Agharta (album) - Agharta (album)

Agharta
Album live de Miles Davis
Eliberată	August 1975
Înregistrate	1 februarie 1975
Locul de desfășurare	Festival Festival ( Osaka )
Gen	Jazz-rock funk rock avangardist înconjurător
Lungime	97 : 34
Eticheta	CBS / Sony
Producător	Teo Macero
Cronologia lui Miles Davis
Get Up with It (1974) Agharta (1975) Pangea (1976)
Capac alternativ
Ediția nord-americană din 1976

Agharta este un album dublu live din 1975 al trompetistului, compozitorului și liderului trupeiamericane de jazz Miles Davis . Până când a înregistrat albumul, Davis avea 48 de ani și îi înstrăinase pe mulți din comunitatea jazz, în timp ce atrăgeapublicul rock mai tânărcumuzica sa de fuziune electrică radicală. După ce a experimentat diferite grupuri, a înființat o trupă live stabilă în 1973 și a făcut turnee constant în următorii doi ani, în ciuda durerii fizice cauzate de agravarea sănătății și a instabilității emoționale provocate de abuzul de substanțe. În timpul unui turneu de trei săptămâni în Japonia, în 1975, trompetistul a susținut două concerte la Sala Festivalului din Osakape 1 februarie; spectacolul de după-amiază a produs Agharta, iar spectacolul de seară a fost lansat ca Pangea în anul următor.

Davis a condus un septet la concert; saxofonistului Sonny Fortune , basistului Michael Henderson și chitaristului Pete Cosey li s-a oferit spațiu pentru a improviza pe un fundal dens de riff-uri , efecte electronice, ritmuri încrucișate și groove funk din secțiunea ritmică - bateristul Al Foster , chitaristul Reggie Lucas și percuționistul James Mtume . Davis le-a controlat direcția ritmică și muzicală cu gesturi de mână și de cap, fraze jucate pe trompeta sa procesată wah-wah și drone de la un organ electronic însoțitor . Natura evoluției spectacolului a condus la neînțelegerea pe scară largă a faptului că nu avea nici o bază compozițională, în timp ce calitățile sale muzicale întunecate, supărate și sumbre erau văzute ca o reflectare a stării emoționale și spirituale a șefului de bandă la acea vreme.

Agharta a fost lansat pentru prima dată în Japonia de CBS / Sony în august 1975, chiar înainte ca Davis să se retragă temporar din cauza sănătății și epuizării din ce în ce mai slabe. La sugestia casei de discuri, a fost intitulat după legendarul oraș subteran . Davis l-a înrolat pe artistul japonez Tadanori Yokoo pentru a-și proiecta lucrările de artă, care înfățișau peisajul urban al unei civilizații avansate cu elemente inspirate din miturile subterane din est și afrofuturism . O copertă alternativă a fost produsă pentru lansarea din 1976 în America de Nord de către Columbia Records .

Un disc extrem de divizibil, Agharta a provocat și mai mult publicul de jazz al lui Davis și a fost larg criticat de criticii contemporani; recenzorii au găsit muzica discordantă și s-au plâns de sunetele puternice ale chitarei lui Cosey și de trompeta rară a lui Davis. Acesta a fost reevaluat pozitiv în anii următori, cu toate acestea, în timp ce o generație de muzicieni tineri a fost influențat de muzica abrazivă a trupei si de joc cathartic, în special a lui Cosey efecte -laden improvizații libere . De atunci, Agharta a fost privit ca un disc important de jazz-rock, o performanță dramatică din grup, și punctul culminant al perioadei electrice a lui Davis, care a cuprins sfârșitul anilor 1960 și mijlocul anilor 1970.

fundal

Miles Davis în 1971

La începutul anilor 1970, Miles Davis a continuat să exploreze direcții radical diferite de muzica jazz care l-a făcut renumit în anii 1950 și 1960. Muzica din această perioadă electrică din cariera sa l-a găsit experimentând cu rock , funk , ritmuri africane , tehnologie de muzică electronică emergentă și o gamă în continuă schimbare de muzicieni care cântau la instrumente electrice. Trompetistul a atras publicul mai tânăr pe măsură ce muzica sa de fuziune a devenit mai radicală și abstractă, în timp ce înstrăina ascultătorii, muzicienii și criticii mai în vârstă din scena jazzului care l-au acuzat de vânzare . După ce și-a înregistrat albumul On the Corner din 1972 , Davis a început să se concentreze mai mult pe spectacole live, lucrând în studio doar sporadic și întâmplător; lansările din 1974 Big Fun și Get Up with It au compilat înregistrările pe care le-a făcut între 1969 și 1974.

În 1973, Davis a stabilit cea mai mare parte a grupului său, un septet cu bassistul Michael Henderson , chitaristii Pete Cosey și Reggie Lucas , bateristul Al Foster , percuționistul James Mtume și saxofonistul Dave Liebman ; Liebman a părăsit grupul în anul următor și a fost înlocuit de Sonny Fortune . Lucas, Foster și Mtume au funcționat ca secțiunea ritmică a formației , în timp ce Cosey, Henderson și Fortune au primit spațiu pentru a improviza ca soliști. Concertele lor - jucate frecvent în locuri și festivaluri rock - au devenit oportunități pentru Davis și colegii săi de a testa noi idei muzicale și modalități de exploatare a echipamentelor electronice.

Davis a călătorit neîncetat timp de doi ani, tolerând dureri fizice intense și dificultăți la mers, cauzate de dureri articulare cauzate de anemie cu celule secera , glezne grav deteriorate după o epavă a mașinii din 1972 și osteoporoză la nivelul șoldului stâng, care fusese operat cu un deceniu mai devreme. De asemenea, dezvoltase noduli pe laringe, care îl lăsau adesea lipsit de respirație, mai ales când cânta la trompetă. Pentru a amorți durerea, el a devenit din ce în ce mai dependent de auto-medicarea cu analgezice, cocaină și morfină, care combinate cu consumul său de alcool și droguri recreative au dus la schimbări ale dispoziției; se va simți la rândul său vulnerabil și ostil. Până la sfârșitul anului 1974, o prezentare dezamăgitoare din sondajul cititorilor revistei DownBeat a întărit-o pe Davis că reputația sa a scăzut. Nemulțumit de detractori și de necazurile personale, și-a păstrat intens programul de turneu. După cum a povestit Henderson:

Era ca generalul care se uita la fort și aveau un șanț și urma să intrăm în acel fort. Aceasta a fost atitudinea trupei. Nu ne-am dat de cap ce au spus criticii. Oamenilor le va plăcea ceea ce le place, dar dacă nu vă place, respectați-l. Respectă faptul că am dreptul să fac ceea ce fac. Pentru că, cu sau fără tine, o vom face oricum.

Turul Japoniei

Festival Festival (centru stânga) din Osaka , unde a fost înregistrat Agharta

În 1975, Davis, în vârstă de 48 de ani, a început un turneu de trei săptămâni în Japonia. În perioada 22 ianuarie - 8 februarie, el a cântat 14 concerte în locuri mari, cu capacitate mare și recenzii entuziaste. Critic japonez Keizo Takada a spus în momentul în care Davis conduce trupa sa „magnific și energic“ , la fel ca și Duke Ellington a avut orchestra sa: „Miles trebuie să fie . Geniul de gestionare a oamenilor și a scoate în evidență talentul lor ascunse“

Pe tot parcursul turului, Davis a fost bolnav de pneumonie și de un ulcer sângerând care s-a agravat, în timp ce șoldul său a scăpat ocazional și imprevizibil din priză. Incapabil să lucreze volumul trompetei și pedalele de efecte din cauza durerii din picioare, el cobora în genunchi pentru a le apăsa cu mâna în timpul spectacolelor. Pentru a-și ameliora durerea și a efectua, a folosit codeină și morfină, a fumat și a băut cantități mari de bere Heineken . De mai multe ori, Davis a reușit să cânte două concerte într-o singură zi, așa cum a făcut-o și pe 1 februarie la Festival Festival din Osaka .

Spectacolele Festival Festival au fost înregistrate de casa de discuri japoneză CBS / Sony sub supravegherea lui Teo Macero , producătorul de 15 ani al lui Davis. „Japonezii erau foarte frumoși”, își amintea Henderson din concerte. „Au venit cu costumul și cravatele și am început să aruncăm acoperișul fraierelor cu un milion de amplificatoare”.

Compoziție și performanță

Stabiliți lista și filozofia

Pentru primul dintre cele două concertul de după - amiază seturi , trupa a efectuat compozițiile „Tatu“, „Agartha Prelude“, și „Maiysha“ ( de la Get cu ea ), constituind Agartha " primul disc e de muzică. Spectacolele din al doilea set ale „Right Off” (din albumul lui Davis din 1971, Jack Johnson ), „Ife” (din Big Fun ) și „Wili (= Pentru Dave)” se întindeau pe al doilea disc; între segmentele „Right Off” și „Ife”, trupa a improvizat un pasaj bazat pe „ So What ” (din albumul din 1959 Kind of Blue ) timp de 41 de secunde după ce Henderson a început să cânte la ostinato . Piesele au fost interpretate în medley-uri , cărora li s-au oferit titluri de piese generice pe Agharta , precum „Prelude” și „Interlude”. La fel ca și în cazul celorlalte lansări ale sale din anii 1970, Davis a refuzat să aibă compoziții individuale specificate în lista pieselor, deoarece simțea că criticii și ceilalți ascultători au trecut cu vederea semnificația intrinsecă a muzicii, răsfățându-se în analiza muzicală abstractă . „Nu fac nimic, nu are nevoie de explicații”, i-a spus mai târziu lui Leonard Feather . Savanții muzicii au reușit să identifice piesele printr-o examinare a ceea ce cercetătorul Davis, Enrico Merlin, a numit „ fraze codate ”, pe care Davis a cântat-o ​​pe trompetă sau orgă pentru a semnifica sfârșitul unui segment și a direcționa formația către secțiunea următoare. El a folosit mai întâi astfel de indicii și modulații atunci când a înregistrat „ Flamenco Sketches ” în 1959, a spus Merlin.

Piesele prezentate pe Agharta au făcut parte dintr-o listă de seturi tipică pentru grup, dar spectacolele lor pentru fiecare dintre ele s-au schimbat uneori aproape dincolo de recunoaștere de la concert la concert. Acest lucru, alături de numele pieselor, a dus la neînțelegerea pe scară largă că muzica era în mare parte sau în întregime improvizată și nestructurată. Lucas a explicat că formația a început fiecare spectacol cu ​​o „bază compozițională foarte definită” înainte de a o dezvolta în continuare într-un mod foarte structurat, dar „foarte liber”; segmentul „Right Off”, de exemplu, a fost improvizat din riff - ul E-flat al înregistrării originale . Davis a făcut ca trupa să cânte în jurul unei singure coarde într-o piesă timp de câteva minute, cu variații pe măsură ce fiecare membru a interpretat într-o semnătură de timp diferită ; Foster ar fi jucat în timp comun și Mtume în metru duple compus sau timp septuple , în timp ce chitaristilor ar comp într - un alt tempo - ul cu totul. „Asta e o mulțime de rahat complicat pe care l-am lucrat la acest acord”, a remarcat Davis. Din perspectiva lui Lucas, acest tip de „improvizație structurată” a dus la o interacțiune semnificativă între secțiunea ritmică și a permis trupei să improvizeze „mult mai mult decât doar notele care se cântau în solo; am improvizat întreaga piesă pe măsură ce a mers de-a lungul. "

Michael Henderson (1971), basistul secțiunii ritmice a lui Davis

La fel ca Pangea și Dark Magus - celelalte două albume live care prezintă septetul - Agharta a dezvăluit ceea ce Amiri Baraka a descris drept afinitatea lui Davis pentru minimalism . El a abandonat convențiile melodice și armonice în favoarea riffuri, încrucișate ritmuri , și funk caneluri ca fundal pentru soliști de a improviza pe tot parcursul. Davis a preferat compoziții subevaluate de-a lungul carierei sale, dar la mijlocul anilor 1970 a arătat o îmbrățișare mai profundă a ritmului, inspirată de politica afrocentrică . Când Mtume și Cosey s-au alăturat formației, muzica sa live și-a pierdut cea mai mare parte a „sensibilității europene” și „s-a așezat într-un lucru profund african, un groove afro-american profund”, accentuând ritmul și tobe mai degrabă decât solo-urile individuale, a spus Davis, deși nu a respins complet melodia. "Nu suntem în Africa și nu jucăm doar cântări. Există o teorie în ceea ce facem."

Categorizând Agharta drept un disc de jazz-rock, Simon Reynolds a scris în The Wire că muzica „oferea o intensificare drastică a celor trei aspecte cele mai radicale ale rock-ului: spațiul, timbrul și groove-ul”. În opinia lui Martha Bayles , aceasta se extrage din jazz doar în elementul său de improvizație gratuită și din rock doar în utilizarea electronicii și a „volumului de sângerare a urechilor”. Albumul a prezentat, de asemenea, impulsurile avangardiste ale lui Davis și explorarea sunetelor ambientale . Potrivit lui Greg Tate , septetul a creat „o rețea panetnică de muzică de avangardă”, în timp ce Hernan M. Campbell , de la Sputnikmusic , a spus că a explorat „ambianțele progresive” în special în a doua jumătate a discului; Phil Alexander de la Mojo l-a caracterizat pe Agharta ca fiind „ambiant, dar palpitant, melodic, dar coruscant”, și sugestiv al experimentelor electronice ale lui Karlheinz Stockhausen .

Dinamică și efecte

În timpul concertului, Davis a dirijat aproximativ 50 de opriri sau pauze către trupă, în special secțiunea ritmică, gesticulând cu capul sau mâna. Aceste opriri au servit drept puncte de cotitură dramatice în structura de eliberare a tensiunii spectacolelor, schimbându-le ritmul și permițând trupei să alterneze între pasaje liniștite și puncte culminante intense. De asemenea, el a interceptat spectacolele cu spălări de drone din organul său Yamaha , obținând o „prezență ciudată, aproape perversă” pe care Mikal Gilmore a crezut-o „a definit temperamentul” muzicii. Lucas a spus că Davis a aplicat o senzație pentru dinamica pe care a dezvoltat-o ​​mai devreme în cariera sa cântând jazz, dar cu o gamă mai mare de contraste , inclusiv acorduri atonale , disonante, și propria sa trompetă bebop care cântă pe ritmurile funk ale grupului. „ Texturile extreme și volumul extrem”, a explicat Lucas, „făceau parte din paletă la fel de mult ca acordul contrastant și structurile ritmice. Fiind echipați ca o formație rock completă, uneori am suflat literalmente pereții."

	"Preludiu" Un eșantion de 30 de secunde cu tema „Preludiu”, redat pe Agharta cu riffuri și tonalități mai pronunțate
Probleme la redarea acestui fișier? Consultați ajutorul media .

În timpul segmentelor „Tatu” și „Preludul Agharta”, Davis s-a oprit brusc și a început septetul de mai multe ori să schimbe tempo-urile jucând o figură de organ disonantă, cacofonă, oferindu-i lui Cosey spațiu pentru a genera figuri și efecte excentrice, psihedelice . Tema principală pentru „Tatu” fusese cântată într-un ritm mai lent atunci când Cosey s-a alăturat pentru prima dată formației, dar au jucat-o mai repede pe măsură ce relația lor a crescut, mai ales în momentul turneului japonez. Cosey l-a recunoscut pe Davis că a avut capacitatea de a „transmite gânduri și idei” soliștilor cu jocul său. Potrivit lui John Szwed , tema „Preludiu” a fost jucată aici cu riffuri și tonalități mai pronunțate decât în ​​spectacolele anterioare ale piesei.

Un EMS Synthi A , pe care Pete Cosey l-a folosit ca unitate de efecte

Direcția ritmică a muzicii a fost întreruptă ocazional de efecte percutante și electronice dens stratificate, inclusiv sunete repetate de zgomot și măcinare. Cosey generate aceste sunete prin rularea chitara lui printr - un modulator inel și un EMS Synthi A . Ultimul dispozitiv a fost un sintetizator timpuriu cu butoane și butoane, dar fără tastatură, făcându-l util pentru a produce zgomote abstracte, mai degrabă decât tonuri și melodii exacte. În timp ce servea ca unitate de efecte pentru improvizațiile sale, a fost de asemenea folosit de Cosey pentru a sugera un anumit peisaj sonor în timpul fiecărei reprezentații. „Indiferent dacă ne aflam în spațiu, subacvatic sau un grup de africani jucând - doar diferite sunete”, a explicat el mai târziu.

Pe scena, Cosey a avut , de asemenea , un tabel înființat care deține un mbira , claves , agogo clopote , și alte câteva percuție mână instrumente, pe care a jucat sau a lovit cu un ciocan de lemn pentru a indica o pauză sau de oprire diferite. „Le-aș lovi la fel ca la luptele [de box]!”, Și-a amintit Cosey. Sintetizatorul său a interacționat uneori cu sunetele experimentale pe care Mtume le-a putut genera de la mașina sa de tobe, ca în timpul segmentului „Ife”. Davis i-a dat instrumentul lui Mtume după ce l-a primit de la Yamaha, sponsorul turneului japonez, și i-a spus „vezi ce poți face cu el”. În loc să-l folosească pentru a crea ritmuri, Mtume a prelucrat tamburul prin mai multe pedale diferite și schimbătoare de fază, cum ar fi Mu-Tron Bi-Phase , creând un sunet despre care a spus că este „tapiserie totală”. „Folosesc și o pedală de volum, așa că aduc sunetele înăuntru și în afară”, și-a amintit Mtume. - Dacă nu ți s-ar spune, n-ai avea idee că ai auzit o mașină de ritm.

Soliști

Sonny Fortune (2007), un solist prezentat pe Agharta

Spre deosebire de înregistrările anterioare ale lui Davis, cadențele din Agharta erau interpretate în cea mai mare parte de Fortune și Cosey. Norocul a alternat între saxofoanele soprano și alto și flautul, cântând cu o „substanță și structură”, Gilmore credea că era foarte îndatorat de John Coltrane în perioada sa A Love Supreme (1965). În estimarea solourilor lui Fortune de pe album, Gilmore a spus că saxofonistul „plutește peste formidabilă densitate ritmică, luând pauze lungi și grațioase care se îndreaptă într-o reverie privată”. Fortune a interpretat cel mai lung solo de saxofon alto pe „Right Off”, care a deschis al doilea disc al discului într-un segment „propulsiv”, Gilmore a spus „zboară ca o călătorie cu trenul într-un vis, unde scenele trec pe lângă fereastră într-un vis fascinant și iluziv ".

Cosey a cântat la o chitară electrică Guild S-100 și a folosit cromaticism , disonanță și feedback în improvizațiile sale pe Agharta . El a alternat între mai multe pedale de efecte instalate sub masa sa de instrumente de percuție, inclusiv o casetă fuzzbox pentru distorsionarea sunetelor de chitară și două pedale wah-wah diferite pe care le - a folosit în timpul solo-urilor sau când a redat tonuri mai blânde . Cosey și-a aranjat adesea corzile de chitară în diferite locuri de pe tastatură și nu a jucat niciodată în acorduri standard , folosind cel puțin 36 de sisteme de acordare diferite , fiecare dintre ele modificând stilul și sunetul jocului său. Potrivit lui Tzvi Gluckin de la Premier Guitar , jocul său experimental la chitară avea rădăcini în blues și afișa un sentiment de formulare care era agresiv și „blister”, dar „cumva, de asemenea, restricționat”, în special în controlul său asupra feedback-ului.

Davis l-a înrolat pe Cosey pentru a-i oferi muzicii sunete din blues-ul electric și Jimi Hendrix , a căror utilizare a distorsiunii și a acordului E-flat a fost împărtășită de Cosey. Potrivit lui Charles Shaar Murray , el a evocat solourile ecologice, inspirate de jazz-ul liber al chitaristului, în timp ce Lucas cânta în maniera ritmului mai liric al Hendrix și a cântecelor de blues ; Chitara lui Cosey a fost separată pe canalul stâng , iar cea a lui Lucas în dreapta pe Agharta . Savantul de jazz Stuart Nicholson a scris că Davis și-a folosit chitaristii într-un mod care a realizat „valurile de distorsiune armonică ” pe care Hendrix le explorase în propria sa muzică. În viziunea lui Murray, albumul a invocat influența sa asupra trompetistului mai explicit decât oricare alt disc al său; Nicholson a considerat că este „cea mai apropiată apropiere” de muzica pe care ar fi putut să o înregistreze împreună.

Davis pe trompetă

Davis s-a abătut de la solo-uri succinte și expresive la bocete nesentimentale în timpul concertului, ceea ce a sugerat că încă plânge moartea lui Hendrix din 1970 , a presupus Murray. În acel an, Davis începuse să cânte cu o pedală wah-wah fixată pe trompetă, pentru a imita registrul pe care Hendrix la obținut la chitară. Pedala a creat ceea ce The Penguin Guide to Jazz (2006) a descris ca „creșteri și coborâri într-o linie armonică statică, permițând Miles să construiască variații melismatice uriașe pe o singură notă”. Davis a dezvoltat în cele din urmă ceea ce Philip Freeman a numit „un ton nou, panglici de sunet sclipitoare, care se aud pe Agharta ”, unde solo-urile sale procesate wah-wah sună adesea frenetic și melancolic, ca „fluxuri răsucite de durere crudă”.

	„Interludiu / temă de la Jack Johnson” Un eșantion de 30 de secunde din pasajul final al trompetei lui Davis în segmentul „Wili”, reprezentativ pentru sentimentul melancoliei pe tot parcursul albumului.
Probleme la redarea acestui fișier? Consultați ajutorul media .

Davis a cântat la trâmbiță pe tot parcursul concertului, sunând adesea ascuns de secțiunea ritmică. Prezența sa pe Agharta a reflectat ceea ce Szwed a numit „simțul și forma operei târzii a unui muzician, o muzică fără ego care precede moartea creatorului său”. Pornind de la comentariile lui Theodor W. Adorno despre lucrările târzii ale lui Ludwig van Beethoven , Szwed a spus că „dispariția muzicianului în lucrare este o plecăciune a mortalității. Parcă Miles mărturisea tot ceea ce a fost martorul lui în ultimii treizeci de ani, atât înspăimântători, cât și veseli. " Potrivit lui Richard Cook a , Davis pasaj trompeta finală de la «Wili (= Dave)» segmentul simbolizat un «sentiment de tristețe, chiar epuizare», care colorate multe interpretări ale Agartha " muzica«dark»s.

După ce primul și singurul spectacol al lui Lucas a culminat cu segmentul „Ife”, Davis a introdus „Wili (= Pentru Dave)” cu câteva acorduri de orgă, culminând cu solo-ul final al lui Cosey și cu un pasaj de trompetă al lui Davis, pe care Paul Tingen l-a caracterizat ca fiind plângător și introspectiv. Potrivit acestuia, spectacolele de muzică live s-au dezvoltat de obicei spre atingerea unui punct culminant final, dar concertele lui Davis „adesea s-au dizolvat în entropie”. Pe Agharta , Tingen a observat o „tristețe profundă” atârnând peste muzică, pe măsură ce energia piesei „Wili (= Pentru Dave)” „s-a scurs încet” până la dispariția discului .

Titlu și ambalaj

Agartha " din titlu a lui a fost propus de CBS / Sony ca o referire la orașul utopic subteran . Legenda orașului a fost una dintre mai multe versiuni orientale ale teoriei Hollow Earth , care propunea că o înaltă cultură antică trăia inițial pe suprafața Pământului, dar a fost forțată să fugă mai jos din cauza unei crize politice sau geologice. Mitul a descris orașul ca o sursă divină de putere, susținând că locuitorii săi erau ființe extrem de spirituale, avansate, care ar salva Pământul de materialism și tehnologie distructivă după un eveniment cataclismic. A fost conceput pentru prima dată de gânditorul francez Louis Jacolliot din secolul al XIX-lea ca un ținut condus de un conducător etiopian ; Alexandre Saint-Yves d'Alveydre a descris-o ulterior ca „înecând în străluciri cerești toate distincțiile vizibile ale rasei într-o singură cromatică de lumină și sunet, înlăturată singular din noțiunile obișnuite de perspectivă și acustică”.

Opera de artă a albumului a fost proiectată de artistul japonez Tadanori Yokoo , care a creat serigrafii pe teme din Agharta și miticul regat Shambhala cu un an înainte de concertul Festival Festival; designul său pentru Santana 's Lotus (1974) conținea astfel de teme. La începutul anilor '70, Yokoo își găsise distractivă popularitatea în creștere din Japonia și s-a mutat în Statele Unite, unde a reușit să publice mai multe lucrări. După întoarcerea în Japonia, a primit un telefon de la Davis, care îi văzuse arta și dorea să creeze o copertă pentru Agharta . Înainte de a proiecta coperta, Yokoo a ascultat o bandă preliminară a concertului, a meditat și a reflectat asupra lecturii sale a cărții Raymond W. Bernard din 1969 The Hollow Earth . Bernard scrisese că orașul exista într-o peșteră mare din centrul Pământului, în timp ce Yokoo a spus că el crede că „Agharta ar putea fi acolo jos sub mare ca Atlantida sau chiar ascuns în junglă ca orașul pierdut El Dorado ”. De asemenea, a conceput elemente din alte mituri subterane orientale și afrofuturism în proiectarea sa. Criticii care au văzut în cele din urmă ambalajele albumului au crezut că s-a inspirat în locul drogurilor psihedelice populare la acea vreme.

Designul copertei din spate de Tadanori Yokoo , care a fost inspirat de legendarul oraș Agartha

Coperta din față înfățișa o civilizație avansată cu un peisaj vast de zgârie-nori și flăcări roșii, asemănătoare razelor de soare, care se ridică din peisajul orașului ca reprezentări ale puterii lui Agharta. Yokoo a folosit o combinație de tehnici de colaj, aerograf și pictură așa cum a făcut-o cu lucrările sale anterioare, împreună cu cărți poștale colectate din călătoriile sale la Tahiti și New York; peisajul urban de pe coperta frontală a fost preluat de pe una din cărțile sale poștale. Coperta din spate arăta orașul scufundat în apă, încorporat în recife de corali și planat de un scafandru, pește și un calmar care urca din oraș. Potrivit designerilor grafici Storm Thorgerson și Aubrey Powell , Yokoo a descris grupuri de meduze, recife de corali și pești de culori vii pentru a sugera o asociere între Agharta și Atlantida. Primul plan al ilustrației copertei din spate prezenta o creatură reptiliană. Cercetătorul în studii culturale Dagmar Buchwald a interpretat această imagine ca o aluzie la idei similare despre Lemuria ; acest continent mitologic ar fi existat în timpul preistoriei Pământului și a fost locuit de o civilizație avansată, forțată ulterior sub suprafața Pământului după ce patria sa a fost distrusă de un mare potop .

Un OZN a fost descris pe coperta din spate, care zboară în lumina reflectoarelor peste Agharta, în timp ce ambalajul interior al albumului conține imagini cu ființe supraomene înaripate cunoscute sub numele de supra-oameni Agharta, care păzeau intrările orașului și tunelurile secrete. O inscripție în manșonul portofoliului LP a explicat legătura dintre OZN și supermanii Agharta:

În diferite perioade din istorie, oamenii din Agharta au ieșit la suprafața Pământului pentru a învăța rasa umană cum să trăiască împreună în pace și să ne salveze de războaie, catastrofe și distrugere. Apariția aparentă a mai multor farfurii zburătoare la scurt timp după bombardarea Hiroshima poate reprezenta o singură vizită.

Lansarea lui Agharta în America de Nord a avut diferite lucrări de artă proiectate de John Berg, directorul de artă al etichetei americane Davis, Columbia Records . În notele sale, o inscripție a spus că înregistrarea ar trebui ascultată la cel mai mare volum posibil, iar aranjamentele au fost creditate către Davis. După ce a fost lansat, Macero a primit o plângere de la departamentul de contabilitate al Columbia cu privire la compensarea trompetistului de 2.500 de dolari pe aranjament, argumentând că niciuna dintre muzici nu suna ca și cum ar fi fost aranjată.

Eliberare

Davis producător Teo Macero (1996) preparat Agartha " eliberare inițială s.

În pregătirea înregistrărilor Festival Hall pentru lansare, Macero s-a abținut de la editare și îmbinare cu piese preînregistrate, o abatere de la abordarea sa obișnuită a albumelor din epoca electrică a lui Davis. După cum producătorul a explicat ulterior revistei Musician , „japonezii au vrut în mod specific să las în lucrurile spacy”. Au fost lansate ca două albume duble - Agharta , cu concertul de după-amiază, a fost lansat pentru prima dată în Japonia în august 1975 și mai târziu în America de Nord în 1976; spectacolul de seară a fost emis exclusiv în Japonia ca Pangea în 1976. Deoarece Columbia a dezaprobat înregistrările live ale lui Davis, atât Pangea , cât și Dark Magus au rămas lansări numai în Japonia până în anii 1990, când au fost reeditate pe format CD.

Agharta a fost reeditat de mai multe ori. În ianuarie 1991, Columbia a relansat-o în SUA pe CD, prezentând un remaster Tingen considerat inferior LP-ului original în calitate sunet și mix . "Dacă CD-ul ar fi fost prima mea introducere, s-ar putea să nu-mi fi plăcut niciodată albumul", a spus el. Mai târziu, Sony a remasterizat din nou Agharta ca parte a campaniei lor de reeditare Davis și a seriei Master Sound din Japonia, cu un sunet îmbunătățit folosind Super Bit Mapping . Această ediție japoneză de CD-uri din 1996 a restabilit nouă minute suplimentare de feedback atmosferic, percuție și sunete de sintetizator până la sfârșitul piesei finale.

O altă remasterizare a albumului a fost proiectată de Mark Wilder și Maria Triana la Battery Studios din New York. A fost pus la dispoziție în SUA în 2009, când Agharta a fost unul dintre cele 52 de albume reeditate în mini-LP , ca parte a Miles Davis: The Complete Columbia Album Collection , o cutie comandată de Sony Legacy . Potrivit lui Tingen, această ediție a sunat „ca o pătură de lână care a fost ridicată de pe CD-ul anterior”, clarificând în special Cosey, care sunase dezactivat în mix. Încă l-a găsit oarecum scăzut la bas, pe care l-a atribuit casetelor master originale: „Versiunea LP, de asemenea, nu avea mult bass, dar întotdeauna am presupus că acest lucru se datorează tăierii LP: cu lungimi lungi de album groove-urile poate conține mai puține informații despre bas. "

Recepţie

Concertul din Sala Festivalului în sine fusese primit cu entuziasm de publicul din Osaka. „Habar n-aveam ce vor face ei”, și-a amintit Henderson. „Ne-au făcut o ovație care a durat aproape la fel de mult ca concertul”. Cu toate acestea, muzica s-a tradus slab pe piața comercială, deoarece Agharta nu era potrivită pentru „difuzare FM, dans sau ascultare pasivă”, în cuvintele lui Nicholson. LP -ul numai apariția pe o diagramă de muzică populară a fost în aprilie 1976 American Billboard diagramă , unde a petrecut cinci săptămâni și a ajuns la o poziție de vârf de 168.

De asemenea, Agharta nu a reușit în mare parte cu criticii profesioniști. Potrivit lui Robert Christgau , s-a dovedit cel mai răspândit dintre albumele duble ale lui Davis în anii '70. Dave Segal al lui Stranger susține că a fost unul dintre cele mai divizibile discuri vreodată, provocând atât criticii, cât și publicul principal al artistului, la fel ca albumul Metal Machine Music al lui Lou Reed în 1975.

Gary Giddins (2009), unul dintre mai mulți critici de jazz cărora inițial nu i-a plăcut albumul, deși mai târziu s-a încins

Recenzând pentru The New York Times în aprilie 1976, Robert Palmer a spus că Agharta este afectată de întinderi lungi de „gemuri sloppy, cu o singură coardă”, sunete disjuncte și o calitate banală redată în mod clar de impecabila inginerie japoneză. El s-a plâns că folosirea de către Davis a pedalei wah-wah îi inhibă abilitatea de a sintetiza note și că septetul sună slab „conform standardelor rock”, în special Cosey, a cărui chitară supraamplificată „plânge și bubuie ca un magazin de mașini zgomotoase” și îl retrage pe Lucas în riff-uri de fundal. Andrzej Trzaskowski, recenzorul Forumului Jazz, a scris că Fortune pare să fie singurul muzician de jazz înregistrat, găsindu-și solo-urile adesea impecabile, în timp ce disprețuiește interpretările lui Davis, Lucas și Cosey, ale căror efecte de chitară și sintetizator le-a găsit brutal. În opinia lui Trzaskowski, segmentele individuale nu coerează în ansamblu și sunt îngreunate în continuare de clișeeul „frazeologie rock” al chitaristilor, despre care a spus că nu are inteligență, armonie și gust.

Criticul de jazz Ian Carr a crezut că albumul „suferă de o monotonie a sunetului” pe care a atribuit-o mai ales jocului de chitară eruptiv neîncetat de Lucas și Cosey. Alături de ritmurile intense ale formației, trompeta lui Davis a sunat obosită, abătută și deplasată lui Carr. În general, el a considerat muzica „prea non- occidentală în sensul unui ritm prea mare și a unei structuri insuficiente”. Gary Giddins a scris o recenzie supărătoare despre Agharta în The Village Voice , în care l-a acuzat pe Davis că nu și-a afirmat prezența muzicală pe ceea ce a spus că nu este „doar un disc prost”, ci și „unul trist”. În mintea lui Giddins, trompetistul „nu exploatează bătăile din spate, el cedează, iar cea mai gravă consecință nu este monotonia care rezultă, ceea ce teoretic un solist ar putea transforma în avantajul său”. La câteva zile după publicarea recenziei sale, i s-a trimis un pachet plin de tampoane mari de bumbac, tampoane de curățat cu rezistență industrială și un card pe care scria: „Data viitoare când revizuiți Miles Davis, vă curăță capul”.

Agharta a primit câteva recenzii contemporane pozitive. Nathan Cobb de la The Boston Globe a apreciat favorabil înregistrarea în 1976, numindu-l „un fel de furtună de foc pentru anii ’70” cu o bază ritmică „pozitiv cosmică”. În concluzie, el l-a considerat pe Davis ca „cel care îi conduce pe ceilalți prin apele necunoscute ale jazz rockului electronic”. În DownBeat , Gilmore a spus că formația sună cel mai bine pe segmentele de deschidere a fiecăruia dintre cele două discuri, în care improvizațiile feroce ale lui Cosey „ating o dimensiune emoțională uluitoare” lipsită de pasajele mai lente, despre care a simțit că sunt încă răscumpărate de trompeta elegiacă a lui Davis. El a evaluat albumul cu patru stele, dintre cele cinci posibile. Lester Bangs a considerat Agharta prea dificil de evaluat definitiv, dar totuși mai fascinant decât majoritatea celorlalte muzici lansate la acea vreme. El a scris în Phonograph Record că noua muzică a lui Davis este produsul „capacităților emoționale” ale inimii sale cândva a fost spulberat de „suferințe mari, poate insuportabile”, dar că „sufletul de dincolo de el” nu ar putea fi niciodată distrus și interesant „aproape strălucește în mod unic mai strălucitor în propria sa răceală întunecată și că, ceea ce este tot ce a mai rămas, este doar universul ".

Moștenirea și reevaluarea

Un grup ceh de jazz la AghaRTA Jazz Centrum din Praga în 2008

La momentul celui de-al doilea concert de la Osaka (capturat pe Pangea ), nivelul de energie al trupei scăzuse semnificativ, iar Davis părea deosebit de absent. După cum a povestit Mtume, „s-a îmbolnăvit seara și puteți auzi diferența de energie”. La întoarcerea din Japonia, trompetistul s-a îmbolnăvit din nou și a fost internat timp de trei luni. A mai ținut câteva spectacole și sesiuni de studio cu trupa, dar sănătatea sa s-a înrăutățit; ultimul lor spectacol din 5 septembrie 1975, în Central Park, sa încheiat brusc când Davis a părăsit scena și a început să plângă de durere. S-a retras la scurt timp - citând epuizarea fizică, spirituală și creativă - și a trăit ca un recluz în următorii câțiva ani, deseori luptându-se cu crize de depresie și tratamente medicale suplimentare, înainte de a-și relua cariera de înregistrare în 1980. A abandonat direcția pe care o avea urmărit în anii 1970, jucând în schimb un stil de fuziune mult mai melodic și accesibil publicului, până la moartea sa în 1991. A doua zi după ce a murit, Piața Wenceslas din Praga a văzut deschiderea AghaRTA Jazz Centrum, un mic club de jazz numit după album, găzduind spectacole de noapte și un festival anual jucat de acte locale și internaționale.

Agharta a suferit o reevaluare critică pozitivă, începând din 1980, când Davis s-a întors pe scena jazzului. Dintre albumele care documentează formația sa din 1973–75, mulți critici au considerat că este cel mai bun, retrospectiv. Pentru Giddins, acesta devenise unul dintre albumele sale preferate din perioada electrică a trompetistului, întrucât el îi reevaluează elementele de dramă, tensiunea necruțătoare și ceea ce el considera ca fiind cele mai bune interpretări ale carierei Fortune și Cosey. „Într-adevăr, nu există un moment în care muzica să nu reflecte ministrările vrăjitorului însuși”, a spus el mai târziu.

Recenzii profesionale retrospective

Evaluează scorurile
Sursă	Evaluare
Ghid de muzică pentru jazz
Ghidul recordului lui Christgau	A
DownBeat
Enciclopedia muzicii populare
Hi-Fi News & Record Review	A
MusicHound Jazz	5/5
Ghidul pinguinului de jazz
Ghidul albumului Rolling Stone
Sputnikmusic	4.5 / 5
Tom Hull - pe web	A-

În Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies (1981), Christgau a văzut-o pe Agharta drept cea mai bună muzică a lui Davis de la Jack Johnson . El l-a numit un disc „furios, disociat, funky” construit pe spectacolul virtuosic al septetului, în special pe „spectacolul fără chibrit al cotletelor” al lui Foster și pe performanța lui Fortune, pe care a considerat-o ca fiind cea mai bună suflă de lemn pe un album Davis din acest deceniu. Reflectând la înregistrările concertelor trompetistului din anii 1970 în The Rolling Stone Album Guide (1992), JD Considine a susținut că muzica „alternativ îndrăzneață, poetică, hipnotică și abrazivă” a lui Agharta a suportat cel mai bine trecerea timpului. Biograful lui Davis, Jack Chambers, a crezut că s-a dovedit mult mai bun decât majoritatea celorlalte albume ale sale electrice și că segmentele „Maiysha” și „Jack Johnson”, în special, „au adus în mod magic forțele muzicale asupra cărora mulți credeau că Davis pierduse controlul”.

Deși utilizarea lui wah-wah de către Davis a fost adesea respinsă în trecut ca un experiment eșuat, Richard Cook și Brian Morton au crezut că efectele pedalei l-au ajutat pe Davis să obțină un joc remarcabil de aventuros pe Agharta . Cook a numit-o printre cele mai bune lucrări ale lui Davis și punctul culminant al muzicii pe care începuse să o exploreze la Bitches Brew (1970). Deși posedă un sunet și o anvergură „epică”, Agharta este, de asemenea, „un disc de trupă grozav”, în opinia sa: „Chiar dacă Davis a contribuit doar la detalii spunătoare, el a susținut în continuare performanțe excepționale de la oamenii săi”. În mintea lui Tingen, acesta reprezintă „platoul înalt” al explorărilor electrice ale lui Davis. El a spus că, pentru că Davis a oferit trupei libertate pentru o interacțiune constantă, muzica prezintă o „calitate organică și fluidă”, precum și o varietate mai mare de texturi, ritmuri, timbre și stări de spirit decât Dark Magus . Henry Kaiser a numit-o cea mai bună performanță de ansamblu din epoca electrică a jazzului, iar Steve Holtje, scriind în MusicHound Jazz (1998), l-a acreditat pe Davis cu dirijarea „eroilor” albumului pentru a sculpta „momente de frumusețe zdrobitoare și vehemență sufletească”. În All Music Guide to Jazz (2002), Thom Jurek a considerat că albumul este, fără îndoială, „cel mai mare disc de jazz electric funk-rock din toată lumea ” și a declarat: „Nu există nimic asemănător cu Agharta în canonul muzicii înregistrate”.

Influență

În ciuda faptului că este unul dintre discurile mai puțin cunoscute ale lui Davis, Agharta a aparținut unei perioade din cariera sa care a influențat artiștii din jazzul britanic , new wave și punk rock , inclusiv chitaristii Robert Quine și Tom Verlaine . A inspirat o generație de muzicieni să se concentreze mai degrabă pe cântecul cathartic decât pe instrumente și compoziții precise. Quine a fost deosebit de fascinat de sunetele de chitară electrică ale lui Cosey; Bangs, care a participat la spectacolul lui Quine cu Voidoids în 1977, a susținut că "fură din Agharta ! Și o face să funcționeze !"

Scriitorii au lăudat calitatea și originalitatea interpretării lui Cosey pe album, considerându-l ca un standard pentru stăpânirea și contrastul chitarelor. Criticul de jazz, Bill Milkowski, și-a recunoscut stilul de excursie pentru că „a dat naștere unei școli întregi de chitară„ bolnavă ”și a spus că combinația liniilor de sax acerbe ale lui Fortune în vârful Foster, Henderson și canelurile sincopate ale lui Lucas erau cu 10 ani înaintea lui Steve Coleman și Greg Osby e M-Base experimente. Tingen a găsit solo-urile lui Cosey uimitor de revelatoare și avansate când au fost auzite zeci de ani mai târziu: „Uneori mârâie, se grăbește prin toate colțurile ca un tigru în cușcă, uneori se ridică ca o pasăre, alteori delirant de abstractă, alteori elegant melodică și tandră, conceptul său de chitară electrică este unul dintre cele mai originale care au fost concepute pe instrument. " În opinia lui Christgau, zgomotele pe care le-a produs în a doua jumătate a primei piese „cuprind unele dintre cele mai mari improvizații gratuite auzite vreodată într-un context„ jazz ”-„ rock ”.

Potrivit lui Nicholson, Agharta și alte înregistrări de jazz-rock precum Emergency! (1970) de Tony Williams Lifetime a sugerat că genul progresează către „un nou limbaj muzical ... un gen complet independent, în afară de sunetul și convențiile a tot ceea ce fusese înainte”. Această dezvoltare a scăzut odată cu comercialismul jazzului din anii 1980 , deși Agharta a rămas un disc esențial și influent până în anii 1990, în special pentru artiștii din genul rock experimental . A devenit unul dintre albumele preferate pentru muzicianul englez Richard H. Kirk , care și-a amintit că a jucat-o des în timp ce lucra la mansarda lui Chris Watson în primii ani ai trupei Cabaret Voltaire . „Văd cum acest album i-ar fi supărat pe oameni, dar pentru mine a fost groove grozav cu improvizația și s-ar deschide și va deveni mai minim”, a spus Kirk ulterior pentru The Quietus . Împreună cu On the Corner , a fost, de asemenea, o influență majoră asupra albumului Ill Communication al Beastie Boys din 1994 .

În 1998, compozitorul și liderul trupei David Sanford și-a finalizat disertația despre Agharta ca doctorand în compoziție la Universitatea Princeton . În el, el a susținut că albumul a demonstrat cum jazz-ul a folosit o varietate de influențe externe „pentru a evolua sau a se moderniza”. Într-un interviu câțiva ani mai târziu, Sanford a spus că a fost o lucrare importantă care a ajuns la „marginea jazzului” și un loc în care majoritatea celorlalte muzici nu au fost explorate de atunci.

Urmărirea listei

Informațiile sunt preluate din notele de linie pentru fiecare ediție.

LP vinil 1975

Urmăriți notele

• Toate piesele au fost creditate lui Miles Davis ca compozitor.
• Potrivit lui Paul Tingen , pista unuia din discul unu din ediția Master Sound conține următoarele compoziții interpretate la orele notate: „Tatu” (0:00) și „Agharta Prelude” (22:01); pista unu a discului doi conține „Right Off” (0:00), „So What” (16:42), „Ife” (17:23) și „Wili (= Pentru Dave)” (43:11).
• Potrivit lui Brian Priestley 'discografia lui, anexat la Ian Carr lui Miles Davis: O Biografie (1982), titlurile de cale «Interlude» și «Tema de la Jack Johnson» s- au inversat pe drumul cel bun eticheta discului listare și note de linie pentru toate edițiile din Agharta ; „Tema de la Jack Johnson” trebuia să se refere la partea A, iar „Interlude” la partea B, a înregistrării doi.

Personal

Creditele sunt adaptate din notele de linie ale albumului.

Diagramele

Vezi si

• Anii 1970 în jazz
• Black Beauty: Miles Davis la Fillmore West
• Miles Ahead (film)

Note

Referințe

Bibliografie

Lecturi suplimentare

• Batey, Angus (6 februarie 2015). „Miles Davis Live In 1975: Agharta Versus Pangea” . Quietul .Un eseu comparativ despre Agharta și Pangea .
• Christgau, Robert (14 octombrie 1997). "Anii '70 ai lui Miles Davis: entuziasmul! Teroarea!" . Vocea Satului . Un eseu critic asupra operelor înregistrate din perioada „electrică” a lui Miles Davis.
• Nakayama, Yasuki (2011).マ イ ル ス ・ デ イ ヴ ィ ス 『ア ル タ』 『パ ン ゲ ア』 の 真 実[ Miles Davis: The Truth of Agharta and Pangea ] (în japoneză). Tokyo, Japonia: Kawade Shobo Shinsha. ISBN 978-4309272412.Un profil biografic al lui Miles Davis și examinarea lui Agharta și Pangea .

linkuri externe

• Site oficial
• Agharta la Acclaim Music (lista clasamentelor și ratingurilor)
• Agharta la AllMusic
• Agharta la Discogs (lista lansărilor)