Opera - Opera

De la Wikipedia, enciclopedia liberă

La Scala din Milano

Opera este o formă de teatru în care muzica este o componentă fundamentală, iar rolurile dramatice sunt luate de cântăreți , dar este distinctă de teatrul muzical . O astfel de „lucrare“ (traducerea literală a cuvântului italian „opera“) este în mod tipic o colaborare între un compozitor și un libretist și încorporează un număr de artele spectacolului , cum ar fi în calitate , decor , costum , și , uneori , dans sau balet . Spectacolul este de obicei dat într-un teatru de operă , însoțit de o orchestră sau un ansamblu muzical mai mic , care de la începutul secolului al XIX-lea a fost condus de un dirijor .

Opera este o parte esențială a tradiției muzicii clasice occidentale . Înțeleasă inițial ca o piesă complet cântată, spre deosebire de o piesă cu cântece, opera a ajuns să includă numeroase genuri , inclusiv unele care includ dialog vorbit precum teatrul muzical , Singspiel și Opéra comique . În opera tradițională cu numere , cântăreții folosesc două stiluri de cântat: recitativ , un stil flexionat de vorbire și arii autonome . Secolul al XIX-lea a cunoscut apariția dramaturgiei muzicale continue .

Opera a luat naștere în Italia la sfârșitul secolului al XVI-lea (cu cea mai mare parte a lui Dafne pierdută de Jacopo Peri , produsă la Florența în 1598) în special din lucrări de Claudio Monteverdi , în special L'Orfeo , și s-a răspândit curând în restul Europei: Heinrich Schütz în Germania, Jean-Baptiste Lully în Franța și Henry Purcell în Anglia au contribuit la stabilirea tradițiilor lor naționale în secolul al XVII-lea. În secolul al XVIII-lea, opera italiană a continuat să domine cea mai mare parte a Europei (cu excepția Franței), atrăgând compozitori străini precum George Frideric Handel . Opera seria a fost cea mai prestigioasă formă de operă italiană, până când Christoph Willibald Gluck a reacționat împotriva artificialității sale cu operele sale de „reformă” din anii 1760. Cea mai renumită figură a operei de la sfârșitul secolului al XVIII-lea este Wolfgang Amadeus Mozart , care a început cu opera seria, dar este cel mai faimos pentru operele sale comice italiene , în special Căsătoria lui Figaro ( Le nozze di Figaro ), Don Giovanni și Così fan tutte , precum și Die Entführung aus dem Serail ( Răpirea din seraglio ) și Flautul magic ( Die Zauberflöte ), repere în tradiția germană.

Prima treime a secolului al XIX-lea a văzut punctul culminant al stilului bel canto , Gioachino Rossini , Gaetano Donizetti și Vincenzo Bellini creând toate lucrări de semnătură în acest stil. De asemenea, a apărut apariția operei grandioase caracterizată de lucrările lui Daniel Auber și Giacomo Meyerbeer , precum și de introducerea lui Carl Maria von Weber a German Romantische Oper (Opera romantică germană). La mijlocul până la sfârșitul secolului al XIX-lea a fost o epocă de aur a operei, condusă și dominată de Giuseppe Verdi în Italia și Richard Wagner în Germania. Popularitatea operei a continuat prin epoca verismului în Italia și opera franceză contemporană până la Giacomo Puccini și Richard Strauss la începutul secolului al XX-lea. În secolul al XIX-lea, tradițiile operaționale paralele au apărut în Europa Centrală și de Est, în special în Rusia și Boemia . Secolul XX a cunoscut multe experimente cu stiluri moderne, precum atonalitatea și serialismul ( Arnold Schoenberg și Alban Berg ), Neoclasicismul ( Igor Stravinsky ) și Minimalismul ( Philip Glass și John Adams ). Odată cu creșterea tehnologiei de înregistrare , cântăreți precum Enrico Caruso și Maria Callas au devenit cunoscuți publicului mult mai larg care a depășit cercul fanilor operei. De la inventarea radioului și a televiziunii, operele au fost, de asemenea, interpretate pe (și scrise pentru) aceste suporturi. Începând din 2006, o serie de opere majore au început să prezinte transmisiuni video live de înaltă definiție ale spectacolelor lor în cinematografele din întreaga lume. Din 2009, spectacolele complete pot fi descărcate și sunt transmise în direct .

Terminologie operatică

Cuvintele unei opere sunt cunoscute sub numele de libret (literalmente „carte mică”). Unii compozitori, în special Wagner, și-au scris propriile librete; alții au lucrat în strânsă colaborare cu libretiștii lor, de ex. Mozart cu Lorenzo Da Ponte . Opera tradițională, adesea denumită „ operă numerică ”, constă din două moduri de a cânta: recitativ , pasajele de direcție a complotului cântate într-un stil conceput să imite și să sublinieze inflexiunile vorbirii și aria (un „aer” sau cântec formal ) în care personajele își exprimă emoțiile într-un stil melodic mai structurat. Deseuri vocale, triouri și alte ansambluri apar adesea, iar corurile sunt folosite pentru a comenta acțiunea. În unele forme de operă, cum ar fi singspiel , opéra comique , operetă și semi-operă , recitativul este în mare parte înlocuit de dialogul vorbit. Pasajele melodice sau semi-melodice care apar în mijlocul sau în loc de recitativ sunt denumite și arioso . Terminologia diferitelor tipuri de voci operice este descrisă în detaliu mai jos . Atât în ​​perioada barocă, cât și în cea clasică, recitativul ar putea apărea în două forme de bază, fiecare dintre ele fiind însoțită de un ansamblu instrumental diferit: secco (sec) recitativ, cântat cu un ritm liber dictat de accentul cuvintelor, însoțit doar de bas continuo , care era de obicei un clavecin și un violoncel; sau accompagnato (cunoscut și sub numele de strumentato ) în care orchestra a oferit acompaniament. În secolul al XVIII-lea, ariile au fost însoțite din ce în ce mai mult de orchestră. Până în secolul al XIX-lea, accompagnato a câștigat stăpânirea, orchestra a jucat un rol mult mai mare, iar Wagner a revoluționat opera abolind aproape toate distincțiile dintre aria și recitativ în căutarea a ceea ce Wagner a numit „melodie nesfârșită”. Compozitorii ulteriori au avut tendința de a urma exemplul lui Wagner, deși unii, cum ar fi Stravinsky în The Rake's Progress, au respins tendința. Rolul în schimbare al orchestrei în operă este descris mai detaliat mai jos .

Istorie

Origini

Cuvântul italian operă înseamnă „muncă”, atât în ​​sensul muncii depuse, cât și în rezultatul produs. Cuvântul italian derivă din opera latină , un substantiv singular care înseamnă „operă” și, de asemenea, pluralul substantivului opus . Conform Oxford English Dictionary , cuvântul italian a fost folosit pentru prima dată în sensul „compoziție în care poezia, dansul și muzica sunt combinate” în 1639; prima utilizare înregistrată a limbii engleze în acest sens datează din 1648.

Dafne de Jacopo Peri a fost cea mai veche compoziție considerată operă, așa cum s-a înțeles astăzi. A fost scrisă jurul valorii 1597, mare parte sub inspirația unui cerc elita de știință carte florentin umaniști care au adunat ca „ Camerata de“ Bardi , “. În mod semnificativ, Dafne a fost o încercare de a revigora drama clasică greacă , parte a renașterii mai largi a antichității caracteristică Renașterii . Membrii Cameratei au considerat că părțile „corului” dramelor grecești au fost inițial cântate și, eventual, chiar întregul text al tuturor rolurilor; opera a fost astfel concepută ca un mod de „restabilire” a acestei situații. Dafne este însă pierdut. O lucrare ulterioară a lui Peri, Euridice , datând din 1600, este prima piesă de operă care a supraviețuit până în prezent. Cu toate acestea, onoarea de a fi prima operă care urmează să fie interpretată în mod regulat revine lui L'Orfeo de Claudio Monteverdi , compus pentru curtea din Mantua în 1607. Curtea mantua din Gonzaga , angajatorii din Monteverdi, a jucat un rol semnificativ în originea operei angajând nu numai cântăreți de curte ai concertului delle donne (până în 1598), ci și unul dintre primii „cântăreți de operă”, Madama Europa .

Opera italiană

Epoca barocă

Teatru baroc privat în Český Krumlov

Opera nu a rămas mult timp limitată la audiența instanțelor. În 1637, a apărut la Veneția ideea unui „sezon” (adesea în timpul carnavalului ) al operelor participate public susținute de vânzarea de bilete . Monteverdi se mutase în oraș de la Mantua și compunea ultimele sale opere, Il ritorno d'Ulisse in patria și L'incoronazione di Poppea , pentru teatrul venețian din anii 1640. Cel mai important adept al său, Francesco Cavalli, a contribuit la răspândirea operei în toată Italia. În aceste opere baroce timpurii, comedia largă a fost amestecată cu elemente tragice într-un amestec care a zdruncinat unele sensibilități educate, declanșând prima dintre numeroasele mișcări de reformă ale operei, sponsorizate de Academia Arcadiană , care a ajuns să fie asociată cu poetul Metastasio , ale cărui libreti au ajutat cristalizează genul de opera seria , care a devenit forma principală a operei italiene până la sfârșitul secolului al XVIII-lea. Odată ce idealul metastazian a fost ferm stabilit, comedia din opera din epoca barocă a fost rezervată pentru ceea ce a ajuns să fie numit opera buffa . Înainte ca astfel de elemente să fie forțate să iasă din opera seria, multe librete aveau un complot comic desenat separat ca un fel de „operă-în-o-operă”. Un motiv pentru aceasta a fost încercarea de a atrage membri ai clasei comercianților în creștere, proaspăt înstăriți, dar totuși nu la fel de cultă ca nobilimea, la teatrele de operă publice . Aceste comploturi separate au fost resuscitate aproape imediat într-o tradiție în curs de dezvoltare separată, care derivă parțial din commedia dell'arte , o tradiție de scenă improvizată de lungă durată a Italiei. Așa cum intermediarii au fost interpretate odată între actele pieselor de teatru, operele din noul gen comic de intermezzi , care s-a dezvoltat în mare parte în Napoli în anii 1710 și 1720, au fost inițial puse în scenă în timpul intermitentelor operei serioase. Cu toate acestea, au devenit atât de populare încât au fost oferite în curând ca producții separate.

Opera seria avea un ton ridicat și o formă foarte stilizată, constând de obicei din recitativ secco intercalat cu arii lungi da capo . Acestea au oferit o mare oportunitate pentru cântarea virtuozică și, în epoca de aur a operei serioase , cântăreața a devenit cu adevărat vedeta. Rolul eroului a fost scris de obicei pentru vocea acută de castrato masculin , care a fost produsă de castrarea cântăreței înainte de pubertate , ceea ce a împiedicat transformarea laringelui unui băiat la pubertate. Castrati, cum ar fi Farinelli și Senesino , precum și sopranele feminine, cum ar fi Faustina Bordoni , au devenit foarte solicitate în întreaga Europă, deoarece opera seria a condus scena în fiecare țară, cu excepția Franței. Farinelli a fost unul dintre cei mai renumiți cântăreți ai secolului al XVIII-lea. Opera italiană a stabilit standardul baroc. Libretele italiene erau norma, chiar și atunci când un compozitor german precum Handel s-a trezit compunând lucruri precum Rinaldo și Giulio Cesare pentru publicul londonez. Libretele italiene au rămas dominante și în perioada clasică , de exemplu în operele lui Mozart , care a scris la Viena aproape de sfârșitul secolului. Printre compozitorii de operă seria de origine italiană se numără Alessandro Scarlatti , Antonio Vivaldi și Nicola Porpora .

Reformele lui Gluck și Mozart

Ilustrație pentru partitura versiunii originale de la Viena a Orfeo ed Euridice

Opera seria a avut slăbiciunile și criticile sale. Gustul pentru înfrumusețare în numele cântăreților superb pregătiți și utilizarea spectacolului ca înlocuitor al purității și unității dramatice au atras atacuri. Essay on the Opera (1755) de Francesco Algarotti s-a dovedit a fi o inspirație pentru reformele lui Christoph Willibald Gluck . El a susținut că opera seria trebuia să se întoarcă la elementele de bază și că toate diferitele elemente - muzică (atât instrumentală, cât și vocală), balet și punere în scenă - trebuie să fie subordonate dramei dominante. În 1765 Melchior Grimm a publicat „ Poème lyrique ”, un articol influent pentru Enciclopedia despre libretele lirice și de operă . Câțiva compozitori ai perioadei, inclusiv Niccolò Jommelli și Tommaso Traetta , au încercat să pună în practică aceste idealuri. Cu toate acestea, primul care a reușit a fost Gluck. Gluck s-a străduit să obțină o „simplitate frumoasă”. Acest lucru este evident în prima sa operă de reformă, Orfeo ed Euridice , unde melodiile sale vocale non-virtuozice sunt susținute de armonii simple și de o prezență a orchestrei mai bogată în toată lumea.

Reformele lui Gluck au avut rezonanță de-a lungul istoriei operatice. Weber, Mozart și Wagner, în special, au fost influențați de idealurile sale. Mozart, în multe privințe succesorul lui Gluck, a combinat un sentiment superb de dramă, armonie, melodie și contrapunct pentru a scrie o serie de opere comice cu librete de Lorenzo Da Ponte , în special Le nozze di Figaro , Don Giovanni și Così fan tutte , care rămân printre cele mai iubite, populare și cunoscute opere. Dar contribuția lui Mozart la opera seria a fost mai mult amestecată; la vremea lui era pe cale de dispariție și, în ciuda unor lucrări frumoase precum Idomeneo și La clemenza di Tito , nu va reuși să readucă la viață forma de artă.

Bel canto, Verdi și verismo

Giuseppe Verdi, de Giovanni Boldini , 1886

Mișcarea de operă bel canto a înflorit la începutul secolului al XIX-lea și este exemplificată de operele Rossini , Bellini , Donizetti , Pacini , Mercadante și multe altele. Literal „cânt frumos”, opera bel canto derivă din școala italiană de cântat stilistic cu același nume. Liniile de bel canto sunt de obicei floride și complicate, necesitând o agilitate supremă și un control al tonului. Exemple de opere celebre în stilul bel canto includ Il barbiere di Siviglia și La Cenerentola de Rossini , precum și Norma , La sonnambula și I puritani de Bellini și Lucia di Lammermoor de Donizetti , L'elisir d'amore și Don Pasquale .

După epoca bel cantoului, un stil mai direct și mai puternic a fost popularizat rapid de Giuseppe Verdi , începând cu opera sa biblică Nabucco . Această operă, precum și cele care vor urma în cariera lui Verdi, au revoluționat opera italiană, schimbând-o de la simplul spectacol de artificii vocale, cu operele lui Rossini și Donizetti, la povestirea dramatică. Operele lui Verdi au rezonat cu spiritul crescând al naționalismului italian în epoca post- napoleonică și a devenit rapid o icoană a mișcării patriotice pentru o Italia unificată. La începutul anilor 1850, Verdi a produs cele mai populare trei opere ale sale: Rigoletto , Il trovatore și La traviata . Primul dintre aceștia, Rigoletto , s-a dovedit cel mai îndrăzneț și revoluționar. În el, Verdi estompează distincția dintre aria și recitativ așa cum nu a fost niciodată, ducând opera să fie „un șir nesfârșit de duete”. La traviata a fost, de asemenea, roman. Spune povestea curtezanei și este adesea citată ca una dintre primele opere „realiste”, deoarece mai degrabă decât să prezinte mari regi și figuri din literatură, se concentrează pe tragediile vieții obișnuite și ale societății. După acestea, el a continuat să-și dezvolte stilul, compunând probabil cea mai mare mare operă franceză , Don Carlos , și încheindu-și cariera cu două opere inspirate de Shakespeare , Otello și Falstaff , care dezvăluie cât de mult a crescut opera italiană în rafinament de la începutul secolului al XIX-lea. secol. Aceste două lucrări finale au arătat-o ​​pe Verdi la cea mai magistrală orchestrare a sa și sunt atât de incredibil de influente, cât și moderne. În Falstaff , Verdi stabilește standardul preeminent pentru forma și stilul care ar domina opera de-a lungul secolului al XX-lea. Mai degrabă decât melodii lungi, suspendate, Falstaff conține multe motive mici și motto-uri, care, mai degrabă decât să fie extinse, sunt introduse și ulterior abandonate, pentru a fi readuse mai târziu. Aceste motive nu sunt niciodată extinse și, așa cum publicul se așteaptă ca un personaj să se lanseze într-o melodie lungă, un nou personaj vorbește, introducând o nouă frază. Această modă de operă a regizat opera de la Verdi, în continuare, exercitând o influență extraordinară asupra succesorilor săi Giacomo Puccini , Richard Strauss și Benjamin Britten .

După Verdi, melodrama sentimentală „realistă” a verismului a apărut în Italia. Acesta a fost un stil introdus de Pietro Mascagni lui Cavalleria Rusticana și Ruggiero Leoncavallo lui Paiațe , care a ajuns să domine scene de opera ale lumii cu astfel de lucrări populare ca Giacomo Puccini e La Bohème , Tosca și Madama Butterfly . Compozitori italieni mai târziu, precum Berio și Nono , au experimentat modernismul .

Opera în limba germană

Regina nopții într-o producție din 1815 a Die Zauberflöte de Mozart

Prima operă germană a fost Dafne , compusă de Heinrich Schütz în 1627, dar partitura muzicală nu a supraviețuit. Opera italiană a avut o mare influență asupra țărilor vorbitoare de limbă germană până la sfârșitul secolului al XVIII-lea. Cu toate acestea, formele native se vor dezvolta în ciuda acestei influențe. În 1644, Sigmund Staden a produs primul Singspiel , Seelewig , o formă populară de operă în limba germană în care cântatul alternează cu dialogul vorbit. La sfârșitul secolului al XVII-lea și începutul secolului al XVIII-lea, Teatrul am Gänsemarkt din Hamburg a prezentat opere germane de Keizer , Telemann și Handel . Cu toate acestea, majoritatea compozitorilor germani importanți ai vremii, inclusiv însuși Handel, precum și Graun , Hasse și mai târziu Gluck , au ales să scrie majoritatea operelor lor în limbi străine, în special în italiană. Spre deosebire de opera italiană, care a fost compusă în general pentru clasa aristocratică, opera germană a fost compusă în general pentru mase și a avut tendința de a prezenta melodii simple de tip folk și abia la sosirea lui Mozart opera germană a reușit să se potrivească Omolog italian în sofisticarea muzicală. Compania de teatru a lui Abel Seyler a fost pionierul operei serioase în limba germană în anii 1770, marcând o pauză cu divertismentul muzical anterior mai simplu.

Richard Wagner

Mozart e Singspiele , Răpirea din serai (1782) și Die Zauberflote (1791) au fost un progres important în realizarea de recunoaștere internațională pentru opera germană. Tradiția a fost dezvoltată în secolul al XIX-lea de Beethoven cu Fidelio (1805), inspirat de climatul Revoluției Franceze . Carl Maria von Weber a stabilit opera romantică germană în opoziție cu dominația bel cantoului italian . Lui Der Freischütz (1821) arată geniul său pentru a crea o atmosferă supranaturală. Alți compozitori de operă ai vremii includ Marschner , Schubert și Lortzing , dar cea mai semnificativă figură a fost, fără îndoială, Wagner .

Brünnhilde se aruncă asupra pirului funerar al lui Siegfried în
Götterdämmerung al lui Wagner

Wagner a fost unul dintre cei mai revoluționari și controversați compozitori din istoria muzicală. Începând sub influența lui Weber și Meyerbeer , el a dezvoltat treptat un nou concept de operă ca Gesamtkunstwerk (o „operă de artă completă”), o fuziune de muzică, poezie și pictură. El a sporit mult rolul și puterea orchestrei, creând partituri cu o rețea complexă de leitmotiv , teme recurente asociate adesea cu personajele și conceptele dramei, dintre care prototipuri pot fi auzite în operele sale anterioare precum Der fliegende Holländer , Tannhäuser și Lohengrin ; și a fost pregătit să încalce convențiile muzicale acceptate, cum ar fi tonalitatea , în căutarea unei expresivități mai mari. În dramele sale muzicale mature, Tristan und Isolde , Die Meistersinger von Nürnberg , Der Ring des Nibelungen și Parsifal , el a abolit distincția dintre aria și recitativ în favoarea unui flux continuu de „melodie nesfârșită”. Wagner a adus, de asemenea, o nouă dimensiune filosofică operei în operele sale, care se bazau de obicei pe povești din legenda germanică sau arturiană . În cele din urmă, Wagner și-a construit propria sa operă la Bayreuth cu o parte din patronajul lui Ludwig al II-lea al Bavariei , dedicat exclusiv interpretării propriilor opere în stilul dorit.

Opera nu ar fi niciodată aceeași după Wagner și pentru mulți compozitori moștenirea sa s-a dovedit o povară grea. Pe de altă parte, Richard Strauss a acceptat ideile wagneriene, dar le-a luat în direcții complet noi, alături de încorporarea noii forme introduse de Verdi. Mai întâi a câștigat faima cu scandalosul Salome și tragedia întunecată Elektra , în care tonalitatea a fost împinsă la limite. Apoi , Strauss a schimbat tack în cel mai mare succes său, Der Rosenkavalier , unde Mozart și vienez valsuri a devenit la fel de importantă ca și o influență Wagner. Strauss a continuat să producă un corp foarte variat de opere de operă, adesea cu librete ale poetului Hugo von Hofmannsthal . Alți compozitori care au contribuit individual la opera germană la începutul secolului al XX-lea includ Alexander von Zemlinsky , Erich Korngold , Franz Schreker , Paul Hindemith , Kurt Weill și Ferruccio Busoni, de origine italiană . Inovațiile operice ale lui Arnold Schoenberg și ale succesorilor săi sunt discutate în secțiunea despre modernism .

La sfârșitul secolului al XIX-lea, compozitorul austriac Johann Strauss II , un admirator al operetelor de limbă franceză compuse de Jacques Offenbach , a compus mai multe operete în limba germană, dintre care cea mai faimoasă a fost Die Fledermaus . Cu toate acestea, mai degrabă decât să copieze stilul lui Offenbach, operetele lui Strauss II aveau o aromă distinctă vieneză .

Opera franceză

Un spectacol al operei lui Lully Armide în Salle du Palais-Royal în 1761

În rivalitate cu producțiile de operă italiene importate, o tradiție franceză separată a fost fondată de italianul Jean-Baptiste Lully la curtea regelui Ludovic al XIV-lea . În ciuda originii sale străine, Lully a înființat o Academie de muzică și a monopolizat opera franceză din 1672. Începând cu Cadmus și Hermione , Lully și libretistul său Quinault au creat tragédie en musique , o formă în care muzica de dans și scrierea corală erau deosebit de proeminente. Operele lui Lully arată, de asemenea, o preocupare pentru recitativul expresiv care se potrivea contururilor limbii franceze. În secolul al XVIII-lea, cel mai important succesor al lui Lully a fost Jean-Philippe Rameau , care a compus cinci tragedii în muzică , precum și numeroase lucrări din alte genuri, cum ar fi opera-balet , toate remarcabile pentru orchestrația lor bogată și îndrăzneala armonică. În ciuda popularității operei italiene serioase în întreaga Europă în perioada barocă, opera italiană nu a câștigat niciodată un punct de sprijin în Franța, unde propria tradiție operistică națională a fost mai populară. După moartea lui Rameau, germanul Gluck a fost convins să producă șase opere pentru etapa pariziană în anii 1770. Ele arată influența lui Rameau, dar simplificată și cu o atenție mai mare asupra dramei. În același timp, la mijlocul secolului al XVIII-lea un alt gen câștiga popularitate în Franța: opéra comique . Acesta era echivalentul singspielului german , unde ariile alternau cu dialogul vorbit. Exemple remarcabile în acest stil au fost produse de Monsigny , Philidor și, mai presus de toate, Grétry . În perioada revoluționară și napoleonică , compozitori precum Étienne Méhul , Luigi Cherubini și Gaspare Spontini , care erau adepți ai lui Gluck, au adus o nouă seriozitate genului, care nu fusese niciodată „comic” niciodată. Un alt fenomen al acestei perioade a fost „opera de propagandă” care sărbătorea succesele revoluționare, de exemplu , Le triomphe de la République (1793) , de Gossec .

Până în anii 1820, influența gluckiană din Franța a dat locul gustului pentru bel canto italian , mai ales după sosirea lui Rossini la Paris . Guillaume Tell al lui Rossini a ajutat la înființarea noului gen al operei grandioase , o formă al cărei cel mai faimos exponent a fost un alt străin, Giacomo Meyerbeer . Lucrările lui Meyerbeer, precum Les Huguenots , au accentuat cântarea virtuoasă și efecte extraordinare de scenă. Brichetă Comique Opéra , de asemenea , sa bucurat de un succes imens în mâinile Boieldieu , Auber , Herold și Adam . În acest climat, operele compozitorului de origine franceză Hector Berlioz s-au străduit să obțină o audiere. Capodopera epică a lui Berlioz Les Troyens , punctul culminant al tradiției gluckiene, nu a primit o interpretare completă de aproape o sută de ani.

În a doua jumătate a secolului al XIX-lea, Jacques Offenbach a creat operetă cu lucrări ingenioase și cinice precum Orphée aux enfers , precum și opera Les Contes d'Hoffmann ; Charles Gounod a obținut un succes masiv cu Faust ; și Georges Bizet a compus-o pe Carmen , care, odată ce publicul a învățat să-și accepte amestecul de romantism și realism, a devenit cea mai populară dintre toate opera-comice. Jules Massenet , Camille Saint-Saëns și Léo Delibes toate lucrările compuse care sunt încă parte din repertoriul standard de , exemple fiind Massenet Manon , Saint-Saëns' Samson et Dalila și Delibe Lakmé . Operele lor au format un alt gen, Opera Lyrique, care a combinat opera comică și opera grandioasă. Este mai puțin grandios decât opera mare, dar fără dialogul vorbit al operei comice. În același timp, influența lui Richard Wagner a fost resimțită ca o provocare a tradiției franceze. Mulți critici francezi au respins cu furie dramele muzicale ale lui Wagner, în timp ce mulți compozitori francezi le-au imitat îndeaproape cu succes variabil. Poate cel mai interesant răspuns a venit de la Claude Debussy . La fel ca în operele lui Wagner, orchestra joacă un rol principal în opera unică a lui Debussy Pelléas et Mélisande (1902) și nu există arii reale, ci doar recitative. Dar drama este subevaluată, enigmatică și complet ne-wagneriană.

Alte nume notabile din secolul al XX-lea includ Ravel , Dukas , Roussel , Honegger și Milhaud . Francis Poulenc este unul dintre puținii compozitori postbelici de orice naționalitate ale căror opere (care includ Dialogues des Carmélites ) au câștigat un punct de sprijin în repertoriul internațional. Lunga dramă sacră a lui Olivier Messiaen Saint François d'Assise (1983) a atras, de asemenea, o atenție largă.

Opera în limba engleză

În Anglia, antecedent opera a fost secolul 17 calibrului . Aceasta a fost o piesă ulterioară care a venit la sfârșitul unei piese. A fost frecvent calomniant și scandalos și a constat în dialogul principal al muzicii aranjate din melodii populare. În acest sens, jigurile anticipează operele balade ale secolului al XVIII-lea. În același timp, masca franceză câștiga un control ferm la Curtea Engleză, cu o splendoare chiar mai fastuoasă și peisaje extrem de realiste decât se văzuse până acum. Inigo Jones a devenit designerul prin excelență al acestor producții, iar acest stil urma să domine scena engleză timp de trei secole. Aceste măști conțineau cântece și dansuri. În Lovers Made Men (1617) a lui Ben Jonson , „întreaga mască a fost cântată după maniera italiană, stilo recitativo”. Abordarea Commonwealth-ului englez a închis teatrele și a oprit orice evoluție care ar fi putut duce la înființarea operei engleze. Cu toate acestea, în 1656, dramaturgul Sir William Davenant a produs Asediul din Rodos . Deoarece teatrul său nu a fost autorizat să producă dramă, el a cerut mai multor compozitori de frunte ( Lawes , Cooke , Locke , Coleman și Hudson ) să seteze secțiuni din muzică. Acest succes a fost urmat de Cruzimea spaniolilor din Peru (1658) și Istoria lui Sir Francis Drake (1659). Aceste piese au fost încurajate de Oliver Cromwell, deoarece au criticat Spania. Odată cu restaurarea engleză , muzicienii străini (în special francezi) au fost întâmpinați înapoi. În 1673, Psyche-ul lui Thomas Shadwell , modelat pe „comedia-balet” cu același nume din 1671, produs de Molière și Jean-Baptiste Lully . William Davenant a produs The Tempest în același an, care a fost prima adaptare muzicală a unei piese de teatru Shakespeare (compusă de Locke și Johnson). În jurul anului 1683, John Blow a compus Venus și Adonis , adesea considerată prima operă adevărată în limba engleză.

Succesorul imediat al lui Blow a fost cel mai cunoscut Henry Purcell . În ciuda succesului capodoperelor sale Dido și Aeneas (1689), în care acțiunea este susținută de utilizarea recitativului în stil italian, o mare parte din cele mai bune lucrări ale lui Purcell nu au fost implicate în compunerea operei tipice, dar în schimb, el a lucrat de obicei în constrângerile formatului de semi-operă , unde scene izolate și măști sunt conținute în structura unei piese vorbite, cum ar fi Shakespeare în The Fairy-Queen de Purcell (1692) și Beaumont și Fletcher în The Prophetess (1690) și Bonduca (1696 ). Personajele principale ale piesei tind să nu fie implicate în scenele muzicale, ceea ce înseamnă că Purcell a fost rar în măsură să-și dezvolte personajele prin cântec. În ciuda acestor piedici, scopul său (și cel al colaboratorului său, John Dryden ) a fost să stabilească o operă serioasă în Anglia, dar aceste speranțe s-au încheiat odată cu moartea timpurie a lui Purcell la vârsta de 36 de ani.

După Purcell, popularitatea operei din Anglia a scăzut timp de câteva decenii. Un interes revigorat pentru operă a apărut în anii 1730, care este în mare parte atribuit lui Thomas Arne , atât pentru compozițiile sale proprii, cât și pentru a-l avertiza pe Handel cu privire la posibilitățile comerciale ale operelor la scară largă în limba engleză. Arne a fost primul compozitor englez care a experimentat cu opera comică în stil italian, cântată în întregime, cel mai mare succes al său fiind Thomas și Sally în 1760. Opera sa Artaxerxes (1762) a fost prima încercare de a stabili o operă serioasă în engleză și a avut un succes uriaș, menținând scena până în anii 1830. Deși Arne a imitat multe elemente ale operei italiene, el a fost poate singurul compozitor englez la acea vreme care a reușit să treacă dincolo de influențele italiene și să-și creeze propria voce unică și distinct engleză. Opera sa baladă modernizată, Love in a Village (1762), a început o modă pentru opera pastiche care a durat până în secolul al XIX-lea. Charles Burney a scris că Arne a introdus „o melodie ușoară, aerisită, originală și plăcută, cu totul diferită de cea a lui Purcell sau Handel, pe care toți compozitorii englezi o prădaseră sau o imitaseră”.

The Mikado (litografie)

Pe lângă Arne, cealaltă forță dominantă în opera engleză în acest moment a fost George Frideric Handel , ale cărui serii de operă au umplut etapele operice din Londra timp de decenii și au influențat majoritatea compozitorilor de casă, precum John Frederick Lampe , care a scris folosind modele italiene. Această situație a continuat de-a lungul secolelor 18 și 19, inclusiv în opera lui Michael William Balfe , iar operele marilor compozitori italieni, precum și cele ale lui Mozart, Beethoven și Meyerbeer, au continuat să domine scena muzicală din Anglia.

Singurele excepții au fost opere de balade , cum ar fi John Gay e cerșetor Opera (1728), muzicale burlesc , europene operetă , și târziu victorian opere de lumină , în special Savoy opere de WS Gilbert si Arthur Sullivan , care toate tipurile de muzicale distracțiile falsificau frecvent convențiile de operă. Sullivan a scris o singură mare operă, Ivanhoe (în urma eforturilor unui număr de tineri compozitori englezi începând cu 1876), dar a susținut că chiar și operele sale ușoare constituiau parte a unei școli de operă „engleză”, destinată să suplinească operetele franceze ( interpretate de obicei în traduceri proaste) care dominaseră scena londoneză de la mijlocul secolului al XIX-lea până în anii 1870. Daily Telegraph din Londra a fost de acord, descriind The Yeomen of the Guard drept „o adevărată operă engleză, precursoră a multor altele, să sperăm, și posibil semnificativă pentru un progres către o etapă lirică națională”. Sullivan a produs câteva opere ușoare în anii 1890 , care au fost de natură mai grave decât cele din seria G & S, inclusiv Haddon Hall și Beauty Piatra , dar Ivanhoe (care a fugit pentru 155 de spectacole consecutive, folosind mulaje-o alternativ record de până la Broadway La bohème ) supraviețuiește ca singura sa operă mare .

În secolul al XX-lea, opera engleză a început să afirme mai multă independență, cu lucrări ale lui Ralph Vaughan Williams și, în special, ale lui Benjamin Britten , care într-o serie de lucrări care rămân astăzi în repertoriul standard, au dezvăluit un fler excelent pentru muzicalitatea dramatică și superbă. Mai recent, Sir Harrison Birtwistle a apărut ca unul dintre cei mai importanți compozitori contemporani din Marea Britanie, de la prima sa operă Punch și Judy până la cel mai recent succes critic al său în The Minotaur . În primul deceniu al secolului XXI, libretistul unei prime opere Birtwistle, Michael Nyman , s-a concentrat pe compunerea operelor, inclusiv Facing Goya , Man and Boy: Dada și Love Counts . Astăzi, compozitori precum Thomas Adès continuă să exporte operă engleză în străinătate.

Tot în secolul al XX-lea, compozitori americani precum George Gershwin ( Porgy și Bess ), Scott Joplin ( Treemonisha ), Leonard Bernstein ( Candide ), Gian Carlo Menotti , Douglas Moore și Carlisle Floyd au început să contribuie cu opere în limba engleză infuzate cu atingeri de stiluri muzicale populare. Au urmat compozitori precum Philip Glass ( Einstein on the Beach ), Mark Adamo , John Corigliano ( The Ghosts of Versailles ), Robert Moran , John Adams ( Nixon în China ), André Previn și Jake Heggie . Au apărut mulți compozitori contemporani de operă din secolul XXI, cum ar fi Missy Mazzoli , Kevin Puts , Tom Cipullo , Huang Ruo , David T. Little , Terence Blanchard , Jennifer Higdon , Tobias Picker , Michael Ching și Ricky Ian Gordon .

Opera rusă

Opera a fost adusă în Rusia în anii 1730 de trupele de operă italiene și în curând a devenit o parte importantă a divertismentului pentru Curtea Imperială rusă și aristocrație . Mulți compozitori străini, precum Baldassare Galuppi , Giovanni Paisiello , Giuseppe Sarti și Domenico Cimarosa (precum și alți diverși) au fost invitați în Rusia pentru a compune noi opere, mai ales în limba italiană . În același timp, unii muzicieni domestici precum Maksym Berezovsky și Dmitry Bortniansky au fost trimiși în străinătate pentru a învăța să scrie opere. Prima operă scrisă în limba rusă a fost Tsefal i Prokris de compozitorul italian Francesco Araja (1755). Dezvoltarea operei în limba rusă a fost susținută de compozitorii ruși Vasily Pashkevich , Yevstigney Fomin și Alexey Verstovsky .

Cu toate acestea, nașterea reală a operei ruse a venit cu Mikhail Glinka și cele două mari opere ale sale O viață pentru țar (1836) și Ruslan și Lyudmila (1842). După el, în secolul al XIX-lea în Rusia, au fost scrise capodopere de operă precum Rusalka și The Stone Guest de Alexander Dargomyzhsky , Boris Godunov și Khovanshchina de Modest Mussorgsky , Prințul Igor de Alexander Borodin , Eugene Onegin și Regina de pică de Pyotr Ceaikovski și The Snow Maiden și Sadko de Nikolai Rimsky-Korsakov . Aceste evoluții au reflectat creșterea naționalismului rus pe tot spectrul artistic, ca parte a mișcării mai generale a slavofilismului .

În secolul al XX-lea, tradițiile operei rusești au fost dezvoltate de mulți compozitori, printre care Sergei Rachmaninoff, în lucrările sale Cavalerul avar și Francesca da Rimini , Igor Stravinsky în Le Rossignol , Mavra , Oedipus rex și The Rake's Progress , Sergei Prokofiev în The Gambler , Dragostea pentru trei portocale , Îngerul arzător , Logodna într-o mănăstire și Război și pace ; precum și Dmitri Shostakovich în The Nose and Lady Macbeth of the Mtsensk District , Edison Denisov în L'écume des jours și Alfred Schnittke în Life with an Idiot și Historia von D. Johann Fausten .

Opera cehă

Compozitorii cehi au dezvoltat, de asemenea, o mișcare de operă națională proprie în secolul al XIX-lea, începând cu Bedřich Smetana , care a scris opt opere, inclusiv popularul internațional Mireasa trocată . Cele opt opere ale lui Smetana au creat piatra de temelie a repertoriului de operă ceh, dar dintre acestea doar Mireasa trocată este interpretată în mod regulat în afara patriei compozitorului. După ce a ajuns la Viena în 1892 și la Londra în 1895, a devenit rapid parte din repertoriul fiecărei companii majore de operă din întreaga lume.

Cele nouă opere ale lui Antonín Dvořák , cu excepția primei sale, au librete în cehă și au fost destinate să transmită spiritul național ceh, la fel ca unele dintre operele sale corale. De departe cea mai reușită dintre opere este Rusalka, care conține aria binecunoscută „Měsíčku na nebi hlubokém” („Cântecul lunii”); se joacă frecvent în afara Republicii Cehe pe scene de operă contemporană . Acest lucru este atribuibil invenției lor inegale și libretelor, și poate și cerințelor lor de punere în scenă - Jacobinul , Armida , Vanda și Dimitrij au nevoie de etape suficient de mari pentru a înfățișa armatele invadatoare.

Scorul
Miresei barate a lui Smetana

Leoš Janáček a câștigat recunoaștere internațională în secolul al XX-lea pentru lucrările sale inovatoare. Lucrările sale ulterioare, mature, încorporează studiile sale anterioare de muzică populară națională într-o sinteză modernă, foarte originală, evidentă pentru prima dată în opera Jenůfa , care a avut premiera în 1904 la Brno . Succesul lui Jenůfa (denumit adesea „ opera națională moraviană ”) la Praga în 1916 i-a dat lui Janáček acces la marile scene de operă din lume. Lucrările ulterioare ale lui Janáček sunt cele mai celebre ale sale. Acestea includ opere precum Káťa Kabanová și The Vulning Little Vixen , Sinfonietta și Masa Glagolitic .

Alte opere naționale

Spania a produs, de asemenea, propria sa formă distinctă de operă, cunoscută sub numele de zarzuela , care avea două înfloriri separate: una de la mijlocul secolului al XVII-lea până la mijlocul secolului al XVIII-lea și alta începând în jurul anului 1850. Pe la sfârșitul secolului al XVIII-lea până la mijlocul Secolul al XIX-lea, opera italiană a fost extrem de populară în Spania, înlocuind forma nativă.

În Europa de Est rusă, au început să apară mai multe opere naționale. Opera ucraineană a fost dezvoltată de Semen Hulak-Artemovsky (1813–1873) a cărei cea mai faimoasă lucrare Zaporozhets za Dunayem (Un cazac dincolo de Dunăre) este interpretată în mod regulat în întreaga lume. Alți compozitori ucraineni de operă includ Mykola Lysenko ( Taras Bulba și Natalka Poltavka ), Heorhiy Maiboroda și Yuliy Meitus . La începutul secolului, a început să apară și o mișcare de operă națională distinctă în Georgia sub conducerea Zacharia Paliashvili , care a contopit cântece și povești populare locale cu teme clasice romantice din secolul al XIX-lea .

Ferenc Erkel , tatăl operei maghiare

Figura cheie a operei naționale maghiare din secolul al XIX-lea a fost Ferenc Erkel , ale cărui opere se ocupau în cea mai mare parte de teme istorice. Printre operele sale cele mai des interpretate se numără Hunyadi László și Bánk bán . Cel mai faimos operă modernă maghiară este Béla Bartók e castelul lui Duke Bluebeard .

Opera Straszny Dwór de Stanisław Moniuszko (în engleză The Haunted Manor ) (1861–64) reprezintă un vârf al operei naționale poloneze din secolul al XIX-lea . În secolul al XX-lea, alte opere create de compozitori polonezi includeau Regele Roger de Karol Szymanowski și Ubu Rex de Krzysztof Penderecki .

Prima operă cunoscută din Turcia ( Imperiul Otoman ) a fost Arshak II , o operă armeană compusă de un compozitor etnic armean Tigran Chukhajian în 1868 și parțial interpretată în 1873. A fost complet pusă în scenă în 1945 în Armenia.

În primii ani ai Uniunii Sovietice a apărut apariția unor noi opere naționale, precum Koroğlu (1937) al compozitorului azer Uzeyir Hajibeyov . Prima Kirghiză opera, Ai-Churek , a avut premiera la Moscova , la Teatrul Balșoi din 26 mai 1939, în timpul Kirghiză Art deceniu. A fost compusă de Vladimir Vlasov , Abdylas Maldybaev și Vladimir Fere . Libretul a fost scris de Joomart Bokonbaev, Jusup Turusbekov și Kybanychbek Malikov. Opera se bazează pe epopeea eroică kârgâză Manas .

În Iran, opera a câștigat mai multă atenție după introducerea muzicii clasice occidentale la sfârșitul secolului al XIX-lea. Cu toate acestea, până la mijlocul secolului al XX-lea, compozitorii iranieni au început să experimenteze acest domeniu, mai ales că construcția sălii Roudaki în 1967 a făcut posibilă punerea în scenă a unei mari varietăți de lucrări pentru scenă. Poate că cea mai faimoasă operă iraniană este Rostam și Sohrab de Loris Tjeknavorian, care a avut premiera până la începutul anilor 2000.

Opera clasică contemporană chineză , o formă în limba chineză a operei în stil occidental, care este distinctă de opera tradițională chineză, a avut opere care datează din Fata cu păr alb în 1945.

În America Latină, opera a început ca urmare a colonizării europene. Prima operă scrisă vreodată în America a fost La púrpura de la rosa , de Tomás de Torrejón y Velasco , deși Partenope , de mexicanul Manuel de Zumaya , a fost prima operă scrisă de la un compozitor născut în America Latină (muzica pierdută acum). Prima operă braziliană pentru un libret în portugheză a fost A Noite de São João , de Elias Álvares Lobo . Cu toate acestea, Antônio Carlos Gomes este în general considerat cel mai remarcabil compozitor brazilian, având un relativ succes în Italia, cu operele sale cu teme braziliene cu librete italiene, precum Il Guarany . Opera din Argentina s-a dezvoltat în secolul al XX-lea după inaugurarea Teatrului Colón din Buenos Aires - cu opera Aurora , de Ettore Panizza , fiind puternic influențată de tradiția italiană, din cauza imigrației. Alți compozitori importanți din Argentina includ Felipe Boero și Alberto Ginastera .

Tendințe contemporane, recente și moderniste

Modernism

Poate că cea mai evidentă manifestare stilistică a modernismului în operă este dezvoltarea atonalității . Îndepărtarea de tonalitatea tradițională din operă începuse cu Richard Wagner și, în special, cu acordul Tristan . Compozitori precum Richard Strauss , Claude Debussy , Giacomo Puccini , Paul Hindemith , Benjamin Britten și Hans Pfitzner au împins mai departe armonia wagneriană cu o utilizare mai extremă a cromatismului și o utilizare mai mare a disonanței. Un alt aspect al operei moderniste este trecerea de la melodii lungi, suspendate, la motte scurte și rapide, așa cum este ilustrat pentru prima dată de Giuseppe Verdi în Falstaff . Compozitori precum Strauss, Britten, Shostakovich și Stravinsky au adoptat și au extins acest stil.

Arnold Schoenberg în 1917; portret de Egon Schiele

Modernismul operatic a început cu adevărat în operele a doi compozitori vienezi, Arnold Schoenberg și elevul său Alban Berg , ambii compozitori și susținători ai atonalității și dezvoltării sale ulterioare (așa cum a fost elaborat de Schoenberg), dodecafonia . Lucrările muzico-dramatice timpurii ale lui Schoenberg, Erwartung (1909, premier în 1924) și Die glückliche Hand prezintă o utilizare intensă a armoniei cromatice și a disonanței în general. Schoenberg a folosit și ocazional Sprechstimme .

Cele două opere ale elevului lui Schoenberg, Alban Berg, Wozzeck (1925) și Lulu (incomplete la moartea sa în 1935) împărtășesc multe dintre aceleași caracteristici descrise mai sus, deși Berg a combinat interpretarea sa personală a tehnicii lui Schoenberg în douăsprezece tonuri cu pasaje melodice ale o natură mai tradițional tonală (cu caracter destul de mahlerian) care poate explică parțial de ce operele sale au rămas în repertoriul standard, în ciuda muzicii și a argumentelor lor controversate. Teoriile lui Schoenberg au influențat (direct sau indirect) un număr semnificativ de compozitori de operă de atunci, chiar dacă ei înșiși nu au compus folosind tehnicile sale.

Stravinsky în 1921

Compozitorii astfel influențați includ englezul Benjamin Britten , germanul Hans Werner Henze și rusul Dmitri Șostakovici . ( Philip Glass folosește și atonalitatea, deși stilul său este în general descris ca minimalist , de obicei considerat ca o altă dezvoltare a secolului XX.)

Cu toate acestea, utilizarea atonalității modernismului operistic a declanșat, de asemenea, o reacție sub formă de neoclasicism . Un prim lider al acestei mișcări a fost Ferruccio Busoni , care în 1913 a scris libretul pentru opera sa cu număr neoclasic Arlecchino (interpretată pentru prima dată în 1917). De asemenea, în avangardă s-a numărat rusul Igor Stravinsky . După ce a compus muzică pentru baletele produse de Diaghilev Petrushka (1911) și Ritul primăverii (1913), Stravinsky a apelat la neoclasicism, o dezvoltare care a culminat cu opera-oratorio Oedipus Rex (1927). Stravinsky s-a îndepărtat deja de tendințele moderniste ale baletelor sale timpurii pentru a produce opere la scară mică, care nu se califică pe deplin drept operă, dar cu siguranță conțin multe elemente operice, inclusiv Renard (1916: „un burlesc în cântec și dans”) și The Soldier's Tale (1918: „să fie citit, jucat și dansat”; în ambele cazuri descrierile și instrucțiunile sunt cele ale compozitorului). În aceasta din urmă, actorii declanșează porțiuni de vorbire la un ritm specific față de acompaniamentul instrumental, asemănător cu genul melodramei vechi din Germania . Bine după lucrările sale inspirate de Rimsky-Korsakov The Nightingale (1914) și Mavra (1922), Stravinsky a continuat să ignore tehnica serialistă și a scris în cele din urmă o operă cu numere diatonice în stilul secolului al XVIII-lea The Rake's Progress (1951). Rezistența sa la serialism (o atitudine pe care a inversat-o după moartea lui Schoenberg) s-a dovedit a fi o inspirație pentru mulți alți compozitori.

Alte tendințe

O tendință comună de-a lungul secolului al XX-lea, atât în ​​operă, cât și în repertoriul orchestral general, este utilizarea orchestrelor mai mici ca măsură de reducere a costurilor; marile orchestre din epoca romantică cu secțiuni uriașe de coarde, mai multe harpe, coarne suplimentare și instrumente de percuție exotice nu mai erau fezabile. Pe măsură ce patronajul guvernamental și privat al artelor a scăzut de-a lungul secolului al XX-lea, lucrările noi au fost adesea comandate și executate cu bugete mai mici, rezultând foarte des lucrări de dimensiuni de cameră și opere scurte, cu un singur act. Multe dintre operele lui Benjamin Britten sunt compuse pentru doar 13 instrumentiști; Realizarea în două acte a lui Mark Adamo despre Femeile mici este marcată pentru 18 instrumentiști.

O altă caracteristică a operei de la sfârșitul secolului al XX-lea este apariția operelor istorice contemporane, spre deosebire de tradiția bazării operelor pe o istorie mai îndepărtată, relatării unor povești sau piese de ficțiune contemporane sau pe mit sau legendă. Moartea lui Klinghoffer , Nixon în China și Doctor Atomic de John Adams , Dead Man Walking de Jake Heggie și Anna Nicole de Mark-Anthony Turnage exemplifică dramatizarea pe scenă a evenimentelor din memoria vie recentă, în care personajele prezentate în operă erau vii. în momentul spectacolului în premieră.

Metropolitan Opera din SUA ( de multe ori cunoscut sub numele de Met) a raportat în 2011 că vârsta medie a audienței sale a fost de 60. Multe companii de operă au încercat să atragă un public mai tânăr , pentru a opri tendința mai mare de cărunt publicului pentru muzica clasica , deoarece in ultimele decenii al secolului XX. Eforturile au dus la scăderea vârstei medii a audienței Met la 58 de ani în 2018, vârsta medie la Opera de Stat din Berlin a fost raportată la 54, iar Opera din Paris a raportat o vârstă medie de 48 de ani.

Companiile mai mici din SUA au o existență mai fragilă și, de obicei, depind de o „plapumă” de sprijin din partea guvernelor de stat și locale, a întreprinderilor locale și a strângerilor de fonduri. Cu toate acestea, unele companii mai mici au găsit modalități de a atrage noi audiențe. În plus față de emisiunile de radio și televiziune de spectacole de operă, care au avut un anumit succes în obținerea de noi audiențe, transmisiile de spectacole live către cinematografe au arătat potențialul de a ajunge la un public nou.

De la muzicale înapoi spre operă

La sfârșitul anilor 1930, unele muzicale au început să fie scrise cu o structură mai operatică. Aceste lucrări includ ansambluri polifonice complexe și reflectă evoluțiile muzicale din vremurile lor. Porgy și Bess (1935), influențate de stilurile de jazz, și Candide (1956), cu pasajele sale lirice și parodii farsice ale operei, s-au deschis pe Broadway, dar au devenit acceptate ca parte a repertoriului operei. Muzicale populare precum Show Boat , West Side Story , Brigadoon , Sweeney Todd , Passion , Evita , The Light in the Piazza , The Phantom of the Opera și altele spun povești dramatice prin muzică complexă și în anii 2010 sunt uneori văzute în opere de operă . The Most Happy Fella (1952) este cvasi-operatic și a fost reînviat de Opera din New York City . Alte muzicale influențate de rock , precum Tommy (1969) și Jesus Christ Superstar (1971), Les Misérables (1980), Rent (1996), Spring Awakening (2006) și Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812 (2012) utilizează diverse convenții operice, cum ar fi prin compoziție , recitativ în loc de dialog și leitmotiv .

Îmbunătățirea acustică în operă

Un tip subtil de armare electronică a sunetului, numit îmbunătățire acustică, este utilizat în unele săli de concert și teatre moderne unde se interpretează opere. Deși niciuna dintre marile opere de operă „... nu folosește o armare tradițională, în stil Broadway, în care majoritatea, dacă nu toți cântăreții sunt echipați cu microfoane radio amestecate cu o serie de difuzoare inestetice împrăștiate în tot teatrul”, mulți folosesc o armare a sunetului sistem pentru îmbunătățirea acustică și pentru stimularea subtilă a vocilor din scenă, a cântăreților pentru copii, a dialogului pe scenă și a efectelor sonore (de exemplu, clopotele bisericii în Tosca sau efecte de tunet în operele wagneriene).

Voci operice

Tehnica vocală operatică a evoluat, într-un timp înainte de amplificarea electronică, pentru a permite cântăreților să producă suficient volum pentru a fi auzit peste o orchestră, fără ca instrumentiștii să fie nevoiți să își compromită în mod substanțial volumul.

Clasificări vocale

Cântăreții și rolurile pe care le joacă sunt clasificate în funcție de tipul de voce , pe baza tesiturii , agilității, puterii și timbrului vocilor lor. Cântăreții de sex masculin pot fi clasificați în funcție de gama vocală ca bas , bas-bariton , bariton , baritenor , tenor și contratenor , iar cântărețele de sex feminin ca contralt , mezzo-soprană și soprană . (Bărbații cântă uneori în „feminine“ gamele vocale, caz în care acestea sunt denumite sopranist sau contratenor . Contratenorului este frecvent întâlnită în operă, uneori , cântând piese scrise pentru castrati -men castrate la o vârstă fragedă în mod specific pentru a le da o mai mare cântând gama.) Cântăreții sunt apoi clasificați în funcție de mărime - de exemplu, o soprană poate fi descrisă ca o soprană lirică, coloratură , subretă , spinto sau soprană dramatică. Acești termeni, deși nu descriu pe deplin o voce cântătoare, asociază vocea cântăreței cu rolurile cele mai potrivite caracteristicilor vocale ale cântăreței.

Totuși, o altă subclasificare poate fi făcută în funcție de abilitățile sau cerințele de actorie, de exemplu, bass buffo care deseori trebuie să fie un specialist în patter , precum și un actor comic. Acest lucru se desfășoară în detaliu în sistemul Fach al țărilor vorbitoare de limbă germană, unde opera și drama vorbită din punct de vedere istoric au fost adesea realizate de aceeași companie de repertoriu .

Vocea unui anumit cântăreț se poate schimba drastic de-a lungul vieții sale, ajungând rar la maturitatea vocală până în al treilea deceniu și, uneori, nu până la vârsta mijlocie. Două tipuri de voce franceză, premier dugazon și deuxieme dugazon , au fost numite după etape succesive în cariera Louise-Rosalie Lefebvre (Mme. Dugazon). Alți termeni care provin din sistemul de turnare în stea al teatrelor pariziene sunt bariton-martin și șoim sopran .

Utilizarea istorică a părților vocale

Următorul este destinat doar ca o scurtă prezentare generală. Pentru articolele principale, a se vedea soprana , mezzosoprana , contralto , tenor , bariton , bas , contratenor și castrato .

Vocea sopranei a fost de obicei folosită ca voce de alegere pentru protagonistul feminin al operei încă din a doua jumătate a secolului al XVIII-lea. Anterior, era obișnuit ca acea parte să fie cântată de orice voce feminină, sau chiar de un castrato . Accentul actual pe o gamă vocală largă a fost în primul rând o invenție a perioadei clasice . Înainte de aceasta, virtuozitatea vocală, nu gama, era prioritatea, părțile sopranei rareori extinzându-se deasupra unui A ridicat ( Handel , de exemplu, a scris doar un rol extinzându-se la un C ridicat ), deși castratul Farinelli ar fi pretins că deține un top D (gama sa inferioară a fost, de asemenea, extraordinară, extinzându-se până la tenorul C). Mezzo-soprana, un termen de origine relativ recentă, are, de asemenea, un repertoriu larg, variind de la rolul principal feminin din Dido și Enea de Purcell la roluri atât de grele precum Brangäne în Tristan und Isolde de Wagner (ambele sunt roluri cântate uneori de soprane; acolo este destul de multă mișcare între aceste două tipuri de voce). Pentru adevăratul contralto, gama de piese este mai limitată, ceea ce a dat naștere la gluma din interior că contraltos cântă doar roluri de „vrăjitoare, cățele și bruște ”. În ultimii ani, multe dintre „rolurile de pantaloni” din epoca barocă, scrise inițial pentru femei și cele cântate inițial de castrati, au fost reatribuite contratenorilor.

Vocea tenorului, începând cu epoca clasică, a primit în mod tradițional rolul de protagonist masculin. Multe dintre cele mai provocatoare roluri de tenor din repertoriu au fost scrise în timpul epocii bel cantoului , cum ar fi secvența lui Donizetti de 9 C peste mijlocul C în timpul La fille du régiment . Cu Wagner s-a pus accent pe greutatea vocală pentru rolurile sale de protagonist, această categorie vocală fiind descrisă ca Heldentenor ; această voce eroică a avut omologul său mai italianizat în roluri precum Calaf în Turandotul lui Puccini . Basurile au o istorie îndelungată în operă, fiind folosite în opera seria în roluri secundare și, uneori, pentru relieful comic (precum și oferind un contrast cu preponderența vocilor înalte în acest gen). Repertoriul pentru bas este amplu și variat, întinzându-se de la comedia lui Leporello în Don Giovanni până la nobilimea lui Wotan din Ciclul inelului lui Wagner , până la conflictul cu Don Carlos, regele Phillip al lui Verdi . Între bas și tenor se află baritonul, care variază, de asemenea, în greutate, de la, de exemplu, Guglielmo în Così fan tutte de Mozart până la Posa în Don Carlos de Verdi ; denumirea efectivă „bariton” nu a fost standardă până la mijlocul secolului al XIX-lea.

Cântăreți celebri

Castrato Senesino , c. 1720

Primele spectacole de operă au fost prea rare pentru cântăreți pentru a-și câștiga existența exclusiv din stil, dar odată cu nașterea operei comerciale la mijlocul secolului al XVII-lea, au început să apară interpreți profesioniști. Rolul eroului masculin a fost de obicei încredințat unui castrato , iar până în secolul al XVIII-lea, când opera italiană a fost interpretată în toată Europa, liderii castrati care dețineau virtuozitate vocală extraordinară, precum Senesino și Farinelli , au devenit vedete internaționale. Cariera primei vedete feminine majore (sau prima donna ), Anna Renzi , datează de la mijlocul secolului al XVII-lea. În secolul al XVIII-lea, o serie de soprane italiene au câștigat renume internațional și adesea s-au angajat într-o rivalitate acerbă, așa cum a fost cazul Faustina Bordoni și Francesca Cuzzoni , care au început o luptă între ei în timpul unei interpretări a unei opere de la Händel. Francezilor nu le plăceau castrati, preferând ca eroii lor masculi să fie cântați de un haute-contre (un înalt tenor), dintre care Joseph Legros (1739-1793) a fost un exemplu de frunte.

Deși patronajul operei a scăzut în secolul trecut în favoarea altor arte și media (cum ar fi muzicale, cinema, radio, televiziune și înregistrări), mass-media și apariția înregistrărilor au susținut popularitatea multor cântăreți celebri, inclusiv Maria Callas , Enrico Caruso , Amelita Galli-Curci , Kirsten Flagstad , Juan Arvizu , Nestor Mesta Chayres , Mario Del Monaco , Renata Tebaldi , Risë Stevens , Alfredo Kraus , Franco Corelli , Montserrat Caballé , Joan Sutherland , Birgit Nilsson , Nellie Melba , Rosa Ponselle , Beniamino Gigli , Jussi Björling , Feodor Chaliapin , Cecilia Bartoli , Renée Fleming , Marilyn Horne , Bryn Terfel și „ The Three Tenors ” ( Luciano Pavarotti , Plácido Domingo și José Carreras ).

Schimbarea rolului orchestrei

Înainte de anii 1700, operele italiene foloseau o mică orchestră de coarde , dar rareori cânta pentru a-i însoți pe cântăreți. Solourile de operă din această perioadă au fost însoțite de grupul de bas continuo , care consta din clavecin , „instrumente smulse”, cum ar fi lăuta și un instrument de bas. Orchestra de coarde de obicei cânta numai atunci când cântăreața nu cânta, cum ar fi în timpul „... intrărilor și ieșirilor, între numerele vocale ale unui cântăreț, [sau] pentru dansul [însoțitor]”. Un alt rol pentru orchestră în această perioadă a fost interpretarea unui ritornello orchestral pentru a marca sfârșitul soloului cântăreței. La începutul anilor 1700, unii compozitori au început să folosească orchestra de coarde pentru a marca anumite arii sau recitative „... ca fiind speciale”; până în 1720, majoritatea ariilor erau însoțite de o orchestră. Compozitori de operă precum Domenico Sarro , Leonardo Vinci , Giambattista Pergolesi , Leonardo Leo și Johann Adolf Hasse au adăugat instrumente noi orchestrei de operă și au dat instrumentelor roluri noi. Au adăugat instrumente de suflat la corzi și au folosit instrumente orchestrale pentru a cânta solo-uri instrumentale, ca o modalitate de a marca anumite arii ca fiind speciale.

Orchestra de operă germană de la începutul anilor 1950

Orchestra a oferit, de asemenea, o uvertură instrumentală înainte ca cântăreții să urce pe scenă încă din anii 1600. Euridice- ul lui Peri se deschide cu un scurt ritornello instrumental , iar L'Orfeo (1607) al lui Monteverdi se deschide cu o tocată , în acest caz o fanfară pentru trompete silențioase . Uvertura franceză așa cum se găsește în Jean-Baptiste Lully operele lui constau într - o introducere lentă într - un marcat «ritm punctat», urmată de o mișcare plină de viață în fugato stil. Uvertura a fost frecvent urmată de o serie de melodii de dans înainte ca cortina să se ridice. Acest stil de uvertură a fost folosit și în opera engleză, mai ales în Dido și Enea ale lui Henry Purcell . Händel folosește, de asemenea, forma de uvertură franceză în unele dintre operele sale italiene, cum ar fi Giulio Cesare .

În Italia, o formă distinctă numită „uvertură” a apărut în anii 1680 și s-a stabilit în special prin operele lui Alessandro Scarlatti și s-a răspândit în toată Europa, înlocuind forma franceză ca uvertură operatică standard la mijlocul secolului al XVIII-lea. Folosește trei mișcări în general homofonice : rapid-lent-rapid. Mișcarea de deschidere a fost în mod normal în dublu metru și într-o cheie majoră; mișcarea lentă din exemplele anterioare a fost scurtă și ar putea fi într-o cheie contrastantă; mișcarea finală era asemănătoare dansului, cel mai adesea cu ritmuri de gigue sau menuet , și revenea la cheia secțiunii de deschidere. Pe măsură ce forma a evoluat, prima mișcare poate încorpora elemente asemănătoare fanferei și a preluat modelul așa-numitei „forme sonatine” ( formă sonată fără secțiune de dezvoltare), iar secțiunea lentă a devenit mai extinsă și lirică.

În opera italiană după aproximativ 1800, „uvertura” a devenit cunoscută sub numele de sinfonia . Fisher notează, de asemenea, termenul Sinfonia avanti l'opera (literalmente, „simfonia dinaintea operei”) a fost „un termen timpuriu pentru o sinfonie folosită pentru a începe o operă, adică ca o deschidere, spre deosebire de o slujbă pentru a începe o versiune ulterioară. secțiunea lucrării ". În opera al 19-lea, în unele opere, uvertura, Vorspiel , Einleitung , Introducere, sau orice altceva poate fi numit, a fost porțiunea muzicii care are loc înainte de a se ridica cortina; o formă specifică, rigidă, nu mai era necesară pentru uvertură.

Rolul orchestrei în însoțirea cântăreților s-a schimbat în secolul al XIX-lea, pe măsură ce stilul clasic a trecut la epoca romantică. În general, orchestrele s-au mărit, au fost adăugate instrumente noi, cum ar fi instrumente de percuție suplimentare (de exemplu, toba de bas, cinele, tamburul etc.). Orchestrația de piese de orchestră , de asemenea , dezvoltat de-a lungul secolului al 19 - lea. În operele wagneriene, avangarda orchestrei a depășit uvertura. În operele wagneriene precum Ring Cycle , orchestra a jucat deseori temele muzicale recurente sau leitmotivele , rol care a acordat o importanță orchestrei care „... și-a ridicat statutul la cel de prima donna ”. Operele lui Wagner au fost marcate cu o amploare și o complexitate fără precedent, adăugând mai multe instrumente de alamă și dimensiuni imense de ansamblu: într-adevăr, partitura sa la Das Rheingold necesită șase harpe . În Wagner și în opera compozitorilor ulteriori, precum Benjamin Britten, orchestra „comunică adesea fapte despre poveste care depășesc nivelurile de conștientizare ale personajelor din ea”. Drept urmare, criticii au început să considere orchestra ca interpretând un rol similar cu cel al unui narator literar. "

Pe măsură ce rolul orchestrei și al altor ansambluri instrumentale s-a schimbat de-a lungul istoriei operei, la fel s-a schimbat și rolul de a conduce muzicienii. În epoca barocă, muzicienii erau de obicei îndrumați de clavecinist, deși se știe că compozitorul francez Lully a dirijat cu un personal lung. În anii 1800, în perioada clasică, primul violonist, cunoscut și sub numele de concertmaster , conducea orchestra în timp ce stătea. De-a lungul timpului, unii regizori au început să se ridice în picioare și să folosească gesturile mâinilor și brațelor pentru a-i conduce pe interpreți. În cele din urmă, acest rol de regizor de muzică a fost numit dirijor și s-a folosit un podium pentru a face mai ușor pentru toți muzicienii să-l vadă. În momentul în care au fost introduse operele wagneriene, complexitatea operelor și uriașele orchestre folosite pentru a le interpreta au conferit dirijorului un rol din ce în ce mai important. Dirijorii moderni de operă au un rol provocator: trebuie să dirijeze atât orchestra din groapa orchestrei, cât și cântăreții de pe scenă.

Probleme de limbă și traducere

Încă din zilele lui Händel și Mozart, mulți compozitori au favorizat limba italiană ca limbă pentru libretul operelor lor. De la epoca Bel Canto până la Verdi, compozitorii supravegheau uneori versiunile operelor lor atât în ​​italiană, cât și în franceză. Din această cauză, opere precum Lucia di Lammermoor sau Don Carlos sunt astăzi considerate canonice atât în ​​versiunile lor franceze, cât și în cele italiene.

Până la mijlocul anilor 1950, era acceptabil să produci opere în traduceri chiar dacă acestea nu fuseseră autorizate de compozitor sau de libretiștii originali. De exemplu, teatrele de operă din Italia puneau în scenă în mod obișnuit Wagner în italiană. După al doilea război mondial, bursele de operă s-au îmbunătățit, artiștii s-au concentrat pe versiunile originale, iar traducerile au scăpat din favoare. Cunoașterea limbilor europene, în special italiană, franceză și germană, este astăzi o parte importantă a pregătirii pentru cântăreții profesioniști. „Cea mai mare bucată de pregătire operistică este în lingvistică și muzică”, explică mezzosoprana Dolora Zajick . "[Trebuie să înțeleg] nu numai ceea ce cânt, ci ceea ce cântă toți ceilalți. Cânt italiană, cehă, rusă, franceză, germană, engleză."

În anii 1980, supertitolele (uneori numite supranumiri ) au început să apară. Deși supertitolele au fost condamnate aproape universal ca o distragere a atenției, astăzi multe opere oferă fie supertitule, proiectate în general deasupra arcului proscenium al teatrului , fie ecrane individuale ale scaunelor, unde spectatorii pot alege din mai multe limbi. Emisiile TV includ de obicei subtitrări chiar dacă sunt destinate unui public care cunoaște bine limba (de exemplu, o transmisie RAI a unei opere italiene). Aceste subtitrări vizează nu doar persoanele cu deficiențe de auz, ci și publicul, în general, deoarece un discurs cântat este mult mai greu de înțeles decât unul vorbit - chiar și în urechile vorbitorilor nativi. Subtitrările într-una sau mai multe limbi au devenit standard în emisiuni de operă, emisiuni simultane și ediții DVD.

Astăzi, operele sunt interpretate rareori în traducere. Excepții includ Opera Națională Engleză , Teatrul Opera din Saint Louis , Teatrul Opera din Pittsburgh și Opera South East, care favorizează traducerile în limba engleză. O altă excepție sunt producțiile de operă destinate unui public tânăr, precum Hansel și Gretel ale lui Humperdinck și unele producții din Flautul magic al lui Mozart .

Finanțarea

Cântăreți de operă suedezi într-un omagiu adus lui Kjerstin Dellert și Teatrului Palatului Ulriksdal la jubileul de 40 de ani din 2016 pentru finanțarea, renovarea și redeschiderea ulterioară

În afara SUA și mai ales în Europa, majoritatea teatrelor de operă primesc subvenții publice de la contribuabili. În Milano, Italia, 60% din bugetul anual al La Scala de 115 milioane EUR provine din vânzarea de bilete și din donații private, restul de 40% provenind din fonduri publice. În 2005, La Scala a primit 25% din subvenția de stat totală a Italiei, în valoare de 464 milioane EUR pentru artele spectacolului. În Marea Britanie, Arts Council England oferă fonduri pentru Opera North , Royal Opera House , Welsh National Opera și English National Opera . Între 2012 și 2015, aceste patru companii de operă împreună cu English National Ballet , Birmingham Royal Ballet și Northern Ballet au reprezentat 22% din fondurile din portofoliul național al Arts Council. În acea perioadă, Consiliul a întreprins o analiză a finanțării sale pentru companiile de operă și balet pe scară largă, stabilind recomandări și obiective pentru îndeplinirea companiilor înainte de deciziile de finanțare 2015-2018. În februarie 2015, îngrijorările legate de planul de afaceri al Operei Naționale Engleze au condus la faptul că Consiliul Artelor a plasat-o „sub aranjamente speciale de finanțare” în ceea ce The Independent a numit „pasul fără precedent” al amenințării cu retragerea finanțării publice în cazul în care preocupările Consiliului nu ar fi fost îndeplinite până în 2017. Finanțarea publică europeană pentru operă a dus la o diferență între numărul de opere pe tot parcursul anului din Europa și Statele Unite. De exemplu, "Germania are aproximativ 80 de opere de teatru pe tot parcursul anului [începând cu 2004], în timp ce SUA, cu mai mult de trei ori populația, nu are. Chiar și Met are doar un sezon de șapte luni".

Televiziune, cinema și internet

O etapă importantă pentru difuzarea operei în SUA a fost atinsă la 24 decembrie 1951, cu difuzarea în direct a lui Amahl and the Night Visitors , o operă într-un singur act de Gian Carlo Menotti . A fost prima operă compusă special pentru televiziune în America. O altă piatră de hotar a avut loc în Italia, în 1992, când Tosca a fost transmisă în direct din setările și momentele romane originale: primul act a venit de la Biserica din Sant'Andrea della Valle din secolul al XVI-lea sâmbătă la prânz; Palatul Farnese din secolul al XVI-lea a fost decorul celui de-al doilea la 20:15; iar duminică la 6 dimineața, al treilea act a fost difuzat de la Castelul Sant'Angelo. Producția a fost transmisă prin satelit către 105 țări.

Marile companii de operă au început să-și prezinte spectacolele în cinematografele locale din Statele Unite și multe alte țări. Metropolitan Opera a început o serie de transmisii video live de înaltă definiție către cinematografele din întreaga lume în 2006. În 2007, spectacolele Met au fost prezentate în peste 424 de teatre din 350 de orașe din SUA. La bohème a ieșit la 671 de ecrane din întreaga lume. Opera din San Francisco a început transmisiile video preînregistrate în martie 2008. În iunie 2008, aproximativ 125 de teatre din 117 orașe americane susțin spectacolele. Transmisiile de operă video HD sunt prezentate prin aceleași proiectoare de cinema digital HD utilizate pentru filmele majore de la Hollywood . Teatrele și festivalurile europene de operă , inclusiv Opera Regală din Londra, La Scala din Milano, Festivalul de la Salzburg , La Fenice din Veneția și Maggio Musicale din Florența și-au transmis producțiile către teatre din orașe din întreaga lume începând cu 2006, inclusiv 90 de orașe in Statele Unite ale Americii

Apariția internetului a afectat și modul în care publicul consumă operă. În 2009, Festivalul Britanic Glyndebourne Opera a oferit pentru prima dată o descărcare video digitală online a producției sale complete Tristan und Isolde din 2007 . În sezonul 2013, festivalul a transmis online toate cele șase producții sale. În iulie 2012, prima operă comunitară online a avut premiera la Festivalul de operă Savonlinna . Intitulat Free Will , a fost creat de membrii grupului de internet Opera By You. Cei 400 de membri ai săi din 43 de țări au scris libretul, au compus muzica și au proiectat decorurile și costumele folosind platforma web Wreckamovie . Festivalul de operă Savonlinna a oferit soliști profesioniști, un cor de 80 de membri, o orchestră simfonică și echipamentele de scenă. A fost interpretat live la festival și transmis în direct pe internet.

Vezi si

Referințe

Note

Surse

Lecturi suplimentare

linkuri externe