Jim Dine - Jim Dine

Jim Dine
Jim Dine
	Jim Dine, 2020
Născut	Jim Dine ; 16 iunie 1935 (86 de ani); Cincinnati , Ohio , SUA
Naţionalitate	american
Educaţie	Universitatea din Ohio ; Universitatea din Cincinnati
Cunoscut pentru	pictură , desen , sculptură , tipografie , fotografie , întâmplări , asamblare , poezie

Jim Dine (născut la 16 iunie 1935) este un artist contemporan american a cărui lucrare se întinde pe șaizeci de ani. Opera lui Dine include pictura, desenul, tipografia (sub multe forme, inclusiv litografii, gravuri, gravură, gravură, gravuri pe lemn, tipografie și linogravuri), sculptură și fotografie; lucrările sale timpurii au cuprins asamblarea și întâmplările, în timp ce în ultimii ani producția sa de poezie, atât în publicații, cât și în lecturi, a crescut.

Dine a fost asociat cu numeroase mișcări de artă de-a lungul carierei sale, inclusiv Neo-Dada (utilizarea colajului și a obiectelor găsite), Expresionismul abstract (natura gestuală a picturii sale) și Pop Art (aplicarea obiectelor de zi cu zi, inclusiv instrumente, frânghie, articole de îmbrăcăminte) și chiar o chiuvetă de baie) pe pânzele sale, totuși a evitat în mod activ astfel de clasificări. La baza artei sale, indiferent de suportul operei specifice, se află un proces intens de reflecție autobiografică, o explorare neîncetată și o critică a sinelui printr-o serie de motive extrem de personale care includ: inima, halatul de baie, instrumentele, sculptura antică și caracterul lui Pinocchio (printre flori, cranii, păsări și autoportrete figurative). Abordarea lui Dine este cuprinzătoare, încorporând întreaga sa experiență trăită: „Arta lui Dine are un flux de calitate a conștiinței în evoluția sa și se bazează pe toate aspectele vieții sale - ceea ce citește, obiecte pe care le întâlnește în magazinele de suveniruri din jurul lume, un studiu serios al artei din fiecare moment și loc pe care îl înțelege ca fiind util propriei sale practici. "

Arta lui Dine a făcut obiectul a peste 300 de expoziții solo, inclusiv retrospective la Whitney Museum of American Art , New York (1970), Museum of Modern Art , New York (1978), Walker Art Center , Minneapolis (1984-1985) ), Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park , Grand Rapids, Michigan (2011) și Museum Folkwang , Essen (2015–16). Opera sa este deținută în colecții permanente, inclusiv Art Institute of Chicago ; Muzeul Metropolitan de Arta , New York; d'Art Moderne Muzeul National , Centrul Pompidou , Paris; Galeria Națională de Artă , Washington, DC; Muzeul Solomon R. Guggenheim , New York; Tate Gallery , Londra; Tokyo Metropolitan Art Museum , Tokyo; și Galeria de Artă a Universității Yale , New Haven, Connecticut.

Distincțiile lui Dine includ nominalizarea sa ca membru al Academiei de Arte și Litere din New York (1980), Commandeur de l'Ordre des Arts et des Lettres (2003), British Museum Medal (2015) în urma donației sale de 234 de tipărituri pentru muzeul în 2014, membru al Accademia di San Luca din Roma (2017) și Chevalier de l'Ordre de la Légion d'Honneur (2018).

Educaţie

Prima pregătire artistică formală a lui Dine a luat forma unor cursuri nocturne de pictură la Academia de Artă din Cincinnati , la care s-a înscris în 1952 la vârsta de 16 ani, în timp ce frecventa liceul Walnut Hills. A fost o decizie motivată atât de simțul său de chemare artistică, cât și de lipsa unei pregătiri adecvate la liceu: „Am știut întotdeauna că sunt mereu un artist și chiar dacă am încercat să mă conformez vieții liceului în acei ani, mi-a fost greu pentru că am vrut să mă exprim artistic, iar școala la care am mers nu avea facilități pentru asta. " În 1954, în timp ce încă participa la cursuri de seara, Dine a fost inspirat de o copie Paul J. Sachs " Modern Printuri și desene (1954), în special de către expresionist german xilogravuri reprodus, inclusiv locul de muncă de către Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Emil Nolde (1867–1956) și Max Beckmann (1884–1950) - „Am fost șocat de ei” - și au început să creeze xilografii în subsolul bunicilor săi materiale, cu care trăia atunci.

După terminarea liceului, Dine s-a înscris la Universitatea din Cincinnati (pe lângă cursurile de seară și experimentele autodirecționate de gravură pe lemn), dar a fost nemulțumit: „Nu aveau școală de artă, aveau școală de design. Am încercat asta jumătate un an. A fost ridicol [...] Tot ce voiam să fac era să pictez. " La recomandarea unui prieten de liceu care la acea vreme era specializat în teatru la Universitatea Ohio din Atena, Dine s-a înscris acolo în 1955, unde își amintește că a fost „uluit”, nu după standardul facilităților, ci pentru că: „Am simțit o libertate bucolică la poalele apalașilor, unde aș putea să mă dezvolt și să fiu artist. " Profesorul de tipografie Donald Roberts (1923–2015) Dine a experimentat în litografie, gravură, gravură, vârf uscat și gravuri pe lemn. La propunerea lui Roberts, Dine a studiat ulterior timp de șase luni cu Ture Bengtz (1907–73) la Școala de Arte Frumoase de la Muzeul de Arte Frumoase din Boston, înainte de a se întoarce la Universitatea Ohio, unde a absolvit o licență în Arte Frumoase în 1957. (rămânând un an suplimentar pentru a realiza tablouri și tipărituri, cu permisiunea facultății).

Carieră

Job # 1 de Jim Dine, 1962, Muzeul de Artă din Honolulu

În 1958, Dine s-a mutat la New York, unde a predat inițial la Școala din Rhodos. În același an a fondat Galeria Judson la Biserica Judson din Greenwich Village cu Claes Oldenburg și Marcus Ratliff, întâlnindu-se în cele din urmă cu Allan Kaprow și Bob Whitman: împreună au devenit practicieni pionieri ai evenimentelor și spectacolelor, inclusiv The Smiling Workman din 1959. Dine's prima expoziție a avut loc la Galeria Reuben, unde a pus în scenă și spectacolul elaborat Car Crash (1960), pe care îl descrie ca „o cacofonie a sunetelor și a cuvintelor rostite de o mare Venus albă cu mormăituri de animale și urlă de mine”. O altă lucrare timpurie importantă a fost The House (1960), un mediu care încorporează obiecte găsite și resturi stradale și instalat la Galeria Judson.

Dine a continuat să includă în lucrările sale obiecte de zi cu zi (inclusiv multe bunuri personale), care l-au legat de Pop Art - o afinitate consolidată prin includerea sa în influenta expoziție din 1962 „New Painting of Common Objects” de la Pasadena Art Museum, organizată de Walter Hopps și citat mai târziu ca primul sondaj instituțional al artei pop americane, inclusiv lucrări de Robert Dowd , Joe Goode , Phillip Hefferton , Roy Lichtenstein , Edward Ruscha , Wayne Thiebaud și Andy Warhol . Cu toate acestea, Dine s-a distanțat constant de Pop Art: "Nu sunt un artist Pop. Nu fac parte din mișcare pentru că sunt prea subiectiv. Popul este preocupat de exterior. Sunt preocupat de interior. Când Folosesc obiecte, le văd ca un vocabular al sentimentelor. [...] Ceea ce încerc să fac în munca mea este să mă explorez în termeni fizici - să explic ceva în funcție de propriile mele sensibilități. "

Motive

Cina la Galerie de Bellefeuille, Westmount, Quebec , Canada, 2009

De la începutul anilor 1960, Dine a dezvoltat și rafinat o selecție de motive prin care și-a explorat sinele în nenumărate forme și mijloace media, precum și în diferite locații / studiouri în care a lucrat, inclusiv: Londra (1967–71); Putnam, Vermont (1971–85); Walla Walla, Washington (din 1983); Paris (din 2001); și Göttingen (din 2007), într-un studio adiacent localului Steidl, tiparul și editorul majorității cărților sale. Principalele motive ale lui Dine includ halatul de baie, inima, Pinocchio, sculptura antică și uneltele.

Halate de baie

Dine a descris pentru prima dată halate de baie în 1964, în timp ce căuta o nouă formă de autoportretă într-un moment în care „nu era grozav să faci doar un autoportret”; el a conceput astfel o abordare fără a-și reprezenta fața. Dine a văzut ulterior o imagine a unui halat de baie într-o reclamă din New York Times Magazine și a adoptat-o ca pe un autoportret surogat pe care la descris de atunci în diferite grade de realism și expresionism.

Inimi

Luați masa exprimat inițial acest motiv sub forma unei inimi mare de satin roșu umplute atârna deasupra caracterul Puck într - o producție 1965-1966 a lui William Shakespeare e Visul unei nopți de vară la Actorilor Workshop din San Francisco, pentru care a proiectat decorurile (introducerea sa originală la motiv fusese o serie de inimi roșii pe fundal alb pe care le văzuse ca student). În timp, inima a devenit pentru Dine "un simbol universal pe care aș putea pune vopsea" și "o structură geografică la fel de bună ca oricare pe care aș putea să o găsesc în natură. Este un fel de peisaj și în acel peisaj aș putea crește orice și Cred că am făcut-o. " Simplitatea formală a inimii a făcut din ea un subiect pe care l-ar putea revendica în întregime ca al său, un vas gol pentru experimentare continuă în care să-și proiecteze sinele în schimbare. Statutul inimii ca simbol universal al iubirii reflectă și mai mult angajamentul lui Dine față de actul creativ: „... ceea ce am fost îndrăgostit a fost faptul că am fost pus aici să fac aceste inimi - această artă. Există un sentiment similar al iubirii în această metodă, acest act de a face artă ... "

Pinocchio

"Încercarea de a naște această marionetă în viață este o poveste grozavă. Este povestea modului în care faci artă" - Jim Dine. Fascinația Dine cu caracterul lui Pinocchio, protagonistul băiat în Carlo Collodi e Aventurile lui Pinocchio (1883), datele din copilărie, atunci când, la vârsta de șase ani a privit cu mama lui Walt Disney e film de animație Pinocchio (1940 ): "Mi-a bântuit inima pentru totdeauna!" Această experiență formativă s-a aprofundat în 1964, când Dine a descoperit o figură de jucărie detaliată a lui Pinocchio într-un magazin unde cumpăra instrumente: "Era pictată manual, avea un cap maché de hârtie, haine mici frumoase și membre articulate. Am luat-o acasă și am păstrat-o pe raftul meu timp de 25 de ani. Nu am făcut nimic cu el. Nu știam ce să fac cu el, dar a fost întotdeauna cu mine. Când mutam case, îl luam și îl puneam pe raft sau îl puneam pune-l într-un sertar și scoate-l afară, în esență, pentru a te juca cu el. " Cu toate acestea, abia în anii 1990, Dine l-a reprezentat pe Pinocchio în arta sa, mai întâi sub forma unei picturi cu diptic; următorii Pinocchios au fost prezentați la Bienala de la Veneția din 1997 și o expoziție la Richard Gray Gallery, Chicago. Reprezentări notabile din moment ce includ cele 41 de litografii color tipărite la Atelier Michael Woolworth, Paris, în 2006; cartea Pinocchio (Steidl, 2006), care combină textul lui Collodi cu ilustrațiile lui Dine; și două sculpturi monumentale din bronz de 9 metri înălțime: Walking to Borås (2008) în Borås, Suedia și Busan Pinocchio (2013) în Busan, Coreea de Sud. În ultimii ani, auto-identificarea lui Dine cu personajul lui Pinocchio s-a mutat la Gepetto, sculptorul în lemn supradotat care fabrică marioneta băiatului.

Sculptură antică

"Am această reverență față de lumea antică. Mă refer la societatea greco-romană. M-a interesat întotdeauna, iar produsul ei este interesant pentru mine, iar literatura este interesantă - literatura istorică. Am această nevoie de conectare cu trecutul în pe drumul meu ... "- Jim Dine. Ca și în cazul lui Pinocchio, fascinația lui Dine pentru sculptura antică datează de la începutul vieții sale: „Mereu m-am interesat de mic în„ antic ”, pentru că mama mea m-a dus la muzeul de artă din Cincinnati și aveau câteva piese frumoase. . " Antichitatea a fost prezentă în consecință de la lucrările sale timpurii, de exemplu în Untitled (After Winged Victory) (1959), acum deținută în colecția Institutului de Artă din Chicago, o sculptură inspirată de Victoria înaripată a Samotraciei (cca 200 î.Hr.) ) și compusă dintr-un halat pictat agățat pe un cadru de lampă găsit și ținut împreună cu sârmă, pe care Dine îl descrie ca „aproape ca o artă exterioară” și a arătat-o prima dată la Galeria Ruben. El exprimă cel mai frecvent antichitatea prin figura lui Venus de Milo (cca 100 î.Hr.), o mică piesă de ipsos pe care a cumpărat-o într-un magazin de aprovizionare din Paris; el a inclus inițial distribuția în tablouri din viața de viață din anii 1970, „Dar apoi i-am dat capul și l-am făcut al meu”. Cu toate acestea, Dine este, de asemenea, inspirat din colecții specifice de sculptură, de exemplu cea a Gliptothekului din München , pe care a vizitat-o în 1984 și a rezultat în cele 40 de „Desene Glyptotek” [sic] din 1987–88, realizate în pregătirea unei serii de litografii. . Din experiența pe care Dine o amintește: "Directorul muzeului m-a lăsat să intru noaptea și, prin urmare, a fost o meditație asupra pieselor pe care le desenam pentru că eram singur. Am simțit o legătură între epocile istoriei și mine și o comunicare între acești băieți anonimi care sculptaseră aceste lucruri cu secole înaintea mea. A fost un mod de a-mi uni mâinile de-a lungul generațiilor și de a simți că nu am crescut doar ca o plantă, ci că am venit de undeva. Am aparținut unei tradiții și mi-a dat istoria de care aveam nevoie ". O lucrare recentă importantă care încorporează antichitatea este Dine's Poet Singing (The Flowering Sheets) , o instalație formată din sculpturi din lemn de 8 picioare inspirate de statuile grecești antice ale femeilor dansatoare, dispuse în jurul unui cap de autoportret de 7 picioare al artistului, toate instalat într-o cameră ale cărei pereți le-a înscris cu un poem întins, „cu temele sale orfice de călătorie, pierdere și posibilitățile artei”. Arătat inițial în 2008–09 la Getty Villa, Muzeul J. Paul Getty, Los Angeles, și ecoul grupului sculptural 350–300 î.Hr. al unui poet și sirene așezate (2) cu bucle fragmentare neunite (304) deținute în colecția Getty , Dine a actualizat de atunci Poet Singing (The Flowering Sheets) ca o instalație permanentă, specifică site-ului, găzduită în pavilionul Jim Dine construit special, adiacent Kunsthaus Göttingen.

Instrumente

„Nu am încetat niciodată să fiu fermecat de aceste obiecte”. - Jim Dine. La fel ca în cazul lui Pinocchio și al sculpturii antice, instrumentele sunt un motiv legat inextricabil de copilăria lui Dine. Prezentarea lor le-a venit prin bunicul său matern, Morris Cohen, care conducea magazinul de hardware The Save Supply Company din Cincinnati; Dine a trăit cu Cohen timp de trei ani când era băiat și a avut contact zilnic cu el până la vârsta de 19 ani. Cohen i-a permis inițial lui Dine să se joace cu instrumentele din atelierul său din garaj și la subsol, dintre care Dine își amintește ciocane, ferăstrăuri, burghie, șurubelnițe printre astfel de accesorii hardware, cum ar fi bucăți de țeavă, șuruburi, piulițe, șuruburi, siguranțe, spălături și sârmă electrică; mai târziu, Dine a lucrat în magazinul lui Cohen sâmbăta.

Aceste experiențe au fost atât inaugurarea lui Dine în funcțiile practice ale sculelor, cât și începutul aprecierii sale estetice față de acestea: "Am admirat smalțul frumos de pe toaletele și chiuvetele din ceramică. Am admirat modul în care erau diferite culori ale firului electric al conductei. rulouri unul lângă altul și modul în care fusese împletit. În departamentul de vopsea, diagramele de culori mi s-au părut ca niște cutii de bijuterii perfecte, perfecte. " El își amintește în mod specific impactul senzual al vopselei albe „foarte, foarte frumoase”: „M-aș juca cu ea înfigând unul dintre șurubelnițele lui și spargând pielea și mutând-o. Era ca un taffy alb. Avea un miros fabulos. de ulei de in și terebentină. " În consecință, el le consideră subiect pentru această artă "un obiect la fel de misterios și interesant ca orice alt obiect. Nu există aristocrație aici".

Ca un motiv care simbolizează actul creației - unul cu care materiile prime sunt transformate în artă - instrumentele au un statut unic în practica lui Dine ca „extensii artificiale ale mâinilor sale, permițându-i efectiv să modeleze și să formeze anumite condiții și obiecte date mai sistematic, „și ca„ „obiecte primare” care creează o legătură cu trecutul uman și mâna ”. În cuvintele lui Dine, instrumentul este fundamental „o metaforă pentru„ muncă ”.”

Dine a integrat instrumente reale în arta sa de la primele sale lucrări până la practica sa actuală - de exemplu, Big Black Work Wall (1961), o pictură cu instrumente atașate și The Wind and Tools (A Glossary of Terms) (2009), trei statui din lemn de Venus purtând brâu cu centuri de unelte - precum și descrierea lor în suport media, inclusiv picturi, desene, fotografii și amprente. O serie extraordinară de tipărire care implică instrumente este A History of Communism (2014), în care Dine a imprimat motive de instrumente deasupra litografiilor realizate din pietre găsite într-o academie de artă din Berlin și care prezintă patru decenii de muncă a studenților din Republica Democrată Germană. Suprapunându-și propriul vocabular personal de instrumente, Dine se implică în instrumentele simbolice ale comunismului - ciocanul și secera Uniunii Sovietice; și ciocanul și busola, inelate de secară, ale Republicii Democrate Germane - și deranjează afirmarea oricărui anumit „adevăr”, arătând că „istoria nu este niciodată o narațiune coerentă - deși ar putea fi prezentată ca atare cu un motiv ulterior - dar mai degrabă un proces fragmentat, stratificat și multi-amplasat. "

Posturi didactice selectate

1965 - lector invitat la Universitatea Yale și artist în reședință, Oberlin College, Ohio
1966 - rezidență didactică la Universitatea Cornell, Ithaca, New York
1993–95 - Academia Internațională de Vară din Arte Frumoase din Salzburg, Salzburg
1995–96 - Hochschule der Künste, Berlin

Colaborări selectate pe termen lung

1962–76: galeristă Ileana Sonnabend, New York
1975–2008: tipograf Aldo Crommelynck, Paris
1978–2016: Pace Gallery, New York
1979 – prezent: galeristul Alan Cristea, Londra
1983–2018: galeristul Richard Gray, Chicago
1983 – prezent: Walla Walla Foundry, Walla Walla, Washington
1987–2003: tipograf Kurt Zein, Viena
1991–2016: Spring Street Workshop, New York, cu imprimante printre care Julia D'Amario, Ruth Lingen, Katherine Kuehn, Bill Hall
1998 – prezent: tipograf și editor Gerhard Steidl, Göttingen
2000 – prezent: galeristul Daniel Templon , Paris-Bruxelles
2003–18: atelierul de tipografii Michael Woolworth, Paris
2010 – prezent: turnătorie Blue Mountain Fine Art, Baker City, Oregon
2016 – prezent: tipografi Steindruck Chavanne Pechmann, Apetlon
2016–21: Gray Gallery, Chicago

Colecții permanente selectate

Muzeul de artă Allen Memorial, Oberlin
Art Institute of Chicago, Chicago
Muzeul de Artă al Colegiului Bowdoin, Brunswick, ME
Muzeul Brooklyn, Brooklyn
Cincinnati Art Museum, Cincinnati
Cleveland Museum of Art, Cleveland
Muzeul de artă Fogg, Universitatea Harvard, Cambridge
Muzeul și grădina de sculptură Hirshhorn, Washington, DC
Muzeul de Artă Indianapolis, Indianapolis
Muzeul Israel, Ierusalim
Muzeul de Artă Modernă din Louisiana, Humelbeak, Danemarca
Muzeul Metropolitan de Artă, New York
Institutul de Arte Minneapolis, Minneapolis
Muzeul Folkwang, Essen
Musée National d'Art Moderne, Centre Pompidou, Paris
Muzeul de Artă Contemporană, Chicago
Muzeul de Arte Frumoase, Boston
Muzeul de Artă Modernă, New York
National Gallery of Art, Washington, DC
Muzeul de Artă Snite, Universitatea Notre Dame
Muzeul Solomon R. Guggenheim, New York
Muzeul Stedelijk, Amsterdam
Tate Gallery , Londra
Muzeul de Artă Americană Whitney, New York
Muzeul Metropolitan de Artă, New York
Muzeul Stedelijk, Amsterdam
Muzeul de artă metropolitană Tokyo, Tokyo
Galeria de artă a Universității Yale, New Haven, CT

Publicații selectate

Jim Dine Hot Dream (52 de cărți), Steidl, Göttingen, 2009

Jim Dine Fotografiile, până acum, Steidl, Göttingen, 2004

Jim Dine 3 Cats and a Dog , Steidl, Göttingen, 2019

Robert Creeley și Jim Dine, Pictures , Tamarind Institute cu Enitharmon Press, Albuquerque, 2001
Jim Dine, Birds , Steidl, Göttingen, 2002
Jim Dine, Fotografiile, până acum , Steidl, Göttingen, 2004
Jim Dine, This Goofy Life of Constant Dourning , Steidl, Göttingen, 2004
Jim Dine, Desenele lui Jim Dine , Galeria Națională de Artă / Steidl, Göttingen, 2004
Jim Dine, Some Drawings , Allen Memorial Art Museum, Oberlin College / Steidl, Göttingen, 2005
Jim Dine, Entrada Drive , Steidl, Göttingen, 2005
Jim Dine, Oceans , Tandem Press, Madison, WI, 2005
Diana Michener și Jim Dine, 3 poezii , Steidl, Göttingen, 2006
Jim Dine, Pinocchio , Steidl, Göttingen, 2006
Jim Dine, L'Odyssée de Jim Dine , Steidl, Göttingen, 2007
Jim Dine, Aldo et moi. Estampes gravées et imprimées avec Aldo Crommelynck , Bibliothèque nationale de France / Steidl, Göttingen, 2007
Jim, Dine, Printuri selectate 1996–2006 , Steidl, Göttingen, 2007
Jim Dine, Așa îmi amintesc, acum. Portrete , Die Photographische Sammlung / SK Stiftung Kultur / Steidl, Göttingen, 2008
Jim Dine, Poet Singing (The Flowering Sheets) , Steidl, Göttingen, 2008
Jim Dine, Boy in the World (A Memoir) , Steidl, Göttingen, 2009
Jim, Dine, Old me, acum. Desene de autoportret 2008–2009 , Steidl, Göttingen, 2009
Jim Dine, Jim Dine Reading (plus o melodie) , Steidl, Göttingen, 2009
Jim Dine, Hot Dream (52 de cărți) , Steidl, Göttingen, 2009
Jim Dine, Paris Reconnaissance , Steidl, Göttingen și Centre Pompidou, Paris, 2010
Jim Dine, Hearts from New Delhi , Göttingen and New York, Galeria Alan Cristea, Londra, 2010
Jim Dine, Night Fields, Day Fields - Sculpture, Steidl, Göttingen, 2010
Jim Dine, The Glyptotek Drawings , The Morgan Library & Museum / Steidl, Göttingen, 2011
Jim Dine, Hello Yellow Glove. Desene noi , Steidl, Göttingen, 2012
Jim Dine, Donkey in the Sea before Us , Steidl, Göttingen, 2013
Jim Dine, A Printmaker's Document , Steidl, Göttingen, 2013
Jim Dine, My Tools , Steidl / SK Stiftung Kultur, Göttingen, 2014
Jim Dine, A History of Communism , Steidl / Galeria Alan Cristea, Göttingen, 2014
Jim Dine, Despre dragostea de a imprima , ediția Folkwang / Steidl, Göttingen, 2015
Jim Dine, Poems To Work On: The Collected Poems of Jim Dine , Cuneiform Press, Universitatea din Houston-Victoria, Victoria, TX, 2015
Jim Dine, Instrumente , Steidl, Göttingen, 2017
Jim Dine, La Coupole et autres poèmes , trans. Vincent Broqua, Olivier Brossard, Abigail Lang și Béatrice Trotignon, Joca Seria, Nantes, 2017
Jim Dine, Nantes , trad. Vincent Broqua, Nantes, Joca Seria, 2017
Jim Dine, 3 pisici și un câine (Autoportret) , Steidl, Göttingen, 2019
Jim Dine, Scrisoarea mea către trupe , Steidl, Göttingen, 2019
Jim Dine, Jewish Fate , Steidl, Göttingen, 2019
Jim Dine, A Song at Twilight , Cuneiform Press, Victoria, TX, 2020
Jim Dine, The Secret Drawings , Steidl, Göttingen, 2020
Jim Dine, franceză, engleză, A Day Longer, Joca Seria, Nantes și Steidl, Göttingen, 2020
Jim Dine, tipăresc. Catalog Raisonné of Prints, 2001–2020, Steidl, Göttingen, 2020
Jim Dine, O zi frumoasă. Seventeen Poems, Steidl, Göttingen, 2020
Jim Dine, Electrolyte in Blue, Steidl, Göttingen, 2020
Jim Dine, Interes viral, Steidl, Steidl, Göttingen, 2020

Lecturi de poezie selectate

- cu Ted Berrigan, Arts Lab, Soho, Londra, 1969
- Proiect de poezie, cu Ted Berrigan, Biserica Sf. Mark, New York, 1970
- Seria Segue, cu Diana Michener și Vincent Katz, Bowery Poetry Club, New York, 2005
- Seria de lectură tangentă cu Diana Michener și Vincent Katz, Portland, 2008
- Lectură la Bastille cu Marc Marder și Daniel Humair, Paris, 2010
- Lectură la Bastille cu Marc Marder, Galerie Eof, Paris, 2014
- Proiect de poezie, cu Dorothea Lasky, Biserica Sf. Mark, New York, 2015
- cu Karen Weiser, Fundația Dia Art, New York, 2016
- cu Vincent Broqua, Universitatea din Sussex, Brighton, 2017
- Hauser & Wirth, New York, 2018
- Casa cuvintelor (în curs)
- Arhiva Günter Grass, Göttingen, 2015
- cu Marc Marder, Galerie Eof, Paris, 2015
- cu Marc Marder, Poetry Foundation, Chicago, 2016
- Ecrivains en bord de mer, La Baule, 2017
- cu Daniele Roccato și Fabrizio Ottaviucci, Chiesa dei Santi Luca și Martina, Roma, 2017
- In Vivo , cu Daniele Roccato și Fabrizio Ottaviucci, Centrul Georges Pompidou, Paris, 2018

Languages

In other projects