830. Deși Arne a imitat multe elemente ale operei italiene, el a fost poate singurul compozitor englez la acea vreme care a reușit să treacă dincolo de influențele italiene și să-și creeze propria sa voce unică și distinctă englezească. Opera sa de baladă modernizată, Love in a Village (1762), a început o vogă pentru opera pastișă care a durat până în secolul al XIX-lea. Charles Burney a scris că Arne a introdus „o melodie ușoară, aerisită, originală și plăcută, complet diferită de cea a lui Purcell sau Handel, pe care toți compozitorii englezi fie i-au jefuit, fie i-au imitat”.

Mikado (Litografia)

Pe lângă Arne, cealaltă forță dominantă în opera engleză în acest moment a fost George Frideric Handel , ale cărui serii de operă au umplut scenele de operă londoneze timp de decenii și au influențat majoritatea compozitorilor autohtoni, precum John Frederick Lampe , care a scris folosind modele italiene. Această situație a continuat de-a lungul secolelor al XVIII-lea și al XIX-lea, inclusiv în opera lui Michael William Balfe , iar operele marilor compozitori italieni, precum și cele ale lui Mozart, Beethoven și Meyerbeer, au continuat să domine scena muzicală din Anglia.

Singurele excepții au fost operele cu baladă , cum ar fi Opera lui John Gay , The Beggar's Opera (1728), burlescurile muzicale , operetele europene și operele ușoare ale epocii victoriane târzii , în special operele Savoy ale lui WS Gilbert și Arthur Sullivan , toate tipurile muzicale. distracțiile au falsificat adesea convențiile operistice. Sullivan a scris o singură operă măreață, Ivanhoe (în urma eforturilor unui număr de tineri compozitori englezi începând cu 1876), dar a susținut că până și operele sale ușoare fac parte dintr-o școală de operă „engleză”, menită să înlocuiască operetele franceze ( interpretat de obicei în traduceri proaste) care dominaseră scena londoneze de la mijlocul secolului al XIX-lea până în anii 1870. Daily Telegraph din Londra a fost de acord, descriind The Yeomen of the Guard drept „o operă engleză autentică, precursoare a multor altele, să sperăm și, posibil, semnificativă a unui avans către o etapă lirică națională”. Sullivan a produs câteva opere ușoare în anii 1890, care erau de natură mai serioasă decât cele din seria G&S, inclusiv Haddon Hall și The Beauty Stone , dar Ivanhoe (care a rulat timp de 155 de reprezentații consecutive, folosind distribuții alternative - un record până la Broadway's La bohème ) supraviețuiește ca singura sa operă grandioasă .

În secolul al XX-lea, opera engleză a început să-și afirme mai multă independență, cu lucrări ale lui Ralph Vaughan Williams și în special ale lui Benjamin Britten , care într-o serie de lucrări care rămân în repertoriul standard astăzi, au dezvăluit un fler excelent pentru muzicalitatea dramatică și superbă. Mai recent, Sir Harrison Birtwistle a devenit unul dintre cei mai importanți compozitori contemporani ai Marii Britanii, de la prima sa opera Punch și Judy până la cel mai recent succes de critică din The Minotaur . În primul deceniu al secolului 21, libretistul unei opere timpurii din Birtwistle, Michael Nyman , s-a concentrat pe compunerea de opere, inclusiv Facing Goya , Man and Boy: Dada și Love Counts . Astăzi, compozitori precum Thomas Adès continuă să exporte opera engleză în străinătate.

Tot în secolul al XX-lea, compozitori americani precum George Gershwin ( Porgy and Bess ), Scott Joplin ( Treemonisha ), Leonard Bernstein ( Candide ), Gian Carlo Menotti , Douglas Moore și Carlisle Floyd au început să contribuie cu opere în limba engleză infuzate cu accente de stiluri muzicale populare. Au fost urmați de compozitori precum Philip Glass ( Einstein pe plajă ), Mark Adamo , John Corigliano ( Fantomele Versailles ), Robert Moran , John Adams ( Nixon în China ), André Previn și Jake Heggie . Au apărut mulți compozitori de operă contemporani din secolul 21, cum ar fi Missy Mazzoli , Kevin Puts , Tom Cipullo , Huang Ruo , David T. Little , Terence Blanchard , Jennifer Higdon , Tobias Picker , Michael Ching , Anthony Davis și Ricky Ian Gordon .

operă rusă

Opera a fost adusă în Rusia în anii 1730 de către trupele de operă italiene și în curând a devenit o parte importantă a divertismentului pentru Curtea Imperială și aristocrație rusă . Mulți compozitori străini precum Baldassare Galuppi , Giovanni Paisiello , Giuseppe Sarti și Domenico Cimarosa (precum diverși alții) au fost invitați în Rusia pentru a compune noi opere, mai ales în limba italiană . Simultan, câțiva muzicieni autohtoni precum Maksym Berezovsky și Dmitri Bortniansky au fost trimiși în străinătate pentru a învăța să scrie opere. Prima operă scrisă în limba rusă a fost Tsefal i Prokris a compozitorului italian Francesco Araja (1755). Dezvoltarea operei în limba rusă a fost susținută de compozitorii ruși Vasily Pashkevich , Yevstigney Fomin și Alexey Verstovsky .

Cu toate acestea, adevărata naștere a operei rusești a venit cu Mihail Glinka și cele două mari opere ale sale O viață pentru țar (1836) și Ruslan și Lyudmila (1842). După el, în timpul secolului al XIX-lea în Rusia, au fost scrise capodopere de operă precum Rusalka și oaspetele de piatră de Alexander Dargomyzhsky , Boris Godunov și Khovanshchina de Modest Mussorgsky , Prințul Igor de Alexandru Borodin , Eugene Onegin și Regina de pică de Piotr Ceaikovski , și Fecioara zăpezii și Sadko de Nikolai Rimski-Korsakov . Aceste evoluții au reflectat creșterea naționalismului rus de-a lungul spectrului artistic, ca parte a mișcării mai generale de slavofilism .

În secolul al XX-lea, tradițiile operei rusești au fost dezvoltate de mulți compozitori, inclusiv Serghei Rachmaninoff în lucrările sale Cavalerul avar și Francesca da Rimini , Igor Stravinsky în Le Rossignol , Mavra , Oedipus rex și Progresul greblei , Serghei Prokofiev în The Gambler. , Dragostea pentru trei portocale , Îngerul de foc , Logodna într - o mănăstire şi Război şi pace ; precum și Dmitri Shostakovich în The Nose și Lady Macbeth of the Mtsensk District , Edison Denisov în L'écume des jours , și Alfred Schnittke în Life with an Idiot și Historia von D. Johann Fausten .

operă cehă

Compozitorii cehi au dezvoltat, de asemenea, o mișcare de operă națională înfloritoare în secolul al XIX-lea, începând cu Bedřich Smetana , care a scris opt opere , inclusiv popularul internațional The Bartered Bride . Cele opt opere ale lui Smetana au creat baza repertoriului de operă cehă, dar dintre acestea doar Mireasa troctă este interpretată în mod regulat în afara patriei compozitorului. După ce a ajuns la Viena în 1892 și la Londra în 1895, a devenit rapid parte a repertoriului oricărei mari companii de operă din întreaga lume.

Leoš Janáček în 1917

Cele nouă opere ale lui Antonín Dvořák , cu excepția primei sale, au librete în cehă și au fost menite să transmită spiritul național ceh, la fel ca unele dintre operele sale corale. De departe, cea mai de succes dintre opere este Rusalka , care conține binecunoscuta arie „Měsíčku na nebi hlubokém” („Cântec către Lună”); este jucat pe scenele de operă contemporană frecvent în afara Republicii Cehe . Acest lucru se datorează invenției și libretelor lor neuniforme și, probabil, și cerințelor lor de punere în scenă - Jacobinii , Armida , Vanda și Dimitrij au nevoie de scene suficient de mari pentru a portretiza armatele invadatoare.

Leoš Janáček a câștigat recunoaștere internațională în secolul al XX-lea pentru lucrările sale inovatoare. Lucrările sale ulterioare, mature, încorporează studiile sale anterioare de muzică populară națională într-o sinteză modernă, extrem de originală, evidentă pentru prima dată în opera Jenůfa , care a avut premiera în 1904 la Brno . Succesul lui Jenůfa (numită adesea „ opera națională a Moraviei ”) de la Praga în 1916 ia oferit lui Janáček acces la marile scene de operă din lume. Lucrările ulterioare ale lui Janáček sunt cele mai celebre ale sale. Printre ele se numără opere precum Káťa Kabanová și Mica vulpină vicleană , Sinfonietta și Masa glagolitică .

Alte opere nationale

Spania a produs, de asemenea, propria sa formă distinctă de operă, cunoscută sub numele de zarzuela , care a avut două înfloriri separate: una de la mijlocul secolului al XVII-lea până la mijlocul secolului al XVIII-lea și o alta începând cu 1850. La sfârșitul secolului al XVIII-lea până la mijlocul secolului al XVIII-lea. Secolul al XIX-lea, opera italiană a fost extrem de populară în Spania, înlocuind forma nativă.

În Europa de Est rusă, au început să apară mai multe opere naționale. Opera ucraineană a fost dezvoltată de Semen Hulak-Artemovsky (1813–1873) a cărei cea mai faimoasă operă Zaporozhets za Dunayem (Un cazac de dincolo de Dunăre) este jucată în mod regulat în întreaga lume. Alți compozitori de operă ucraineni includ Mykola Lysenko ( Taras Bulba și Natalka Poltavka ), Heorhiy Maiboroda și Yuliy Meitus . La începutul secolului, o mișcare națională distinctă de operă a început să apară și în Georgia sub conducerea Zacharia Paliashvili , care a fuzionat cântece și povești populare locale cu teme clasice romantice din secolul al XIX-lea .

Ferenc Erkel , tatăl operei maghiare

Figura cheie a operei naționale maghiare în secolul al XIX-lea a fost Ferenc Erkel , ale cărui lucrări s-au ocupat în mare parte de teme istorice. Printre operele sale cel mai des interpretate se numără Hunyadi László și Bánk bán . Cea mai faimoasă operă maghiară modernă este Castelul Ducelui Barba Albastră a lui Béla Bartók .

Opera lui Stanisław Moniuszko Straszny Dwór (în engleză The Haunted Manor ) (1861–64) reprezintă un vârf al operei naționale poloneze din secolul al XIX-lea . În secolul al XX-lea, alte opere create de compozitori polonezi au inclus Regele Roger de Karol Szymanowski și Ubu Rex de Krzysztof Penderecki .

Prima operă cunoscută din Turcia ( Imperiul Otoman ) a fost Arshak II , care a fost o operă armeană compusă de un compozitor etnic armean Tigran Chukhajian în 1868 și parțial interpretată în 1873. A fost pusă în scenă în 1945 în Armenia.

Primii ani ai Uniunii Sovietice au văzut apariția unor noi opere naționale, precum Koroğlu (1937) a compozitorului azer Uzeyir Hajibeyov . Prima operă kârgâză , Ai-Churek , a avut premiera la Moscova la Teatrul Bolșoi la 26 mai 1939, în timpul Deceniului Artei Kârgâzești. A fost compus de Vladimir Vlasov , Abdylas Maldybaev și Vladimir Fere . Libretul a fost scris de Joomart Bokonbaev, Jusup Turusbekov și Kybanychbek Malikov. Opera se bazează pe epicul eroic kârgâz Manas .

În Iran, opera a câștigat mai multă atenție după introducerea muzicii clasice occidentale la sfârșitul secolului al XIX-lea. Cu toate acestea, a durat până la mijlocul secolului al XX-lea pentru ca compozitorii iranieni să înceapă să experimenteze acest domeniu, mai ales că construcția Sălii Roudaki în 1967 a făcut posibilă punerea în scenă a unei mari varietăți de lucrări pentru scenă. Poate că cea mai faimoasă operă iraniană este Rostam and Sohrab de Loris Tjeknavorian, care a avut premiera abia la începutul anilor 2000.

Opera clasică chineză contemporană , o formă de operă în stil occidental în limba chineză, care este diferită de opera tradițională chineză , a avut opere care datează din The White Haired Girl în 1945.

În America Latină, opera a început ca urmare a colonizării europene. Prima operă scrisă vreodată în America a fost La púrpura de la rosa , de Tomás de Torrejón y Velasco , deși Partenope , de mexicanul Manuel de Zumaya , a fost prima operă scrisă de la un compozitor născut în America Latină (muzică acum pierdută). Prima operă braziliană pentru libret în portugheză a fost A Noite de São João , de Elias Álvares Lobo . Cu toate acestea, Antônio Carlos Gomes este în general considerat cel mai remarcabil compozitor brazilian, având un succes relativ în Italia cu operele sale cu tematică braziliană cu librete italiene, cum ar fi Il Guarany . Opera din Argentina s-a dezvoltat în secolul al XX-lea după inaugurarea Teatrului Colón din Buenos Aires — cu opera Aurora , de Ettore Panizza , fiind puternic influențată de tradiția italiană, din cauza imigrației. Alți compozitori importanți din Argentina includ Felipe Boero și Alberto Ginastera .

Tendințele contemporane, recente și moderniste

Modernism

Poate cea mai evidentă manifestare stilistică a modernismului în operă este dezvoltarea atonalității . Îndepărtarea de la tonalitate tradițională în operă a început cu Richard Wagner , și în special acordul Tristan . Compozitori precum Richard Strauss , Claude Debussy , Giacomo Puccini , Paul Hindemith , Benjamin Britten și Hans Pfitzner au împins mai departe armonia wagneriană cu o utilizare mai extremă a cromatismului și o utilizare mai mare a disonanței. Un alt aspect al operei moderniste este trecerea de la melodiile lungi, suspendate, la motto-uri scurte și rapide, așa cum a fost ilustrat pentru prima dată de Giuseppe Verdi în Falstaff . Compozitori precum Strauss, Britten, Shostakovich și Stravinsky au adoptat și extins acest stil.

Arnold Schoenberg în 1917; portret de Egon Schiele

Modernismul operistic a început cu adevărat în operele a doi compozitori vienezi, Arnold Schoenberg și studentul său Alban Berg , ambii compozitori și susținători ai atonalității și dezvoltării ei ulterioare (așa cum a fost elaborat de Schoenberg), dodecafonia . Lucrările muzicale-dramatice timpurii ale lui Schoenberg, Erwartung (1909, premiera în 1924) și Die glückliche Hand prezintă o utilizare intensă a armoniei cromatice și a disonanței în general. Schoenberg a folosit ocazional și Sprechstimme .

Cele două opere ale elevului lui Schoenberg, Alban Berg, Wozzeck (1925) și Lulu (incomplete la moartea sa în 1935) au multe dintre aceleași caracteristici descrise mai sus, deși Berg a combinat interpretarea sa extrem de personală a tehnicii pe doisprezece tonuri a lui Schoenberg cu pasaje melodice ale lui Schoenberg. o natură tonală mai tradițională (caracter destul de mahlerian) care explică, probabil, parțial de ce operele sale au rămas în repertoriul standard, în ciuda muzicii și intrigilor lor controversate. Teoriile lui Schoenberg au influențat (direct sau indirect) un număr semnificativ de compozitori de operă de atunci, chiar dacă ei înșiși nu au compus folosind tehnicile sale.

Stravinski în 1921

Compozitorii astfel influențați includ englezul Benjamin Britten , germanul Hans Werner Henze și rusul Dmitri Șostakovici . ( Philip Glass folosește, de asemenea, atonalitate, deși stilul său este în general descris drept minimalist , de obicei considerat ca o altă dezvoltare a secolului al XX-lea.)

Cu toate acestea, utilizarea atonalității de către modernismul operistic a stârnit și o reacție sub formă de neoclasicism . Un lider timpuriu al acestei mișcări a fost Ferruccio Busoni , care în 1913 a scris libretul pentru opera sa numerică neoclasică Arlecchino (primată interpretată în 1917). De asemenea, printre avangarda s-a aflat rusul Igor Stravinski . După ce a compus muzică pentru baletele Petrușka (1911) și Sarbatoarea primăverii (1913), produse de Diaghilev , Stravinski a trecut la neoclasicism, o dezvoltare care a culminat cu opera-oratoriul Oedip Rex (1927). Stravinski se îndepărtase deja de tendințele moderniste ale baletelor sale timpurii pentru a produce lucrări la scară mică care nu se califică pe deplin drept operă, dar care conțin cu siguranță multe elemente de operă, inclusiv Renard (1916: „un burlesc în cântec și dans”) și The Povestea soldatului (1918: „a fi citit, jucat și dansat”; în ambele cazuri descrierile și instrucțiunile sunt cele ale compozitorului). În cel din urmă, actorii declamă porțiuni de vorbire la un ritm specificat față de acompaniamentul instrumental, în mod deosebit asemănător cu genul german mai vechi al Melodramei . După lucrările sale inspirate de Rimski-Korsakov The Nightingale (1914) și Mavra (1922), Stravinsky a continuat să ignore tehnica serialistă și în cele din urmă a scris o operă cu numere diatonice în stilul secolului al XVIII-lea The Rake's Progress (1951). Rezistența sa la serialism (o atitudine pe care a inversat-o după moartea lui Schoenberg) s-a dovedit a fi o inspirație pentru mulți alți compozitori.

Alte tendințe

O tendință comună de-a lungul secolului al XX-lea, atât în ​​operă, cât și în repertoriul orchestral general, este utilizarea orchestrelor mai mici ca măsură de reducere a costurilor; marile orchestre din epoca romantică cu secțiuni uriașe de coarde, harpe multiple, coarne suplimentare și instrumente de percuție exotice nu mai erau fezabile. Pe măsură ce patronajul artelor guvernamental și privat a scăzut de-a lungul secolului al XX-lea, lucrări noi au fost adesea comandate și interpretate cu bugete mai mici, rezultând foarte adesea lucrări de cameră și opere scurte, într-un act. Multe dintre operele lui Benjamin Britten sunt scrise pentru doar 13 instrumentiști; Realizarea în două acte a lui Mark Adamo Little Women este realizată pentru 18 instrumentiști.

O altă trăsătură a operei de la sfârșitul secolului al XX-lea este apariția operelor istorice contemporane, în contrast cu tradiția de a baza operele pe istoria mai îndepărtată, re-povestirea de povești sau piese de teatru contemporane fictive, sau pe mituri sau legende. Moartea lui Klinghoffer , Nixon în China și Doctorul Atomic de John Adams , Dead Man Walking de Jake Heggie și Anna Nicole de Mark-Anthony Turnage exemplifică dramatizarea pe scenă a evenimentelor din amintirea vie recentă, în care personajele portretizate în operă erau în viață la momentul spectacolului în premieră.

Opera Metropolitană din SUA (cunoscută adesea sub denumirea de Met) a raportat în 2011 că vârsta medie a publicului său era de 60 de ani. Multe companii de operă au încercat să atragă un public mai tânăr pentru a opri tendința mai mare de îngrijire a publicului pentru muzica clasică din ultimele decenii . al secolului al XX-lea. Eforturile au condus la scăderea vârstei medii a audienței de la Met la 58 de ani în 2018, vârsta medie la Opera de Stat din Berlin a fost raportată la 54 de ani, iar Opera de la Paris a raportat o vârstă medie de 48 de ani. Criticul New York Times, Anthony Tommasini , a sugerat că „companiile în mod excesiv îndatorită de repertoriul standard” nu ajung la un public mai tânăr și mai curios.

Companiile mai mici din SUA au o existență mai fragilă și, de obicei, depind de o „pilotă mozaică” de sprijin din partea guvernelor de stat și locale, a întreprinderilor locale și a strângerii de fonduri. Cu toate acestea, unele companii mai mici au găsit modalități de a atrage noi audiențe. Pe lângă emisiunile de radio și televiziune ale spectacolelor de operă, care au avut un oarecare succes în câștigarea de noi audiențe, emisiunile de spectacole live către cinematografe au arătat potențialul de a ajunge la noi audiențe.

De la musicaluri înapoi la operă

Până la sfârșitul anilor 1930, unele muzicale au început să fie scrise cu o structură mai operică. Aceste lucrări includ ansambluri polifonice complexe și reflectă evoluțiile muzicale ale vremurilor lor. Porgy and Bess (1935), influențat de stilurile de jazz, și Candide (1956), cu pasajele sale lirice, cuprinzătoare și parodiile de operă, ambele au fost deschise pe Broadway , dar au devenit acceptate ca parte a repertoriului de operă. Musicale populare precum Show Boat , West Side Story , Brigadoon , Sweeney Todd , Passion , Evita , The Light in the Piazza , Phantom of the Opera și altele spun povești dramatice prin muzică complexă și în anii 2010 sunt uneori văzute în teatrele de operă. . The Most Happy Fella (1952) este cvasi-operistic și a fost reînviat de Opera din New York . Alte muzicale influențate de rock , cum ar fi Tommy (1969) și Jesus Christ Superstar (1971), Les Misérables (1980), Rent (1996), Spring Awakening (2006) și Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812 (2012) folosește diverse convenții operistice, cum ar fi prin compoziție , recitativ în loc de dialog și laitmotive .

Îmbunătățirea acustică în operă

Un tip subtil de întărire electronică a sunetului numit îmbunătățire acustică este utilizat în unele săli de concerte și teatre moderne unde sunt interpretate opere. Deși niciuna dintre marile teatre de operă „...folosește întărirea sonoră tradițională, în stil Broadway, în care majoritatea, dacă nu toți cântăreții sunt echipați cu microfoane radio amestecate la o serie de difuzoare inestetice împrăștiate în tot teatrul”, mulți folosesc o întărire sonoră . sistem pentru îmbunătățirea acustică și pentru amplificarea subtilă a vocilor din afara scenei, a cântăreților copiilor, a dialogului pe scenă și a efectelor sonore (de exemplu, clopotele bisericii în Tosca sau efectele de tunet în operele wagneriene).

Voci de operă

Tehnica vocală operatică a evoluat, într-un timp înainte de amplificarea electronică, pentru a le permite cântăreților să producă suficient volum pentru a fi auziți peste o orchestră, fără ca instrumentiștii să fie nevoiți să-și compromită substanțial volumul.

Clasificări vocale

Cântăreții și rolurile pe care le joacă sunt clasificate în funcție de tipul vocii , în funcție de tesitura , agilitatea, puterea și timbrul vocilor lor. Cântăreții de sex masculin pot fi clasificați în funcție de gama vocală ca bas , bas-bariton , bariton , baritenor , tenor și contratenor , iar cântăreții de sex feminin ca contralto , mezzo-soprano și soprană . (Bărbații cântă uneori în intervalele vocale „feminine”, caz în care sunt numiți sopranist sau contratenor. Contratenorul este întâlnit în mod obișnuit în operă, uneori cântând părți scrise pentru castrati - bărbați sterilizați la o vârstă fragedă special pentru a le oferi un cânt mai înalt. Cântăreții sunt apoi clasificați în funcție de dimensiune – de exemplu, o soprană poate fi descrisă ca soprană lirică, coloratura , soubrette , spinto sau soprană dramatică. Acești termeni, deși nu descriu pe deplin o voce cântăreață, asociază vocea cântărețului cu rolurile cele mai potrivite caracteristicilor vocale ale cântărețului.

Totuși, o altă subclasificare poate fi făcută în funcție de abilitățile sau cerințele actoricești, de exemplu basso buffo care adesea trebuie să fie un specialist în patter , precum și un actor comic. Acest lucru este realizat în detaliu în sistemul Fach al țărilor vorbitoare de germană, unde, din punct de vedere istoric, opera și drama vorbită erau adesea jucate de aceeași companie de repertoriu .

Vocea unui anumit cântăreț se poate schimba drastic de-a lungul vieții sale, rareori atingând maturitatea vocală până în al treilea deceniu și uneori nu până la vârsta mijlocie. Două tipuri de voci franceze, premiere dugazon și deuxieme dugazon , au fost numite după etapele succesive din cariera lui Louise-Rosalie Lefebvre (Mme. Dugazon). Alți termeni care își au originea în sistemul de distribuție a vedetelor din teatrele pariziene sunt baryton-martin și soprano falcon .

Utilizarea istorică a părților vocale

Următoarele sunt concepute doar ca o scurtă prezentare generală. Pentru articolele principale, vezi soprană , mezzo-soprano , contralto , tenor , bariton , bas , contratenor și castrato .

Vocea de soprană a fost de obicei folosită ca voce preferată pentru protagonista feminină a operei încă din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea. Anterior, era obișnuit ca acea parte să fie cântată de orice voce feminină sau chiar de un castrato . Accentul actual pus pe o gamă largă de voci a fost în primul rând o invenție a perioadei clasice . Înainte de asta, virtuozitatea vocală, nu gama, era prioritatea, cu părțile de soprană care rareori se extindeau peste un A înalt ( Hendel , de exemplu, a scris doar un singur rol extinzându-se la un Do înalt ), deși se presupunea că castratoul Farinelli posedă un vârf de vârf. D (gama lui inferioară a fost, de asemenea, extraordinară, extinzându-se până la tenorul C). Mezzo-soprano, un termen de origine relativ recentă, are, de asemenea, un repertoriu vast, variind de la rolul principal feminin din Dido și Enea de Purcell până la roluri grele precum Brangäne din Tristan și Isolda de Wagner (ambele sunt roluri cântate uneori de soprane; există este destul de multă mișcare între aceste două tipuri de voce). Pentru contralto adevărat, gama de piese este mai limitată, ceea ce a dat naștere glumei din interior că contralții cântă doar roluri de „vrăjitoare, cățe și cățele ”. În ultimii ani, multe dintre „rolurile de pantaloni” din epoca barocului, scrise inițial pentru femei, și cele cântate inițial de castrati, au fost reatribuite contratenorilor.

Vocii de tenor, din epoca clasică încoace, i s-a atribuit în mod tradițional rolul de protagonist masculin. Multe dintre cele mai provocatoare roluri de tenor din repertoriu au fost scrise în timpul erei bel canto , cum ar fi secvența lui Donizetti de 9 douri deasupra doului mijlociu în timpul La fille du régiment . Odată cu Wagner, s-a pus accent pe greutatea vocală pentru rolurile sale de protagonist, cu această categorie vocală descrisă ca Heldentenor ; această voce eroică a avut omologul său mai italian în roluri precum Calaf din Turandot al lui Puccini . Basurile au o istorie lungă în operă, fiind folosite în opera seria în roluri secundare și, uneori, pentru relief comic (precum și oferind un contrast cu preponderența vocilor înalte în acest gen). Repertoriul de bas este larg și variat, de la comedia lui Leporello din Don Giovanni până la nobilimea lui Wotan din Ciclul inelului lui Wagner , până la conflictul Regelui Filip al lui Verdi, Don Carlos . Între bas și tenor se află baritonul, care variază, de asemenea, în greutate, de la, de exemplu, Guglielmo în Così fan tutte de Mozart la Posa în Don Carlos de Verdi ; denumirea actuală „bariton” nu a fost standard până la mijlocul secolului al XIX-lea.

Cântăreți celebri

Castratoul Senesino , c. 1720

Spectacolele timpurii de operă au fost prea rare pentru ca cântăreții să își câștige existența exclusiv din stil, dar odată cu nașterea operei comerciale la mijlocul secolului al XVII-lea, au început să apară interpreți profesioniști. Rolul eroului masculin era de obicei încredințat unui castrato , iar în secolul al XVIII-lea, când opera italiană a fost interpretată în toată Europa, castrati de frunte care posedau o virtuozitate vocală extraordinară, precum Senesino și Farinelli , au devenit vedete internaționale. Cariera primei vedete majore feminine (sau prima donna ), Anna Renzi , datează de la mijlocul secolului al XVII-lea. În secolul al XVIII-lea, o serie de soprane italiene au câștigat renume internațional și s-au angajat adesea într-o rivalitate acerbă, cum a fost cazul Faustinei Bordoni și Francesca Cuzzoni , care au început o luptă între ele în timpul unei reprezentații a unei opere Händel. Francezilor nu le plăceau castrati, preferând ca eroii lor masculini să fie cânți de un haute-contre (un înalt tenor), dintre care Joseph Legros (1739–1793) a fost un exemplu important.

Deși patronajul operei a scăzut în ultimul secol în favoarea altor arte și mass-media (cum ar fi muzicale, cinema, radio, televiziune și înregistrări), mass-media și apariția înregistrărilor au susținut popularitatea multor cântăreți celebri, inclusiv Maria Callas , Enrico . Caruso , Amelita Galli-Curci , Kirsten Flagstad , Mario Del Monaco , Renata Tebaldi , Risë Stevens , Alfredo Kraus , Franco Corelli , Montserrat Caballé , Joan Sutherland , Birgit Nilsson , Nellie Melba , Rosa Ponselle , Beniamino Gigli , Jussi Björling , Feodor Chaörling , Cecilia Bartoli , Renée Fleming , Marilyn Horne , Bryn Terfel , Dmitri Hvorostovsky și cei trei tenori ( Luciano Pavarotti , Plácido Domingo , José Carreras ).

Schimbarea rolului orchestrei

Înainte de anii 1700, operele italiene foloseau o mică orchestră de coarde , dar rareori cânta pentru a-i însoți pe cântăreți. Solo-urile de operă în această perioadă au fost acompaniate de grupul de basso continuu , care consta din clavecin , „instrumente ciupite” precum lăuta și un instrument de bas. Orchestra de coarde cânta de obicei numai atunci când cântăreața nu cânta, cum ar fi în timpul „... intrărilor și ieșirilor, între numere vocale, [sau] pentru dansul [însoțitor]”. Un alt rol pentru orchestra în această perioadă a fost interpretarea unui ritornello orchestral pentru a marca sfârșitul solo-ului unui cântăreț. La începutul anilor 1700, unii compozitori au început să folosească orchestra de coarde pentru a marca anumite arii sau recitative „...ca speciale”; până în 1720, majoritatea arii erau acompaniate de o orchestră. Compozitori de operă precum Domenico Sarro , Leonardo Vinci , Giambattista Pergolesi , Leonardo Leo și Johann Adolf Hasse au adăugat noi instrumente orchestrei de operă și au dat instrumentelor noi roluri. Au adăugat instrumente de suflat la coarde și au folosit instrumente orchestrale pentru a cânta solo-uri instrumentale, ca o modalitate de a marca anumite arii ca fiind speciale.

Orchestra de operă germană de la începutul anilor 1950

Orchestra a oferit, de asemenea, o uvertură instrumentală înainte ca cântăreții să vină pe scenă încă din anii 1600. Euridice a lui Peri se deschide cu un scurt ritornello instrumental , iar L'Orfeo (1607) de Monteverdi se deschide cu o toccată , în acest caz o fanfară pentru trompete în surdină . Uvertura franceză, așa cum se găsește în operele lui Jean-Baptiste Lully, constă într-o introducere lentă într-un „ritm punctat” marcat, urmată de o mișcare plină de viață în stil fugato . Uvertura a fost frecvent urmată de o serie de melodii de dans înainte ca cortina să se ridice. Acest stil de uvertură a fost folosit și în opera engleză, în special în Dido și Aeneas de Henry Purcell . Haendel folosește, de asemenea, forma de uvertură franceză în unele dintre operele sale italiene, cum ar fi Giulio Cesare .

În Italia, o formă distinctă numită „uvertură” a apărut în anii 1680 și s-a stabilit în special prin operele lui Alessandro Scarlatti și s-a răspândit în toată Europa, înlocuind forma franceză ca uvertură standard de operă până la mijlocul secolului al XVIII-lea. Folosește trei mișcări în general homofonice : rapid-lent-rapid. Mișcarea de deschidere a fost în mod normal în metru dublu și într-o tonalitate majoră; mișcarea lentă din exemplele anterioare a fost scurtă și ar putea fi într-o cheie contrastantă; mișcarea finală a fost de dans, cel mai adesea cu ritmuri de gigă sau menuet , și a revenit la cheia secțiunii de deschidere. Pe măsură ce forma a evoluat, prima mișcare poate încorpora elemente asemănătoare fanfarei și a preluat modelul așa-numitei „forme sonatine” ( forma sonată fără secțiune de dezvoltare), iar secțiunea lentă a devenit mai extinsă și mai lirică.

În opera italiană după aproximativ 1800, „uvertura” a devenit cunoscută sub numele de sinfonia . Fisher notează, de asemenea, că termenul Sinfonia avanti l'opera (literalmente, „simfonia înainte de operă”) a fost „un termen timpuriu pentru o sinfonie folosită pentru a începe o operă, adică ca o uvertură, spre deosebire de una care servește pentru a începe o operă mai târziu. secțiunea lucrării”. În opera secolului al XIX-lea, în unele opere, uvertura, Vorspiel , Einleitung , Introducere, sau orice altceva s-ar putea numi, era porțiunea muzicii care are loc înainte de ridicarea cortinei; pentru uvertură nu mai era necesară o formă specifică, rigidă.

Rolul orchestrei în însoțirea cântăreților s-a schimbat în secolul al XIX-lea, pe măsură ce stilul clasic a trecut la epoca romantică. În general, orchestrele au devenit mai mari, au fost adăugate instrumente noi, cum ar fi instrumente de percuție suplimentare (de exemplu, tobă bas, chimvale, tobă etc.). Orchestrarea părților orchestrei s-a dezvoltat și ea în secolul al XIX-lea . În operele wagneriene, avangarda orchestrei a depășit uvertura. În operele wagneriene, cum ar fi Ciclul inelului , orchestra a interpretat adesea temele muzicale sau laitmotivele recurente , rol care a dat o importanță orchestrei care „... și-a ridicat statutul la cel de primadonă . Operele lui Wagner au fost marcate cu o amploare și o complexitate fără precedent, adăugând mai multe instrumente de alamă și dimensiuni uriașe de ansamblu: într-adevăr, partitura lui pentru Das Rheingold necesită șase harpe . În Wagner și în opera compozitorilor următori, precum Benjamin Britten, orchestra „comunică adesea fapte despre poveste care depășesc nivelurile de conștientizare ale personajelor din ea”. Drept urmare, criticii au început să considere orchestra ca având un rol analog cu cel al unui narator literar”.

Pe măsură ce rolul orchestrei și al altor ansambluri instrumentale s-a schimbat de-a lungul istoriei operei, la fel și rolul de a conduce muzicieni. În epoca barocului, muzicienii erau de obicei dirijați de clavecinul, deși se știe că compozitorul francez Lully a dirijat cu un toiag lung. În anii 1800, în perioada clasică, primul violonist, cunoscut și sub numele de concertmaster , conducea orchestra în timp ce stătea. De-a lungul timpului, unii regizori au început să se ridice și să folosească gesturi cu mâinile și brațele pentru a conduce interpreții. În cele din urmă, acest rol de director muzical a devenit denumit dirijor și a fost folosit un podium pentru a face mai ușor pentru toți muzicienii să-l vadă. Până la introducerea operelor wagneriene, complexitatea lucrărilor și orchestrele uriașe folosite pentru a le cânta i-au conferit dirijorului un rol din ce în ce mai important. Dirijorii moderni de operă au un rol provocator: trebuie să dirijeze atât orchestra în groapa orchestrei , cât și cântăreții de pe scenă.

Probleme de limbă și traducere

Încă din zilele lui Händel și Mozart, mulți compozitori au preferat italianul ca limbă pentru libretul operelor lor. Din epoca Bel Canto până la Verdi, compozitorii supravegheau uneori versiuni ale operelor lor atât în ​​italiană, cât și în franceză. Din această cauză, opere precum Lucia di Lammermoor sau Don Carlos sunt astăzi considerate canonice atât în ​​versiunea lor franceză, cât și în cea italiană.

Până la mijlocul anilor 1950, era acceptabil să se producă opere în traduceri, chiar dacă acestea nu fuseseră autorizate de compozitor sau de librettiștii originali. De exemplu, teatrele de operă din Italia îl puneau în mod obișnuit pe Wagner în italiană. După cel de-al Doilea Război Mondial, bursele de operă s-au îmbunătățit, artiștii s-au reorientat asupra versiunilor originale, iar traducerile au căzut în disgrație. Cunoașterea limbilor europene, în special italiană, franceză și germană, este astăzi o parte importantă a formării cântăreților profesioniști. „Cea mai mare parte a pregătirii operistice este în lingvistică și muzicalitate”, explică mezzo-soprana Dolora Zajick . „[Trebuie să înțeleg] nu numai ce cânt eu, ci și ce cântă toți ceilalți. Cânt italiană, cehă, rusă, franceză, germană, engleză.”

În anii 1980, au început să apară supertitlurile (uneori numite supratitrări ). Deși supertitlurile au fost mai întâi condamnate aproape universal ca o distragere a atenției, astăzi multe teatre de operă oferă fie supertitluri, în general proiectate deasupra arcului de prosceniu al teatrului , fie ecrane individuale, unde spectatorii pot alege din mai multe limbi. Emisiunile TV includ de obicei subtitrări, chiar dacă sunt destinate unui public care cunoaște bine limba (de exemplu, o emisiune RAI a unei opere italiene). Aceste subtitrări vizează nu numai persoanele cu auz, ci și publicul în general, deoarece un discurs cântat este mult mai greu de înțeles decât unul vorbit – chiar și în urechile vorbitorilor nativi. Subtitrarile în una sau mai multe limbi au devenit standard în emisiunile de operă, transmisiile simultane și edițiile DVD.

Astăzi, operele sunt interpretate rar în traducere. Excepții includ Opera Națională Engleză , Teatrul de Operă din Saint Louis , Teatrul de Opera din Pittsburgh și Opera South East, care favorizează traducerile în limba engleză. O altă excepție fac producțiile de operă destinate unui public tânăr, cum ar fi Hansel și Gretel de Humperdinck și unele producții din Flautul fermecat de Mozart .

Finanțarea

Cântăreți de operă suedezi într-un omagiu adus lui Kjerstin Dellert și Teatrului Palatului Ulriksdal la jubileul de 40 de ani din 2016 a finanțării, renovării și redeschiderii ulterioare.

În afara SUA, și mai ales în Europa, majoritatea teatrelor de operă primesc subvenții publice de la contribuabili. În Milano, Italia, 60% din bugetul anual al La Scala de 115 milioane de euro provine din vânzarea de bilete și donații private, restul de 40% provine din fonduri publice. În 2005, La Scala a primit 25% din subvenția de stat totală a Italiei de 464 de milioane de euro pentru artele spectacolului. În Marea Britanie, Arts Council England oferă fonduri Opera North , Royal Opera House , Welsh National Opera și English National Opera . Între 2012 și 2015, aceste patru companii de operă împreună cu English National Ballet , Birmingham Royal Ballet și Northern Ballet au reprezentat 22% din fondurile din portofoliul național al Arts Council. În acea perioadă, Consiliul a întreprins o analiză a finanțării sale pentru marile companii de operă și balet, stabilind recomandări și ținte pe care să le îndeplinească companiile înainte de deciziile de finanțare 2015-2018. În februarie 2015, preocupările legate de planul de afaceri al Operei Naționale Engleze au făcut ca Consiliul pentru Arte să-l plaseze „sub aranjamente speciale de finanțare” în ceea ce The Independent a numit „pasul fără precedent” de a amenința că va retrage finanțarea publică dacă preocupările consiliului nu erau satisfăcute până în 2017. Finanțarea publică europeană pentru operă a dus la o diferență între numărul de teatre de operă pe tot parcursul anului din Europa și din Statele Unite. De exemplu, „Germania are aproximativ 80 de teatre de operă pe tot parcursul anului [din 2004], în timp ce SUA, cu mai mult de trei ori populația, nu are niciuna. Chiar și Met are doar un sezon de șapte luni”.

Televiziune, cinema și internet

O piatră de hotar pentru difuzarea operei în SUA a fost atinsă pe 24 decembrie 1951, cu transmisiunea în direct a filmului Amahl and the Night Visitors , o operă într-un act de Gian Carlo Menotti . A fost prima operă compusă special pentru televiziune din America. O altă piatră de hotar a avut loc în Italia în 1992, când Tosca a fost transmisă în direct din decorurile sale romane originale și din momentele zilei: primul act a venit de la Biserica Sant'Andrea della Valle din secolul al XVI-lea, sâmbătă la prânz; Palazzo Farnese din secolul al XVI-lea a fost decorul celui de-al doilea la 20:15; iar duminica la ora 6 a fost difuzat actul al treilea de la Castel Sant'Angelo. Producția a fost transmisă prin satelit în 105 țări.

Marile companii de operă au început să-și prezinte spectacolele în cinematografele locale din Statele Unite și multe alte țări. Metropolitan Opera a început o serie de transmisii video live de înaltă definiție către cinematografele din întreaga lume în 2006. În 2007, spectacolele Met au fost prezentate în peste 424 de teatre din 350 de orașe din SUA. La bohème a ieșit pe 671 de ecrane din întreaga lume. Opera din San Francisco a început transmisiile video preînregistrate în martie 2008. În iunie 2008, aproximativ 125 de cinematografe din 117 orașe din SUA oferă spectacole. Transmisiile de operă video HD sunt prezentate prin aceleași proiectoare cinematografice digitale HD utilizate pentru marile filme de la Hollywood . Operă și festivaluri europene , inclusiv Opera Regală din Londra, Scala din Milano, Festivalul de la Salzburg , La Fenice din Veneția și Maggio Musicale din Florența și-au transmis, de asemenea, producțiile în teatrele din orașe din întreaga lume începând cu 2006, inclusiv 90 de orașe. in Statele Unite ale Americii

Apariția internetului a afectat și modul în care publicul consumă opera. În 2009 , Festivalul Opera britanică Glyndebourne a oferit pentru prima dată o descărcare video digitală online a producției sale complete din 2007 Tristan und Isolde . În sezonul 2013, festivalul a transmis online toate cele șase producții. În iulie 2012, prima operă comunitară online a avut premiera la Festivalul de Operă de la Savonlinna . Intitulat Free Will , a fost creat de membrii grupului de Internet Opera By You. Cei 400 de membri ai săi din 43 de țări au scris libretul, au compus muzica și au conceput decorurile și costumele folosind platforma web Wreckamovie . Savonlinna Opera Festival a oferit soliști profesioniști, un cor format din 80 de membri, o orchestră simfonică și mașini de scenă. A fost interpretat în direct la festival și transmis în direct pe internet.

Vezi si

Referințe

Note

Surse

Lectură în continuare

linkuri externe