Pluta Medusei -The Raft of the Medusa

Pluta Medusei
Franceză : Le Radeau de la Méduse
Artist	Théodore Géricault
An	1818–19
Mediu	Ulei pe panza
Dimensiuni	490 cm × 716 cm (16 ft 1 in × 23 ft 6 in)
Locație	Luvru , Paris

Pluta Medusei ( franceză : Le Radeau de la Méduse [lə ʁado d(ə) la medyz] ) – intitulat inițial Scène de Naufrage ( Scena naufragiului ) – este o pictură în ulei din 1818–19 apictorului și litografului romantic francez Théodore Géricault (1791–1824). Finalizată când artistul avea 27 de ani, lucrarea a devenit o icoană a romantismului francez. La 491 pe 716 cm (16 ft 1 in by 23 ft 6 in), este o pictură în mărime naturală care descrie un moment din urma epavei fregatei navale franceze Méduse , care a eșuat în largul coastei Mauritania de azi la 2 iulie 1816. La 5 iulie 1816, cel puțin 147 de oameni au fost puși în derivă pe o plută construită în grabă; toți, cu excepția celor 15, au murit în cele 13 zile înainte de salvarea lor, iar cei care au supraviețuit au îndurat foametea și deshidratarea și au practicat canibalismul ( obiceiul mării ). Evenimentul a devenit un scandal internațional, în parte pentru că cauza sa a fost atribuită pe scară largă incompetenței căpitanului francez.

Géricault a ales să înfățișeze acest eveniment pentru a-și lansa cariera cu o lucrare de anvergură necomisionată pe un subiect care a generat deja un mare interes public. Evenimentul l-a fascinat și, înainte de a începe să lucreze la pictura finală, a întreprins cercetări ample și a produs multe schițe pregătitoare. El a intervievat doi dintre supraviețuitori și a construit o machetă detaliată la scară a plutei. A vizitat spitale și morgi unde a putut vedea, de la prima mână, culoarea și textura cărnii morților și morților. După cum anticipase, pictura sa dovedit a fi foarte controversată la prima sa apariție la Salonul de la Paris din 1819 , atrăgând în egală măsură laude și condamnări pasionale. Cu toate acestea, i-a stabilit reputația internațională și astăzi este văzută pe scară largă ca fundamentală în istoria timpurie a mișcării romantice în pictura franceză.

Deși Pluta Medusei păstrează elemente ale tradițiilor picturii de istorie , atât în ​​alegerea subiectului, cât și în prezentarea sa dramatică, ea reprezintă o rupere de la calmul și ordinea școlii neoclasice predominante. Opera lui Géricault a atras o atenție largă încă de la prima prezentare și a fost apoi expusă la Londra. Luvru l - a achiziționat la scurt timp după moartea artistului, la vârsta de 32 de ani. Influența picturii poate fi văzută în lucrările lui Eugène Delacroix , JMW Turner , Gustave Courbet și Édouard Manet .

fundal

Planul plutei Medusei în momentul salvării echipajului său

În iunie 1816, fregata franceză Méduse , căpitanată de Hugues Duroy de Chaumareys , a plecat de la Rochefort , îndreptată spre portul senegalez Saint-Louis . Ea a condus un convoi de alte trei nave: nava de depozitare Loire , brigantul Argus și corveta Écho . Vicontele Hugues Duroy de Chaumereys, un emigrat regalist recent revenit , fusese numit căpitan al fregatei de către noua administrație Bourbon restaurată , în ciuda faptului că abia navigase în 20 de ani. După epavă, indignarea publică a atribuit în mod eronat responsabilitatea numirii sale lui Ludovic al XVIII-lea , deși a lui era o numire navală de rutină făcută în cadrul Ministerului Marinei și cu mult în afara preocupărilor monarhului. Misiunea fregatei a fost să accepte întoarcerea britanică a Senegalului în condițiile acceptării de către Franța a Păcii de la Paris . Guvernatorul francez desemnat al Senegalului, colonelul Julien-Désiré Schmaltz , și soția și fiica sa s-au numărat printre pasageri.

În efortul de a face timp, Méduse a depășit celelalte nave, dar din cauza navigației proaste, a deviat cu 160 de kilometri (100 de mile). Pe 2 iulie, a eșuat pe un banc de nisip în largul coastei Africii de Vest, lângă Mauritania de astăzi . Ciocnirea a fost pusă pe scară largă pe incompetența lui De Chaumereys, un emigrat reîntors, care nu avea experiență și abilități, dar i s-a acordat mandatul ca urmare a unui act de preferință politică. Eforturile de a elibera nava au eșuat, așa că, pe 5 iulie, pasagerii și echipajul speriați au început o încercare de a parcurge cei 100 km (60 de mile) până la coasta africană cu cele șase bărci ale fregatei. Deși Méduse transporta 400 de persoane, inclusiv 160 de membri ai echipajului, în bărci era spațiu pentru doar aproximativ 250. Restul echipamentului navei și jumătate dintr-un contingent de infanteriști marini destinat să garnizozeze Senegalul - cel puțin 146 de bărbați și o femeie - au fost îngrămădiți pe o plută construită în grabă, care s-a scufundat parțial odată ce a fost încărcată. Șaptesprezece membri ai echipajului au optat să rămână la bordul Méduse la pământ . Căpitanul și echipajul de la bordul celorlalte bărci intenționau să remorcheze pluta, dar după doar câteva mile pluta a fost slăbită. Pentru întreținere, echipajul plutei avea doar o pungă de biscuiți de navă (consumat în prima zi), două butoaie de apă (pierdute peste bord în timpul luptei) și șase butoaie de vin.

Potrivit criticului Jonathan Miles, pluta i-a purtat pe supraviețuitori „până la frontierele experienței umane. Înnebuniți, uscați și înfometați, ei și-au măcelărit revoltați, și-au mâncat tovarășii morți și i-au ucis pe cei mai slabi”. După 13 zile, la 17 iulie 1816, pluta a fost salvată de către Argus întâmplător - francezi nu au făcut niciun efort special de căutare pentru plută. Până atunci, doar 15 bărbați erau încă în viață; ceilalţi fuseseră ucişi sau aruncaţi peste bord de tovarăşii lor, muriseră de foame sau se aruncaseră în mare disperaţi. Incidentul a devenit o mare jenă publică pentru monarhia franceză, abia recent restabilită la putere după înfrângerea lui Napoleon în 1815 .

Descriere

Pluta Medusei înfățișează momentul în care, după 13 zile în derivă pe plută, rămașii 15 supraviețuitori văd o navă care se apropie de la distanță. Potrivit unui recenzent britanic timpuriu, lucrarea este stabilită într-un moment în care „se poate spune că ruina plutei este completă”. Pictura este la o scară monumentală de 491 cm × 716 cm (193 in × 282 in), astfel încât majoritatea figurilor redate sunt la dimensiune naturală, iar cele din prim plan aproape de două ori mărime naturală, împinse aproape de planul imaginii și aglomerarea asupra privitorului, care este atras de acțiunea fizică ca participant.

Detaliu din colțul din stânga jos al pânzei care arată două figuri pe moarte

Pluta improvizată se arată la fel de abia aptă de navigație pe măsură ce călărește pe valurile adânci, în timp ce bărbații sunt făcuți ca fiind rupti și în totală disperare. Un bătrân ține cadavrul fiului său la genunchi; altul îi smulge părul de frustrare și înfrângere. Un număr de corpuri împrăștie în prim-plan, așteptând să fie măturate de valurile din jur. Oamenii din mijloc tocmai au văzut o navă de salvare; unul îi arată altuia, iar un membru al echipajului african, Jean Charles, stă pe un butoi gol și își flutură frenetic batista pentru a atrage atenția navei.

Compoziția picturală a picturii este construită pe două structuri piramidale. Perimetrul catargului mare din stânga pânzei formează primul. Gruparea orizontală a figurilor moarte și pe moarte din prim plan formează baza din care ies supraviețuitorii, urcând în sus spre vârful emoțional, unde figura centrală flutură cu disperare către o navă de salvare.

Diagrama care prezintă conturul celor două structuri piramidale care stau la baza lucrării. Poziția navei de salvare Argus este indicată de un punct galben.

Atenția privitorului este mai întâi atrasă spre centrul pânzei, apoi urmărește fluxul direcțional al trupurilor supraviețuitorilor, privite din spate și încordând spre dreapta. Potrivit istoricului de artă Justin Wintle, „un singur ritm diagonal orizontal [ne conduce] de la morți în stânga jos, la cei vii la vârf”. Alte două linii diagonale sunt folosite pentru a spori tensiunea dramatică. Unul urmărește catargul și tachelajul acestuia și conduce privirea privitorului către un val care se apropie care amenință să înghită pluta, în timp ce al doilea, compus din figuri care ajung, duce la silueta îndepărtată a Argusului , nava care în cele din urmă a salvat supraviețuitorii.

Paleta lui Géricault este compusă din tonuri palide ale cărnii și culorile tulburi ale hainelor supraviețuitorilor, marea și norii. În general, pictura este întunecată și se bazează în mare parte pe utilizarea pigmenților sumbri, în cea mai mare parte maro, o paletă despre care Géricault o credea eficientă în a sugera tragedie și durere. Iluminarea lucrării a fost descrisă drept „ caravagescă ”, după artistul italian strâns asociat cu tenebrismul — folosirea contrastului violent între lumină și întuneric. Chiar și tratarea mării de către Géricault este mut, fiind redată în verde închis, mai degrabă decât în ​​albastrul profund care ar fi putut oferi contrastul cu tonurile plutei și figurile sale. Din zona îndepărtată a navei de salvare, strălucește o lumină strălucitoare, oferind iluminare unei scene maro, altfel plictisitoare.

Execuţie

Cercetări și studii pregătitoare

Studiul lui Géricault pentru „Plota Medusei” , stilou și cerneală maro, 17,6 cm × 24,5 cm, Musee des Beaux-Arts , Lille , Franța

Géricault a fost captivat de relatările despre naufragiul din 1816, mult mediatizat, și și-a dat seama că o reprezentare a evenimentului ar putea fi o oportunitate de a-și stabili reputația de pictor. După ce a decis să continue, el a întreprins cercetări ample înainte de a începe pictura. La începutul anului 1818, s-a întâlnit cu doi supraviețuitori: Henri Savigny, chirurg, și Alexandre Corréard , inginer de la École nationale supérieure d'arts et métiers . Descrierile lor emoționale ale experiențelor lor au inspirat în mare măsură tonul picturii finale. Potrivit istoricului de artă Georges-Antoine Borias, "Géricault și-a stabilit studioul vizavi de spitalul Beaujon. Și aici a început o coborâre tristă. În spatele ușilor încuiate, s-a aruncat în munca sa. Nimic nu l-a respins. Era temut și evitat."

Călătoriile anterioare l-au expus pe Géricault victime ale nebuniei și ale ciumei, iar în timp ce cerceta Méduse , efortul său de a fi precis și realist din punct de vedere istoric a dus la o obsesie pentru rigiditatea cadavrelor. Pentru a realiza cea mai autentică redare a tonurilor cărnii morților, el a făcut schițe ale cadavrelor în morga Spitalului Beaujon, a studiat fețele pacienților muribundi din spital, a adus membrele tăiate înapoi în studioul său pentru a le studia degradarea și pentru o perioadă de timp. Cinci săptămâni a atras un cap tăiat, împrumutat de la un azil de nebuni și depozitat pe acoperișul studioului său.

Canibalism pe pluta Medusei , creion, spălat cu cerneală și guașă pe hârtie, 28 cm × 38 cm, Luvru . Acest studiu este mai întunecat decât lucrarea finală, iar pozițiile figurilor diferă semnificativ de cele ale picturii ulterioare.

A lucrat cu Corréard, Savigny și un alt supraviețuitor, tâmplarul Lavillette, pentru a construi un model la scară detaliat al plutei, care a fost reprodus pe pânza finită, arătând chiar golurile dintre unele dintre scânduri. Géricault a pozat modele, a alcătuit un dosar de documentare, a copiat picturi relevante ale altor artiști și a mers la Le Havre pentru a studia marea și cerul. În ciuda faptului că suferea de febră, el a călătorit pe coastă în mai multe rânduri pentru a asista la furtunile izbucnind pe țărm, iar o vizită la artiști din Anglia a oferit o oportunitate suplimentară de a studia elementele în timp ce traversa Canalul Mânecii .

El a desenat și pictat numeroase schițe pregătitoare în timp ce decidea pe care dintre câteva momente alternative ale dezastrului va descrie în lucrarea finală. Concepția picturii s-a dovedit lentă și dificilă pentru Géricault și s-a străduit să aleagă un singur moment eficient din punct de vedere pictural pentru a surprinde cel mai bine drama inerentă a evenimentului.

Printre scenele pe care le-a considerat s-au numărat revolta împotriva ofițerilor din a doua zi pe plută, canibalismul care a avut loc după doar câteva zile și salvarea. Géricault s-a hotărât în ​​cele din urmă asupra momentului, povestit de unul dintre supraviețuitori, când au văzut pentru prima dată, la orizont, nava de salvare Argus care se apropia — vizibilă în dreapta sus a tabloului — pe care au încercat să-l semnaleze. Nava, însă, a trecut. În cuvintele unuia dintre membrii echipajului supraviețuitori: „Din delirul bucuriei, am căzut într-o profundă deznădejde și durere”.

Marinarii din Méduse reținuți de britanici după scufundare. După aceea, au fost returnați în Franța. Litografia de Charles Motte  [ fr ] , după Théodore Géricault.

Pentru un public bine versat în detaliile dezastrului, scena ar fi fost înțeleasă ca cuprinzând consecințele abandonului echipajului, concentrându-se pe momentul în care toată speranța părea pierdută – Argus a reapărut două ore mai târziu și i-a salvat pe cei rămași.

Autorul Rupert Christiansen subliniază că pictura înfățișează mai multe figuri decât erau pe plută în momentul salvării, inclusiv cadavre care nu au fost înregistrate de salvatori. În loc de dimineața însorită și de apa calmă raportate în ziua salvării, Géricault a descris o furtună care se adună și o mare întunecată și agitată pentru a întări întunericul emoțional.

Lucrare finală

Géricault, care tocmai fusese forțat să întrerupă o aventură dureroasă cu mătușa sa, și-a bărbierit capul și, din noiembrie 1818 până în iulie 1819, a trăit o existență monahală disciplinată în atelierul său din Faubourg du Roule, fiind adus mesele de către concierge și doar ocazional. petrecând o seară în oraș. El și asistentul său în vârstă de 18 ani, Louis-Alexis Jamar, au dormit într-o cameră mică adiacentă studioului; din când în când au fost certuri și într-o ocazie Jamar a plecat; după două zile Géricault l-a convins să se întoarcă. În atelierul său ordonat, artistul a lucrat într-o manieră metodică, în liniște deplină și a constatat că până și zgomotul unui șoarece era suficient pentru a-și rupe concentrarea.

Studiul c. 1818–1819, 38 cm × 46 cm, Luvru . Această schiță pregătitoare în ulei realizează aproape pe deplin pozițiile figurilor în lucrarea finală.

A folosit prietenii drept modele, în special pictorul Eugène Delacroix (1798–1863), care a modelat pentru figura din prim plan, cu fața întoarsă în jos și cu un braț întins. Doi dintre supraviețuitorii plutei sunt văzuți în umbră la picioarele catargului; trei dintre figuri au fost pictate din viață — Corréard, Savigny și Lavillette. Jamar a pozat nud pentru tânărul mort prezentat în prim plan pe cale să se strecoare în mare și a fost, de asemenea, modelul pentru alte două figuri.

Mult mai târziu, Delacroix – care avea să devină standardul romantismului francez după moartea lui Géricault – a scris: „Géricault mi-a permis să văd pluta lui Medusa în timp ce încă lucra la ea. Mi-a făcut o impresie atât de grozavă încât, când am Am ieșit din studio, am început să alerg ca un nebun și nu m-am oprit până nu am ajuns în camera mea."

Géricault a pictat cu pensule mici și uleiuri vâscoase, care au lăsat puțin timp pentru reprelucrare și au fost uscate în dimineața următoare. Și-a păstrat culorile una de cealaltă: paleta sa era formată din vermilion , alb, galben napolin , două ocre galbene diferite , două ocre roșii , siena crudă , roșu deschis , siena arsă , lac purpuriu , albastru prusac , negru piersic , negru fildeș , Pământ de Cassel și bitum . Bitumul are un aspect catifelat, strălucitor atunci când este vopsit pentru prima dată, dar se decolorează într-o perioadă de timp până la o melasă neagră, în timp ce se contractă și creează astfel o suprafață șifonată, care nu poate fi renovată. Ca urmare a acestui fapt, detalii în zone mari ale lucrării cu greu pot fi deslușite astăzi.

Principalele 16 culori utilizate pentru pictură

Géricault a desenat o schiță a compoziției pe pânză. Apoi a pozat modele pe rând, completând fiecare figură înainte de a trece la următoarea, spre deosebire de metoda mai obișnuită de a lucra asupra întregii compoziții. Concentrarea în acest fel asupra elementelor individuale a dat lucrării atât o „fizicitate șocantă”, cât și un sentiment de teatralitate deliberată – pe care unii critici îl consideră un efect advers. La peste 30 de ani de la finalizarea lucrării, prietenul său Montfort și-a amintit:

[Metoda lui Géricault] m-a uimit la fel de mult ca industria lui intensă. A pictat direct pe pânza albă, fără schiță grosieră sau orice fel de pregătire, cu excepția contururilor bine trasate, și totuși soliditatea lucrării nu era deloc mai proastă pentru ea. M-a impresionat atenția cu care a examinat modelul înainte de a atinge pensula cu pânza. Părea să procedeze încet, când în realitate a executat foarte rapid, punând o atingere după alta în locul ei, rareori fiind nevoit să-și treacă peste munca de mai multe ori. Era foarte puțină mișcare perceptibilă a corpului sau a brațelor lui. Expresia lui era perfect calmă...

Lucrând cu puțină distragere a atenției, artistul a finalizat pictura în opt luni; proiectul în ansamblu a durat 18 luni.

Influențe

Pluta Medusei îmbină multe influențe de la Vechii Maeștri , de la Judecata de Apoi și plafonul Capelei Sixtine a lui Michelangelo (1475–1564) și Schimbarea la Față a lui Rafael , până la abordarea monumentală a lui Jacques-Louis David (1748–1825) și Antoine -Jean Gros (1771–1835), la evenimentele contemporane. Până în secolul al XVIII-lea, epavele au devenit o trăsătură recunoscută a artei marine , precum și o întâmplare din ce în ce mai comună, pe măsură ce se făceau mai multe călătorii pe mare. Claude Joseph Vernet (1714–1789) a creat multe astfel de imagini, obținând culoare naturalistă prin observație directă – spre deosebire de alți artiști din acea vreme – și se spunea că s-a legat de catargul unei nave pentru a fi martor la o furtună.

Michelangelo . Detaliu al Judecății de Apoi din Capela Sixtină . Géricault a spus: „Michelangelo mi-a dat fiori pe coloana vertebrală, aceste suflete pierdute care se distrug unele pe altele evocă inevitabil măreția tragică a Capelei Sixtine”.

Deși bărbații înfățișați pe plută au petrecut 13 zile în derivă și au suferit foame, boli și canibalism, Géricault aduce un omagiu tradițiilor picturii eroice și își prezintă figurile ca fiind musculoase și sănătoase. Potrivit istoricului de artă Richard Muther , în lucrare există încă o datorie puternică față de clasicism . Faptul că majoritatea figurilor sunt aproape goale, a scris el, a apărut din dorința de a evita costumele „nepicturale”. Muther observă că există „încă ceva academic în cifre, care nu par să fie suficient de slăbite de privațiuni, boală și lupta cu moartea”.

Influența lui Jacques-Louis David poate fi observată în scara picturii, în tensiunea sculpturală a figurilor și în maniera accentuată în care este descris un „moment rodnic” deosebit de semnificativ – prima conștientizare a navei care se apropie. În 1793, David a pictat și un eveniment actual important cu Moartea lui Marat . Pictura sa a avut un impact politic enorm în timpul revoluției din Franța și a servit ca un precedent important pentru decizia lui Géricault de a picta și un eveniment actual. Elevul lui David, Antoine-Jean Gros, reprezentase, la fel ca David, „grandiozitățile unei școli asociate iremediabil cu o cauză pierdută”, dar în unele lucrări majore, el acordase o importanță egală lui Napoleon și figurilor anonime morți sau pe moarte. Géricault a fost deosebit de impresionat de pictura din 1804 Bonaparte vizitând victimele ciumei din Jaffa , de Gros.

Pierre-Paul Prud'hon . Justice and Divine Vengeance Pursuing Crime , 1808, 244 cm × 294 cm, J. Paul Getty Museum , Getty Center , Los Angeles. Întunericul și figura goală întinsă au fost o influență asupra picturii lui Géricault.

Tânărul Géricault a pictat copii ale lucrării lui Pierre-Paul Prud'hon (1758–1823), ale cărui „tablouri atrăgător de tragice” includ capodopera sa, Justiţia şi răzbunarea divină în urmărirea crimei , unde întunericul apăsător şi baza compoziţională a unui om gol, întins. cadavrul a influențat în mod evident pictura lui Géricault.

Figura din prim-plan a bărbatului mai în vârstă poate fi o referire la Ugolino din Infernul lui Dante - un subiect pe care Géricault îl gândise să picteze - și pare să împrumute dintr-o pictură a lui Ugolini de Henry Fuseli (1741–1825) pe care Géricault l-ar fi cunoscut de la printuri. În Dante, Ugolino se face vinovat de canibalism , care a fost unul dintre cele mai senzaționale aspecte ale zilelor pe plută. Géricault pare să facă aluzie la aceasta prin împrumutul de la Fuseli. Un studiu timpuriu pentru Pluta Medusei în acuarelă , aflat acum la Luvru, este mult mai explicit, înfățișând o figură care roade brațul unui cadavru fără cap.

Câteva picturi englezești și americane, inclusiv Moartea maiorului Pierson de John Singleton Copley (1738–1815) - pictate și ele în doi ani de la eveniment - au stabilit un precedent pentru un subiect contemporan. Copley a pictat, de asemenea, câteva reprezentări mari și eroice ale dezastrelor pe mare pe care Géricault le-a cunoscut din imprimeuri: Watson și rechinul (1778), în care un bărbat de culoare este esențial pentru acțiune și care, precum Pluta Medusei , concentrat mai degrabă pe actorii dramei decât pe peisajul marin; Înfrângerea bateriilor plutitoare la Gibraltar, septembrie 1782 (1791), care a avut o influență atât asupra stilului, cât și asupra subiectului lucrării lui Géricault; și Scene of a Shipwreck (1790), care are o compoziție izbitor de similară. Un alt precedent important pentru componenta politică au fost lucrările lui Francisco Goya , în special seria sa Dezastrele războiului din 1810–12 și capodopera sa din 1814 The Third of May 1808 . Goya a realizat și un tablou cu un dezastru pe mare, numit pur și simplu Naufragiu (data necunoscută), dar deși sentimentul este similar, compoziția și stilul nu au nimic în comun cu Pluta Medusei . Este puțin probabil ca Géricault să fi văzut poza.

Expoziție și recepție

Pluta Medusei a fost prezentată pentru prima dată la Salonul de la Paris din 1819 , sub titlul Scène de Naufrage ( Scena naufragiului ), deși subiectul său real ar fi fost inconfundabil pentru spectatorii contemporani. Expoziția a fost sponsorizată de Ludovic al XVIII-lea și a prezentat aproape 1.300 de picturi, 208 sculpturi și numeroase alte gravuri și desene arhitecturale. Pânza lui Géricault a fost vedeta la expoziție: „Lovește și atrage toate privirile” ( Le Journal de Paris ). Ludovic al XVIII-lea l-a vizitat cu trei zile înainte de deschidere și ar fi spus: „ Monsieur, vous venez de faire un naufrage qui n’en est pas un pour vous ”, tradus liber prin „Monsieur Géricault, naufragia dumneavoastră nu este cu siguranță un dezastru”. Criticii erau împărțiți: oroarea și „terribilità” subiectului au exercitat fascinație, dar adepții clasicismului și-au exprimat dezgustul față de ceea ce ei au descris drept „un morman de cadavre”, al cărui realism îl considerau departe de „frumusețea ideală” reprezentată. de Pigmalion și Galatea lui Girodet , care au triumfat în același an. Opera lui Géricault a exprimat un paradox: cum ar putea un subiect hidos să fie tradus într-un tablou puternic, cum ar putea pictorul să împace arta și realitatea? Marie-Philippe Coupin de la Couperie , pictor francez și contemporan cu Géricault, a oferit un răspuns: „Domnul Géricault pare să se înșele. Scopul picturii este să vorbească sufletului și ochilor, nu să respingă”. Pictura a avut și admiratori fervenți, inclusiv scriitorul și criticul de artă francez Auguste Jal , care și-a lăudat tema politică, poziția sa liberală – avansarea negrului și critica ultra-royalismului – și modernitatea sa . Istoricul Jules Michelet a aprobat: „întreaga noastră societate se află la bordul plutei Medusei”.

Pluta Medusei a lui Nicolas Sebastien Maillot, prezentată în Salonul Carré al Luvru , 1831, Luvru , arată pluta lui Géricault agățată alături de lucrări ale lui Poussin , Lorrain , Rembrandt și Caravaggio

Géricault a căutat în mod deliberat să fie confruntativ atât politic, cât și artistic. Criticii au răspuns la abordarea sa agresivă într-un fel, iar reacțiile lor au fost fie de repulsie, fie de laudă, în funcție de faptul dacă simpatiile scriitorului au favorizat punctul de vedere Bourbon sau liberal. Pictura a fost văzută ca fiind în mare parte simpatică pentru oamenii de pe plută și, prin urmare, prin extensie față de cauza anti-imperială adoptată de supraviețuitorii Savigny și Corréard . Decizia de a plasa un bărbat de culoare în vârful compoziției a fost o expresie controversată a simpatiilor aboliționiste ale lui Géricault. Criticul de artă Christine Riding a speculat că expoziția ulterioară a picturii din Londra a fost planificată să coincidă cu agitația anti-sclavie de acolo . Potrivit criticului de artă și curatorului Karen Wilkin , pictura lui Géricault acționează ca un „punct de acuzare cinic al nelegiuirii greșite a oficialității post-napoleonice a Franței, dintre care o mare parte a fost recrutată din familiile supraviețuitoare ale Antichiului Régime ”.

În 1820, Géricault a expus cu succes pictura în Sala Egipteană din Piccadilly , Londra.

Tabloul a impresionat, în general, publicul spectator, deși subiectul său i-a respins pe mulți, negând astfel lui Géricault aclamația populară pe care el sperase să o obțină. La sfârșitul expoziției, pictura a fost distinsă cu o medalie de aur de către juriul, dar nu i-au oferit lucrării un prestigiu mai mare de a o selecta pentru colecția națională a Luvru. În schimb, Géricault a primit o comisie pe tema Inimii Sacre a lui Isus , pe care i-a oferit-o în mod clandestin lui Delacroix, a cărui pictură terminată l-a semnat apoi ca fiind a sa. Géricault s-a retras în mediul rural, unde s-a prăbușit de epuizare, iar munca sa nevândută a fost rulată și depozitată în garsoniera unui prieten.

Géricault a aranjat ca pictura să fie expusă la Londra în 1820, unde a fost expusă la Sala Egipteană a lui William Bullock din Piccadilly , Londra, din 10 iunie până la sfârșitul anului, și a fost văzută de aproximativ 40.000 de vizitatori. Recepția de la Londra a fost mai pozitivă decât cea de la Paris, iar pictura a fost salutată ca reprezentativă a unei noi direcții în arta franceză . A primit mai multe recenzii pozitive decât atunci când a fost prezentată la Salon. În parte, acest lucru s-a datorat modului de expoziție a picturii: la Paris a fost agățat inițial sus în Salonul Carré - o greșeală pe care Géricault a recunoscut-o când a văzut lucrarea instalată - dar la Londra a fost plasat aproape de pământ, subliniindu-i impactul monumental. S-ar putea să fi existat și alte motive pentru popularitatea sa și în Anglia, inclusiv „un grad de auto-felicitare națională”, atractia picturii ca divertisment ciudat și două distracții teatrale bazate în jurul evenimentelor de pe pluta care a coincis cu expoziția. și împrumutat foarte mult din reprezentarea lui Géricault. Din expoziția de la Londra, Géricault a câștigat aproape 20.000 de franci, care era partea lui din taxele percepute vizitatorilor și substanțial mai mult decât ar fi fost plătit dacă guvernul francez ar fi cumpărat lucrarea de la el. După expoziția de la Londra, Bullock a adus tabloul la Dublin la începutul anului 1821, dar expoziția de acolo a avut mult mai puțin succes, în mare parte datorită unei expoziții concurente a unei panorame în mișcare , „Epava Medusei” a firmei fraților Marshall, despre care se spunea că ar fi fost pictat sub conducerea unuia dintre supraviețuitorii dezastrului.

Copie a lucrării lui Pierre-Désiré Guillemet și Étienne-Antoine-Eugène Ronjat, o copie la dimensiune completă, 1859–60, 493 cm × 717 cm, Musée de Picardie, Amiens

Pluta Medusei a fost susținută de curatorul Luvru, contele de Forbin , care a achiziționat-o pentru muzeu de la moștenitorii lui Géricault după moartea acestuia în 1824. Pictura domină acum galeria de acolo. Legenda afișată ne spune că „singurul erou din această poveste emoționantă este umanitatea”.

Între 1826 și 1830, artistul american George Cooke (1793–1849) a realizat o copie a picturii într-o dimensiune mai mică, (130,5 x 196,2 cm; aproximativ 4 ft × 6 ft), care a fost prezentată în Boston, Philadelphia, New York. York și Washington, DC către mulțimile care știau despre controversa din jurul naufragiului. Recenziile au favorizat pictura, care a stimulat și piese de teatru, poezii, spectacole și o carte pentru copii. A fost cumpărat de un fost amiral, Uriah Phillips, care l-a lăsat în 1862 Societății Istorice din New York , unde a fost catalogat greșit ca de Gilbert Stuart și a rămas inaccesibil până când greșeala a fost descoperită în 2006, după o anchetă a Ninei Athanassoglou-Kallmyer. , profesor de istoria artei la Universitatea din Delaware . Departamentul de conservare al universității a întreprins restaurarea lucrării.

Din cauza deteriorării stării originalului lui Géricault, Luvru în 1859–60 a comandat doi artiști francezi, Pierre-Désiré Guillemet și Étienne-Antoine-Eugène Ronjat  [ fr ] , să facă o copie la dimensiunea originală a originalului pentru expoziții împrumutate.

În toamna anului 1939, Medusa a fost împachetată pentru a fi scoasă din Luvru în așteptarea izbucnirii războiului. Un camion de decor de la Comédie-Française a transportat tabloul la Versailles în noaptea de 3 septembrie. Un timp mai târziu, Medusa a fost mutată la Château de Chambord unde a rămas până după sfârșitul celui de-al Doilea Război Mondial.

Interpretare și moștenire

În insistența sa de a portretiza un adevăr neplăcut, Pluta Medusei a fost un reper în mișcarea romantică emergentă în pictura franceză și „a pus bazele unei revoluții estetice” împotriva stilului neoclasic predominant . Structura compozițională a lui Géricault și reprezentarea figurilor sunt clasice, dar turbulența contrastantă a subiectului reprezintă o schimbare semnificativă în direcția artistică și creează o punte importantă între stilurile neoclasic și romantic. Până în 1815, Jacques-Louis David, pe atunci în exil la Bruxelles, era atât principalul susținător al genului de pictură de istorie populară , pe care îl perfecționase, cât și un maestru al stilului neoclasic. În Franța, atât pictura de istorie, cât și stilul neoclasic au continuat prin lucrările lui Antoine-Jean Gros, Jean Auguste Dominique Ingres , François Gérard , Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson , Pierre-Narcisse Guérin — profesor atât la Géricault, cât și la Delacroix — și alți artiști care au rămas dedicați tradițiilor artistice ale lui David și Nicolas Poussin .

În introducerea sa în Jurnalul lui Eugène Delacroix , Hubert Wellington a scris despre opinia lui Delacroix despre starea picturii franceze chiar înainte de Salonul din 1819. Potrivit lui Wellington, „Amestecul curios de perspectivă clasică cu realistă care fusese impusă de disciplină. lui David pierdea acum atât animația, cât și interesul. Maestrul însuși se apropia de sfârșit și exilat în Belgia. Cel mai docil elev al său, Girodet, un clasicist rafinat și cultivat, producea imagini de o frigiditate uluitoare. Gérard, pictor de portrete cu un succes imens. sub Imperiu – unele dintre ele admirabile – s-au încadrat în noua vogă pentru imagini mari ale istoriei, dar fără entuziasm.”

Pluta Medusei conține gesturile și amploarea picturii tradiționale de istorie; cu toate acestea, prezintă oameni obișnuiți, mai degrabă decât eroi, reacționând la drama care se desfășoară. Pluta lui Géricault îi lipsește în mod evident un erou, iar pictura lui nu prezintă nicio cauză în afara supraviețuirii. Lucrarea reprezintă, în cuvintele lui Christine Riding, „eșecul speranței și a suferinței inutile și, în cel mai rău caz, instinctul uman de bază de a supraviețui, care a înlocuit toate considerațiile morale și l-a cufundat pe om civilizat în barbarie”.

Musculatura fără pată a figurii centrale care flutură către nava de salvare amintește de neoclasic, totuși naturalismul luminii și umbrei, autenticitatea disperării arătate de supraviețuitori și caracterul emoțional al compoziției îl diferențiază de austeritatea neoclasică. A fost o altă abatere de la temele religioase sau clasice ale lucrărilor anterioare, deoarece descria evenimente contemporane cu figuri obișnuite și neeroice. Atât alegerea subiectului, cât și maniera accentuată în care este reprezentat momentul dramatic sunt tipice picturii romantice - indicii puternice ale măsurii în care Géricault a trecut de mișcarea neoclasică predominantă.

Hubert Wellington a spus că, în timp ce Delacroix a fost un admirator de-a lungul vieții al lui Gros, entuziasmul dominant al tinereții sale a fost pentru Géricault. Compoziția dramatică a lui Géricault, cu contrastele sale puternice de ton și gesturi neconvenționale, l-a stimulat pe Delacroix să se încreadă în propriile impulsuri creative pe o lucrare de amploare. Delacroix spuse: „Géricault mi-a permis să-i văd Pluta lui Medusa în timp ce încă lucra la ea”. Influența picturii este văzută în Barca lui Dante (1822) a lui Delacroix și reapare ca inspirație în lucrările ulterioare ale lui Delacroix, cum ar fi naufragiul lui Don Juan (1840).

Potrivit lui Wellington, capodopera lui Delacroix din 1830, Libertatea conduce poporul , izvorăște direct din Pluta Medusei a lui Géricault și din masacrul lui Delacroix de la Chios . Wellington a scris că „În timp ce Géricault și-a purtat interesul pentru detaliile reale până la punctul de a căuta mai mulți supraviețuitori din epavă ca modele, Delacroix și-a simțit compoziția mai viu ca întreg, a considerat figurile și mulțimile sale ca tipuri și le-a dominat de către figură simbolică a Libertății Republicane, care este una dintre cele mai bune invenții ale sale din plastic.”

Istoricul de artă Albert Elsen credea că Pluta Medusei și Masacrul lui Delacroix de la Chios au oferit inspirația pentru grandioasa sculptură a lui Auguste Rodin , Porțile Iadului . El a scris că „ Masacrul lui Delacroix de la Chios și Pluta Medusei a lui Géricault l -au confruntat pe Rodin la scară eroică cu victimele nevinovate fără nume ale tragediilor politice... Dacă Rodin a fost inspirat să rivalizeze cu Judecata de Apoi a lui Michelangelo , el avea în față pluta Medusei a lui Géricault. din partea lui pentru încurajare”.

În timp ce Gustave Courbet (1819–1877) ar putea fi descris ca un pictor anti-romantic, lucrările sale majore precum O înmormântare la Ornans (1849–1850) și Atelierul artistului (1855) au o datorie față de Raft of the Medusa . Influența nu se află doar în amploarea enormă a lui Courbet, ci și în disponibilitatea lui de a portretiza oameni obișnuiți și evenimente politice curente și de a înregistra oameni, locuri și evenimente în mediul real, de zi cu zi. Expoziția din 2004 de la Clark Art Institute , Bonjour Monsieur Courbet: The Bruyas Collection de la Musee Fabre, Montpellier , a căutat să compare pictorii realiști din secolul al XIX-lea Courbet , Honoré Daumier (1808–1879) și începutul Édouard Manet (1832–1883 ). ) cu artiști asociați cu romantismul, printre care Géricault și Delacroix. Citând Pluta Medusei ca o influență instrumentală asupra realismului, expoziția a făcut comparații între toți artiștii. Criticul Michael Fried îl vede pe Manet împrumutând direct figura bărbatului care își leagăn fiul pentru compoziția Îngerii la Mormântul lui Hristos .

Influența Plutei Medusei a fost resimțită de artiști dincolo de Franța. Francis Danby , un pictor britanic născut în Irlanda, s-a inspirat probabil din tabloul lui Géricault când a pictat Apus de soare pe mare după o furtună în 1824 și a scris în 1829 că Pluta Medusei a fost „cel mai frumos și mai grandios tablou istoric pe care l-am văzut vreodată. ".

Subiectul tragediei marine a fost abordat de JMW Turner (1775–1851), care, la fel ca mulți artiști englezi, a văzut probabil pictura lui Géricault când a fost expusă la Londra în 1820. A sa dezastru pe mare (c. 1835) a relatat un incident similar. , de data aceasta o catastrofă britanică, cu o navă inundată și figuri pe moarte plasate și ele în prim plan. Plasarea unei persoane de culoare în centrul dramei a fost revăzută de Turner, cu nuanțe aboliționiste similare, în The Slave Ship (1840).

The Gulf Stream (1899), de artistul american Winslow Homer (1836–1910), reproduce compoziția din Pluta Medusei cu un vas avariat, înconjurat de rechini și amenințat de o tromba de apă. La fel ca Géricault, Homer face dintr-un negru figura esențială a scenei, deși aici el este singurul ocupant al navei. O navă în depărtare oglindește Argusul din pictura lui Géricault. Trecerea de la drama romantismului la noul realism este exemplificată de resemnarea stoică a figurii lui Homer. Starea bărbatului, care în lucrările anterioare ar fi putut fi caracterizată de speranță sau neputință, s-a transformat în „furie moale”.

La începutul anilor 1990, sculptorul John Connell , în proiectul său Raft , un proiect de colaborare cu pictorul Eugene Newmann, a recreat Pluta Medusei făcând sculpturi în mărime naturală din lemn, hârtie și gudron și așezându-le pe o plută mare de lemn.

Remarcând contrastul dintre figurile muribunde din prim plan și figurile din mijlocul pământului care flutură către nava de salvare care se apropie, istoricul de artă francez Georges-Antoine Borias a scris că pictura lui Géricault reprezintă, „pe de o parte, dezolarea și moartea. Pe de alta, speranta si viata.”

Pentru Kenneth Clark , Pluta Medusei „rămâne exemplul principal de patos romantic exprimat prin nud; iar acea obsesie a morții, care l-a determinat pe Géricault să frecventeze camere mortuare și locuri de execuție publică, dă adevăr figurilor sale despre morți și muribunzii. Contururile lor pot fi luate din clasici, dar au fost revăzuți cu o dorință de experiență violentă”.

Astăzi, un basorelief din bronz din Pluta Medusei de Antoine Étex împodobește mormântul lui Géricault din cimitirul Père Lachaise din Paris.

• 

  Jacques-Louis David , Moartea lui Socrate 1787, 129,5 cm × 196,2 cm, Metropolitan Museum of Art . David a reprezentat stilul neoclasic , de care Géricault a căutat să se rupă.

• 

  Antoine-Jean Gros , detaliu din Napoleon pe câmpul de luptă de la Eylau , 1807, Luvru. Asemenea lui Gros, Géricault văzuse și simțise entuziasmul violenței și era tulburat de consecințele umane.

• 

  Eugène Delacroix , Barca lui Dante , 1822. Influența plutei Medusei asupra operei tânărului Delacroix a fost imediat evidentă în această pictură, precum și în lucrările ulterioare.

• 

  Eugène Delacroix, Masacrul de la Chios , 1824, 419 cm × 354 cm, Luvru. Acest tablou izvorăște direct din Pluta Medusei a lui Géricault și a fost pictat în 1824, anul în care a murit Géricault.

• 

  JMW Turner , Un dezastru pe mare (cunoscut și sub numele de Epava Amfitritei ), c. 1833–35, 171,5 cm × 220,5 cm, Tate , Londra. Turner a văzut probabil pictura lui Géricault când a fost expusă la Londra în 1820.

• 

  Winslow Homer , The Gulf Stream , 1899, 71,5 cm × 124,8 cm, Metropolitan Museum of Art

Vezi si

• 100 Great Paintings , seria BBC 1980
• Das Floß der Medusa , un oratoriu pe același subiect
• Scandaluri în art

Citate

Referințe generale și citate

linkuri externe

Video extern
Pluta Medusei a lui Géricault , Smarthistory la Khan Academy

• Recordul oficial al picturii pe site-ul Luvru