Stanley Kubrick -Stanley Kubrick

Stanley Kubrick
O fotografie alb-negru a unui Kubrick cu barbă
Kubrick îl filmează pe Barry Lyndon , c.  1973–74
Născut ( 26.07.1928 )26 iulie 1928
New York City, SUA
Decedat 7 martie 1999 (07-03-1999)(în vârstă de 70 de ani)
Childwickbury , Anglia
Ocupații
  • Regizor
  • producător
  • scenarist
  • fotograf
Lucrări Filmografie
Soții
Copii 2, inclusiv Vivian
Semnătură
Semnătura lui Stanley Kubrick

Stanley Kubrick ( / ˈ k b r ɪ k / ; 26 iulie 1928 – 7 martie 1999) a fost un regizor, producător și scenarist american de film. Considerat pe scară largă unul dintre cei mai mari realizatori ai tuturor timpurilor, filmele sale – aproape toate fiind adaptări de romane sau nuvele – acoperă o gamă largă de genuri și prezintă cinematografie inovatoare, umor negru, atenție realistă la detalii și decoruri extinse .

Kubrick a crescut în Bronx , New York City și a urmat liceul William Howard Taft din 1941 până în 1945. A primit note medii, dar a manifestat un interes puternic pentru literatură, fotografie și film de la o vârstă fragedă și a învățat singur toate aspectele producție și regie de film după absolvirea liceului. După ce a lucrat ca fotograf pentru revista Look la sfârșitul anilor 1940 și începutul anilor 1950, a început să facă scurtmetraje cu bugete reduse și a realizat primul său film important de la Hollywood, The Killing , pentru United Artists în 1956. Acesta a fost urmat de două colaborări cu Kirk . Douglas : imaginea de război Paths of Glory (1957) și epopeea istorică Spartacus (1960).

Diferențele creative care decurg din munca sa cu Douglas și studiourile de film, antipatia față de industria de la Hollywood și o preocupare tot mai mare față de criminalitatea din America l-au determinat pe Kubrick să se mute în Regatul Unit în 1961, unde și-a petrecut cea mai mare parte din viața și cariera rămasă. Casa sa de la Childwickbury Manor din Hertfordshire, pe care o împărțea cu soția sa, Christiane , a devenit locul lui de muncă, unde și-a făcut scrierea, cercetarea, editarea și gestionarea detaliilor de producție. Acest lucru i-a permis să aibă un control artistic aproape complet asupra filmelor sale, dar cu avantajul rar de a avea sprijin financiar de la marile studiouri de la Hollywood. Primele sale producții în Marea Britanie au fost două filme cu Peter Sellers : Lolita (1962), o adaptare a romanului Vladimir Nabokov și comedia neagră din Războiul Rece Dr. Strangelove (1964).

Un perfecționist exigent, Kubrick și-a asumat controlul asupra majorității aspectelor procesului de realizare a filmului, de la regie și scriere până la montaj, și a avut grijă de cercetarea filmelor și a scenelor sale, lucrând în strânsă coordonare cu actorii, echipa și alți colaboratori. A cerut adesea câteva zeci de reluări ale aceleiași imagini într-un film, ceea ce a dus la multe conflicte cu distribuțiile sale. În ciuda notorietății rezultate în rândul actorilor, multe dintre filmele lui Kubrick au deschis noi terenuri în cinematografie. Realismul științific și efectele speciale inovatoare ale epopeei științifico-fantastice 2001: A Space Odyssey (1968) au fost fără precedent în istoria cinematografiei, iar filmul ia adus singurul său Oscar personal, pentru cele mai bune efecte vizuale . Steven Spielberg s-a referit la film drept „big bang” al generației sale; este considerat unul dintre cele mai mari filme realizate vreodată .

În timp ce multe dintre filmele lui Kubrick au fost controversate și au primit inițial recenzii mixte la lansare – în special brutalul A Clockwork Orange (1971), pe care Kubrick l-a scos din circulație în Marea Britanie în urma unei frenezii mass-media – majoritatea au fost nominalizate la Oscar , Globurile de Aur sau BAFTA . Premii și a suferit reevaluări critice. Pentru filmul Barry Lyndon (1975) din secolul al XVIII-lea , Kubrick a obținut lentile dezvoltate de Zeiss pentru NASA , pentru a filma scene la lumina naturală a lumânărilor. Cu filmul de groază The Shining (1980), a devenit unul dintre primii regizori care a folosit un Steadicam pentru fotografii stabilizate și fluide, o tehnologie vitală pentru filmul său din războiul din Vietnam Full Metal Jacket (1987). Ultimul său film, Eyes Wide Shut , a fost finalizat cu puțin timp înainte de moartea sa, în 1999, la vârsta de 70 de ani.

Tinereţe

Fotografie alb-negru cu capul unui tânăr cu o coafură scurtă și curată, purtând o jachetă de costum și cravată
Portretul seniorului de liceu al lui Kubrick, 16 ani, c.  1944–1945

Kubrick s-a născut pe 26 iulie 1928, în spitalul Lying-In din Manhattan , New York, într-o familie de evrei. A fost primul dintre cei doi copii ai lui Jacob Leonard Kubrick (21 mai 1902 – 19 octombrie 1985), cunoscut sub numele de Jack sau Jacques, și ai soției sale Sadie Gertrude Kubrick (nascuta Perveler; 28 octombrie 1903 – 23 aprilie 1985), cunoscut sub numele de Gert. Sora sa Barbara Mary Kubrick s-a născut în mai 1934. Jack Kubrick, ai cărui părinți și bunici paterni erau de origine polono-evreiască și româno-evreiască , a fost medic homeopat, absolvind Colegiul de Medicină Homeopatică din New York în 1927, în același an în care s-a căsătorit cu mama lui Kubrick, copilul imigranților austro-evrei . Străbunicul lui Kubrick, Hersh Kubrick, a sosit pe insula Ellis via Liverpool cu ​​vaporul pe 27 decembrie 1899, la vârsta de 47 de ani, lăsând în urmă soția și doi copii mari, dintre care unul era bunicul lui Stanley, Elias, pentru a începe o nouă viață. cu o femeie mai tânără. Elias Kubrick a urmat în 1902. La nașterea lui Stanley, Kubricki locuiau în Bronx . Părinții săi s-au căsătorit în cadrul unei ceremonii evreiești , dar Kubrick nu a avut o educație religioasă și mai târziu a profesat o viziune ateă asupra universului. Tatăl său era medic și, după standardele din West Bronx , familia era destul de bogată.

La scurt timp după nașterea surorii sale, Kubrick a început școala la Școala Publică 3 din Bronx și s-a mutat la Școala Publică 90 în iunie 1938. IQ- ul lui s-a descoperit a fi peste medie, dar participarea lui a fost slabă. El a manifestat un interes pentru literatură încă de la o vârstă fragedă și a început să citească mituri grecești și romane și fabulele fraților Grimm , care „i-au insuflat o afinitate pe tot parcursul vieții cu Europa”. Și-a petrecut cele mai multe sâmbăte din timpul verii uitându-se la New York Yankees și mai târziu a fotografiat doi băieți care se uitau la meci într-o misiune pentru revista Look pentru a-și emula emoția din copilărie cu baseballul. Când Kubrick avea 12 ani, tatăl său Jack l-a învățat șah . Jocul a rămas un interes pe tot parcursul vieții al lui Kubrick, apărând în multe dintre filmele sale. Kubrick, care mai târziu a devenit membru al Federației Statelor Unite de șah , a explicat că șahul l-a ajutat să dezvolte „răbdarea și disciplina” în luarea deciziilor. Când Kubrick avea 13 ani, tatăl său i-a cumpărat o cameră Graflex , declanșând o fascinație pentru fotografia statică . S-a împrietenit cu un vecin, Marvin Traub , care îi împărtășea pasiunea pentru fotografie. Traub avea propria sa cameră întunecată în care el și tânărul Kubrick își petreceau multe ore examinând fotografiile și urmărind substanțele chimice „fac imagini magice pe hârtie fotografică”. Cei doi s-au dedat în numeroase proiecte fotografice pentru care au cutreierat străzile căutând subiecte interesante de surprins și au petrecut timp în cinematografele locale studiind filme. Fotograful independent Weegee (Arthur Fellig) a avut o influență considerabilă asupra dezvoltării lui Kubrick ca fotograf; Mai târziu, Kubrick l-a angajat pe Fellig ca fotograf special de fotografii pentru Dr. Strangelove (1964). În adolescență, Kubrick a fost, de asemenea, interesat de jazz și a încercat pentru scurt timp o carieră ca baterist.

Kubrick a urmat liceul William Howard Taft din 1941 până în 1945. Deși s-a alăturat clubului de fotografie al școlii, care i-a permis să fotografieze evenimentele școlii în revista lor, a fost un elev mediocru, cu o medie de 67/D + . Introvertit și timid, Kubrick a avut un record de prezență scăzut și a sărit adesea școala pentru a viziona filme cu două lungimetraje. A absolvit în 1945, dar notele sale slabe, combinate cu cererea de admitere la facultate din partea soldaților care se întorceau din al Doilea Război Mondial , au eliminat orice speranță de a avea studii superioare. Mai târziu în viață, Kubrick a vorbit cu dispreț despre educația sa și despre școala americană în ansamblu, susținând că școlile sunt ineficiente în stimularea gândirii critice și a interesului elevilor. Tatăl său a fost dezamăgit de eșecul fiului său de a atinge excelența la școală de care știa că Stanley este pe deplin capabil. De asemenea, Jack l-a încurajat pe Stanley să citească din biblioteca familiei de acasă, permițându-i în același timp lui Stanley să se apuce de fotografie ca un hobby serios.

Cariera fotografică

Portretul lui Kubrick cu o cameră la Teatrul Sadler's Wells din Londra, 1949, în timp ce era fotograf de personal pentru Look

În timpul liceului, Kubrick a fost ales ca fotograf oficial al școlii. La mijlocul anilor 1940, deoarece nu a reușit să obțină admiterea la cursurile de zi la colegii, a urmat pentru scurt timp cursurile de seară la City College din New York . În cele din urmă, a vândut o serie de fotografii revistei Look , care a fost tipărită pe 26 iunie 1945. Kubrick și-a suplimentat veniturile jucând șah „pentru sferturi” în Washington Square Park și în diferite cluburi de șah din Manhattan.

În 1946, a devenit ucenic fotograf pentru Look și mai târziu fotograf cu normă întreagă. G. Warren Schloat, Jr., un alt fotograf nou al revistei la acea vreme, și-a amintit că el credea că lui Kubrick îi lipsește personalitatea pentru a-l face ca regizor la Hollywood, remarcând: „Stanley era un tip tăcut. Nu a spus mare lucru. Era slab, slab și cam sărac – așa cum eram noi toți.” Kubrick a devenit rapid cunoscut pentru povestirea sa în fotografii. Prima sa, publicată pe 16 aprilie 1946, s-a intitulat „O scurtă poveste dintr-un balcon de film” și a pus în scenă o ceartă între un bărbat și o femeie, în timpul căreia bărbatul este pălmuit în față, surprins cu adevărat prin surprindere. Într-o altă misiune, au fost făcute 18 poze cu diverse persoane care așteptau într-un cabinet stomatologic. S-a spus retrospectiv că acest proiect a demonstrat un interes timpuriu al lui Kubrick pentru a surprinde indivizii și sentimentele lor în medii mondene. În 1948, a fost trimis în Portugalia pentru a documenta o piesă de călătorie și a acoperit Circul Ringling Bros. și Barnum & Bailey din Sarasota, Florida .

Fotografia unui peisaj stradal din Chicago realizată de Kubrick pentru revista Look , 1949

Pasionat de box, Kubrick a început în cele din urmă să fotografieze meciuri de box pentru revistă. Primul său, „Prizefighter”, a fost publicat pe 18 ianuarie 1949 și a surprins un meci de box și evenimentele care au condus la acesta, cu Walter Cartier . Pe 2 aprilie 1949, a publicat eseul foto „Chicago-City of Extremes” în Look , care și-a arătat talentul de la început pentru a crea atmosferă cu imagini. În anul următor, în iulie 1950, revista a publicat eseul său foto, „Working Debutante – Betsy von Furstenberg ”, care prezenta pe fundal un portret Pablo Picasso al lui Angel F. de Soto. Kubrick a fost însărcinat să fotografieze numeroși muzicieni de jazz, de la Frank Sinatra și Erroll Garner la George Lewis , Eddie Condon , Phil Napoleon , Papa Celestin , Alphonse Picou , Muggsy Spanier , Sharkey Bonano și alții.

Kubrick s-a căsătorit cu iubita sa de liceu, Toba Metz, pe 28 mai 1948. Ei locuiau împreună într-un apartament mic pe 36 West 16th Street, lângă Sixth Avenue , la nord de Greenwich Village . În acest timp, Kubrick a început să frecventeze proiecțiile de filme la Muzeul de Artă Modernă și cinematografele din New York. S-a inspirat din opera de filmare complexă și fluidă a regizorului Max Ophüls , ale cărui filme au influențat stilul vizual al lui Kubrick, și de regizoarea Elia Kazan , pe care a descris-o drept „cel mai bun regizor” al Americii la acea vreme, cu capacitatea sa de a „fa miracole” cu actorii lui. Prietenii au început să observe că Kubrick a devenit obsedat de arta filmului – un prieten, David Vaughan , a observat că Kubrick va examina filmul la cinema atunci când era tăcut și se întoarce să-și citească ziarul când oamenii începeau să vorbească. A petrecut multe ore citind cărți despre teoria filmului și scriind note. A fost inspirat în special de Serghei Eisenstein și Arthur Rothstein , directorul tehnic fotografic al revistei Look .

Cariera de film

Scurtmetraje (1951–1953)

Kubrick a împărtășit dragostea pentru film cu prietenul său de școală Alexander Singer , care după ce a absolvit liceul a avut intenția de a regiza o versiune cinematografică a Iliadei lui Homer . Prin intermediul lui Singer, care lucra în birourile companiei de producție de știri, The March of Time , Kubrick a aflat că ar putea costa 40.000 de dolari pentru a face un scurtmetraj adecvat, bani pe care nu și-i putea permite. A avut economii de 1500 de dolari și a produs câteva scurte documentare alimentate de încurajarea lui Singer. A început să învețe tot ce a putut despre realizarea de filme pe cont propriu, sunând furnizori de filme, laboratoare și case de închiriere de echipamente.

Kubrick a decis să realizeze un scurtmetraj documentar despre boxerul Walter Cartier , despre care fotografiase și despre care scrisese pentru revista Look cu un an în urmă. A închiriat un aparat de fotografiat și a produs un documentar alb-negru de 16 minute, Day of the Fight . Kubrick a găsit banii independent pentru a-l finanța. Se gândise să-i ceară lui Montgomery Clift să o povestească, pe care îl întâlnise în timpul unei sesiuni fotografice pentru Look , dar s-a hotărât cu veteranul de știri CBS Douglas Edwards . Potrivit lui Paul Duncan, filmul a fost „remarcabil de realizat pentru un prim film” și a folosit o fotografie de urmărire înapoi pentru a filma o scenă în care Cartier și fratele său se îndreaptă spre cameră, un dispozitiv care mai târziu a devenit una dintre mișcările caracteristice ale camerei lui Kubrick. Vincent Cartier, fratele și managerul lui Walter, a reflectat mai târziu asupra observațiilor sale despre Kubrick în timpul filmărilor. El a spus: „Stanley a fost o persoană de tip foarte stoic, impasibil, dar imaginativ, cu gânduri puternice și imaginative. El impunea respect într-un mod liniștit și timid. Orice ar fi vrut, te-ai conformat, te-a captivat. Oricine a lucrat cu Stanley a făcut pur și simplu ceea ce a vrut Stanley”. După ce prietenul lui Singer, Gerald Fried , a adăugat o partitură, Kubrick a cheltuit 3.900 de dolari pentru a-l realiza și l-a vândut către RKO-Pathé pentru 4.000 de dolari, care era cel mai mult pe care compania a plătit vreodată pentru un scurtmetraj la acea vreme. Kubrick a descris primul său efort de a face film ca fiind valoros, deoarece credea că a fost forțat să facă cea mai mare parte a muncii, iar mai târziu a declarat că „cea mai bună educație în film este să faci una”.

Video extern
pictograma video Unul dintre primele scurtmetraje ale lui Kubrick, Flying Padre pe YouTube

Inspirat de acest succes timpuriu, Kubrick a renunțat la slujba de la Look și a vizitat regizori profesioniști din New York City, punând multe întrebări detaliate despre aspectele tehnice ale filmului. El a declarat că i s-a oferit încrederea în această perioadă să devină regizor din cauza numărului de filme proaste pe care le văzuse, remarcând: „Nu știu nimic despre filme, dar știu că pot face un film mai bun decât acea". A început să realizeze Flying Padre (1951), un film care îl documentează pe reverendul Fred Stadtmueller, care călătorește aproximativ 4.000 de mile pentru a-și vizita cele 11 biserici. Filmul urma să se numească inițial „Sky Pilot”, un joc de cuvinte cu termenul de argou pentru un preot. Pe parcursul filmului, preotul face o slujbă de înmormântare, se confruntă cu un băiat care hărțuiește o fată și face un zbor de urgență pentru a ajuta o mamă bolnavă și copilul să intre într-o ambulanță. Câteva dintre vederile din și ale avionului din Flying Padre sunt reluate mai târziu în 2001: A Space Odyssey (1968) cu filmările navei spațiale și o serie de prim-planuri pe fețele persoanelor care asista la înmormântare au fost cel mai probabil inspirate. de Serghei Eisenstein, cuirasatul Potemkin (1925) și Ivan cel Groaznic (1944/1958).

Flying Padre a fost urmat de The Seafarers (1953), primul film color al lui Kubrick, care a fost filmat pentru Seafarers International Union în iunie 1953. A descris logistica unei uniuni democratice și s-a concentrat mai mult pe facilitățile navigației, altele decât actul. Pentru scena cantinei din film, Kubrick a ales o fotografie cu dolly pentru a stabili viața comunității navigatorilor; acest tip de lovitură avea să devină mai târziu o tehnică semnătură. Secvența lui Paul Hall , secretar-trezorier al districtului SIU Atlantic și Golf, care le-a vorbit membrilor sindicatului, face ecou scene din Greva lui Eisenstein (1925) și octombrie (1928). Day of the Fight , Flying Padre și The Seafarers constituie singurele lucrări documentare supraviețuitoare ale lui Kubrick; unii istorici cred că i-a făcut pe alții.

Lucrări timpurii (1953–1955)

Frica și dorința (1953)

După ce a strâns 1.000 de dolari, prezentând scurtmetrajele prietenilor și familiei, Kubrick a găsit finanțele pentru a începe să facă primul său lungmetraj, Frica și dorința (1953), care rulează inițial cu titlul The Trap , scris de prietenul său Howard Sackler . Unchiul lui Kubrick, Martin Perveler, proprietarul unei farmacii din Los Angeles, a investit încă 9000 de dolari, cu condiția ca el să fie creditat ca producător executiv al filmului. Kubrick a adunat mai mulți actori și o echipă mică de 14 persoane (cinci actori, cinci membri ai echipajului și alți patru pentru a ajuta la transportul echipamentului) și a zburat către Munții San Gabriel din California pentru o filmare de cinci săptămâni, cu un buget redus. Mai târziu redenumit The Shape of Fear înainte de a fi numit în sfârșit Frica și Dorința , este o alegorie fictivă despre o echipă de soldați care supraviețuiesc unui accident de avion și sunt prinși în spatele liniilor inamice într-un război. Pe parcursul filmului, unul dintre soldați se îndrăgostește de o fată atrăgătoare din pădure și o leagă de un copac. Această scenă este remarcată pentru prim-planurile pe chipul actriței. Kubrick intenționa ca Fear and Desire să fie o imagine mută pentru a asigura costuri de producție scăzute; sunetele, efectele și muzica adăugate au adus în cele din urmă costurile de producție la aproximativ 53.000 de dolari, depășind bugetul. El a fost salvat de producătorul Richard de Rochemont, cu condiția să ajute la producția lui de Rochemont a unui serial de televiziune în cinci părți despre Abraham Lincoln, în Hodgenville, Kentucky .

Fear and Desire a fost un eșec comercial, dar a strâns mai multe recenzii pozitive după lansare. Critici precum recenzentul de la The New York Times au considerat că profesionalismul lui Kubrick ca fotograf a strălucit în imagine și că „a surprins artistic cu privire la atitudinile grotești ale morții, lupitatea oamenilor înfometați, precum și bestialitatea lor și într-o scenă, efectul devastator al poftei asupra unui soldat jalnic de minor și a fetiței pe care o păzește”. Savantul de la Universitatea Columbia , Mark Van Doren , a fost foarte impresionat de scenele cu fata legată de copac, remarcând că va trăi ca o secvență „frumoasă, terifiantă și ciudată”, care a ilustrat imensul talent al lui Kubrick și i-a garantat succesul viitor. Kubrick însuși și-a exprimat ulterior jena față de Fear and Desire și a încercat de-a lungul anilor să țină în afara circulației amprentele filmului. În timpul producției filmului, Kubrick aproape și-a ucis distribuția cu gaze otrăvitoare din greșeală.

După Fear and Desire , Kubrick a început să lucreze la idei pentru un nou film de box. Din cauza eșecului comercial al primului său lungmetraj, Kubrick a evitat să ceară investiții suplimentare, dar a început un scenariu de film noir cu Howard O. Sackler. Inițial, sub titlul Kiss Me, Kill Me , și apoi The Nymph and the Maniac , Killer's Kiss (1955) este un film noir de 67 de minute despre implicarea unui tânăr boxer de greutate grea cu o femeie abuzată de șeful ei criminal. La fel ca Fear and Desire , a fost finanțat privat de familia și prietenii lui Kubrick, cu aproximativ 40.000 de dolari propuși de la farmacistul din Bronx Morris Bousse. Kubrick a început să filmeze în Times Square și a explorat frecvent în timpul procesului de filmare, experimentând cinematografia și luând în considerare utilizarea unor unghiuri și imagini neconvenționale. El a ales inițial să înregistreze sunetul la locație, dar a întâmpinat dificultăți cu umbrele de la brațurile microfonului, limitând mișcarea camerei. Decizia lui de a renunța la sunet în favoarea imaginilor a fost una costisitoare; după 12-14 săptămâni în care a făcut fotografia, a petrecut aproximativ șapte luni și 35.000 de dolari lucrând la sunet. Șantajul lui Alfred Hitchcock (1929) a influențat direct filmul cu tabloul râzând de un personaj, iar Martin Scorsese a citat, la rândul său, unghiurile inovatoare de fotografiere și fotografiile atmosferice ale lui Kubrick din Killer's Kiss ca o influență asupra Raging Bull (1980). Actrița Irene Kane , vedeta din Killer's Kiss , a observat: "Stanley este un personaj fascinant. El crede că filmele ar trebui să se miște, cu un minim de dialog, și este tot pentru sex și sadism". Killer's Kiss a avut un succes comercial limitat și a câștigat foarte puțini bani în comparație cu bugetul său de producție de 75.000 de dolari. Criticii au lăudat camera filmului, dar actoria și povestea sa sunt în general considerate mediocre.

Succesul de la Hollywood și nu numai (1955–1962)

În timp ce juca șah în Washington Square, Kubrick l-a întâlnit pe producătorul James B. Harris , care l-a considerat pe Kubrick „cea mai inteligentă și mai creativă persoană cu care am intrat vreodată în contact”. Cei doi au format Harris-Kubrick Pictures Corporation în 1955. Harris a cumpărat drepturile pentru romanul lui Lionel White Clean Break pentru 10.000 de dolari, iar Kubrick a scris scenariul, dar la sugestia lui Kubrick, l-au angajat pe romancierul de film noir Jim Thompson să scrie dialogul pentru filmul. film – care a devenit The Killing (1956) – despre un jaf de pistă de curse planificat meticulos, care a mers prost. Filmul l-a jucat pe Sterling Hayden , care l-a impresionat pe Kubrick cu interpretarea din The Asphalt Jungle (1950).

Kubrick și Harris s-au mutat la Los Angeles și au semnat cu agenția Jaffe pentru a filma filmul, care a devenit primul lungmetraj al lui Kubrick filmat cu o distribuție și o echipă profesionistă. Uniunea de la Hollywood a declarat că lui Kubrick nu i se va permite să fie atât regizor, cât și director de imagine, ceea ce a dus la angajarea veteranului fotograf Lucien Ballard . Kubrick a fost de acord să renunțe la taxa pentru producție, care a fost filmată în 24 de zile cu un buget de 330.000 de dolari. S-a ciocnit cu Ballard în timpul filmării și, într-o ocazie, Kubrick l-a amenințat că îl va concedia pe Ballard în urma unei dispute cu camera, deși avea doar 27 de ani și 20 de ani mai tânărul lui Ballard. Hayden și-a amintit că Kubrick era „rece și detașat. Foarte mecanic, mereu încrezător. Am lucrat cu puțini regizori care sunt atât de buni”.

The Killing nu a reușit să asigure o eliberare adecvată în Statele Unite; filmul a câștigat puțini bani și a fost promovat abia în ultimul moment, ca un al doilea lungmetraj al filmului occidental Bandido! (1956). Câțiva critici contemporani au lăudat filmul, un recenzent pentru Time comparând camera sa cu cea a lui Orson Welles . Astăzi, criticii consideră în general The Killing ca fiind printre cele mai bune filme ale carierei de început a lui Kubrick; Narațiunea sa neliniară și execuția clinică au avut, de asemenea, o influență majoră asupra regizorilor de filme polițiste de mai târziu , inclusiv a lui Quentin Tarantino . Dore Schary de la Metro-Goldwyn-Mayer a fost și ea foarte impresionată și le-a oferit lui Kubrick și Harris 75.000 de dolari pentru a scrie, regiza și produce un film, care în cele din urmă a devenit Paths of Glory (1957).

Kubrick în timpul filmărilor Paths of Glory în 1957

Paths of Glory , plasat în timpul Primului Război Mondial , se bazează pe romanul antirăzboi din 1935 al lui Humphrey Cobb . Schary era familiarizat cu romanul, dar a declarat că MGM nu va finanța un alt film de război, având în vedere susținerea filmului anti-război The Red Badge of Courage (1951). După ce Schary a fost concediat de MGM într-o schimbare majoră, Kubrick și Harris au reușit să-l intereseze pe Kirk Douglas să joace rolul colonelului Dax. Douglas, la rândul său, a semnat cu Harris-Kubrick Pictures un contract de coproducție cu trei filme cu compania sa de producție de film, Bryna Productions , care a asigurat un acord de finanțare și distribuție pentru Paths of Glory și două filme ulterioare cu United Artists . Filmul, filmat la München , din martie 1957, urmărește o unitate a armatei franceze comandată într-o misiune imposibilă și urmează cu un proces de război a trei soldați, aleși în mod arbitrar, pentru abatere. Dax este desemnat să-i apere pe bărbați de la Curtea Marțială. Pentru scena de luptă, Kubrick a aliniat meticulos șase camere una după alta de-a lungul graniței pământului nimănui, fiecare cameră captând un câmp specific și numerotat, și a dat fiecăruia dintre sutele de figuranți un număr pentru zona în care ei. ar muri. Kubrick a operat o cameră Arriflex pentru luptă, făcând zoom pe Douglas. Paths of Glory a devenit primul succes comercial semnificativ al lui Kubrick și l-a consacrat ca un tânăr regizor în devenire. Criticii au lăudat scenele de luptă lipsite de sentimente, de rezervă și nelaudate ale filmului și cinematografia sa brută, alb-negru. În ciuda laudelor, data lansării de Crăciun a fost criticată, iar subiectul a fost controversat în Europa. Filmul a fost interzis în Franța până în 1974 pentru reprezentarea „nemăgulitoare” a armatei franceze și a fost cenzurat de armata elvețiană până în 1970.

În octombrie 1957, după ce Paths of Glory a avut premiera mondială în Germania, Bryna Productions a optat pentru autobiografia lui Herbert Emerson Wilsons, slujitor al bisericii canadian, devenit maestru în casă, I Stole 16.000.000 de dolari , în special pentru Stanley Kubrick și James B. Harris. Imaginea urma să fie a doua în acordul de coproducție dintre Bryna Productions și Harris-Kubrick Pictures, pe care Kubrick urma să o scrie și să o regizeze, Harris să-l coproducă și Douglas să-l coproducă și să joace. În noiembrie 1957, Gavin Lambert a fost semnat ca editor de poveste pentru I Stole $16.000.000 și, împreună cu Kubrick, a terminat un scenariu intitulat God Fearing Man , dar imaginea nu a fost niciodată filmată.

Marlon Brando l-a contactat pe Kubrick, cerându-i să regizeze o adaptare cinematografică a romanului western Charles Neider, Moartea autentică a lui Hendry Jones , cu Pat Garrett și Billy the Kid . Brando a fost impresionat, spunând: „Stanley este neobișnuit de perspicac și se acordă delicat cu oamenii. Are un intelect priceput și este un gânditor creativ – nu repetă, nu adună fapte. El digeră ceea ce învață și aduce la un nou proiect. un punct de vedere original și o pasiune rezervată”. Cei doi au lucrat la un scenariu timp de șase luni, început de un necunoscut pe atunci Sam Peckinpah . Multe dispute au izbucnit în legătură cu proiectul și, în cele din urmă, Kubrick s-a distanțat de ceea ce avea să devină One-Eyed Jacks (1961).

Kubrick și Tony Curtis pe platourile de filmare din Spartacus în 1960

În februarie 1959, Kubrick a primit un telefon de la Kirk Douglas în care i-a cerut să regizeze Spartacus (1960), bazat pe istoricul Spartacus și al treilea război servil . Douglas dobândise drepturile asupra romanului lui Howard Fast , iar scenaristul aflat pe lista neagră Dalton Trumbo a început să scrie scenariul. A fost produs de Douglas, care a jucat și în rolul lui Spartacus și l-a ales pe Laurence Olivier ca dușmanul său, generalul și politicianul roman Marcus Licinius Crassus . Douglas l-a angajat pe Kubrick pentru o taxă de 150.000 USD pentru a prelua conducerea imediat după ce l-a concediat pe regizorul Anthony Mann . Kubrick, la 31 de ani, regizase deja patru lungmetraje, iar acesta a devenit de departe cel mai mare al său, cu o distribuție de peste 10.000 și un buget de 6 milioane de dolari. La acea vreme, acesta era cel mai scump film făcut vreodată în America, iar Kubrick a devenit cel mai tânăr regizor din istoria Hollywoodului care a făcut o epopee. A fost prima dată când Kubrick a filmat folosind procesul anamorfic de 35 mm Super Technirama orizontal pentru a obține o definiție ultra-înaltă, care i-a permis să surprindă scene panoramice mari, inclusiv una cu 8.000 de soldați antrenați din Spania reprezentând armata romană.

Disputele au izbucnit în timpul filmărilor pentru Spartacus . Kubrick s-a plâns că nu deține controlul creativ deplin asupra aspectelor artistice, insistând să improvizeze intens în timpul producției. Kubrick și Douglas au fost, de asemenea, în dezacord în privința scenariului, Kubrick l-a înfuriat pe Douglas când și-a tăiat toate replicile, cu excepția a două, din primele 30 de minute. În ciuda problemelor de pe platourile de filmare, Spartacus a luat 14,6 milioane de dolari la box office în prima sa rundă. Filmul l-a stabilit pe Kubrick ca regizor important, primind șase nominalizări la premiile Oscar și câștigând patru; în cele din urmă l-a convins că, dacă s-ar putea face atât de mult dintr-o producție atât de problematică, ar putea realiza orice. Spartacus a marcat, de asemenea, sfârșitul relației de lucru dintre Kubrick și Douglas.

Colaborare cu Peter Sellers (1962–1964)

Lolita

Fotografie de prim-plan alb-negru, portret, a unei tinere zâmbitoare, cu păr lung și blond, într-un studio, luminată puternic de lumini fixate
Un portret similar al aceleiași femei de profil
Două fotografii portret — ambele făcute de Kubrick — ale lui Sue Lyon , care a jucat rolul Dolores „Lolita” Haze în Lolita .

Kubrick și Harris au decis să filmeze următorul film al lui Kubrick, Lolita (1962) în Anglia, din cauza clauzelor introduse în contract de producătorii Warner Bros. care le-au dat control complet asupra filmului și a faptului că planul Eady le permitea producătorilor să anuleze costă dacă 80% din echipaj ar fi britanic. În schimb, au semnat un contract de un milion de dolari cu Associated Artists Productions a lui Eliot Hyman și o clauză care le-a oferit libertatea artistică pe care și-o doreau. Lolita , prima încercare de comedie neagră a lui Kubrick , a fost o adaptare a romanului cu același nume al lui Vladimir Nabokov , povestea unui profesor de facultate de vârstă mijlocie care s-a îndrăgostit de o fată de 12 ani. Din punct de vedere stilistic, Lolita , cu Peter Sellers , James Mason , Shelley Winters și Sue Lyon , a fost un film de tranziție pentru Kubrick, „marcând punctul de cotitură de la un cinema naturalist... la suprarealismul filmelor de mai târziu”, potrivit criticului de film. Gene Youngblood . Kubrick a fost impresionat de gama actorului Peter Sellers și i-a oferit una dintre primele sale ocazii de a improviza sălbatic în timpul filmărilor, în timp ce îl filma cu trei camere.

Kubrick a împușcat- o pe Lolita timp de 88 de zile cu un buget de 2 milioane de dolari la Elstree Studios , între octombrie 1960 și martie 1961. Kubrick s-a ciocnit adesea cu Shelley Winters, pe care a găsit-o „foarte dificil” și exigent, și aproape a concediat-o la un moment dat. Datorită poveștii sale provocatoare, Lolita a fost primul film al lui Kubrick care a generat controverse; în cele din urmă a fost forțat să se conformeze cenzorilor și să înlăture o mare parte din elementul erotic al relației dintre Humbert al lui Mason și Lolita lui Lyon, care fusese evident în romanul lui Nabokov. Filmul nu a fost un succes major de critică sau comercială, câștigând 3,7 milioane de dolari la box office în premiera sa. Lolita a devenit de atunci apreciată de critici.

Dr. Strangelove

Kubrick în timpul producției Dr. Strangelove în 1963

Următorul proiect al lui Kubrick a fost Dr. Strangelove sau: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb (1964), o altă comedie neagră satirică. Kubrick a devenit preocupat de problema războiului nuclear odată cu desfășurarea Războiului Rece în anii 1950 și chiar s-a gândit să se mute în Australia, deoarece se temea că orașul New York ar putea fi o țintă probabilă pentru ruși. A studiat peste 40 de cărți de cercetare militară și politică pe această temă și în cele din urmă a ajuns la concluzia că „nimeni nu știa cu adevărat nimic și toată situația era absurdă”.

După ce a cumpărat drepturile pentru romanul Red Alert , Kubrick a colaborat cu autorul său, Peter George , la scenariu. A fost scris inițial ca un thriller politic serios, dar Kubrick a decis că o „tratare serioasă” a subiectului nu ar fi credibilă și s-a gândit că unele dintre cele mai importante puncte ale sale vor fi furaje pentru comedie. Producătorul și prietenul de multă vreme al lui Kubrick, James B. Harris , a considerat că filmul ar trebui să fie serios, iar cei doi s-au despărțit, pe cale amiabilă, din cauza acestei neînțelegeri – Harris urmând să producă și să regizeze thrillerul serios din războiul rece The Bedford Incident . Kubrick și autorul Red Alert George au reelaborat apoi scenariul ca o satiră (intitulată provizoriu „The Delicate Balance of Terror”) în care intriga lui Red Alert a fost situată ca un film-în-un-film realizat de o inteligență extraterestră, dar acest lucru ideea a fost de asemenea abandonată, iar Kubrick a decis să facă filmul ca „o comedie neagră scandaloasă”.

Chiar înainte de a începe filmările, Kubrick l-a angajat pe renumitul jurnalist și autor satiric Terry Southern pentru a transforma scenariul în forma sa finală, o comedie neagră, încărcată cu insinuări sexuale, devenind un film care a arătat talentele lui Kubrick ca un „tip unic de absurd”, potrivit lui. savantul în film Abrams. Southern a adus contribuții majore la scenariul final și a fost co-creditat (mai sus de Peter George) în titlurile de deschidere ale filmului; rolul lui perceput în scriere a dus mai târziu la o ruptură publică între Kubrick și Peter George, care ulterior s-a plâns într-o scrisoare către revista Life că implicarea intensă, dar relativ scurtă a lui Southern (16 noiembrie - 28 decembrie 1962) în proiect a fost acordată în mod nejustificat. proeminența în mass-media, în timp ce propriul său rol de autor al romanului sursă al filmului și perioada de zece luni ca co-scenarist al scenariului erau minimizați - o percepție, evident, că Kubrick nu a făcut-o puțin.

Kubrick a descoperit că Dr. Strangelove , o producție de 2 milioane de dolari care a angajat ceea ce a devenit „prima echipă de efecte vizuale importantă din lume”, ar fi imposibil de realizat în SUA din diverse motive tehnice și politice, forțându-l să mute producția în Anglia. A fost filmat în 15 săptămâni, s-a încheiat în aprilie 1963, după care Kubrick a petrecut opt ​​luni pentru a-l edita. Peter Sellers a acceptat din nou să lucreze cu Kubrick și a ajuns să joace trei roluri diferite în film.

La lansare, filmul a stârnit multe controverse și opinii amestecate. Criticul de film din The New York Times, Bosley Crowther, s-a îngrijorat că a fost o „discreditare și chiar dispreț pentru întregul nostru sistem de apărare... cea mai zguduitoare glumă bolnavă pe care am întâlnit-o vreodată”, în timp ce Robert Brustein din Out of This World într-un februarie. Articolul din 1970 a numit-o „ satira juvenală ”. Kubrick a răspuns criticilor, declarând: „Un satiric este cineva care are o viziune foarte sceptică asupra naturii umane, dar care încă are optimismul de a face un fel de glumă din asta. Oricât de brutală ar fi acea glumă”. Astăzi, filmul este considerat a fi unul dintre cele mai clare filme de comedie realizate vreodată și deține un rating aproape perfect de 98% pentru Rotten Tomatoes, pe baza a 91 de recenzii din noiembrie 2020. A fost desemnat al 39-lea cel mai bun film american și al treilea. cel mai bun film de comedie american din toate timpurile de către Institutul American de Film , iar în 2010, a fost desemnat al șaselea cel mai bun film de comedie din toate timpurile de The Guardian .

Cinema revoluționar (1965–1971)

Kubrick și-a petrecut cinci ani să dezvolte următorul său film, 2001: A Space Odyssey (1968), după ce a fost foarte impresionat de romanul Sfârșitul copilăriei al scriitorului Arthur C. Clarke , despre o rasă extraterestră superioară care ajută omenirea să-și elimine vechiul eu. După ce l-a întâlnit pe Clarke în New York City în aprilie 1964, Kubrick a sugerat să lucreze la nuvela sa din 1948 The Sentinel , în care un monolit găsit pe Lună alertează extratereștrii omenirii. În acel an, Clarke a început să scrie romanul 2001: A Space Odyssey și a colaborat cu Kubrick la un scenariu. Tema filmului, nașterea unei inteligențe de către alta, este dezvoltată în două povești paralele care se intersectează pe două scale de timp diferite. Una înfățișează tranzițiile evolutive între diferitele etape ale omului, de la maimuță la „copilul stelelor”, pe măsură ce omul renaște într-o nouă existență, fiecare pas fiind condus de o inteligență extraterestră enigmatică văzută doar în artefactele sale: o serie de negru aparent indestructibil de eoni vechi. monoliti. În spațiu, inamicul este un supercomputer cunoscut sub numele de HAL , care conduce nava spațială, un personaj pe care romancierul Clancy Sigal l-a descris ca fiind „mult, mult mai uman, mai plin de umor și, probabil, decent decât orice altceva care ar putea ieși din această întreprindere lungă. .

Kubrick a cercetat intens pentru film, acordând o atenție deosebită acurateței și detaliilor despre cum ar putea arăta viitorul. El a primit permisiunea de la NASA pentru a observa nava spațială folosită în misiunea Ranger 9 pentru precizie. Filmările au început pe 29 decembrie 1965, odată cu excavarea monolitului de pe Lună, iar filmările au fost filmate în deșertul Namib la începutul anului 1967, cu scenele maimuțelor finalizate mai târziu în acel an. Echipa de efecte speciale a continuat să lucreze până la sfârșitul anului pentru a finaliza filmul, ducând costul la 10,5 milioane de dolari. 2001: A Space Odyssey a fost concepută ca un spectacol Cinerama și a fost fotografiată în Super Panavision 70 , oferind spectatorului un „mix orbitor de imaginație și știință” prin efecte inovatoare, care i-au adus lui Kubrick singurul Oscar personal, un premiu Oscar pentru vizual. Efecte . Kubrick a spus despre conceptul filmului într-un interviu pentru Rolling Stone : „La cel mai profund nivel psihologic, intriga filmului a simbolizat căutarea lui Dumnezeu și, în cele din urmă, postulează ceea ce este puțin mai puțin decât o definiție științifică a lui Dumnezeu. Filmul se învârte în jurul acestui lucru. concepția metafizică, iar hardware-ul realist și sentimentele documentare despre orice au fost necesare pentru a submina rezistența ta încorporată la conceptul poetic”.

La lansare în 1968, 2001: A Space Odyssey nu a fost un succes imediat în rândul criticilor, care au criticat lipsa dialogului, ritmul lent și povestea aparent impenetrabilă. Filmul părea să sfideze convențiile genurilor, mult spre deosebire de orice film științifico-fantastic de dinainte și clar diferit de oricare dintre lucrările anterioare ale lui Kubrick. Kubrick a fost în mod deosebit revoltat de o recenzie usturătoare a lui Pauline Kael , care l-a numit „cel mai mare film de amatori dintre toți”, Kubrick făcând „foarte prostie pe care și-a dorit vreodată să-l facă”. În ciuda recenziilor critice contemporane mixte, 2001 a câștigat treptat popularitate și a câștigat 31 de milioane de dolari în întreaga lume până la sfârșitul anului 1972. În prezent, este considerat unul dintre cele mai mari și mai influente filme realizate vreodată și este un element de bază în Top 10 din toate timpurile. Baxter descrie filmul drept „una dintre cele mai admirate și mai discutate creații din istoria cinematografiei”, iar Steven Spielberg s-a referit la el drept „big bang-ul generației sale de filmare”. Pentru biograful Vincent LoBrutto, acesta „l-a poziționat pe Stanley Kubrick ca un artist pur, clasat printre maeștrii cinematografiei”.

Un exemplu de erotică din A Clockwork Orange (1971)

După finalizarea 2001: A Space Odyssey , Kubrick a căutat un proiect pe care să-l poată filma rapid, cu un buget mai modest. La sfârșitul anului 1969, a stabilit A Clockwork Orange (1971), o explorare a violenței și a reabilitării experimentale de către autoritățile de aplicare a legii, bazată pe personajul lui Alex (interpretat de Malcolm McDowell ). Kubrick primise o copie a romanului cu același nume al lui Anthony Burgess de la Terry Southern în timp ce lucrau la Dr. Strangelove , dar o respinsese pe motiv că Nadsat , un limbaj de stradă pentru tinerii adolescenți, era prea greu de înțeles. Decizia de a face un film despre degenerarea tineretului a reflectat preocupările contemporane în 1969; mișcarea New Hollywood crea un număr mare de filme care descriu sexualitatea și rebeliunea tinerilor. O portocală mecanică a fost împușcată în perioada 1970-1971, cu un buget de 2 milioane de lire sterline. Kubrick a abandonat utilizarea CinemaScope în filmări, hotărând că formatul cu ecran lat 1,66:1 era, în cuvintele lui Baxter, un „compromis acceptabil între spectacol și intimitate” și a favorizat „încadrarea riguros simetrică”, care „a sporit frumusețea compozițiile sale”. Filmul prezintă în mare măsură „erotica pop” a perioadei, inclusiv un set gigant de plastic alb de organe genitale masculine, decor căruia Kubrick intenționa să-i dea un aspect „puțin futurist”. Rolul lui McDowell din filmul lui Lindsay Anderson if.... (1968) a fost crucial pentru castingul lui ca Alex, iar Kubrick a declarat că probabil că nu ar fi făcut filmul dacă McDowell nu ar fi fost disponibil.

Datorită descrierii violenței adolescentine, A Clockwork Orange a devenit unul dintre cele mai controversate filme ale vremii sale și parte a unei dezbateri în curs despre violență și glorificarea acesteia în cinema. A primit un rating X , sau un certificat, atât în ​​Marea Britanie, cât și în SUA, la lansarea sa chiar înainte de Crăciunul 1971, deși mulți critici au văzut o mare parte din violența descrisă în film ca fiind satirică și mai puțin violentă decât Straw Dogs , care fusese lansat. cu o luna mai devreme. Kubrick a retras personal filmul de la lansarea în Regatul Unit după ce a primit amenințări cu moartea în urma unei serii de crime imitatoare bazate pe film; a fost astfel complet indisponibil legal în Marea Britanie până după moartea lui Kubrick și nu a fost relansat până în 2000. John Trevelyan , cenzorul filmului, a considerat personal O portocală mecanică ca fiind „poate cea mai strălucită piesă de artă cinematografică pe care am avut-o. văzut vreodată” și a considerat că prezintă un „argument intelectual mai degrabă decât un spectacol sadic” în descrierea violenței, dar a recunoscut că mulți nu ar fi de acord. În ciuda hype-ului media negativ asupra filmului, A Clockwork Orange a primit patru nominalizări la premiile Oscar, pentru cel mai bun film, cel mai bun regizor, cel mai bun scenariu și cel mai bun montaj și a fost numit de Cercul Criticilor de Film din New York drept cel mai bun film din 1971. După William Friedkin a câștigat cel mai bun regizor pentru The French Connection în acel an, el a spus presei: „Personal vorbind, cred că Stanley Kubrick este cel mai bun regizor american al anului. De fapt, nu doar anul acesta, ci și cel mai bun, punct”.

Filmări de perioadă și de groază (1972–1980)

Barry Lyndon (1975) este o adaptare a lui William Makepeace Thackeray The Luck of Barry Lyndon , un roman picaresc despre aventurile unui necinstiți irlandez și alpinist social din secolul al XVIII-lea. John Calley de la Warner Bros. a fost de acord în 1972 să investească 2,5 milioane de dolari în film, cu condiția ca Kubrick să se apropie de marile vedete de la Hollywood, pentru a asigura succesul. Ca și filmele anterioare, Kubrick și departamentul său de artă au efectuat o cantitate enormă de cercetări asupra secolului al XVIII-lea. Au fost realizate fotografii extinse ale locațiilor și ale operelor de artă în special, iar picturile au fost reproduse cu meticulozitate din lucrările marilor maeștri ai perioadei din film. Filmul a fost filmat pe locații în Irlanda, începând din toamna anului 1973, la un cost de 11 milioane de dolari, cu o distribuție și o echipă de 170. Decizia de a filma în Irlanda a venit din faptul că a păstrat încă multe clădiri din secolul al XVIII-lea. perioadă care îi lipsea Angliei. Producția a fost problematică de la început, afectată de ploi abundente și de conflicte politice care implicau Irlanda de Nord la acea vreme. După ce Kubrick a primit amenințări cu moartea de la IRA în 1974 din cauza scenelor de filmări cu soldați englezi, a fugit din Irlanda împreună cu familia cu un feribot de la Dún Laoghaire sub o identitate presupusă și a reluat filmările în Anglia.

The Country Dance (c. 1745) de William Hogarth ilustrează tipul de scenă interioară pe care Kubrick a căutat să o imite cu Barry Lyndon .

Baxter notează că Barry Lyndon a fost filmul care l-a făcut pe Kubrick cunoscut pentru că acordă o atenție scrupuloasă detaliilor, cerând adesea douăzeci sau treizeci de reluări ale aceleiași scene pentru a-și perfecționa arta. Adesea considerată a fi cea mai autentică imagine a sa, cinematografia și tehnicile de iluminare pe care Kubrick și directorul de imagine John Alcott le-au folosit în Barry Lyndon au fost extrem de inovatoare. Scenele interioare au fost filmate cu un obiectiv special adaptat de mare viteză f/0.7 Zeiss , dezvoltat inițial pentru NASA, pentru a fi utilizat în fotografia prin satelit. Lentilele au permis ca multe scene să fie iluminate doar cu lumina lumânărilor, creând imagini bidimensionale, cu lumină difuză, care amintesc de picturile din secolul al XVIII-lea. Cinematograful Allen Daviau afirmă că metoda oferă publicului o modalitate de a vedea personajele și scenele așa cum ar fi fost văzute de oameni la acea vreme. Multe dintre scenele de luptă au fost filmate cu o cameră de mână pentru a produce „un sentiment de realism documentar și imediat”.

Barry Lyndon a găsit o audiență grozavă în Franța, dar a fost un eșec de box office, încasând doar 9,5 milioane de dolari pe piața americană, nici măcar aproape de cei 30 de milioane de dolari necesari Warner Bros. pentru a genera profit. Ritmul și durata lui Barry Lyndon de trei ore a dezamăgit mulți critici și public american, dar filmul a fost nominalizat la șapte premii Oscar și a câștigat patru, inclusiv cea mai bună regie artistică, cea mai bună fotografie, cel mai bun design de costume și cel mai bun scor muzical, mai mult de orice alt film Kubrick. Ca și în cazul majorității filmelor lui Kubrick, reputația lui Barry Lyndon a crescut de-a lungul anilor și acum este considerat a fi unul dintre cele mai bune ale sale, în special în rândul regizorilor și criticilor. Numeroase sondaje, cum ar fi The Village Voice (1999), Sight & Sound (2002) și Time (2005), l-au evaluat drept unul dintre cele mai bune filme realizate vreodată. În martie 2019, are un rating de 94% pentru Rotten Tomatoes, pe baza a 64 de recenzii. Roger Ebert s-a referit la el drept „unul dintre cele mai frumoase filme realizate vreodată... cu siguranță în fiecare cadru un film Kubrick: minunat din punct de vedere tehnic, îndepărtat emoțional, fără remușcări în îndoiala de bunătatea umană”.

Câteva dintre interioarele Hotelului Ahwahnee au fost folosite ca șabloane pentru seturile Hotelului Overlook.

The Shining , lansat în 1980, a fost adaptat după romanul cu același nume al bestsellerului scriitor de groază Stephen King . Filmul îl are pe Jack Nicholson în rolul unui scriitor care își ia o slujbă ca îngrijitor de iarnă la un hotel izolat din Munții Stâncoși. El își petrece iarna acolo cu soția sa, interpretată de Shelley Duvall , și cu fiul lor tânăr, care manifestăabilități paranormale . În timpul șederii lor, ei se confruntă atât cu coborârea lui Jack în nebunie, cât și cu aparente orori supranaturale care pândesc în hotel. Kubrick le-a oferit actorilor săi libertatea de a extinde scenariul și chiar de a improviza ocazional și, ca urmare, Nicholson a fost responsabil pentru filmul „Here’s Johnny!”. rândul și scena în care stă la mașina de scris și își dezlănțuie furia asupra soției sale. Kubrick a cerut adesea până la 70 sau 80 de reluări ale aceleiași scene. Duvall, pe care Kubrick l-a izolat și s-a certat intenționat, a fost forțat să interpreteze scena epuizantă a bâtei de baseball de 127 de ori. Scena barului cu barmanul fantomatic a fost filmată de 36 de ori, în timp ce scena bucătăriei dintre personajele lui Danny ( Danny Lloyd ) și Halloran ( Scatman Crothers ) a avut 148 de fotografii. Fotografiile aeriene ale Hotelului Overlook au fost filmate la Timberline Lodge de pe Mount Hood din Oregon, în timp ce interioarele hotelului au fost filmate la Elstree Studios din Anglia între mai 1978 și aprilie 1979. Modelele din carton au fost realizate din toate decorurile filmului. , iar iluminarea acestora a fost o întreprindere masivă, care a durat patru luni de cablare electrică. Kubrick a folosit pe scară largă Steadicam nou inventat , un suport pentru cameră cu greutate echilibrată, care a permis mișcarea ușoară a camerei de mână în scenele în care o pistă convențională a camerei nu era practică. Potrivit lui Garrett Brown , inventatorul Steadicam, a fost prima imagine care și-a folosit întregul potențial. The Shining nu era singurul film de groază de care fusese legat Kubrick; a refuzat regia atât The Exorcist (1973) cât și Exorcist II: The Heretic (1977), în ciuda faptului că i-a spus o dată, în 1966, unui prieten că își dorea de mult să „facă cel mai înfricoșător film din lume, care implică o serie de episoade care ar juca cu fricile de coșmar ale publicului”.

La cinci zile de la eliberare, pe 23 mai 1980, Kubrick a ordonat ștergerea unei scene finale, în care managerul hotelului Ullman ( Barry Nelson ) o vizitează pe Wendy (Shelley Duvall) în spital, crezând că nu este necesar după ce a asistat la entuziasmul publicului în cinematografele de la punctul culminant al filmului. The Shining s-a deschis la încasări mari de box office, câștigând 1 milion de dolari în primul weekend și câștigând 30,9 milioane de dolari în America până la sfârșitul anului. Răspunsul critic inițial a fost mixt, iar King a detestat filmul și nu i-a plăcut Kubrick. The Shining este acum considerat a fi un clasic horror, iar Institutul American de Film l-a clasat drept al 27-lea cel mai mare film thriller din toate timpurile.

Lucrări ulterioare și ultimii ani (1981–1999)

Kubrick l-a cunoscut pe autorul Michael Herr prin intermediul prietenului comun David Cornwell (romanierul John le Carré ) în 1980 și a devenit interesat de cartea sa Dispatches , despre războiul din Vietnam . Herr scrisese recent narațiunea lui Martin Sheen pentru Apocalypse Now (1979). Kubrick a fost, de asemenea, intrigat de romanul Războiului din Vietnam al lui Gustav Hasford The Short-Timers . Cu viziunea în minte de a filma ceea ce va deveni Full Metal Jacket (1987), Kubrick a început să lucreze separat cu Herr și Hasford la un scenariu. În cele din urmă, a considerat că romanul lui Hasford este „brut de cinstit” și a decis să filmeze un film care urmărește îndeaproape romanul. Întregul film a fost filmat la un cost de 17 milioane de dolari pe o rază de 30 de mile de casa lui între august 1985 și septembrie 1986, mai târziu decât era programat, deoarece Kubrick și-a oprit producția timp de cinci luni în urma unui accident aproape fatal cu un jeep în care era implicat Lee. Ermey. O fabrică de gaze abandonată din Beckton , în zona Docklands-ului Londrei , a pozat drept orașul ruinat Huế , ceea ce face filmul foarte diferit din punct de vedere vizual de alte filme din Războiul din Vietnam. Aproximativ 200 de palmieri au fost importați prin remorci de 40 de picioare pe drum din Africa de Nord, la un cost de 1.000 de lire sterline un copac, iar mii de plante din plastic au fost comandate din Hong Kong pentru a furniza frunziș pentru film. Kubrick a explicat că a făcut filmul să pară realist utilizând lumina naturală și a obținut un „efect de știri” făcând fotografiile Steadicam mai puțin stabile, ceea ce recenzenții și comentatorii au considerat că a contribuit la sumbru și seriozitatea filmului.

Potrivit criticului Michel Ciment , filmul conținea unele dintre caracteristicile caracteristice ale lui Kubrick, cum ar fi selecția sa de muzică ironică, portretele bărbaților dezumanizați și atenția la detalii extreme pentru a obține realism. Într-o scenă ulterioară, pușcașii marini americani patrulează ruinele unui oraș abandonat și distrus cântând tema cântecului pentru Mickey Mouse Club ca un contrapunct sardonic. Filmul s-a deschis puternic în iunie 1987, luând peste 30 de milioane de dolari doar în primele 50 de zile, dar în mod critic a fost umbrit de succesul lui Oliver Stone Platoon , lansat cu un an mai devreme. Co-starul Matthew Modine a declarat că una dintre recenziile preferate ale lui Kubrick este: „Prima jumătate a FMJ este genială. Apoi filmul degenerează într-o capodoperă”. Roger Ebert nu a fost deosebit de impresionat de ea, acordându-i un mediocru 2,5 din 4. El a concluzionat: „Stanley Kubrick’s Full Metal Jacket este mai degrabă o carte de nuvele decât un roman”, un „film ciudat de lipsit de formă de la omul a cărui lucrare. impune de obicei o viziune feroce de consistentă asupra materialului său”.

Ultimul film al lui Kubrick a fost Eyes Wide Shut (1999), cu Tom Cruise și Nicole Kidman în rolul unui cuplu din Manhattan într-o odisee sexuală. Tom Cruise înfățișează un medic care este martor la un ritual orgiastic cvasi-religios bizar la un conac de la țară, o descoperire care mai târziu îi amenință viața. Povestea se bazează pe novela freudiană Traumnovelle ( Povestea de vis în engleză) a lui Arthur Schnitzler din 1926, pe care Kubrick a mutat-o ​​din Viena de la începutul secolului în New York City în anii 1990. Kubrick a spus despre roman: „O carte dificil de descris – ce carte bună nu este. Ea explorează ambivalența sexuală a unei căsnicii fericite și încearcă să echivaleze importanța viselor sexuale și a posibilelor-fiere cu realitatea. Toate cele ale lui Schnitzler munca este genială din punct de vedere psihologic”. Kubrick avea aproape 70 de ani, dar a lucrat fără încetare timp de 15 luni pentru a scoate filmul până la data de lansare planificată de 16 iulie 1999. A început un scenariu cu Frederic Raphael și a lucrat 18 ore pe zi, păstrând în același timp confidențialitatea completă despre film.

Eyes Wide Shut , precum Lolita și A Clockwork Orange înainte, s-au confruntat cu cenzură înainte de lansare. Kubrick a trimis vedetelor și producătorilor o copie de previzualizare neterminată cu câteva luni înainte de lansare, dar moartea sa subită, pe 7 martie 1999, a survenit la câteva zile după ce a terminat editarea. Nu a văzut niciodată versiunea finală lansată publicului, dar a văzut avanpremiera filmului împreună cu Warner Bros., Cruise și Kidman și i-ar fi spus directorului Warner, Julian Senior, că a fost „cel mai bun film al său”. La acea vreme, opinia critică a filmului a fost amestecată și a fost văzut mai puțin favorabil decât majoritatea filmelor lui Kubrick. Roger Ebert i-a acordat 3,5 stele din 4, comparând structura cu un thriller și scriind că este „ca o visare erotică despre șansele ratate și oportunitățile evitate”, și s-a gândit că utilizarea de către Kubrick a luminii de Crăciun a făcut ca filmul să fie „un pic. strident, ca un spectacol urban”. Stephen Hunter de la The Washington Post nu i-a plăcut filmul, scriind că „este de fapt trist, mai degrabă decât rău. Se simte scârțâit, străvechi, lipsit de speranță, îndrăgostit de tabuurile fierbinți ale tinereții sale și incapabil să se conecteze cu acel lucru întortocheat contemporan. sexualitatea a devenit”.

Proiecte nefinalizate și nerealizate

Inteligența artificială AI

Steven Spielberg (fotografiat în 1994), de care Kubrick l-a abordat în 1995 pentru a regiza filmul din 2001 Inteligența artificială AI

De-a lungul anilor 1980 și începutul anilor 1990, Kubrick a colaborat cu Brian Aldiss la extinderea povestirii sale „ Supertoys Last All Summer Long ” într-un film în trei acte. A fost un basm futurist despre un robot care seamănă și se comportă ca un copil și despre eforturile lui de a deveni un „băiat adevărat” într-un mod similar cu Pinocchio. Kubrick l-a abordat pe Spielberg în 1995 cu scenariul AI, cu posibilitatea ca Steven Spielberg să îl regizeze și Kubrick să îl producă. Kubrick ar fi avut discuții lungi prin telefon cu Spielberg în legătură cu filmul și, conform lui Spielberg, la un moment dat a declarat că subiectul era mai aproape de sensibilitățile lui Spielberg decât ale lui.

După moartea lui Kubrick în 1999, Spielberg a luat schițele și notele lăsate de Kubrick și scriitorii săi și a compus un nou scenariu bazat pe o poveste anterioară de 90 de pagini de Ian Watson , scrisă sub supravegherea și specificațiile lui Kubrick. În asociere cu ceea ce a rămas din unitatea de producție a lui Kubrick, el a regizat filmul AI Artificial Intelligence (2001), care a fost produs de producătorul (și cumnatul) lui Kubrick, Jan Harlan . Decorurile, costumele și direcția artistică s-au bazat pe lucrările artistului conceptual Chris Baker, care și-a făcut o mare parte din munca sa sub supravegherea lui Kubrick.

Spielberg a reușit să funcționeze autonom în absența lui Kubrick, dar a spus că se simte „inhibat să-l onoreze” și a urmat schema vizuală a lui Kubrick cu cât a putut de multă fidelitate. Spielberg, care s-a referit cândva la Kubrick drept „cel mai mare maestru pe care l-am servit vreodată”, acum cu producția în curs, a recunoscut: „Am simțit că sunt antrenat de o fantomă”. Filmul a fost lansat în iunie 2001. Conține un credit postum de producție pentru Stanley Kubrick la început și scurta dedicație „Pentru Stanley Kubrick” la sfârșit. Partitura lui John Williams conține multe aluzii la piese auzite în alte filme Kubrick.

Napoleon

Un script într-un liant.  Conține dialogul dintre Napoleon și Iosif.
Scenariul din proiectul nerealizat al lui Kubrick, Napoleon

După 2001: A Space Odyssey , Kubrick plănuia să facă un film despre viața lui Napoleon . Fascinat de viața și „autodistrugerea” liderului francez, Kubrick a petrecut mult timp planificând dezvoltarea filmului și a condus aproximativ doi ani de cercetare asupra vieții lui Napoleon, citind câteva sute de cărți și obținând acces la memoriile și comentariile sale personale. A încercat să vadă fiecare film despre Napoleon și nu a găsit niciunul dintre ele atrăgător, inclusiv filmul lui Abel Gance din 1927 , care este în general considerat o capodopera, dar pentru Kubrick, un film „cu adevărat îngrozitor”. LoBrutto afirmă că Napoleon a fost un subiect ideal pentru Kubrick, îmbrățișând „pasiunea lui Kubrick pentru control, putere, obsesie, strategie și armată”, în timp ce intensitatea și profunzimea psihologică a lui Napoleon, geniul logistic și războiul, sexul și natura rea ​​a omului erau toate ingredientele care l-au atras profund pe Kubrick.

Kubrick a redactat un scenariu în 1961 și a avut în vedere realizarea unei epopee „grandioase”, cu până la 40.000 de infanterie și 10.000 de cavalerie. El a intenționat să angajeze forțele armate ale unei țări întregi pentru a realiza filmul, întrucât a considerat că luptele napoleoniene sunt „atât de frumoase, ca vastele balete letale”, cu o „strălucire estetică care nu necesită o minte militară pentru a o aprecia”. El a vrut să fie reproduse cât mai autentic posibil pe ecran. Kubrick a trimis echipe de cercetare să caute locații din întreaga Europă și l-a comisionat pe scenaristul și regizorul Andrew Birkin , unul dintre tinerii săi asistenți în 2001 , pe Insula Elba , Austerlitz și Waterloo , făcând mii de fotografii pentru examinarea lui ulterioară. Kubrick a abordat numeroase vedete pentru a juca roluri principale, inclusiv Audrey Hepburn pentru Empress Josephine , rol pe care nu a putut-o accepta din cauza semipensiei. Actorii britanici David Hemmings și Ian Holm au fost luați în considerare pentru rolul principal al lui Napoleon, înainte ca Jack Nicholson să fie ales. Filmul era deja în preproducție și gata să înceapă filmările în 1969, când MGM a anulat proiectul. Au fost invocate numeroase motive pentru abandonarea proiectului, inclusiv costul proiectat al acestuia, schimbarea proprietății la MGM și primirea slabă pe care a primit-o filmul sovietic din 1970 despre Napoleon, Waterloo . În 2011, Taschen a publicat cartea Stanley Kubrick's Napoleon: The Greatest Movie Never Made , o compilație de volum mare de literatură și documente sursă de la Kubrick, cum ar fi idei de fotografii de scenă și copii ale scrisorilor scrise și primite de Kubrick. În martie 2013, Steven Spielberg, care a colaborat anterior cu Kubrick la AI Artificial Intelligence și este un admirator pasionat al muncii sale, a anunțat că va dezvolta Napoleon ca miniserie TV bazată pe scenariul original al lui Kubrick.

Alte proiecte

În anii 1950, Kubrick și Harris au dezvoltat un sitcom cu Ernie Kovacs în rol principal și o adaptare cinematografică a cărții I Stole $16.000.000 , dar nu a rezultat nimic din ele. Tony Frewin, un asistent care a lucrat cu regizorul pentru o perioadă lungă de timp, a dezvăluit într-un articol Atlantic din 2013 : „[Kubrick] era nelimitat interesat de orice avea de-a face cu naziștii și dorea cu disperare să facă un film pe acest subiect”. Kubrick intenționase să facă un film despre Dietrich Schulz-Köhn  [ de ] , un ofițer nazist care a folosit pseudonimul „Dr. Jazz” pentru a scrie recenzii ale scenelor muzicale germane din perioada nazistă. Kubrick primise o copie a cărții lui Mike Zwerin, Swing Under the Nazis, după ce a terminat producția pentru Full Metal Jacket , pe coperta căreia era o fotografie a lui Schulz-Köhn. Un scenariu nu a fost niciodată finalizat și adaptarea lui Kubrick nu a fost niciodată inițiată. Neterminate Aryan Papers , bazat pe romanul de debut al lui Louis Begley Wartime Lies , a fost un factor în abandonarea proiectului. Lucrările la Aryan Papers l-au deprimat enorm pe Kubrick și, în cele din urmă, a decis că Lista lui Schindler (1993) a lui Steven Spielberg acoperă o mare parte din același material.

Potrivit biografului John Baxter , Kubrick și-a arătat interesul pentru regia unui film pornografic bazat pe un roman satiric scris de Terry Southern, intitulat Blue Movie , despre un regizor care realizează primul film porno cu buget mare de la Hollywood. Baxter susține că Kubrick a ajuns la concluzia că nu a avut răbdarea sau temperamentul să se implice în industria porno, iar Southern a declarat că Kubrick a fost „prea ultra conservator” față de sexualitate pentru a fi continuat, dar i-a plăcut ideea. Kubrick nu a reușit să regizeze un film din „ Pendulul lui Foucault” al lui Umberto Eco , deoarece Eco îi dăduse editorului instrucțiuni să nu vândă niciodată drepturile de film pentru niciuna dintre cărțile sale, după nemulțumirea lui față de versiunea filmului The Name of the Rose . De asemenea, atunci când drepturile de film pentru Stăpânul Inelelor de Tolkien au fost vândute către United Artists, Beatles l-au abordat pe Kubrick pentru a-i regiza într-o adaptare cinematografică, dar Kubrick nu a fost dispus să producă un film bazat pe o carte foarte populară.

Influențe în carieră

O femeie cu ochelari sparți și sânge care îi curge pe față.
În tinerețe, Kubrick a fost fascinat de filmele lui Serghei Eisenstein și urmărea frecvent filme precum Battleship Potemkin (1925) (foto).

Oricine a avut vreodată privilegiul să regizeze un film știe că, deși poate fi ca și cum ai încerca să scrii Război și pace într-o mașină de protecție într-un parc de distracții, când în sfârșit reușești, nu există multe bucurii în viață care să poată fi egale. sentimentul.

—  Stanley Kubrick, acceptând premiul DW Griffith

În tinerețe, Kubrick a fost fascinat de filmele regizorilor sovietici precum Serghei Eisenstein și Vsevolod Pudovkin . Kubrick a citit lucrarea teoretică fundamentală a lui Pudovkin, Tehnica filmului, care susține că montajul face din film o formă de artă unică și trebuie folosit pentru a manipula mediul la maximum. Kubrick a recomandat această lucrare altora de mulți ani. Thomas Nelson descrie această carte drept „cea mai mare influență a oricărei lucrări scrise asupra evoluției esteticii private [a lui Kubrick]”. De asemenea, Kubrick a considerat că ideile lui Konstantin Stanislavski sunt esențiale pentru înțelegerea lui de bază ale regiei și și-a oferit un curs intens pentru a-și învăța metodele.

Familia lui Kubrick și mulți critici au considerat că strămoșii lui evrei ar fi putut contribui la viziunea sa asupra lumii și la aspectele filmelor sale. După moartea sa, atât fiica, cât și soția sa au declarat că nu este religios, dar „nu și-au negat deloc evreitatea”. Fiica lui a remarcat că a vrut să facă un film despre Holocaust, The Arian Papers , după ce a petrecut ani de zile cercetând subiectul. Majoritatea prietenilor lui Kubrick și a primilor colaboratori de fotografie și film au fost evrei, iar primele două căsătorii ale lui au fost cu fiicele unor imigranți evrei recenti din Europa. Scenariul britanic Frederic Raphael , care a lucrat îndeaproape cu Kubrick în ultimii săi ani, consideră că originalitatea filmelor lui Kubrick a fost parțial pentru că „avea un respect (evreiesc?) față de savanți”. El a declarat că este „absurd să încerci să-l înțelegi pe Stanley Kubrick fără a considera evreiune ca aspect fundamental al mentalității sale”.

Regizorul Max Ophüls a avut o influență majoră asupra lui Kubrick; în imagine este filmul său The Earrings of Madame de... (1953).

Walker notează că Kubrick a fost influențat de stilurile de urmărire și „cameră fluidă” ale regizorului Max Ophüls și le-a folosit în multe dintre filmele sale, inclusiv Paths of Glory și 2001: A Space Odyssey . Kubrick a observat că în filmele lui Ophuls „camera a trecut prin fiecare perete și fiecare etaj”. Odată a numit filmul său preferat Le Plaisir (1952) al lui Ophüls . Potrivit istoricului de film John Wakeman, Ophüls însuși a învățat tehnica de la regizorul Anatole Litvak în anii 1930, când era asistentul său, și a cărui activitate a fost „plină de urmărirea camerei, pans și swoops, care au devenit ulterior marca comercială a lui Max Ophüls”. Geoffrey Cocks crede că Kubrick a fost influențat și de poveștile lui Ophüls despre dragoste zădărnicită și preocuparea pentru bărbații prădători, în timp ce Herr notează că Kubrick a fost profund inspirat de GW Pabst , care a încercat mai devreme, dar nu a reușit să adapteze Traumnovelle a lui Schnitzler , baza lui Eyes . Wide Shut . Istoricul/criticul de film Robert Kolker vede influența fotografiilor în mișcare ale camerei lui Welles asupra stilului lui Kubrick. LoBrutto notează că Kubrick s-a identificat cu Welles și că acest lucru a influențat realizarea filmului The Killing , cu „punctele sale multiple de vedere, unghiurile extreme și concentrarea profundă”.

Kubrick a admirat munca lui Ingmar Bergman și a exprimat-o într-o scrisoare personală: „Viziunea ta asupra vieții m-a mișcat profund, mult mai profund decât m-a mișcat vreodată vreun film. Cred că ești cel mai mare realizator de film de astăzi [ ...], de neîntrecut de nimeni în crearea stării de spirit și a atmosferei, subtilitatea performanței, evitarea evidentului, veridicitatea și completitudinea caracterizării.La aceasta trebuie să se adauge și tot ceea ce este implicat în realizarea unui film. ; [...] și voi aștepta cu nerăbdare fiecare dintre filmele voastre.”

Când revista americană Cinema i-a cerut lui Kubrick, în 1963, să-și numească filmele preferate, el a inclus filmul I Vitelloni al regizorului italian Federico Fellini pe primul loc în topul său.

Tehnici de regie

Filozofie

HAL 9000, computerul din 2001: Odiseea spațiului

Filmele lui Kubrick implică de obicei expresii ale unei lupte interioare, examinate din perspective diferite. A avut mare grijă să nu-și prezinte propriile puncte de vedere asupra sensului filmelor sale și să le lase deschise interpretării. El a explicat într-un interviu din 1960 cu Robert Emmett Ginna:

„Unul dintre lucrurile pe care le găsesc întotdeauna extrem de dificil, când o imagine este terminată, este atunci când un scriitor sau un recenzor de film întreabă: „Acum, ce încercai să spui în imaginea respectivă?” Și fără să fiu considerat prea presumptuos pentru a folosi această analogie, îmi place să-mi amintesc ce i- a spus TS Eliot cuiva care l-a întrebat – cred că era The Waste Land – ce a vrut să spună prin poem. El a răspuns: „Am vrut să spun ce am spus. .' Dacă aș fi putut spune altfel, aș fi spus-o”.

Kubrick a asemănat înțelegerea filmelor sale cu muzica populară, în sensul că, indiferent de fundalul sau intelectul individului, un disc al Beatles, de exemplu, poate fi apreciat atât de șoferul de camion din Alabama, cât și de tânărul intelectual de la Cambridge, pentru că „emoțiile și subconștientul lor”. sunt mult mai asemănătoare decât intelectul lor”. El credea că reacția emoțională subconștientă experimentată de public era mult mai puternică în mediul filmului decât în ​​orice altă formă verbală tradițională, iar acesta a fost unul dintre motivele pentru care s-a bazat adesea pe perioade lungi în filmele sale fără dialog, punând accent pe imagini. și sunet. Într-un interviu din 1975 din revista Time , Kubrick a declarat în continuare: „Esența unei forme dramatice este de a lăsa o idee să vină peste oameni fără ca aceasta să fie declarată clar. Când spui ceva în mod direct, pur și simplu nu este atât de puternic ca atunci când permit oamenii să-l descopere singuri”. El a mai spus: „Realismul este probabil cel mai bun mod de a dramatiza argumentele și ideile. Fantezia se poate ocupa cel mai bine de teme care se află în primul rând în inconștient”.

Notele de producție ale lui Kubrick din The Killing

Diane Johnson , care a co-scris scenariul pentru The Shining cu Kubrick, notează că „a spus întotdeauna că este mai bine să adaptezi o carte decât să scrii un scenariu original și că ar trebui să alegi o lucrare care nu este o capodopera, așa că poți să-l îmbunătățești. Ceea ce a făcut mereu, cu excepția lui Lolita ”. Atunci când decidea asupra unui subiect pentru un film, erau multe aspecte pe care le căuta și făcea întotdeauna filme care „ar atrage orice fel de spectator, indiferent de așteptările lor de la film”. Potrivit coproducătorului său , Jan Harlan , Kubrick „și-a dorit în mare parte să facă filme despre lucruri care contau, care nu numai că au formă, ci și substanță”. Kubrick credea că publicul era destul de des atras de „enigme și alegorii” și nu-i plăceau filmele în care totul era explicat clar.

Sexualitatea în filmele lui Kubrick este de obicei descrisă în afara relațiilor matrimoniale, în situații ostile. Baxter afirmă că Kubrick explorează „aleile laterale furtive și violente ale experienței sexuale: voyeurism, dominație, sclavie și viol” în filmele sale. El mai subliniază că filme precum O portocală mecanică sunt „puternic homoerotice”, de la Alex care se plimbă prin apartamentul părinților săi în fața lui Y, un ochi fiind „facut cu gene false ca de păpușă”, până la acceptarea sa nevinovată a avansurile sexuale ale consilierului său post-corectiv Deltroid ( Aubrey Morris ). Într-adevăr, se crede că filmul a fost cel puțin parțial inspirat de lucrarea de referință a cinematografiei queer Funeral Parade of Roses . Criticul de film Adrian Turner observă că filmele lui Kubrick par a fi „preocupate de întrebări despre răul universal și moștenit”, iar Malcolm McDowell s-a referit la umorul său ca fiind „negru ca cărbunele”, punând la îndoială viziunea sa asupra umanității. Câteva dintre fotografiile sale erau satire și comedii negre evidente, cum ar fi Lolita și Dr. Strangelove ; multe dintre celelalte filme ale sale conțineau și elemente mai puțin vizibile de satiră sau ironie. Filmele sale sunt imprevizibile, examinând „dualitatea și contradicțiile care există în noi toți”. Ciment notează că Kubrick a încercat adesea să încurce așteptările publicului prin stabilirea unor stări radical diferite de la un film la altul, remarcând că era aproape „obsedat să se contrazică, să facă din fiecare operă o critică a celei precedente”. Kubrick a declarat că "nu există un model deliberat pentru poveștile pe care am ales să le transform în filme. Singurul factor care lucrează de fiecare dată este că încerc să nu mă repet". Drept urmare, Kubrick a fost adesea înțeles greșit de critici și o singură dată a avut recenzii pozitive unanim la lansarea unui film - pentru Paths of Glory .

Scrierea și punerea în scenă a scenelor

Tunelul folosit la realizarea A Clockwork Orange

Autorul de film Patrick Webster consideră că metodele lui Kubrick de a scrie și de a dezvolta scene se potrivesc cu teoria clasică de autor a regiei, permițând colaborarea și improvizația cu actorii în timpul filmărilor. Malcolm McDowell și-a amintit de accentul pe care Kubrick a insistat pe colaborare în timpul discuțiilor lor și de dorința lui de a-i permite să improvizeze o scenă, afirmând că „a existat un scenariu și l-am urmat, dar când nu a funcționat, el l-a știut și a trebuit să continuăm să repetim la nesfârșit. până ne-am plictisit de asta”. Odată ce Kubrick avea încredere în punerea în scenă a unei scene și simțea că actorii erau pregătiți, el dezvolta apoi aspectele vizuale, inclusiv amplasarea camerei și a luminii. Walker crede că Kubrick a fost unul dintre „foarte puținii regizori de film competenți să-și instruiască fotografii de iluminat în ceea ce privește efectul precis pe care și-l doresc”. Baxter crede că Kubrick a fost puternic influențat de strămoșii lui și a avut întotdeauna o perspectivă europeană asupra filmului, în special imperiul austro-ungar și admirația sa pentru Max Ophuls și Richard Strauss .

Gilbert Adair , scriind într-o recenzie pentru Full Metal Jacket , a comentat că „Abordarea lui Kubrick față de limbaj a fost întotdeauna de natură reductivă și fără compromisuri deterministă. subiectivitatea și interioritatea, prin toate mofturile, nuanțele și modulațiile expresiei personale”. Johnson notează că, deși Kubrick era un „realizator vizual”, iubea și cuvintele și era ca un scriitor în abordarea sa, foarte sensibil la povestea în sine, pe care i-a părut-o unică. Înainte de a începe filmările, Kubrick a încercat să aibă scenariul cât mai complet posibil, dar și-a lăsat totuși suficient spațiu pentru a face modificări în timpul filmării, considerând că este „mai profitabil să nu blochezi orice idei despre montare sau cameră sau chiar dialog înainte de repetiții”. cum a spus el. Kubrick i-a spus lui Robert Emmett Ginna: „Cred că trebuie să vedeți întreaga problemă de a pune povestea pe care doriți să o spuneți acolo sus pe acel pătrat luminos. Începe cu selectarea proprietății; continuă prin crearea poveștii, a decorurile, costumele, fotografia și actoria. Și când poza este filmată, este doar parțial terminată. Cred că decupajul este doar o continuare a regizării unui film. Cred că folosirea efectelor muzicale, a elementelor optice și în cele din urmă a titlurilor principale sunt toate fac parte din povestea. Și cred că fragmentarea acestor locuri de muncă, de către diferiți oameni, este un lucru foarte rău". Kubrick a mai spus: „Cred că cel mai bun complot nu este o intriga aparentă. Îmi place un început lent, începutul care intră sub pielea publicului și îi implică astfel încât să poată aprecia notele de grație și tonurile moi și nu trebuie să fie lovit peste cap cu puncte de complot și instrumente de suspans.”

Regia

Lucrează cu Stanley și trec prin iaduri pentru care nimic din cariera lor nu i-ar fi putut pregăti, cred că trebuie să fi fost supărați să se implice, ei cred că vor muri înainte de a lucra din nou cu el, acel maniac fixat; și când totul este în spatele lor și oboseala profundă de atâta intensitate s-a dispărut, ar face orice în lume pentru a lucra din nou pentru el. Pentru restul vieții lor profesionale, tânjesc să lucreze cu cineva căruia îi pasă așa cum a făcut Stanley, cineva de la care ar putea învăța. Ei caută pe cineva care să respecte modul în care au ajuns să-l respecte, dar nu pot găsi niciodată pe nimeni... Am auzit această poveste de atâtea ori.

— Michael Herr, scenarist pentru Full Metal Jacket despre actorii care lucrează cu Kubrick.

Kubrick era renumit pentru că a cerut mai multe reprize în timpul filmărilor pentru a-și perfecționa arta, iar abordarea sa neobosită a fost adesea extrem de solicitantă pentru actorii săi. Jack Nicholson a remarcat că Kubrick cere adesea până la cincizeci de reprize ale unei scene. Nicole Kidman explică că numărul mare de interpretări pe care le-a cerut adesea i-a împiedicat pe actori să se gândească în mod conștient la tehnică, ajutându-i astfel să intre într-un „loc mai profund”. Rata de preluare mare a lui Kubrick a fost considerată de unii critici drept „irațional”; a crezut ferm că actorii au fost la cel mai bun moment în timpul filmărilor, spre deosebire de repetiții, datorită sentimentului de emoție intensă pe care îl generează. Kubrick a explicat: „Actorii sunt, în esență, instrumente producătoare de emoții, iar unii sunt întotdeauna acordați și pregătiți, în timp ce alții vor atinge un ton fantastic la o singură interpretare și nu o vor mai egala niciodată, indiferent de cât de mult ar încerca”...

„Când faci un film, durează câteva zile doar să te obișnuiești cu echipa, pentru că este ca și cum te-ai dezbraca în fața a cincizeci de oameni. Odată ce te obișnuiești cu ei, prezența chiar și a unei alte persoane pe platou este discordante și tinde să producă conștiință de sine în actori și, cu siguranță, în sine”. El i-a mai spus biografului Michel Ciment: "Invariabil se datorează faptului că actorii nu-și cunosc replicile sau nu le cunosc suficient de bine. Un actor nu poate face decât un singur lucru la un moment dat, iar când și-a învățat replicile doar suficient de bine pentru a spune-le în timp ce se gândește la ele, el va avea întotdeauna probleme de îndată ce va trebui să lucreze la emoțiile scenei sau să găsească urme ale camerei. Într-o scenă emoțională puternică, cel mai bine este întotdeauna să poți filma în reprize complete. permite actorului o continuitate a emoției și este rar ca majoritatea actorilor să atingă apogeul de mai multe ori sau de două ori. Există, ocazional, scene care beneficiază de extrageri, dar chiar și atunci, nu sunt sigur că primele filmări. nu sunt doar repetiții glorificate cu adăugarea de adrenalină a filmului care trece prin cameră.”

Kubrick și-a dedicat pauzele personale pentru a avea discuții lungi cu actorii. Printre cei care i-au apreciat atenția s-a numărat Tony Curtis , starul Spartacus , care a spus că Kubrick este regizorul său preferat, adăugând că „cea mai mare eficacitate a lui a fost relația sa unu-la-unu cu actorii”. El a adăugat în continuare: „Kubrick a avut propria sa abordare a filmului. Voia să vadă fețele actorului. Nu dorea camere de luat vederi întotdeauna într-un film larg la douăzeci și cinci de metri distanță, voia prim-planuri, voia să păstreze camera se mișcă. Acesta era stilul lui”. În mod similar, Malcolm McDowell își amintește de discuțiile lungi pe care le-a avut cu Kubrick pentru a-l ajuta să-și dezvolte personajul din A Clockwork Orange , menționând că pe platoul de filmare s-a simțit complet dezinhibat și liber, ceea ce l-a făcut pe Kubrick „un regizor atât de grozav”. De asemenea, Kubrick le-a permis actorilor uneori să improvizeze și să „încalce regulile”, în special cu Peter Sellers în Lolita , care a devenit un punct de cotitură în cariera lui, deoarece i-a permis să lucreze creativ în timpul filmărilor, spre deosebire de etapa de preproducție. În timpul unui interviu, Ryan O'Neal și-a amintit de stilul de regie al lui Kubrick: „Doamne, te muncește din greu. Te mișcă, te împinge, te ajută, se încurcă cu tine, dar mai presus de toate te învață valoarea unui regizor bun. Stanley. a scos la iveală aspecte ale personalității mele și ale instinctelor actoricești care au fost latente... Suspiciunea mea puternică [era] că eram implicat în ceva grozav”. El a mai adăugat că lucrul cu Kubrick a fost „o experiență uluitoare” și că nu și-a revenit niciodată după ce a lucrat cu cineva de atâta măreție.

Cinematografie

Kubrick a atribuit ușurința cu care a filmat scene în primii săi ani ca fotograf. Rareori a adăugat instrucțiuni ale camerei în scenariu, preferând să se ocupe de asta după ce a fost creată o scenă, deoarece partea vizuală a filmului i-a fost cel mai ușor. Chiar și pentru a decide ce recuzită și setări vor fi folosite, Kubrick a acordat o atenție meticuloasă detaliilor și a încercat să adune cât mai mult material de fundal posibil, funcționând mai degrabă ca ceea ce el a descris drept „un detectiv”. Directorul de imagine John Alcott, care a lucrat îndeaproape cu Kubrick la patru dintre filmele sale și a câștigat un Oscar pentru cea mai bună fotografie pentru Barry Lyndon , a remarcat că Kubrick „se pune la îndoială totul” și a fost implicat în aspectele tehnice ale filmului, inclusiv plasarea camerei, scena compoziția, alegerea obiectivului și chiar operarea camerei, care ar fi de obicei lăsată în seama directorului de imagine. Alcott a considerat că Kubrick este „cel mai apropiat lucru de geniu cu care am lucrat vreodată, cu toate problemele unui geniu”.

Camera lui Kubrick, posibil folosită în Barry Lyndon

Printre inovațiile lui Kubrick în cinematografie se numără utilizarea efectelor speciale, ca în 2001 , unde a folosit atât fotografia cu scanare cu fantă , cât și proiecția pe ecran , ceea ce i-a adus lui Kubrick singurul Oscar pentru efecte speciale. Unii recenzenți au descris și ilustrat cu clipuri video, utilizarea de către Kubrick a „ perspectivă într-un singur punct ”, care conduce privirea privitorului către un punct central de fugă. Tehnica se bazează pe crearea unei simetrii vizuale complexe folosind linii paralele într-o scenă care converg toate spre acel punct unic, îndepărtându-se de privitor. Combinat cu mișcarea camerei, ar putea produce un efect pe care un scriitor îl descrie drept „hipnotic și palpitant”. The Shining a fost printre primele jumătate de duzină de filme care au folosit Steadicam -ul de atunci revoluționar (după filmele din 1976 Bound for Glory , Marathon Man și Rocky ). Kubrick a folosit-o la maximul său potențial, ceea ce a oferit audienței o urmărire fluidă, stabilizată, a mișcării de către cameră. Kubrick a descris Steadicam ca fiind ca un „covor magic”, permițând „mișcări rapide, fluide, ale camerei” în labirintul din The Shining , care altfel ar fi fost imposibil.

Kubrick a fost printre primii regizori care au folosit asistență video în timpul filmărilor. La momentul în care a început să-l folosească în 1966, era considerată tehnologie de ultimă oră, ceea ce i-a impus să-și construiască propriul sistem. Având-o pe loc în timpul filmărilor din 2001 , el a putut să vizioneze un videoclip al unei fotografii imediat după ce a fost filmată. La unele filme, cum ar fi Barry Lyndon , a folosit lentile cu zoom personalizate, ceea ce i-a permis să înceapă o scenă cu un prim-plan și să micșoreze încet pentru a surprinde întreaga panoramă a peisajului și pentru a filma capturi lungi în condiții de iluminare exterioară în schimbare prin făcând ajustări ale diafragmei în timp ce camerele rulau. LoBrutto notează că cunoștințele tehnice ale lui Kubrick despre lentile „i-au uimit pe inginerii producătorului, care l-au considerat fără precedent printre realizatorii de film contemporani”. Pentru Barry Lyndon a folosit, de asemenea, un obiectiv special pentru cameră Zeiss de mare viteză (f/0,7), dezvoltat inițial pentru NASA, pentru a filma numeroase scene luminate doar la lumina lumânărilor. Actorul Steven Berkoff își amintește că Kubrick și-a dorit ca scenele să fie filmate folosind „lumină pură a lumânărilor” și, făcând acest lucru, Kubrick „a adus o contribuție unică la arta filmului, revenind la pictură... Aproape că ai pozat ca pentru portrete”. LoBrutto notează că cineaștii din întreaga lume au vrut să afle despre „obiectivul magic” al lui Kubrick și că el a devenit o „legendă” printre cameramanii din întreaga lume.

Editare și muzică

György Ligeti , a cărui muzică Kubrick a folosit-o în 2001 , The Shining și Eyes Wide Shut

Kubrick a petrecut ore mari editând, lucrând adesea șapte zile pe săptămână și mai multe ore pe zi pe măsură ce se apropia de termene limită. Pentru Kubrick, dialogul scris a fost un element care trebuia pus în echilibru cu punerea în scenă (aranjamente de set), muzica și, mai ales, montajul. Inspirat de tratatul lui Pudovkin despre montajul filmului, Kubrick și-a dat seama că se poate crea o performanță în sala de montaj și adesea „redirecționează” un film și a remarcat: „Îmi place să montez. Cred că îmi place mai mult decât oricare altul. faza filmului... Editarea este singurul aspect unic al filmului care nu seamănă cu nicio altă formă de artă - un punct atât de important încât nu poate fi subliniat excesiv... Poate face sau sparge un film". Biograful John Baxter a declarat că „În loc să găsească coloana intelectuală a unui film în scenariu înainte de a începe lucrul, Kubrick și-a simțit drumul către versiunea finală a unui film, filmând fiecare scenă din mai multe unghiuri și solicitând zeci de interpretări pe fiecare rând. Apoi de-a lungul lunilor... a aranjat și a rearanjat zecile de mii de fragmente de film pentru a se potrivi cu o viziune care a început să iasă cu adevărat abia în timpul montajului”.

Atenția lui Kubrick pentru muzică a fost un aspect din ceea ce mulți au numit „perfecționismul” lui și atenția extremă pentru detaliile minuscule, pe care soția sa, Christiane, le-a atribuit dependenței de muzică. În ultimele sale șase filme, Kubrick a ales de obicei muzică din surse existente, în special compoziții clasice. El a preferat să aleagă muzica înregistrată decât să o compună pentru un film, crezând că niciun compozitor angajat nu ar putea face la fel de bine ca compozitorii clasici din domeniul public. De asemenea, a simțit că construirea de scene din muzică grozavă a creat adesea „cele mai memorabile scene” din cele mai bune filme. Într-un caz, pentru o scenă din Barry Lyndon care a fost scrisă în scenariu ca doar „Barry se duelează cu Lord Bullingdon”, el a petrecut patruzeci și două de zile lucrătoare în faza de editare. În acea perioadă, el a ascultat ceea ce LoBrutto descrie drept „orice înregistrare disponibilă de muzică din secolul al XVII-lea și al XVIII-lea, dobândind mii de discuri pentru a găsi sarabanda lui Händel folosită pentru a marca scena”. Nicholson și-a observat, de asemenea, atenția asupra muzicii, afirmând că Kubrick „a ascultat în mod constant muzică până când a descoperit ceva ce credea că este corect sau care l-a entuziasmat”.

Kubrick este creditat pentru prezentarea compozitorului maghiar György Ligeti unui public larg din Vest, incluzând muzica sa în 2001 , The Shining și Eyes Wide Shut . Potrivit lui Baxter, muzica din 2001 a fost „în fruntea minții lui Kubrick” atunci când a conceput filmul. În timpul proiecției anterioare, a cântat muzică de Mendelssohn și Vaughan Williams , iar Kubrick și scriitorul Clarke au ascultat transcrierea lui Carl Orff a Carminei Burana , constând din cântece sacre și seculare din secolul al XIII-lea. Muzica lui Ligeti a folosit noul stil de micropolifonie , care a folosit acorduri disonante susținute care se schimbă lent în timp, un stil originar de el. Includerea sa în film a devenit o „bunătate pentru compozitorul relativ necunoscut”, parțial pentru că a fost introdusă alături de background de Johann Strauss și Richard Strauss .

Pe lângă Ligeti, Kubrick s-a bucurat de o colaborare cu compozitoarea Wendy Carlos , al cărei album din 1968 Switched-On Bach — care a reinterpretat muzica baroc prin utilizarea unui sintetizator Moog — i-a atras atenția. În 1971, Carlos a compus și a înregistrat muzică pentru coloana sonoră a lui A Clockwork Orange . Muzică suplimentară nefolosită în film a fost lansată în 1972 sub numele de Clockwork Orange a lui Wendy Carlos . Ulterior, Kubrick a colaborat cu Carlos la The Shining (1980). Deschiderea filmului folosește interpretarea de către Carlos a „Dies Irae” (Ziua furiei) din Simfonia fantastică a lui Hector Berlioz .

Viata personala

Kubrick s-a căsătorit cu iubita sa de liceu, Toba Metz, un caricaturist, la 29 mai 1948, când avea 19 ani. Cuplul a locuit împreună în Greenwich Village și a divorțat trei ani mai târziu, în 1951. Și-a cunoscut a doua soție, dansatoarea și designerul de teatru de origine austriacă Ruth Sobotka , în 1952. Au locuit împreună în East Village din New York începând cu 1952, căsătoriți în Ianuarie 1955 și s-a mutat la Hollywood în iulie 1955, unde a jucat un scurt rol ca dansatoare de balet în filmul lui Kubrick, Killer's Kiss (1955). În anul următor, a fost director artistic pentru filmul său, The Killing (1956). Au divorțat în 1957.

În timpul producției Paths of Glory din München, la începutul anului 1957, Kubrick a cunoscut-o și a iubit-o pe actrița germană Christiane Harlan , care a jucat un rol mic, dar memorabil în film. Kubrick s-a căsătorit cu Harlan în 1958, iar cuplul a rămas împreună timp de 40 de ani, până la moartea sa, în 1999. Pe lângă fiica sa vitregă, au avut împreună două fiice: Anya Renata (6 aprilie 1959 – 7 iulie 2009) și Vivian Vanessa (născută pe 5 august ) . , 1960). În 1959, s-au stabilit într-o casă la 316 South Camden Drive din Beverly Hills, împreună cu fiica lui Harlan, Katherina, în vârstă de șase ani. Ei au locuit și în New York City, timp în care Christiane a studiat arta la Art Students League din New York , devenind ulterior artist independent. Cuplul s-a mutat în Regatul Unit în 1961 pentru a face Lolita , iar Kubrick l-a angajat pe Peter Sellers să joace în următorul său film, Dr. Strangelove . Sellers nu a putut părăsi Marea Britanie, așa că Kubrick și-a făcut din Marea Britanie casa sa permanentă după aceea. Mișcarea i-a fost destul de convenabilă pentru Kubrick, deoarece el a evitat sistemul de la Hollywood și mașina sa de publicitate, iar el și Christiane deveniseră alarmați de creșterea violenței în New York City.

Pensiunea Stanley Kubrick de la Abbots Mead, Borehamwood , unde a montat cele mai importante filme ale sale
Conacul Childwickbury al lui Kubrick din Hertfordshire, Anglia

În 1965, familia Kubricks a cumpărat Abbots Mead pe Barnet Lane, chiar la sud-vest de complexul de studiouri Elstree/Borehamwood din Anglia. Kubrick a lucrat aproape exclusiv din această casă timp de 14 ani, unde, a cercetat, a inventat tehnici de efecte speciale, a proiectat lentile cu lumină ultra-scăzută pentru camere special modificate, a pre-produs, editat, post-produs, a făcut publicitate, a distribuit și a gestionat cu atenție toate aspectele patru dintre filmele sale. În 1978, Kubrick s-a mutat în Childwickbury Manor din Hertfordshire, o casă impunătoare din secolul al XVIII-lea, care a fost odată deținută de un proprietar bogat de cal de curse, la aproximativ 30 de mile (50 km) nord de Londra și la 10 minute de mers cu mașina de casa lui anterioară din Abbotts Mead. Noua lui casă a devenit un loc de muncă pentru Kubrick și soția sa, „o fabrică de familie perfectă”, așa cum a numit-o Christiane, iar Kubrick a transformat grajdurile în încăperi de producție suplimentare pe lângă cele din casa pe care le folosea pentru editare și depozitare.

Un dependent de muncă, Kubrick și-a luat rareori o vacanță sau a părăsit Anglia în cei patruzeci de ani înainte de moartea sa. LoBrutto notează că modul limitat de viață al lui Kubrick și dorința de intimitate au dus la povestiri false despre recluziunea lui, similare cu cele ale Gretei Garbo , Howard Hughes și JD Salinger . Michael Herr, co-scenarist al lui Kubrick pentru Full Metal Jacket , care l-a cunoscut bine, consideră că „recluziunea” lui este un mit: „[El] a fost de fapt un eșec total ca reclus, cu excepția cazului în care crezi că un reclus este pur și simplu cineva care rar își părăsește casa. Stanley a văzut o mulțime de oameni... a fost unul dintre cei mai gregari bărbați pe care i-am cunoscut vreodată și nu a schimbat nimic faptul că cea mai mare parte a acestei convivialitate a avut loc la telefon." LoBrutto afirmă că unul dintre motivele pentru care și-a dobândit o reputație de reclus a fost că a insistat să rămână lângă casa lui, dar motivul a fost că pentru Kubrick existau doar trei locuri pe planetă în care putea face filme de înaltă calitate, cu tehnica necesară. expertiză și echipamente: Los Angeles, New York sau în jurul Londrei. Nu-i plăcea să trăiască în Los Angeles și credea că Londra este un centru de producție de film superior orașului New York.

Ca persoană, Kubrick a fost descris de Norman Lloyd ca fiind „un tip foarte întunecat, un fel de strălucitor, care era foarte serios”. Marisa Berenson , care a jucat în Barry Lyndon , și-a amintit cu drag: „Exista o mare tandrețe în el și era pasionat de munca lui. Ceea ce a frapat a fost enorma sa inteligență, dar avea și un mare simț al umorului. Era o persoană foarte timidă. și se autoproteja, dar era plin de lucrul care îl conducea douăzeci și patru de ore din zi.” Kubrick era deosebit de pasionat de mașini și echipamente tehnice, până la punctul în care soția sa, Christiane, a declarat odată că „Stanley ar fi mulțumit cu opt casetofon și o pereche de pantaloni”. Kubrick a obținut o licență de pilot în august 1947 și unii au susținut că mai târziu a dezvoltat o teamă de zbor, ca urmare a unui incident de la începutul anilor 1950, când un coleg a murit într-un accident de avion. Lui Kubrick i-au fost trimise rămășițele carbonizate ale camerei și caietele sale care, potrivit lui Duncan, l-au traumatizat pe viață. Kubrick avea și o neîncredere puternică față de medici și medicină.

Moarte

Pe 7 martie 1999, la șase zile după proiecția finală a filmului Eyes Wide Shut pentru familia sa și vedete, Kubrick a murit în somn la vârsta de 70 de ani, suferind un atac de cord. Înmormântarea lui a avut loc cinci zile mai târziu la Childwickbury Manor, la care au participat doar prieteni apropiați și familie, însumând aproximativ 100 de persoane. Mass-media au fost ținute la o milă depărtare în afara porții de intrare. Alexander Walker , care a participat la înmormântare, a descris-o ca un „la revedere a familiei, ... aproape ca un picnic englezesc”, cu violoncelisti, clarinetiști și cântăreți oferind cântece și muzică din multe dintre compozițiile sale clasice preferate. Kaddish , rugăciunea evreiască rostită de obicei de cei îndoliați și în alte contexte, a fost recitată. Câteva dintre necrologurile sale au menționat trecutul său evreiesc. Printre cei care au făcut elogii s-au numărat Terry Semel , Jan Harlan, Steven Spielberg, Nicole Kidman și Tom Cruise. A fost îngropat lângă copacul lui preferat de pe moșie. În cartea ei dedicată lui Kubrick, soția sa Christiane a inclus unul dintre citatele sale preferate despre Oscar Wilde : „Tragedia bătrâneții nu este că cineva este bătrân, ci că cineva este tânăr”.

Filmografie

Laude

Moştenire

Impact cultural

Kubrick în trailerul lui Dr. Strangelove (1964)

Parte a valului cinematografic al Noului Hollywood, filmele lui Kubrick sunt considerate de istoricul de film Michel Ciment ca fiind „printre cele mai importante contribuții la cinematografia mondială în secolul al XX-lea”, și este adesea citat drept unul dintre cei mai mari și mai influenți regizori. în istoria cinematografiei. Potrivit istoricului de film și cercetător al lui Kubrick Robert Kolker, filmele lui Kubrick au fost „mai riguroase din punct de vedere intelectual decât munca oricărui alt regizor american”. Regizori de seamă, printre care Martin Scorsese , Steven Spielberg , Wes Anderson , George Lucas , James Cameron , Terry Gilliam , frații Coen , Ridley Scott și George A. Romero , l-au citat pe Kubrick ca sursă de inspirație și, în plus, în cazul lui Spielberg și Scott, colaborare. Pe DVD-ul lui Eyes Wide Shut , Steven Spielberg comentează că felul în care Kubrick „spune o poveste este antitetic cu modul în care suntem obișnuiți să primim povești” și că „nimeni nu ar putea filma mai bine în istorie”. Orson Welles, unul dintre cele mai mari influențe personale și regizori preferați ai lui Kubrick, a spus că: „Printre cei pe care i-aș numi „generația tânără”, Kubrick mi se pare un gigant”.

Kubrick continuă să fie citat ca o influență majoră de mulți regizori, printre care Christopher Nolan , Todd Field , David Fincher , Guillermo del Toro , David Lynch , Lars von Trier , Tim Burton , Michael Mann și Gaspar Noé . Mulți realizatori de film imită utilizarea inventive și unică de către Kubrick a mișcării și încadrării camerei, precum și utilizarea muzicii, inclusiv Frank Darabont .

Artiști din alte domenii decât filmul și-au exprimat, de asemenea, admirația pentru Kubrick. Muzicianul și poetul englez PJ Harvey , într-un interviu despre albumul ei din 2011 Let England Shake , a susținut că „ceva despre [...] ceea ce nu se spune în filmele sale... există atât de mult spațiu, atât de multe lucruri care tac – și cumva, în acel spațiu și tăcere totul devine clar. Cu fiecare film, el pare să surprindă esența vieții însăși, în special în filme precum Paths of Glory , 2001: A Space Odyssey , Barry Lyndon ... acestea sunt unele dintre ele. favorite.” Videoclipul piesei din 2010 a lui Kanye West " Runaway " a fost inspirat de Eyes Wide Shut . Concertele cântăreței pop Lady Gaga au inclus dialogul, costumele și muzica din A Clockwork Orange .

Tribute

Intrarea la expoziția muzeului Kubrick de la LACMA

În 2000, BAFTA și-a redenumit premiul Britannia pentru întreaga viață „Stanley Kubrick Britannia Award ”, alăturându-se unor oameni ca DW Griffith , Laurence Olivier , Cecil B. DeMille și Irving Thalberg , toți având premii anuale numite după ei. Kubrick a câștigat acest premiu în 1999, iar destinatarii ulterioare au fost George Lucas , Warren Beatty , Tom Cruise, Robert De Niro , Clint Eastwood și Daniel Day-Lewis . Mulți oameni care au lucrat cu Kubrick la filmele sale au creat documentarul din 2001 Stanley Kubrick: A Life in Pictures , produs și regizat de cumnatul lui Kubrick, Jan Harlan, care a fost producător executiv al ultimelor patru filme ale lui Kubrick.

Prima expoziție publică de material din arhivele personale ale lui Kubrick a fost prezentată în comun în 2004 de Deutsches Filmmuseum și Deutsches Architekturmuseum din Frankfurt, Germania, în cooperare cu Christiane Kubrick și Jan Harlan / The Stanley Kubrick Estate. În 2009, la Dublin , Irlanda, a avut loc o expoziție de picturi și fotografii inspirate din filmele lui Kubrick, intitulată „Stanley Kubrick: Taming Light”. Pe 30 octombrie 2012, o expoziție dedicată lui Kubrick a fost deschisă la Muzeul de Artă al Județului Los Angeles (LACMA) și s-a încheiat în iunie 2013. Expozițiile includ o colecție largă de documente, fotografii și materiale de pe platou asamblate din 800 de cutii de arhive personale. care au fost depozitate la locul de muncă de acasă al lui Kubrick din Marea Britanie. Multe celebrități au participat și au vorbit la gala de pre-deschidere a muzeului, printre care Steven Spielberg, Tom Hanks și Jack Nicholson, în timp ce văduva lui Kubrick, Christiane, a apărut la revista de presă dinaintea galei. În octombrie 2013, Festivalul Internațional de Film din Brazilia São Paulo i-a adus un omagiu lui Kubrick, punând în scenă o expoziție a lucrării sale și o retrospectivă a filmelor sale. Expoziția a fost deschisă la Festivalul Internațional de Film de la Toronto (TIFF) la sfârșitul anului 2014 și s-a încheiat în ianuarie 2015.

Kubrick este referit pe scară largă în cultura populară; de exemplu, se spune că serialul TV The Simpsons conține mai multe referiri la filmele Kubrick decât orice alt fenomen de cultură pop. Când Directors Guild of Great Britain i-a acordat lui Kubrick un premiu pentru realizare de-a lungul unei vieți, au inclus o secvență detaliată a tuturor omagiilor din spectacol. Au fost create mai multe lucrări care se referă la viața lui Kubrick, inclusiv falsul documentar pentru televiziune Dark Side of the Moon (2002), care este o parodie a teoriei conspirației omniprezente conform căreia Kubrick a fost implicat în filmările false ale lunii NASA. aterizări în timpul filmărilor din 2001: A Space Odyssey . Color Me Kubrick (2005) a fost autorizat de familia lui Kubrick și l-a jucat pe John Malkovich în rolul lui Alan Conway , un escroc care și-a asumat identitatea lui Kubrick în anii 1990. În filmul din 2004 The Life and Death of Peter Sellers , Kubrick a fost interpretat de Stanley Tucci ; filmul documentează filmările Dr. Strangelove .

În aprilie 2018, luna care a marcat cea de-a 50-a aniversare a anului 2001: O odisee în spațiu , Uniunea Astronomică Internațională a numit cel mai mare munte al lunii lui Pluto Charon după Kubrick.

Din octombrie 2019 până în martie 2020, Centrul Cultural Skirball a găzduit o expoziție numită Through a Different Lens: Stanley Kubrick Photographs , o emisiune care se concentrează pe începutul carierei lui Kubrick.


Vezi si

Note

Referințe

Surse

linkuri externe